De esta última canción hablaremos hoy. ‘Too Much Heaven’ llegó al numero uno estadounidense a comienzos de aquel año que cerró la década de los setenta, concretamente en enero, y se apalancó en esa posición durante muchas semanas. También alcanzó el puesto más alto de la escala de éxitos en Canadá, Italia, Noruega, Suecia, España, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Brasil y Argentina, aunque algo más tarde.

Sus ventas fueron estratósfericas en un período en el que reinaba la música disco. Sin embargo, hablamos de una balada, de esas canciones que valen para cualquier época creativa. Romanticismo internacional tan incomparable como incontestable que garantiza la llegada al corazón a través de voces en falsete dotadas de una afinación casi insultante.

La creación de Barry y Maurice Gibb está a la altura de los mejores clásicos del pop. De hecho ya puede ser calificado como tal tras conseguir aunar una poética composición de gran calidad, una refinada producción y una talentosa interpretación de casi cinco minutos de duración a cargo de los hermanos.

Editada por la discográfica RSO de Robert Stigwood, ‘Too Much Heaven’ constituyó asimismo la aportación de The Bee Gees al filantrópico proyecto de ‘Music For Unicef Fund’, destinado a recoger dinero para Unicef mediante un concierto que tuvo lugar en Nueva York el 9 de enero de 1979. Fue retransmitido por televisión a todo el mundo. Algunas fechas más tarde llegó la publicación en un disco titulado ‘Music For Unicef’ de los temas aportados por diferentes artistas de forma altruista. Junto a los hermanos de nuestras antípodas participaron Abba, Rod Stewart, Olivia Newton-John, Andy Gibb o Kool and the Gang, entre otros. Ese año fue declarado Año Internacional del Niño por Naciones Unidas.

La canción recaudó más de siete millones de dólares. El entonces secretario general de la ONU, Kurt Waldheim, agradeció aquella “extraordinaria y generosa iniciativa”. The Bee Gees también fueron invitados a la Casa Blanca, donde les recibió el presidente Jimmy Carter, quien, aunque confesó que no era un fan de la música disco, conocía la calidad de la canción gracias a su hija Amy, gran aficionada a este estilo.

En un principio, la composición iba a formar parte de la banda sonora de la película ‘Moment by Moment’ de John Travolta, con el que coincidieron en ‘Fiebre del sábado noche’, pero finalmente la escasa calidad de la producción cinematográfica hizo que los Gibb y Stigwood cambiaran de opinión. Sin duda, acertaron.

La estructura de la canción es en principio sencilla. Su valor lo aporta la producción de Albhy Galuten y Karl Richardson y en una melodía sublime, ideal para una balada. Con un arranque suave a base de la sección de viento – a cargo de varios miembros de la legendaria banda Chicago, en concreto Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider- y el apoyo del bajo y la batería, se da paso a las voces del trío fraternal. Posteriormente se personan guitarra, teclados y otros instrumentos de cuerda para darle un toque de blues. La banda originaria de Manchester hizó así un guiño al rhythm and blues.

Todo ello tuvo como escenario los estudios Criteria de Miami en 1978. Allí coincidieron con sus respectivos discos del momento The Bee Gees y Chicago, posibilitándose un intercambio que llevó a los australianos a realizar coros en la canción ‘Little Miss Lovin’ del álbum ‘Hot Streets’ de la mítica banda norteamericana.

LETRA

‘Too Much Heaven’, traducida en España como ‘Demasiado cielo’ y en algún país sudamericano como ‘Todo el paraíso’, nos habla de desamor. Especula sobre la dificultad de alcanzar el paraíso a través del amor. Sólo puede lograrse si se encuentra a personas que hagan que ese sentimiento supremo fluya y posibilite que el verano sea eterno, sin lluvia (lágrimas).

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Oh, tú y yo chica
tenemos tanto amor guardado
y fluye a través de ti, y fluye a través de mí
y te amo muchísimo más
y mi amor… puedo ver más allá que todo
lo que somos es para siempre, nunca morirá
amar es una cosa tan maravillosa
oh tú haces de mi mundo un día de verano
eres justo un sueño que se esfuma

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Tú y yo chica
tenemos una carretera hacia el cielo
podemos aislarnos de la noche y del día
y de las lágrimas que teníamos por llorar
Tú eres mi vida
puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
cuando estás conmigo la luz hace
que todos vean nuestro precioso amor

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Amar es tan maravilloso
tú haces de mi mundo un día de verano
eres un sueño que se desvanece

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar
nadie consigue todo el amor
es tan ancho como un río y tan difícil de atravesar

Nadie consigue demasiado paraíso
es mucho más difícil de obtener, estoy esperando en la línea
nadie consigue demasiado amor
está tan alto como una montaña y difícil de escalar

Oh, tú y yo nena tenemos mucho amor guardado
y fluye dentro de ti y fluye dentro de mí
y te amo mucho más que mi vida.

Puedo ver más allá del ‘por siempre’
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa

Oh, haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

Tú y yo Nena tenemos una autopista al cielo
Podemos dar la espalda a la noche y al día
y a las lágrimas que teníamos que llorar, tú eres mi vida

Puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
xuando estás conmigo, la luz arriba
hace que todos vean nuestro precioso amor

Amar es una cosa tan hermosa
haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

VERSIONES

EIFFEL 65, trío electrónico italiano especializado en música eurodance, optó por realizar su propia interpretación de ‘Too Much Heaven’ en 1999.

Un año antes, el ghanés NANA ABROKWA, criado en Alemania, también aportó su visión a la canción de The Bee Gees.

La banda alemana HI-SPIRIT, formada por Matthias Wehrstedt, Normen Schmidt, Thomas Gesell y Willi Grossmann, modernizó en 1996 la composición de los hermanos Gibb.

CLAUDETTE MILLER AND THE EBONY SISTERS incorporaron ritmos reggae al tema en 1979.

Fueron innumerables las versiones orquestales. He aquí la de PAUL MAURIAT, datada también en 1979.

BIOGRAFIA
Son muchos los que dudan si THE BEE GEES son británicos o australianos. Musicalmente pueden ser considerados de ambas nacionalidades, pero lo cierto es que Barry, Robin y Maurice Gibb nacieron en Reino Unido, aunque su familia emigró al estado-continente a finales de los cincuenta, cuando ellos eran unos niños.

Nada más llegar formaron un grupo infantil que desde 1958 actuaba con regularidad en un circuito automovilístico. Allí les descubrió Bill Gates, propietario del óvalo que evidentemente nada tenía nada que ver con el fundador de Microsoft, y los puso en contacto con la discográfica local Festival, en la que grabaron sus primeros discos, en formato single. Obtuvieron un relativo éxito.

Ello les animó a volver a Inglaterra en 1967. De inmediato hicieron llegar a manos de Brian Epstein, mánager de The Beatles, varias maquetas. Este puso a The Bee Gees -por entonces un quinteto tras la incorporación del batería Colin Peterson y el guitarrista Vince Melouney-, en manos de Robert Stigwood y de la discográfica Polydor.

Su primer sencillo en las islas fue la magnífica ‘New York Mining Disaster 1941’, que alcanzó el número doce de las listas. Le siguieron una serie de grandes temas como ‘Massachusetts’, ‘Words’, ‘World’, ‘I Started A Joke’, ‘I’ve got a message to you’, ‘First of may’….

