DIRECTOR

Metido a novelista tras dejar la dirección hace cinco años, el autor de ‘Feroz’ ha recibido el homenaje del Zinebi bilbaíno

Hace cinco años Manuel Gutiérrez Aragón (Torrelavega, 1942) decidió colgar los hábitos de director. «Dejé el cine porque ya no se le prestaba la atención de antes, cuando las películas se confundían con la vida y en un cineclub podías llegar a las manos. Antes unos se cagaban en tu madre y otros en tu padre, pero lo terrible es estrenar y que no haya reacción ni debate. Lo siento, yo no me adapto».
Perdimos al autor de títulos esenciales del cine español, como “Habla, mudita”, “El corazón del bosque” y “Demonios en el jardín”. A cambio, la literatura ganó a «un joven escritor», que desde entonces ha firmado tres novelas, la última, “Cuando el frío llegue al corazón” (ed. Anagrama) recién publicada. Gutiérrez Aragón sigue confundiéndose a veces y no puede evitar hablar de «película» cuando en realidad se refiere a su libro. Ayer recordaba en Zinebi que en ese mismo teatro Arriaga vivió la primera proyección de un corto suyo, con su familia de Cantabria en el patio de butacas. Esta noche, su actriz fetiche, Ángela Molina, le entregará el Mikeldi de Honor y cerrará el círculo de una filmografía ejemplar.

– ¿Se siente raro en un festival de cine?
– No. El cine siempre reaparece en mi vida. Llevo unos días promocionando mi tercera novela y siempre acabo hablando de cine. Mi vida es el cine, aunque ahora sea un joven escritor, je, je. Todo es contar historias; en un plató estás rodeado de gente mientras la literatura es un placer solitario.
– ¿Se deja de ser cineasta?
– Nunca. Tus películas te persiguen, las dan por televisión. Aunque quisieras no podrías desprenderte de ellas. Lástima no tener dos vidas distintas. Cuando decidí que no iba a hacer más películas tenía claro que escribir y dirigir exigen una dedicación plena, no puedes ser un ratito director y otro escritor. Uno escribe una novela mientras pasea, se ducha, desayuna…
– ¿Sigue pensando en imágenes?
– Todos los escritores, aunque no hayan sido directores, piensan en imágenes. La cosa es cómo se describen y organizan esas imágenes. Ya no se escriben novelas igual que antes de la invención del cine. Un escritor como Juan Marsé está mucho más marcado por el cine que yo. Escribe una exposición, una sorpresa, un cambio antes del final… Como en un guion.
– ¿Qué echa de menos de su vida anterior?
– Nunca me lo hubiera imaginado: el trabajo con los actores. Con la lata que dan… Desde que colgué la cámara me he dado cuenta de que son la gran fuerza del cine. Ahora entiendo mucho mejor a Bergman y Woody Allen y sus actores fetiche, sus encuentros y desencuentros. El cuerpo del otro es fundamental, tratas con algo vivo y palpitante.
– ¿Fue un visionario y dejó el cine porque preveía el cataclismo actual?
– No fue esa mi intención, no soy adivino. Dejé el cine porque todo estaba cambiando. Fue un acto de soberbia: me voy antes de que me hagan hacer una película que no quiero. Seguramente anuncié mi abandono públicamente para forzarme a ello. Tengo muchos colegas que no han dicho nada y tampoco están haciendo películas. La crisis traerá un relevo generacional, gente a la que no le costará adaptarse a la nueva situación. Gracias a los medios digitales y a Internet hoy es más fácil que nunca rodar una película. Otra cosa es vivir de ello. Yo me alegro de haber tomado aquella decisión.
– ¿Cree que el espectador ha dejado de lado el cine español?
– Ya pasó en los tiempos de la españolada, cuando poníamos todas las producciones bajo ese marbete, aunque en realidad aludía al género histórico y grandilocuente del franquismo. Lo de ahora es más peligroso. No entraré otra vez sobre las razones políticas de ese rechazo, el “no a la guerra” y todo aquello, pero hasta ahora siempre había una cierta complicidad entre el espectador y los cineastas respecto a buscar juntos soluciones. Esa complicidad se rompió, y no solo por el “no a la guerra”.
– ¿Cómo les contemplan a los cineastas?
– Como unos seres privilegiados, del mismo lado que los políticos. Pertenecientes a una casta mimada de subvencionados enquistada en el sistema. Es una percepción equivocada, porque no todos son actores glamurosos y millonarios. Una de las cosas buenas que va a traer el ministro Montoro es que, evidentemente, esa percepción va a cambiar y otra vez encontraremos la complicidad del espectador. De todo lo que está pasando, ese desafecto me parece lo peor, más incluso que la subida del IVA y los recortes. No ha habido ministro que pueda con el cine, que vivirá más allá de los Gobiernos, pero no puede vivir sin los espectadores.
– ¿Soluciones?
– Hay que pensar en el audiovisual como un todo. Están las películas y también las series de televisión, donde los guionistas tienen la llave del tesoro y ya no pueden ser maltratados. Hay más trabajo para los actores que cuando solo había cine. Las series son populares, pero no alcanzan el nivel estético del cine. Ningún director dirá que no a una película aunque esté trabajando en la televisión. Todavía la película es la reina del audiovisual.
– ¿Y si le dijeran que hiciera una película “low cost” recolectando el dinero por Internet?
– Diría que sí, el futuro pasa por ahí. Lo preferiría a pegarme con las televisiones. Recuperaría la libertad que tuve en alguna de mis películas. Nos guste o no, la distribución por la Red es fundamental. También es cierto que nosotros siempre hicimos películas “low cost”. Ahora se llevan sin coste ninguno. Y del “crowdfunding” no se puede vivir, no crea industria.

– ¿Qué le diría entonces a un estudiante de cine?
– Haz cine pero vive de otra cosa, como los poetas que no pueden vivir solo de la poesía. El cine tiene muchas posibilidades. Las cámaras digitales nos han liberado de la mecánica pesadísima del celuloide y puedes exhibir lo que ruedes en Internet sin atenerte al formato de hora y media. Es otra forma de ser libre.

– ¿Le gusta el cine español que ve?
– Encuentro uno o dos títulos interesantes al año, como ocurre con el cine francés. Me gustó “El artista y la modelo” de Fernando Trueba. Arriesgada, en blanco y negro y sencillamente contada. Mi gran decepción es que creía que la gente joven iba a trabajar en la TV movies y no están sirviendo para eso.

– Siempre ha presumido de escepticismo en política, pero todas sus obras se han analizado en esa clave.
– Debe ser una forma contradictoria de mi carácter. No me gusta el cine político, y sin embargo mis novelas hablan de terrorismo islámico y guerrillas latinoamericanas. La última es una historia de iniciación, aunque transcurre durante la Transición.

– Se despidió del cine con “Todos estamos invitados”, que reivindicaba a las víctimas de ETA. ¿Cómo contempla el tema cinco años después?
– Hoy se pueden hacer mejor películas sobre los “años de plomo” porque se tiene una cierta distancia. Lo difícil es tocar temas puntuales, que aparecen en los diarios el mismo día y que pueden condicionar la manera de ver una película. Contra la opinión mayoritaria, creo que se hicieron bastantes películas sobre ETA, no así sobre las víctimas. Yo quise corregirlo con “Todos estamos invitados”.
– ¿Qué le parece que el teatro Fernando Fernán Gómez en Madrid ya no se llame así?
– Me encantaba pasar por la Plaza de Colón y ver el nombre de alguien venerado por varias generaciones. Es un terrible error político. Como soy optimista, creo que se subsanará tarde o temprano. Fernando diría lo que siempre soltaba cuando aparecía pequeñito en los títulos de crédito: “Mejor, así no me desgasto”.

Entrevista publicada en el Diario EL CORREO el 22 de noviembre de 2013.

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DIRECTORA

La única directora con dos Oscar repasa en su último filme el historial de suicidios, enfermedades mentales y adicciones de la familia Hemingway