Pero llegaron los problemas. Primero se marchó Melouney. Luego Peterson demandó a los hermanos Gibb por los derechos del nombre y finalmente hasta Robin intento lanzarse en solitario con la exitosa canción ‘Saved by the bell’.

Con la llegada de los setenta los hermanos se reconciliaron y volvieron al hit parade como trío con ‘How Can You Mend A Broken Heart?’, que fue número uno en Estados Unidos, aunque un absoluto fracaso en Gran Bretaña. Fue un espejismo que abrió un período negro en el que probaron con el soul sin conseguir apenas repercusión.

Desde 1975 apostaron por la música disco con ‘Jive talkin’ y se convirtieron en profetas con el apoteosis de la banda sonora de ‘Fiebre Del Sábado Noche’ (1977), que incluía tres números uno como ‘How Deep Is Your Love’, ‘Stayin’ Alive’ y ‘Night Fever’ y que vendió más de treinta millones de copias en todo el mundo.

En el siguiente disco, ‘Spirits Having Flow’, otros tres temas -la analizada ‘Too Much Heaven’, ‘Tragedy’ y ‘Love You Inside Out’- alcanzaron la cima de nuevo. Fue su momento más algido (1977-1979), cuando incluso compusieron para muchas estrellas del momento como Barbra Streisand (‘Woman In Love’).

Pero la música disco decayó en los ochenta y con ellos The Bee Gees, que se dedicaron más a proyectos en solitario. Las sucesiva muertes de Maurice y Robin Gibb acabaron con el trío fraternal. Barry Gibb, ya mayor, se ha dedicado durante los ultimos años a ofrecer conciertos donde la melancolía es el principal ingrediente.

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Fueron los resúmenes de la Vuelta Ciclista de 1981 los que, del 21 de abril al 10 de mayo y a lo largo de los 3.446 kilómetros que unieron Santander y Madrid tras recorrer gran parte de la península, nos descubrieron en España este experimento. Como sintonía, Stars on 45 presentó un resumen de los principales éxitos de The Beatles, enganchados por un ‘vínculo’ obra del productor Jaap Eggermont. El resultado constituyó todo un éxito. Sin duda fue el tema del año en nuestro país.

Lo mismo ocurrió en el resto de Europa y en la mayor parte del mundo, incluido el exigente mercado estadounidense, que premió este innovador concepto musical con el número uno de la todopoderosa revista musical ‘Billboard’ en junio del mismo año. Arrebató la cima del hit parade a ‘Bette Davis eyes’, de Kim Carnes, que ya ha pasado por este blog.

La acogida de Stars on 45 al otro lado del Atlántico fue tal que incluso el Huntington Hartford Theater de Hollywood acogió un show del grupo, editado en vídeo por MCA Home en 1983.

La industria discográfica de Reino Unido asimismo premió el proyecto con los galardones al mejor álbum de música disco, al mejor single y al mejor productor revelación.

Sin solución de continuidad Stars on 45 versionó obras del inigualable cuarteto de Liverpool como ‘No Reply’, ‘I’ll Be Back’, ‘Drive My Car’, ‘Do You Want to Know a Secret’, ‘We Can Work It Out’, ‘I Should Have Known Better’, ‘Nowhere Man’, ‘You’re Going to Lose That Girl’ (hasta aquí la versión single), ‘Ticket to Ride’, ‘The Word’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Every Little Thing’, ‘And Your Bird Can Sing’, ‘Get Back’, ‘Eight Days a Week’, ‘It Won’t Be Long’, ‘Day Tripper’, ‘Wait’, ‘Good Day Sunshine’, ‘My Sweet Lord’, ‘Here Comes the Sun’, ‘While My Guitar Gently Weeps’, ‘Taxman’, ‘A Hard Day’s Night’, ‘Things We Said Today’, ‘If I Fell’, ‘You Can’t Do That’, ‘Please Please Me’, ‘From Me to You’ o ‘I Want to Hold Your Hand’ (ya en el LP y el maxi).

La interpretación a cargo de siete músicos y cantantes de estudio de los Países Bajos, con voces muy similares a las originales, se redondeó gracias a una tecnología digital en su máximo esplendor. La mezcla fue perfecta. Hasta el punto de que gracias a Stars on 45 muchas canciones de The Beatles volvieron a las listas de éxitos musicales de Estados Unidos y Reino Unido. Y hasta la discográfica de los genios de Liverpool realizó su propia mezcla de éxitos en 1982, con el título «The Beatles Movie Medley».

Todo comenzó cuando Willem van Kooten, director gerente de la discográfica Red Bullet Production, descubrió un maxisingle pirata llamado ‘Let’s Do It In the 60’s’, que se constituía en torno a un poutpourri con canciones de The Beatles, The Buggles, The Archies, Madness… Entre ellos estaba el tema ‘Venus’, del grupo local The Shocking Blue, cuyos derechos pertenecían al empresario, aunque no cobraba ningún royalti por él.

Van Kooten contactó con Eggermont, que había tocado la batería en el grupo Golden Earring, para intentar repetir aquel mosaico musical, ya de forma legal y profesional para la discográfica CNR. El secreto era configurar una obra fácil de bailar y de éxito seguro porque incluía temas atemporales que todos conocíamos.

Como curiosidad hay que destacar que el título legal de aquel primer single fue “Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I’ll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You’re Going to Lose That Girl / Stars on 45”. La normativa obligada a citar todas las canciones que se mezclaban y ello hizo que Stars on 45 firmara el vinilo de 45 revoluciones con el título más largo de la historia que alcanzara el número uno mundial.

De cualquier manera, como en este mundo todo parece inventado ya, hay quien encuentra un precedente a este género musical en el cantante francés LAURENT VOULZY, quien un verano de los años sesenta logró rentabilizar un tema que decía “y Bob Dylan cantaba”, para continuar versionando trozos de los principales hits del cantautor norteamericano. Igual fórmula utilizó, más tarde inspirándose en The Beatles. Tituló el invento ‘Rockollection’.

El conjunto CAFÉ CRÈME también mezcló a The Beatles, aunque sin claps y dando un toque personal a los temas. Este producto nació con el título ‘Unlimited Citations (non-stop beatles disco medley)’.

Tras la estela de Stars on 45 surgieron nuevos intentos de rentabilizar una fórmula que se demostró exitosas. Algunos de ellos fueron:

JIVE BUNNY & THE MASTER MIXERS, con ‘Hit Mix’.

THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, con sus Hooked on Classics.

Lo mismo hizo LARRY ELGART Y SU MANHATTAN SWING ORCHESTRA, pero con música swing.

En España Luis Eduardo Aute intentó experimentar asimismo con retales de canciones de rock clásicas. Entre las elegidas estaba ‘Love me tender’ de Elvis Presley, pero la familia del rey del rock se negó a versiones de trozos.

Más suerte tuvo el saxofonista y director de orquesta LUIS COBOS, que supo rentabilizar mezclas de clásicos, zarzuela o corridos mejicanos.

Todos los cantantes de STARS ON 45 procedían de los Países Bajos. Bas Muys imitó a John Lennon, Hans Vermeulen a Paul McCartney y Okkie Huysdens a George Harrison. En el proyecto también participaron Albert West, Arnie Treffers, Jody Pijper, Peter Vermeij y Tony Sherman.

Se dieron a conocer con el medley del mítico cuarteto británico, que les permitió editar sus dos primeros singles y la cara A del álbum de debut ‘Stars on Long Play’.