‘Running from Crazy’ se presentó en la 55 edición de Zinebi

Una huelga de mineros del carbón en Kentucky que duró trece meses, el festival de Woodstock, las armas en Estados Unidos como religión, Woody Allen, Mike Tyson… La cámara de Barbara Kopple (Nueva York, 1946) ha registrado las convulsiones sociales y políticas de Estados Unidos y retratado a algunas de las personalidades más fascinantes de la cultura contemporánea. “Harlan County”, declarada por el Congreso un clásico del cine americano, le brindó en 1977 el primero de sus dos Oscar (obtuvo otro en 1991 por “American Dream”, sobre el declive de las zonas industriales en EE UU).
Homenajeada por Zinebi en 2000, Kopple regresó ayer a Bilbao con otro de sus exhaustivos documentales, centrado esta vez en la familia Hemingway y en el legado de suicidios, locura y adicciones heredadas del patriarca Ernest. Producida por Oprah Winfrey y estrenada en el Festival de Sundance, “Running from Crazy” (Escapando de la locura) interroga a la actriz Mariel Hemingway, que, de momento, ha sobrevivido a los siete suicidios de familiares como su célebre abuelo y su hermana Margaux. Los genes de los Hemingway, constata el filme, son portadores de belleza, talento y una predisposición a la autodestrucción.
– No hay nada de romanticismo en la estela de locura y adicciones que dejó Ernest Hemingway.
– El romanticismo se asocia a la figura de un escritor que vivía al límite, cazando, pescando, bebiendo y siempre de fiesta. Pero esta película habla de sus nietas y de cómo perciben a su familia. Ellas solo sabían que su abuelo era un novelista maravilloso. Yo pongo la cámara y ellas hablan sobre Hemingway y, de paso, se descubren a sí mismas.
– ¿Mariel Hemingway ha logrado escapar de esa herencia maldita?
– No lo sé. Ella está huyendo de ese legado, luchando contra su dolor y sus sentimientos, como todos hacemos en esta vida. Mariel lo hace lo mejor puede dadas sus circunstancias. Viene de una familia donde ha habido siete suicidios o más. Lleva un estilo de vida saludable y se desvive por sus dos hijas. Pero no sabemos qué le espera a la vuelta de la esquina.

– Llama la atención esa vida agotadoramente sana que lleva Mariel Hemingway, obsesionada por el yoga, el ejercicio, la comida saludable, el deporte de aventura…
– Todo ese estilo de vida es muy importante para ella, hasta ha escrito un libro con su actual pareja, “Corriendo con la naturaleza”. Trata sobre ver el amanecer y el crepúsculo, comer sano, hacer ejercicio… Yo creo que le encantaría volver al cine si le ofrecieran un papel. Quizás esta película le ayude a conseguirlo.

– ¿Sabía que el padre de Mariel había abusado de dos de sus hermanas o esa revelación surgió en la conversación?
– Me lo dijo durante una entrevista. Mariel no se avergonzó y sintió que era importante contarlo para entender toda la historia. Siempre crees que los abusos sexuales ocurren en casas de otras familias.

– Usted también ha sufrido un caso de suicidio en su familia. El hijo de su exmarido se quitó la vida con quince años.
– Sí. Evan tenía problemas mentales desde los cinco años y estuvo entrando y saliendo de diferentes instituciones. Cuando fui a su habitación, el ordenador estaba encendido con la nota de suicidio. Seis razones para vivir y seis para morir. Hablaba de sus sueños, de escribir música y hacer películas, de cuánto amaba a sus amigos. Los motivos para morir eran: “Soy un perdedor, nunca le importaré a nadie, soy una carga para mi familia…”. Mi hijo, al leer aquello, me dijo que si lo hubiera sabido, si hubiera hablado con él, podría haberle ayudado, porque él también había pasado por eso, como todos los adolescentes. Ahora es psiquiatra infantil en Nueva York y sigue intentado encontrar las respuestas a por qué un chaval se suicida. Espero que con este filme se hable del suicidio, algo tan estigmatizado como el cáncer de mama o el sida.

– En 1976 rodó un documental mítico, “Harlan County”. Pasó tres años con los mineros de Kentucky.
– Puede parecer mucho tiempo dedicado a un proyecto, pero cada historia necesita su tiempo. Yo tengo un mantra en mi profesión: haz todo como si fueras lo único que vas a hacer en tu vida.

– ¿Qué le parecen los “reality shows” que explotan los trapos sucios de una familia? ¿Cuál es la diferencia con su filme?
– Bueno, esto es una película. Es real, no hay un guion como en los “realities”. La familia Hemingway tiene una historia rica y asombrosa. Yo he hecho esta historia con honestidad y respeto. No veo esos programas de los que usted habla, pero todo aquello que logre que la gente hable de sus emociones me parece bien.

– Quizá el público no sabe que esos “realities” tienen guion…
– ¿Importa realmente? La diferencia es que en esos espacios se trata de atraer al público a toda costa, sin imponer una distancia.

– ¿Le gustan los documentales donde el director es la estrella, como los de Michael Moore?
– Me encantan. Michael es brillante, divertido, una marca en sí mismo. La gente sigue sus documentales porque les hace agitarse y pensar en cosas importantes. Si hubiera una sola forma de hacer documentales sería tan aburrido…

– ¿Cómo afronta su profesión?.
– Siempre he buscado que lo que filmara fuera verdadero. Es como mirar debajo de una manta donde no debes mirar y sacar de repente algo que nunca hubieras pensado que estuviera allí. Siempre he tratado de contar buenas historias para mostrarle a la gente mundos diferentes y abolir los estereotipos.