Después de estos primeros éxitos, bajo la dirección de Jaap Eggermont lanzaron al mercado nuevas ediciones monográficas con temas de Abba ‘Stars on Long Play II’ (número 2 en Reino Unido), de la Motown (número 55 en Estados Unidos), The Rolling Stones, Sam and Dave y James Brown. Ediciones europeas incluyeron “Stars on Frankie” como homenaje a Sinatra.

Una secuela femenina de Stars on 45 fue el grupo The Star Sisters, que cantaba temas de los 40 y se hizo famoso en Europa con el éxito del single ‘Andrews Sisters Medley’y el álbum ‘Stars on 45 Presents The Star Sisters’.

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Sin embargo, el que esto escribe, ejemplo perfecto de contradicción, se convertirá hoy en uno de esos charlatanes al lanzarse a la aventura de intentar escrutar una canción de amor. Mejor dicho, de desamor, la cara oculta de la luna del sentimiento universal que establece su sede en nuestros corazones. Pero lo hará mínimamente, para dejar a los poetas que avancen sobre veredas con las que alcanzan una simbiosis a la que los mortales jamás podremos aspirar.

Es el caso de Lluís Llach y su canción ‘I amb el somriure, la revolta’, un tema erróneamente atribuido al poeta catalán Miquel Martí i Pol cuando realmente es fruto del ingenio del cantautor ampurdanés de Verges, especialista en poner letra y música a la melancolía.

El gerundense nos habla en esta ocasión del amor como una militancia obligatoria, como una terapia contra la tristeza. Teoriza sobre la imposibilidad de alcanzar la alegría sin la consecución del objetivo máximo, en este caso querer y ser querido. Habla, tal vez, de un enriquecimiento vital al que sólo se puede llegar con un intercambio sentimental y defiende que el amor es un paso para descubrir mucho más.

El amor es para él una palanca revolucionaria, una actitud que no sólo debe circunscribirse a la pareja, sino que se debe abrir a la realidad como una experiencia solidaria absoluta, como un autentica revolución que convierte en realidad la utopia. El amor ha nacido como una fuerza transformadora de la realidad social, según recoge el análisis realizado por Luis Torrego Egido en su libro ‘Canción de autor y educación popular’.

Los románticos tendemos a negarlo, pero esta canción puede también ser considerada un híbrido político-amoroso (de hecho se ha convertido en el himno no reconocido del último movimiento independentista catalán), muy en la linea del ampurdanés.

‘I amb el somriure, la revolta’ se conforma como una obra extraordinaria. Sin duda, una de las mejores entre las que han nacido del cerebro de Llach. Dotada de una estilística tan exquisita como apasionada y una carga lírica sin igual, se introduce en la intraducible temática amorosa con la valentía habitual del cantautor catalán.

Para ello no le fue necesario invocar a recursos efectistas ni grandilocuentes. Le bastó con aferrarse a la táctica del rigor poético y a una musicación sobria, sin lugar a la especulación. «Un canto reflexivamente y serenamente lúcido», como ya dijo el crítico Jordi García-Soler allá por 1982, año en que el disco llegó al mercado tras su grabación en los estudios Perpinyá de Barcelona para la discográfica Ariola.

Colaboraron en el nacimiento de esta obra de arte Jordi Camp, al contrabajo; Lluís Ribalta, en la percusión; y Josep María Durán, a la guitarra, mientras que las notas del piano corrieron a cargo del propio Lluís Llach y Manuel Camp. Todo bajo la dirección del ingeniero J. J. Moreno. El fruto de su trabajo fue presentado a finales de aquel año en el Poliorama de la Ciudad Condal.

Además, como ha demostrado el paso de los años, esta creación mejora a medida que madura. Cada audición, como ocurre cuando vemos repetidas veces las grandes películas, nos sugiere algo nuevo. Quizás sea por sus arreglos, tal vez por el propio preciosismo de la música o por el clasicismo que desprende.

Pero no hay duda de que es la LETRA la que produce plusvalía, la que nos introduce en el mundo propio de Llach, salpicado de su intimismo más desolador, de un desamor desgarrador. Aunque siempre dejandola abierta al subjetivismo del oyente, invitado a completar la historia a su gusto o necesidad.

M’agrada el riure dels teus ulls,

on el reflex d’una llum

em sembla un far a la marina

Me gusta el reír de tus ojos,

donde el reflejo de una luz

me parece un faro en la marina

I per la sort d’estar mig foll

jo m’imagino mariner

buscant recer en el teu somriure

Y gracias a mi brizna de locura

me imagino marinero

que busca refugio en tu sonrisa

I així navego pel teu cos

deixant camins en el teu pit

amb la saliva dels meus llavis

Y así navego por tu cuerpo

dejando una estela en tu pecho

con la saliva de mis labios

Per dir-te:

Amb el somriure, la revolta

Així t’espero i t’imagino

i en l’horitzó de la mirada

el gest utòpic que et reclama

Para decirte:

con la sonrisa, la revuelta

así te espero y te imagino

en el horizonte de la mirada

el gesto utópico que te reclama

I em faré au si tu ets el vent

o seré proa de vaixell

si tu ets la dansa de les ones

Y seré ave si eres tú el viento

o seré proa de embarcación

si tú eres la danza de las olas

Que per la sort d’estar mig foll

en la tristor i la soledat

vaig dibuixant la teva forma

Que gracias a mi brizna de locura

en la tristeza y en la soledad

dibujé tu forma

Que vull trobar amb tu el camí dels estels

per llançar els somnis contra el temps.

buscar el coratge perdurant en l’intent

Així t’espero i així em tens

Que quiero encontrar contigo el camino de las estrellas

para lanzar los sueños contra el tiempo

buscar el coraje persistiendo en el intento

Así te espero y así me tienes

I en la bellesa un far per un món més bell,

i en el desig el risc valent.

l’amor un pas per descobrir-me molt més,

així t’espero i així em tens

Y en la belleza un faro para un mundo más bello,

y en el deseo el riesgo valiente

el amor un paso para descubrir mucho más

así te espero y así me tienes

El mayor amor es siempre el que hemos perdido después de haberlo tenido. Aquel que nos ha impregnado con un aroma con el que tendremos que convivir el resto de nuestras vidas, disfrutando del recuerdo y al mismo tiempo penando por una ausencia que siempre ansiamos no sea permanente. Esa tristeza tan dolorosa como placentera que nos genera el recordar ese amor sólo entendible en un propio idioma sentimental.

Ese que sólo se ha compartido con él o ella. Ese amor sin igual que, vuelva o no vuelva, siempre será tuyo. El único, el que nunca podrán borrar otros. Tal vez conseguirán difuminarlo, pero nunca eliminarán el recuerdo de lo que pudo ser y no fue, aunque para ti siempre será, quizá sólo en forma de recuerdo.

Tras tanto divagar con dudoso acierto, quizá la mejor forma de describirlo es recurriendo a los poetas. «Las olas vienen y van con su canto, cuántas noches fueron mudos testigos de aquel amor y de mi triste llanto. Pero hay mujeres que siempre te van a esperar con las miradas tristes y otras sonrientes. Sólo esperan por la tarde o por la noche para poder amar o sobre la arena dejar sus cuerpos ardientes». No son palabras mías, pertenecen a Federico Mendo Sánchez y su ‘Amor de marinero’.

Otra maestra de la lírica, la desaparecida MARI TRINI, lo describe asimismo de forma inigualable. «A ti, hombre marinero, a la deriva loca, sin capitán. De duelo se ha vestido una mujer al ver su marinero no regresar».

LLUÍS LLACH (Verges, 1948) es el cantante catalán con trayectoria musical más larga si exceptuamos a Joan Manuel Serrat. Ambos pertenecieron en los años sesenta del pasado siglo al movimiento Els Setze Jutges, que catalizó el relanzamiento de la ‘nova canço’, pero el ampurdanés siempre se negó a cantar en castellano a pesar de que ello minimizó su campo de acción. Desde entonces sigue haciendo canciones con su guitarra para luego vestirlas de un carácter sinfónico. Ello nunca ha frenado su evolución creativa, con una notable mejoría vocal y dominio de las nuevas tecnologías.

Ya desde sus primeros pasos, quizá por la proximidad de Francia, estuvo abierto a tendencias que no se daban en España. Por ejemplo, fue gran admirador de George Brassens, Jacques Brel o Leo Ferré, a los que consideró sus maestros. Tampoco desdeñó las influencia de Mathalia Jackson o Mikis Theodorakis. De todas esas fuentes ha bebido para generar una obra de extrema sensibilidad y cuidadosa elaboración, rompiendo incluso el abismo que existía entre la música clásica y los cantautores.

Su carrera comenzó en 1967, cuando llegó a Barcelona desde su pueblo natal gerundense y pronto compuso canciones hoy emblemáticas como ‘L’Estaca’, convertida en un himno antifranquista y que le conllevó multas y suspensiones de conciertos. Superada la dictadura, se convirtió en uno de los cantautores más representativos, consagrándose con obras como ‘Viatge a Itaca’ (1975) y ‘Campanades a morts’ (1977), dedicada a los cuatro obreros muertos en Vitoria durante una represión policial.

Con la consolidación de la democracia y pasada la época de la canción política, Llach se introdujo en un tipo de canción más poética –aquí podríamos encuadrar a ‘I amb el somriure, la revolta’– y fue incluso capaz de componer la sinfonía ‘Verges 50’ (1980), una revisión de los paisajes de su infancia a través de la música. Fue una década de trabajos más elaborados.

Al final del pasado siglo transitó hacia el sinfonismo y desde entonces ha mantenido una trayectoria fiel a sus raíces, con el mar Mediterráneo como ecosistema creativo. Jamás ha claudicado a las presiones de las discográficas, aferrándose siempre a una línea de calidad y compromiso.

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Cuatro minutos y nueve segundos deliciosos nos devuelven al mejor pop europeo que pudimos disfrutar en los ochenta. Concretamente con lábel de la música funk-disco holandesa. Al margen del cariño con que degustamos todo lo que nos recuerda a nuestra juventud –casi siempre unida a los momentos más felices de nuestra existencia, aunque todavía hay que confiar que estén por llegar otros que superen la alegría que nos deparó el pasado–, ‘You and me’ es indudablemente una obra que desborda calidad.

Este tema se nos dio a conocer enfundado en el mejor frac de vinilo, pero los que no pudieron vivir la época de su génesis pueden encontrarlo en cualquier recopilación reciente que reúna lo mejor de lo que se ha publicado en nuestro continente para llenar las pistas de baile. De hecho, acabo de comprobar que esta obra compuesta por Ellert Driessen ha sido elegida para formar parte de la selección de las mejores composiciones del pasado siglo.

Es de esas canciones que emocionan, por su música, ya que por aquel entonces mi inglés sólo alcanzaba para traducir su título. Corrían los finales de 1980-principios de 1981 cuando llegó a España. Para entonces había recorrido media Europa tras su grabación un año antes. Su viaje en el tiempo certifica la certeza del buen disco que hicieron. Sus toques funk en la guitarra, su batería atenta al cambio el ritmo y ese gran acierto de contar con dos cantantes que se complementan con armonía.

Todo ello bajo la producción de Martin van Os, quien derramó su genialidad en The Rockaway Organization y las discográficas I-Scream Music, Hilversum Music y Lark Records. Él fue el alma matter de ese sonido que las radios de la época pincharon con incontable cadencia. La melodía de ‘You and me’ invitaba a bailar, lanzándote a la pista. Impedía el sedentarismo.

Aquel final de 1980 y principio de 1981 por poco más de veinte duros (100 pesetas, o sea las dos terceras partes de un euro) te comprabas el single y lo pinchabas en tu equipo, donde daba vueltas constantes hasta que el surco acusaba ya el fricción que provocaba la aguja. Previamente a estos cinco chicos holandeses los descubrimos en el mítico programa ‘Aplauso’, escaparate por aquella época de la vanguardia pop-rock.

Desde ese momento el éxito en España fue imparable, como ocurrió en el resto del Viejo Continente. No obstante, en nuestro país, por una mala visión de la discográfica que distribuyó el disco, se perdió la promoción durante todo el verano de 1980, período del año en que tradicionalmente se incrementaba la venta de discos y se designa la famosa canción del estío.

LETRA

La letra –quizás en ello algo tenga algo que ver el hecho de que no está pensada para ser trascendental– es bastante superficial, pero el fondo invita a debatir sobre algo sempiterno, la relación entre el tú y el yo, los dos personajes irrenunciables del romanticismo, de los amores que, como en este caso, nacen, se desarrollan, mueren y, en pocos casos, resucitan.

Cualquier proyecto integrador entre dos personas gravita sobre un tú y un yo. Porque, como cantara Imanol Larzabal en diferentes composiciones, «¿qué soy yo sin ti? Un simple corazón de madera, un triste reloj parado, sólo miedo y frío». «Amo al mundo gracias a ti, todo lo veo a través de tu luz, el manantial sólo brota de tu caño, sólo leo las estrellas por ti, sólo sé vivir gracias a ti. Si la vida me diese un deseo, desearía conocerte de nuevo. Eres el porqué de mi vida». O mejor aún, en palabras de Cecilia, «Tú y yo fuimos trigo fuimos tierra, tú y yo fuimos luz en las tinieblas, tú y yo fuimos sol de madrugada».

Cariño, ¿no ves que quiero hablar de ello?

Tú y yo encontraremos un trébol de cuatro hojas

Cariño, ¿no puedes ver que quiero hablar de ello?

Tú y yo, encontraremos un trébol de cuatro hojas pronto

Caminando bajo la lluvia, sintiéndome mucho mejor

se me va el dolor tratando de olvidarla

cariño, ¿no ves que somos buenos el uno para el otro?

Cariño tú y yo no podemos jugar a papás y mamás

No puede sentirme libre cada vez que preguntas ¿qué te pasa?

Cariño tú y yo simplemente no podemos estar juntos

Cariño, ¿es que no te das cuenta de que quiero hablar de ello?