– Impone preguntar algo a una entrevistadora como usted. ¿Cuál es la clave para una buena entrevista?
– La mejor entrevista es aquella en la que cuentas una historia. Aquella en la que te importa la persona que tienes delante y tienes curiosidad por saber qué te puede contar. Además tienes que tener la habilidad de crear un clima distendido. Tu entrevistado solo te dirá lo que tiene que decirte si se siente seguro contigo. Yo soy una cotilla, y me encanta mi trabajo.

– ¿Cómo es Woody Allen, a quien retrató en “Wild Man Blues”?
– Todo el mundo me decía si estaba loca cuando empecé a rodarle, justo cuando tuvo su primera cita con Soon-Yi. Después de aquello puedo asegurar que Woody es igual delante y detrás de las cámaras, igual de divertido, viviendo en su mundo interno, abominando de las multitudes… Le aprecio de veras. Me dejó hacer lo que quisiera, y cuando vio “Wild Man Blues” descubrió que también trataba de su relación con Soon-Yi. Me alegro de que sigan juntos, hayan adoptado niños y estén igual de enamorados.

– Mike Tyson.
– Antes de aceptar pensé, muy bien, aquí hay alguien que merece haber estado en prisión por violación. Tuve que dejar todo lo que pensaba fuera y rodar con el corazón puro. Tyson ha sabido transformarse y ahora es un actor, hace espectáculos… Le respeto.

– ¿Y Gregory Peck?
– Era un hombre al que amaba tanta gente… Un ejemplo de integridad, inteligencia, progresismo político… Encontré que todos esos valores eran verdaderos. Él no entendía que yo quisiera rodarle entre bambalinas, “eres una pequeña terrorista”, me regañaba. Vio mi documental junto a su mujer, Veronique. Y me confesó que era su segunda película favorita tras “Matar a un ruiseñor”. ¿No es maravilloso?

Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 19 de noviembre de 2013.

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CARLOS SAURA

DIRECTOR DE CINE

El Mikeldi de Honor de Zinebi recompensa a un autor esencial del cine español, que también sufre dificultades para financiar sus películas.

En 1959 Carlos Saura apareció en Bilbao con un mono de motorista y un documental sobre Cuenca bajo el brazo. Por poco no le dejan entrar en la primera edición de Zinebi. Más de 40 películas y siete hijos después, el director aragonés recibió ayer el Mikeldi de Honor y acabó firmando autógrafos a un policía municipal. Armado con su inseparable Leica, fotografió las calles del Casco Viejo con la misma ilusión que a los siete años, cuando robó la cámara a su padre para retratar a una niña de la que se enamoró. «Le hice la foto a escondidas, se la mandé con un corazón dibujado y no me contestó. Ahí entendí que lo de las mujeres era complicado».

El autor de títulos fundamentales del cine español, que cumplirá 81 años en enero, viene mucho últimamente al País Vasco. Prepara “33 días”, la crónica del proceso de creación del “Guernica” con Antonio Banderas en la piel de Picasso y Gwyneth Paltrow como su amante, Dora Maar. El rodaje se iba a iniciar en enero en Bilbao y la villa foral, pero dificultades de financiación ha hecho que se aplace «al menos hasta primavera». Saura jura que se va a rodar.

 
– Le asombra que Picasso no bebiera. ¿Por qué?
– Había una idea generalizada de que sus cuadros eran producto del alcohol. Al estudiar su vida me sorprendió que no probara una gota; al parecer tenía una úlcera. Bebía mucha agua, eso sí.

 
– Donde Picasso no era austero es en el sexo.
– Ahí era hiperactivo. En la época del “Guernica” estaba con tres mujeres. Quería divorciarse de Olga Koklova y quitársela de encima. Después estaba Marie- Thérèse Walter, una burguesita francesa muy guapa de la que se enamoró cuando ella tenía 17 años, madre de su hija Maya. Y su gran amor, Dora Maar.

 
– ¿Usted se imagina con tres mujeres a la vez?
– Con tres no, pero con dos me veo facilísimamente, no tengo que hacer ningún esfuerzo. Tengo siete hijos de varias mujeres. Me parece natural que el ser humano experimente conflictos sentimentales, que son muy dolorosos. Yo siempre he vivido con una mujer muchos años, pero llega un momento en que la evolución de los dos es diferente y hay que aceptarlo. Si tienes la suerte de que la evolución es la misma, puedes estar con alguien toda la vida, con o sin matrimoniar. Pero si tú tienes otras apetencias la vida se impone. De hecho es muy difícil que los matrimonios duren, ves jóvenes muy enamorados que a los cuatro años se detestan.