Tú y yo encontraremos un trébol de cuatro hojas pronto

Caminando bajo la lluvia, sintiendo que lo extraño

(sabía que me echarías de menos)

Tengo mucho dolor porque no puedo estar con él

(pero tú sí que puedes estar conmigo)

Un día te darás cuenta de que tienes que mostrar tus emociones

dame tu corazón, nos amaremos con devoción

Cariño, ¿no ves que quiero hablar de ello?

tú y yo encontraremos un trébol de cuatro hojas

Ahora te das cuenta de que estábamos hechos el uno para el otro

cariño, ahora veo (ahora ves) que somos almas gemelas

y que tenemos que estar juntos

Cariño tú y yo podemos jugar a papás y mamás

ahora ves que estamos hechos el uno para el otro

juntos de nuevo… Estoy loco por ti

VERSIONES

Extrañamente han sido pocos los grupos o solistas que se fijaron en ‘You and me’ para ofrecernos su punta de vista. En 1990 el grupo alemán SECRET PARADISE, liderado por Milou (Michaela Schulz) realizó una reainterpretación peculiar. Más tecno que disco.

He aquí una interpretación EN DIRECTO que Spargo realizó el pasado verano en Utrecht durante un festival destinado a nostálgicos. Su imagen no es la misma, pero las voces, sí.

También existe un REMIX, más discotequero si cabe, obra de un DJ.

Ha sido precisamente este campo el que más ha recurrido a ‘You and me’. Esta es la aportación, creo que escasa, de INNOCENT AGE.

Y para terminar la indiscriptible NEW ART DISCO REMIX RETRO KALEIDOSCOPE

SPARGO se fundó en Amsterdam en 1975 con la intención de caminar por la senda del Disco & Funky de inspiración norteamericana. El quinteto inicial lo integraron Jeff Nassenstein (bajo y voz), Ruud Mulder (guitarra y voz), Linda Day-Jackson(voz principal y percusión), Ellert Driessen (voz principal yteclados) y Leander Lammertink (batería).

Tras buscar fortuna por circuitos locales durante sus primeros años de andadura, toparon con la fortuna de que la cantante estadounidense Linda Day-Jackson –hija del prestigioso batería de jazz Art Blakey– se incorporara al grupo en 1979. Su voz alta contrastó de inmediato con la del otro vocalista, Jeff Nassenstein. Sus diferentes tonos permitían dar mayor dinamismo a sus canciones a dúo y un sonido que les distinguía. Lo demostraron en ‘You and me’, que les llevó a conocer el éxito, tanto nacional como internacional. Se editó en enero de 1980 y en tres semanas logró el disco de oro en su país. Luego también hizo lo propio en Alemania. Lógicamente, alcanzó el número uno del hit parade, como también ocurrió en Bélgica, Islandia, Perú y la colonia holandesa de Surinam.

A continuación llegaron otros temas como ‘Head up to the sky’ (1980), ‘Sometimes’ (1980), ‘Worry’ (1980), ‘Back in my arms again’, (1980)’, ‘Inside your heart’ (1980), Just for you’ (1981), ‘Hey you! (1981)’, ‘One night affair’ (1981), ‘Hip hap hop’ (1982), ‘So funny’ (1982), ‘Goodbye’ (1982), ‘Do you like me’ (1983). ‘Running from your lovin’, que les permitieron llegar, cabalgado sobre los hombros de la voz femenina, hasta el tercer año de la década.

Fue entonces cuando se marcharon Day Jackson y Leander Lammertink, entrando Doe But, René van Collem y una nueva cantante. La nueva formación debutó con ‘Lady’, pero no funcionó. Su período de esplendor (marzo de 1980 – marzo de 1982) había terminado hacía tiempo. Todo acabó en 1985, tras una corta carrera en la que grabaron cuatro álbumes. Con el boom de la nostalgia de los ochenta regresaron para hacer algunas giras de conciertos, en las que incluso se incorporaron hijos de los fundadores.

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‘Susanna’ llegó a nuestras tiendas de discos en 1984, aunque en los Países Bajos se popularizó ya un año antes. Basados en un sonido reggae pop, los 4:41 minutos de esta obra compuesta por Caroline Bogman, Ferdi Lancee y Mark Foggo, con la producción del francés Pierre Geoffroy Chateau. permitieron a la multinacional CBS recaudar millones.

El tema había nacido en 1983 como ‘Suzanne’, pero se rebautizó como ‘Susanna’ al comprobar el éxito -fue número uno nada más salir al mercado- que había cosechado en su propio país interpretado por la banda VOF de Kunst. Los directivos de la discográfica le vieron un potencial internacional que también llevó al grupo a convertirse en ‘The Art Company’.

Y acertaron porque la ‘Susana’ anglosajonizada vendió más de veintidós millones de discos alrededor del mundo, amparada en una fórmula de interpretación que asemeja un directo que por las mismas fechas ya le valió al grupo austríaco Opus un aldabonazo similar con ‘Live es Life’. Ambos temas han quedado grabados a fuego en la generación contemporánea de su devenir. La fuerza de las intervenciones del falso público lograron incrementar la sonoridad.

La canción, sin lugar a ninguna duda, y nadie podrá negarlo, es muy pegadiza. También el vídeo sobre el que se asentó el tema, aunque el tiempo ha hecho mella en él, sigue siendo divertido por la forma en la que describe una escena de seducción. Todo iba bien con la chica hasta que los amigos de él entraron en escena. Fue rodado en clave de comedia, recordando un episodio que más de uno pudimos vivir durante nuestra adolescencia. Soñamos con la primera parte de la canción, nos despertamos con la segunda.

LETRA

Nos sentamos juntos en el sofá
con la música muy bajita
he esperado tanto tiempo este momento
que es difícil pensar que ya está aquí
la puerta está cerrada, no hay nadie en casa
han salido todos, estamos completamente solos

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura

Pongo el brazo sobre su hombro
paso los dedos por su pelo
es un sueño, no puedo creerlo
ha tardado tanto que justo
entonces el teléfono empieza a sonar
y una voz de un extraño al otro lado de la línea
dice oh, me he equivocado, perdón por malgastar tu tiempo
y pienso, por qué ahora, por qué yo, por qué…

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura
Susanna, Susanna,
Susanna, él te quiere con locura

De nuevo, me siento junto a ella
intento coger su mano con la mía
el momento ha pasado, el sentimiento ha terminado
ella mira a su alrededor para conseguir tiempo
y luego dice que podríamos solo sentarnos y charlar
y pienso, bueno, hasta aquí hemos llegado

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura

Y seguimos sentados en el sofá
con el estéreo a tope
la magia ha desaparecido, es un desastre
no hay manera de empezar de nuevo
ella dice “creo que es mejor que me vaya”
dice adiós y yo digo… ¡No!

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura
Susanna, Susanna,
Susanna, él te quiere con locura
te quiero tanto, con locura

VERSIONES

El veterano cantante italiano ADRIANO CELENTANO durante los últimos años de su carrera, ya con escasa creatividad propia, se ha resignado a interpretar canciones de otros artistas. Ocurrió con ‘Susanna’, el mismo año 1984, si bien tuvo la delicadeza de cambiarle el texto. Lo incluyó en el LP ‘Mis americanos’, dedicado a éxitos del otro lado del Atlántico. Todavía no entiendo la lógica de la relación. De cualquier manera, el éxito que cosechó fue importante.

Fue mayor la repercusión que obtuvo el puertoriqueño RICKY MARTIN ocho años más tarde al interpretar el tema en castellano para su álbum de debut.

También el colombiano Luis Javier Piedrahita Gaviria, conocido artísticamente como FAUSTO, se fijó en ‘Susanna’ para incorporarla a su repertorio en 1986. Su cóver fue bien recibido en su país y en gran parte de Latinoamérica.

El exotismo llegó por la inclusión del tema, interpretado en idioma tamil, en la banda sonora de la película ‘VAALI’, que llegó a la gran pantalla en 1999. De ‘Susanna’ pasó a ‘Oh Sona’. Pura creación de Bollywood.

Además se grabaron versiones en alemán, estilo merengue o bachata, algunas ciertamente peculiares.

GRUPO

THE ART COMPANY nació como VOF de Kunst, un grupo que difícilmente hubiera traspasado las fronteras de Holanda si no hubiera topado con ‘Susanna’. El tema tuvo tal éxito que la discográfica lo lanzó al mercado internacional. VOF de Kunst no era un nombre exportable y por ello llegó el cambio de denominación.

Antes, la banda de Tilburg había tenido un recorrido limitado, aunque con cierta repercusión en las listas nacionales. Sus años fueron 1983 y 1984, cuando su canción franquicia le permitió realizar una gira por Países Bajos, Reino Unido, Alemania, Austria, Suiza, Noruega, Suecia, Portugal, España y Brasil.

Lo volvieron a intentar con ‘Get it out of your head’, pero este nuevo single editado en inglés no tuvo repercusión alguna. Todo quedó ahí y la formación liderada por Nol Havens tuvo que volver a recluirse en el territorio holandés para cantar temas navideños dirigidos a los niños, sólo exportables a la región flamenca de Bélgica, y producir a jóvenes valores locales, generalmente fuera de la escena pop.

Desde entonces, sólo han abandonado su feudo para algunas concentraciones de nostálgicos de los ochenta, tan valoradas en Centroeuropa.

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Gracias a ‘Depende’ mi amiga desconocida recuerda a seres queridos –unos presentes y otros desaparecidos– allá en su Mallorca natal. Sufre, pero al mismo tiempo disfruta con los pensamientos positivos que seguro precedieron a los negativos y que, además, los superaron en intensidad. Esos a los que ella recurrirá cuando quiera retrotraerse a lo que fue y ya no es. O sí lo es, porque la mente siempre inmortaliza las emociones que esculpieron mensajes perennes en nuestros corazones.

El camino fácil para emprender la tarea, quizá también el más periodístico, sería aquel que condujera a centrar este escrito en Pau Donés, líder de la banda autora de ‘Depende’, y su calvario. Sin embargo, poco puedo aportar si penetro en esa senda. Creo, además, que ni mi lectora ni el propio autor lo querrían. Me limitaré a señalar que las enfermedades también dependen de cómo se afrontan. Cambia la forma de ver las cosas y las cosas cambiarán de forma. Aunque parece que actualmente para la opinión pública el segundo apellido de Donés sea cáncer, ello no logra ocultar la grandiosa faceta artística del cantautor aragonés criado en Barcelona.

Decir la palabra ‘depende’ sin acordarse de esta canción es imposible y cualquier referencia a ‘Depende’ debe comenzar con una pregunta: ¿de qué depende? No tenemos la oportunidad de cuestionárselo al propio autor, pero su respuesta no se desviaría mucho de lo elemental. Siempre depende de cómo tú lo mires, del momento, de tu ánimo, de tu estado…

Creo que Donés pretende huir de las verdades absolutas y para ello escribe este himno a la relatividad, a la ambigüedad… y al mismo tiempo rinde culto a la actualidad, el factor que finalmente resulta determinante en cualquier faceta de la vida. Hasta los dogmas resultan cuestionables en una sociedad tan cambiante y tan voluble, siempre bajo del arbitrio del ser humano, por naturaleza inestable, aunque algunos de sus ejemplares traten de disfrazarse con un traje de firmeza que en el fondo no es sino un ropaje endeble.

Contra los absolutismos

‘Depende’ es un canto contra los absolutismos, contra las verdades incuestionables y contra la sordera de quienes imponen sus ideas sin pensar jamás que existen otras distintas y, por supuesto, sin escuchar lo que tienen que decir los demás. En el fondo, hablamos de un mensaje cargado de profundidad y trascendencia, pese a que el título de la canción sugiera cierta banalidad.

La importancia está en el punto de vista y, sobre todo, en la admisión de que existen diferentes enfoques y de cómo todo depende de ellos. Y ninguna palabra mejor que ‘depende’ a la hora de resumir estos axiomas. Es la especialidad de Donés, gran cultivador de las palabras con significado pleno que no precisan de la compañía de otras para componer un mensaje.

Porque él sí que ha aprendido a relativizar. La vida le ha obligado a ello. A mirar al futuro desde una clave positiva. A dibujar una sonrisa en cada faceta de la vida. A aprender de todas las experiencias, hasta de las malas, que ha vivido en demasía. A su cáncer le antecedió el suicidio de su madre cuando él era un adolescente de 16 años. Fue entonces cuando, según confesó en una entrevista, «el sentido de la vida cobró la importancia que en realidad tiene».

‘Depende’ también es todo un tratado de filosofía, la ley de la relatividad de Einstein hecha canción, y resuelve muchos de los interrogantes que los grandes pensadores se han hecho a lo largo de la historia de la humanidad. Todas las preguntas serían baldías si admitiéramos que todo depende de quién y cómo lo mira. Sería el fin de muchas discriminaciones y no habría una única verdad. Sino el entendimiento.

LETRA

Que el blanco sea blanco
y que el negro sea negro,
que uno y uno sean dos
porque exactos son los números… depende

Que aquí estamos de prestao,
que hoy el cielo está nublao,
que uno nace y luego muere,
y este cuento se ha acabao… depende

Depende, de qué depende,
de según como se mire todo depende

Qué bonito es el amor,
más que nunca en primavera,
que mañana sale el sol
porque estamos en agosto… depende

Que con el paso del tiempo
el vino se hace bueno,
que todo lo que sube baja
de abajo a arriba y de arriba a abajo… depende

Que no has conocido a nadie
que te bese como yo,
que no hay otro hombre en tu vida
que de ti se beneficie…….. depende

Que sí quiere decir sí
cada vez que abres la boca,
que te hace muy feliz
que hoy sea el día de tu boda… depende

VÍDEO

La sencillez de la canción se extiende también al videoclip que le dio soporte icónico. Tres cuartas partes de sus cuatro minutos y medio de duración se desarrollan en blanco y negro. El color solo se incorpora a la producción en el tramo final. Blanco y negro, tan opuestos como complementarios, en un intento de trasladar, según consideran algunos, la metáfora de la moneda, cara y cruz.

ANÉCDOTA

Pau Dones, al hablar de ‘Depende’, reveló que recibió una carta antes de un concierto en la que una chica le contaba que despertó del coma cuando escuchaba por primera vez el tema al que hoy dedicamos estas líneas.

La misiva narraba una historia de superación, aunque la autora se mantuvo en el anonimato. «No puso ni su número ni nada, porque no quería que le contactara, solo contármelo», relató el autor.

ÉXITO

Todas sus experiencias personales las volcó Donés en ‘Depende’, un tema redondo que en 1998 nos trasladó cabalgando sobre un ritmo beat de influencia latina tan acelerado como la tranquilidad del mensaje lo permitía. La combinación del dogma y la música desembocaron en una canción emblemática, feliz pero con trasfondo serio. Era muy complicado repetir el éxito de ‘La flaca’, pero Jarabe de Palo lo logró. Ambas canciones sustentaron su consagración artística.