 
– La monogamia es una imposición judeo-cristiana.
– Tenía su sentido en un momento determinado. Había que tener hijos y llevar una vida ordenada y metódica. El invento de la familia me parece fascinante y terrible a la vez. Es la base de todas las corruptelas. A través de las familias se organizan las naciones y las fronteras. La española la conozco bien, la he mostrado en mi cine. Maravillosa y represiva.

 
– ¿Le parecen más sanos los países anglosajones, con tanta gente viviendo sola?
– Ellos son más desprendidos. Recuerdo cuando estaba con Chaplin (Geraldine, su pareja durante más de una década), que a los 17 años les daba una patada a los niños y adiós muy buenas. «No vuelvas por aquí, que no hay una habitación para ti». Y les pasaba un dinero mínimo para vivir. Es la cultura anglosajona. En España en cambio ha habido una protección familiar excesiva. Mi madre siempre conservó mi habitación. Me decía, hijo mío, no te preocupes, si te va mal con tu mujer te vienes aquí.

 
– Rodó “La caza” en 1965 con cuatro actores, en cuatro semanas y con dos millones de pesetas. Los directores no lo tenían tan fácil.
– Un ejemplo para la gente que hoy empieza. Era una película muy arriesgada en aquel momento, heroica. En las productoras me preguntaban a quién iba a interesar la historia de cuatro señores que van a cazar conejos. Es la única película que yo he producido. Le pedí un millón de pesetas a mi padre. Me dijo que era mi herencia. Elías Querejeta puso el otro millón. Como la película dio dinero le devolví el dinero a mi padre con intereses.

 
– ¿Ha tenido malas experiencias con alguna estrella?
– Nunca con lo que tú llamas estrellas, con buenos actores. Una vez sufrí a un secundario que no se sabía el diálogo y era incapaz de decir cuatro palabras. Lo mejor es dejarles tranquilos, no darles la tabarra. Recuerdo que en “Elisa, vida mía” Fernando Rey estaba nerviosísimo el primer día de rodaje, le temblaba la taza de café. Con su experiencia. Traté de tranquilizarle y desde el tercer día fue una maravilla. Son gente muy frágil. Y cuanto más frágiles e inseguros, mejores actores.

 
– ¿Quién ha sido su mejor amigo en el cine?
– He tenido muchos. Elías Querejeta ha sido un cómplice estupendo, fuimos muy amigos. Emiliano Piedra, Andrés Vicente Gómez… Mis productores se han portado muy bien conmigo. Luis Buñuel era más como un tío mío. En cambio he tenido poca amistad con los actores. Me gusta cuando trabajan, después no tanto.

 
– En su cine ha hablado de Goya, Buñuel, Lorca, Picasso… ¿Un país con ese poderío cultural se merece estar así ahora?
– España es un país de contrastes brutales. De individualidades extrañas y edades de oro. Y a los artistas siempre se les reconoce mucho más tarde. No como Francia, que mima y protege a sus autores. En este país nadie ayuda a nadie. Los artistas se defienden como pueden. Siempre ha sido así, Quevedo ya vivía miserablemente.

 
– En Francia seguro que usted no tendría tantos problemas para rodar.
– Si la producción hubiese sido francesa la película ya estaría hecha.

 
– ¿Hizo huelga el pasado miércoles?
– Sí. Una huelga mental. No salí de casa en todo el día, me aterran las concentraciones masivas. Comparto los motivos para la huelga aunque es complicado ver la solución. Antes estaba claro: que se acabara el franquismo. Ahora vivimos un momento en que no dependemos de nosotros mismos. La idea de Europa es preciosa pero no se ha llegado a fraguar de verdad, cada país tira por su lado. Alemania con su industria y su capacidad de trabajo, y el sur de España con gente que tiene otro concepto de la vida. Norte y Sur, siempre estamos igual.

 
– Lo raro es que no se asalten los supermercados a diario.
– Si las cosas continúan así, si cada vez hay más miseria y llegamos a hambrunas, me da miedo una posible guerra civil en un futuro no tan lejano. Voy a decir una barbaridad. La gente se suicida porque no tiene un piso, pero es que antes todos vivían de alquiler y casi se morían de hambre. No hay que tirarse por la ventana porque te desahucien, sino tirar para adelante y mirar qué se puede hacer.

 
– Con lo tranquilo que estaría en su casa de la sierra madrileña, rodeado de sus cámaras de fotos…
– En mi casa siempre estoy haciendo algo. Me gusta mucho viajar por el mundo. El año pasado estuve en Corea, China, Canadá, México… Agarré una neumonía en el avión y estuve jodido. Quizá tenga que bajar el pistón.

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