Bajo la producción de Joe Dworniak, ‘Depende’ obtuvo de inmediato el reconocimiento del público, quizás porque era una composición distinta a las que se extendían por el panorama musical español de su época. También la crítica reconoció su verdadero capital artístico y la galardonó con el Premio Ondas al mejor vídeoclip del año, la nominó para los Grammy latinos y la concedió el reconocimiento Carlos Gardel argentino.

Su emulsión de tranquilidad, de calidez, atrajo no sólo a sus seguidores habituales, sino que generó muchos nuevos. El secreto estuvo en ofrecer una canción «directa, sencilla, sin mayores pretensiones. Música de medio tiempo y letras con mensaje, fruto de 31 años de sol y sombra», como el propio Donés confesó.

VERSIONES

La repercusión del tema traspasó las fronteras españolas y alcanzó el mercado ITALIANO con ‘Dipende’, que llegó en 2000.

En 2010 Jarabe de Palo regrabó ‘Depende’ en versión AFRICANA. Con el nuevo título de ‘A glonendo’ el grupo de Dones interpretó la canción en el idioma bambara junto a niños de Mali. El objetivo era recaudar fondos para la ONG Voces, que trabaja en el país africano y que por entonces pretendía construir una nueva escuela en Sangarebougou (Bamako).

Incluso el grupo transalpino MODÀ incorporó la pieza a su repertorio en 2013.

‘Depende’ formó parte de inmediato de la cultura popular y, como tal, se convirtió en un tema muy interpretado en los distintos concursos televisivos cazatalentos de ambos lados del Atlántico. En España fue Jaume Mas el encargado de cantar la composición junto con los propios integrantes de Jarabe de Palo en una emisión de ‘LA VOZ’.

BIOGRAFÍA

Aunque existía una trayectoria anterior con otras denominaciones, JARABE DE PALO comenzó a hacerse con un nombre después del verano de 1996. El éxito fue relativo hasta que, ya en 1997, un spot publicitario que eligió para su sintonía la canción ‘La flaca’ lanzó al estrellato al grupo de Pau Donés (voz y guitarra) –un aragonés residente en Barcelona amante de la música popular–, Toni Saigi (teclados), Alex Tenas (batería), Jordi Mena (guitarra), Mariá Roch (bajo) y Daniel Forcada (percusión).

Inicialmente su estilo recordó al de Juan Perro, alías de Santiago Auserón, antiguo líder de Radio Futura, pero pronto ‘La flaca’ y Jarabe de Palo tuvieron identidad propia. La cadencia y el ritmo de la canción dedicada a una cubana que el autor conoció en la isla del Caribe, con la que el grupo se dio a conocer, se hizo familiar y ya nadie puede olvidarla. Así llegó al número uno a ambos lados del Atlántico y se convirtió en un fenómeno de masas, cosechando numerosos premios. Quizá fue el tema de aquel verano, consiguiendo vender más de cinco millones de copias.

De inmediadto Jarabe de Palo fue reclamado desde todo el territorio español y Latinoamérica. Con un repertorio reducido dieron cientos de actuaciones, siempre sostenidos por ‘La Flaca’, la canción que todos querían oír.

Pero, poco a poco, con claras influencias de Bob Marley, Antonio Machín, los Beatles o The Rolling Stones, fueron llegando otros temas como ‘El lado oscuro’, ‘Desamor’, ‘Grita’, ‘Quiero ser poeta’ o ‘Vuela’, que demostraron que Jarabe de Palo era un corredor de fondo, no un sprinter veraniego, que había llegado para enraizar en la esencia irreverente del pop-rock.

Tras la repercusión de su trabajo de debut, Jarabe de Palo se empeñó en demostrar que no se trataba de una banda de un solo éxito. Con esa idea lanzó ‘Depende’, primero el single y luego el LP, en 1998. Recurrió para su producción a Joe Dworniak, bajo cuyas órdenes durante dos meses grabó los temas en los estudios Moody de Londres.

Fusiones

De nuevo su trabajo surgió de fusionar varios estilos musicales y, de nuevo también, llegaron los galardones y el premio del mercado con un disco de platino al vender más de 400.000 copias. Además de ‘Depende’ el CD contenía grandes productos como ‘Vive y deja vivir’, ‘Realidad o sueño’ o ‘Duerme conmigo’.

A finales de 2000 Jarabe de Palo vuelve a meterse en el estudio para que con el nuevo año llegara a las tiendas ‘De vuelta y vuelta’, más melódico y armónico pero con igual aceptación entre los seguidores de la banda. De esta obra destacan temas como ‘Completo incompleto’, ‘Tiempo’ o ‘De vuelta y vuelta’. La banda estaba en lo más alto de su esplendor. Incluso fue invitada por Luciano Pavarotti a una gala benéfica para obtener fondos para Afganistán.

Luego llegaron los recopilatorios y hasta 2004 la productividad del conjunto de Pau Donés no se plasmó en una nueva obra. ‘Bonito’ surgió con un sonido mas acústico y acompañado de melodías gitanas junto con ritmos de batucada. Fue presentado en Italia antes que en España, sobre todo por la aceptación que trabajos anteriores habían tenido en la península transalpina.

Por su parte, ‘Un metro cuadrado’ arribó en 2005, con letras más elaboradas y ritmos similares a los de sus inicios. Luego sigue una nueva recopilación, ‘Completo incompleto’, y dos años más tarde ‘Adelantando’, que compitió en los Grammy Latinos.

En 2008, ya con propia discográfica, Tronco Records, comenzó a circular por internet la producción ‘Rarezas’ y la banda refunde su nombre en Jarabedepalo para lanzar ‘Orquesta reciclando’ como el primer libro-disco de su carrera, que rápidamente se coloco en los puestos de cabeza de las listas de éxitos.

La nueva década se abrió con ‘¿Y ahora qué hacemos?, cargada de un humor muy poderoso y estridente, un proyecto más rockero en el que participaron invitados como Joaquín Sabina, Alejandro Sanz, Antonio Orozco o Carlos Tarque, de MClan. Fue muy bien recibido por sus seguidores, que llenaron todos los conciertos tanto en la península como en América hasta finales de 2012.

2013 lo dedicó Jarabedepalo a una gira bautizada como ‘Conciertos a piano y voz’, en la que ofrecían al público las canciones de amor más conocidas de su carrera interpretadas junto al pianista Jaime Burgos. Ese año el grupo de Donés se presentó por primera vez ante el público asiático, en Tokio, para terminar con otra gira por Latinoamérica.

Su noveno trabajo, ‘Somos’, arribó en 2014, mientras que el siguiente ejercicio la banda lo dedicó al ‘Tour Americano 2015’. A finales, Donés anunció que le habían operado de un cáncer de colon y canceló más de treinta conciertos.

Volvió a los escenarios hace unos meses con su nuevo proyecto ‘50 palos’, compuesto por un disco, un libro y una gira.

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Cuando conocí esta variedad de ‘Pájaros de barro’ no sabía de la existencia de la original, la cantada. Tiempo más tarde oí ambas y pude comparar. La primera me emociona cada vez que la oigo, la segunda me deja indiferente. Es más, creo que la voz, en esta ocasión, estropea la música.

Siempre me he imaginado esta obra interpretada en un escenario en principio totalmente a oscuras y que luego, paulatinamente y por partes, se va iluminado de forma paralela a que se incorporan los distintos instrumentos.

Pero es evidente que mucha gente no estará de acuerdo conmigo e incluso aludirá a mi demencia. Para ellos está la VERSIÓN CANTADA. ‘Pajaros de barro’ aparece en el álbum ‘Arena en los bolsillos’.

LETRA

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy cierro yo el libro

de las horas muertas

Hago pájaros de barro

Hago pájaros de barro y los echo a volar

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy rechazo la bajeza

del abandono y la pena

ni una página en blanco más

Siento el asombro de un transeúnte solitario

wn los mapas me pierdo

por sus hojas navego

Ahora sopla el viento,

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

Ya no subo la cuesta

que me lleva a tu casa

ya no duerme mi perro junto a tu candela

En los vértices del tiempo anidan los sentimientos

hoy son pájaros de barro que quieren volar

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo.

Ahora sopla el viento

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

cuando no tengo barca, remos ni guitarra

cuando ya no canta el ruiseñor de la mañana

Ahora sopla el viento.

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo

MANOLO GARCÍA pasa por ser catalán y muchas de sus biografías dicen que nació en el Poble Nou barcelonés, pero realmente donde vio por primera vez la luz fue en el pueblo albaceteño de Férez. Es por tanto, como el mismo reconoce, un charnego. Creció en Cataluña, donde su primera pasión se la produjo la pintura, disciplina que aún labra, aunque con menos éxito que la música.

Comenzó tocando la batería en un grupo de su barrio. Pero cuando realmente dio el salto fue cuando, en 1982, conoció a Quimi Portet, guitarrista de Los Rápidos. De esa fusión de talentos alumbró Los Burros, el germen de lo que finalmente sería El Último de la Fila, con el que Manolo cosecha sus mayores éxitos con discos como ‘Como la cabeza al sombrero’, ‘Astronomía razonable’ y varios más’.

En 1998 deciden separarse y continuar sus caminares en solitario. Ese mismo año, Manolo García anuncia la publicación de su primer álbum en solitario ‘Arena en los bolsillos’, que obtuvo un rotundo éxito de ventas y propició una gran gira por toda España. Allí empezó una carrera bien dirigida, pausada, que con calma sólo ofrece al público lo que el realmente el artista cree tiene calidad suficiente.

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Pero, aunque somos distintos, también los hombres podemos saber de heridas que cuestan cicatrizar. Esta canción debería estremecer hasta al más rudo de los corazones masculinos. Unos y otras debemos aprender a sobrevivir a los problemas que genera la vida, pensar que ello nos dará la fortaleza y el aprendizaje para alcanzar la felicidad futura.

La cantante irlandesa Eleanor McEvoy convirtió en 1992 la balada ‘Only a woman’s heart’ en un himno al desamor y el disco que lo contenía en el más vendido de la historia de su país, eclipsando incluso las producciones de legendarios artistas irlandeses como Van Morrison o U2.

LETRA

Mi corazón está triste, mi corazón está tan triste

como sólo el corazón de una mujer puede estar

como sólo el corazón de una mujer puede saber

Las lágrimas de mis ojos perplejos

tienen el sabor agridulce de un romance

todavía sigues en mis pensamientos

todavía estás en mi mente

aunque me las arreglo sola

Cuando mis ojos inquietos

revelan que mi alma esta turbada

y los recuerdos inundan mi corazón cansado

lloro por mi sueños

lloro por mi amor perdido

ELEANOR MCEVOY (1967) es una de las cantautoras más populares de Irlanda. Su primer contacto con la música lo tuvo a los 4 años, cuando participó en un concurso como cantante solista en la banda de su hermana. Con 8 empezó a tocar el violín y a recibir clases de piano en la Escuela de Música de Dublín. Más tarde se matriculó en Universidad Trinity, donde cursó Música de día. Por la noche trabajaba en orquestas. Se graduó con matrícula de honor y fue aceptada en la Orquesta Sinfónica Nacional de Irlanda, con la que trabajó durante cinco años hasta que finalmente se decidió a dejar la música clásica de lado y pasarse a la composición. Luego llegó el éxito de sus discos. Su carrera es imparable.

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«Dale una luz a este pueblo que ha buscado su libertad contra el cielo y contra humanos» cantan los hermanos Katya y Salvador Cardenal, que conforman el dúo Guardabarranco. ‘Dale una luz’, un conglomerado de notas musicales y versos que derrochan sentimiento, se ha convertido en el segundo himno de Nicaragua, el de los emigrantes que han tenido que abandonar su tierra. Algunos lo hicieron para huir de la dictadura y otros para escapar de los sandinistas. ‘Dale una luz’ es una de las propuestas más frescas y poéticas en el escenario de la canción popular latinoamericana.

LETRA

En un lugar llora el cielo de ternura
en un lugar todo el verde esta de fiesta
y en altamar no muy lejos de Corn Island y el Bluff
un hombre niño pesca un saco en el mar

En un lugar quema el cielo las estrellas
en un lugar que me vio jugar de niño
tuve amistad un amigo que no jugará más
pero, la calle, hoy se llama como él

En un lugar llueve tanto que se apaga el sol
y el lodazal besa siempre tus rodillas
un viejo esta aprendiendo sus primeras letras
no tiene anteojos pero sabrá leer

En un lugar donde el agua es a volcanes
y el tiburón hizo nido en agua dulce
el huracán pone un bosque en reverencia mortal
tiembla la tierra, tiembla el mar de este lugar.

Dale una luz a la gente que ha buscado
su libertad contra el cielo y contra humanos
dale una luz a este pueblo que ama tanto vivir
en Nicaragua…

GUARDABARRANCO, nombre del ave nacional nicaragüense, estuvo conformado por Salvador Cardenal (1960-2010) y Katya Cardenal, un dúo fraternal fundado en 1979, en los primeros años del triunfo de la Revolución Popular Sandinista, de la que luego renegaron.

Las poéticas letras de él y la sublime voz y la apasionada interpretación de ella han ofrecido al mundo de la música obras cargadas de amor, fraternidad y búsqueda de la unidad perdida con la naturaleza. Sus creaciones proponen una manera trascendente de sentir la realidad que se opone a la manera pragmática con que el discurso del utilitarismo contemporáneo le impone a los seres humanos relacionarse entre sí y con el entorno. Ofrecen una visión del mundo es que el ser humano está escindido de los otros seres humanos y de la naturaleza por el desamor, el egoísmo y el consumismo desenfrenado.

Además el dúo Guardabarranco ha sido pionero en el trabajo de concenciación de su público para que tome acciones de preservación del ambiente. Sus canciones perciben la naturaleza como el Edén perdido, pero un paraíso, un jardín, que no está en el cielo sino que está en la tierra y que debemos restaurar los seres humanos. En este sentido la naturaleza es el estado de plenitud perdida por el odio y el egoísmo. El regreso a una relación armoniosa con la naturaleza implica cambiar espiritualmente el odio por el amor y el egoísmo por la fraternidad. Todo un llamamiento a la conciencia social y ecológica del ser humano. Para ello, además, crearon una fundación que defendiera iniciativas ecológicas.

El dúo dio fin a su andadura cuando Salvador Cardenal falleció en la primavera de 2010. Dejó un gran legado, como antes lo hizo el poeta Rubén Dario. Este guerrero de amor a la naturaleza, a la música y a la pintura fue víctima de una extraña enfermedad relacionada con la sangre denominada crioglobulinemia. Tenía 50 años cuando dejó de luchar.

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Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

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