Los éxitos de taquilla del cine español deben mucho a la promoción de las cadenas que lo producen. Semanas antes de un estreno, todos los canales de Mediaset y Atresmedia cumplen obedientes el ritual publicitario de bombardear con tráilers, reportajes y entrevistas con los protagonistas de su película. Otra cosa muy diferente es la información cinematográfica en la parrilla televisiva, relegada a programillas que se alimentan del material promocional suministrado por las distribuidoras y el par de minutos de entrevista que conceden los ‘talents’ cuando recalan en Madrid. Solo el veterano ‘Días de cine’ -el año que viene cumplirá 25 en antena- sobrevive como una isla: es el único espacio que critica los filmes de los que habla.

 
El boom de la información de cine que vive internet, con cientos de blogs y páginas dedicados a analizar películas, no tiene reflejo en la pequeña pantalla seguramente porque las cadenas no van a criticar las cintas que tratan de vender. Ahora que cada bloguero se erige en crítico, no existe esa figura en televisión. Habría que remontarse al Pleistoceno en blanco y negro con la voz nasal de Alfonso Sánchez. O al propio ‘Días de cine’, donde el llorado José Luis Guarner -el mejor crítico en lengua castellana- compartía plano con un jovenzuelo Daniel Monzón, hoy director de taquillazos como ‘Celda 211’ y ‘El Niño’.

 
La muerte en 2013 de Roger Ebert, el único crítico galardonado con el Pulitzer, adquirió en Estados Unidos la categoría de duelo nacional. Ebert y su colega Gene Siskel alabaron y descuartizaron en su programa televisivo cientos de películas durante dos décadas, transmitiendo sapiencia y amor por el cine. Porque también se aprende a ver cine escuchando las opiniones ajenas, como saben las generaciones formadas en los hoy casi extintos cineclubes. Relegado más allá de la medianoche, ‘Días de cine’ no se limita a poner el tráiler, sino que profundiza en la filmografía del director y se moja sobre las virtudes del estreno. Quién iba a decir que, justo cuando se cumplen veinte años de su primera emisión, echaríamos de menos a José Luis Garci y su cuadrilla pontificando cuán grande era el cine.

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El popular presentador salta a la dirección con un documental donde se retrata como un adicto al trabajo obsesionado por la comedia

Andreu Buenafuente (Reus, 1965) debuta como director con “El culo del mundo”, un documental que reflexiona sobre la comedia y el proceso creativo al describir sus intentos por levantar un programa que nunca se emitió. El popular showman se filma en la intimidad de su hogar, con su compañera, la actriz Silvia Abril, y su hija de un año, al tiempo que interroga a amigos y colaboradores: Berto Romero, Santiago Segura, Carles Francino, Leo Bassi…

El filme, presentado ayer en el Festival de Málaga, dibuja a un hombre adicto al trabajo, que no para de escribir, pintar y darle vueltas a la cabeza hasta en su propia casa. También revela el ego del comunicador más popular de este país, capaz de dedicar a su (ensalzada) figura una película que llegará a las salas el 11 de abril.

– Corbacho dice en el documental que su ego es del tamaño del Camp Nou.
– Eso es una “corbachada”. Los artistas siempre trabajamos con el ego, hay grandes tesis sobre ello y yo me he leído algunas. Necesitamos el ego bueno, usarlo de manera no nociva. Porque cuando sales al escenario o armas un proyecto tuyo es evidente que estás trabajando con el ego. Después tienes que aprender a meterlo en un cajón y ser Andreu. Ahí ando, por las noches me creo el más gracioso del mundo porque soy necesario para tirar adelante, y al mismo tiempo trato de llevar una vida normal. No siempre lo consigo.

– ¿No le da pudor mostrar su intimidad? Aparece en su casa, jugando con su niña… Vemos hasta su dormitorio.
– Hice la mili en este aspecto cuando grabé un par de programas muy buenos para Canal Plus y la TV3 donde ya abrí compuertas. Le tomé la temperatura a esta exposición. En “El culo del mundo” tenía que dejar entrar a la gente hasta la cocina emocional o si no no tenía sentido. Es una crónica personal de un tiempo jodido, una búsqueda y una introspección. No podía enseñar solo la patita, así que me armé de valor.

– En unas entrevistas dice que su país es la risa y en otras que su patria es Reus. ¿No es Cataluña? ¿O España? Aclárese.
– Ando un poco despatriado, no dejan de ser salidas poéticas. Este documental es una canción de amor a la comedia, que es mi profesión y me lo ha dado todo. La comedia es el país común para todos, por eso arranco viajando a 15.000 kilómetros de aquí, a Argentina, donde hay un tipo que se identifica conmigo. Esto no va a solucionar la lucha identitaria catalana y española, pero ofrece un ángulo diferente. El otro día vi una pintada: “Todo el mundo ríe en el mismo idioma”. Y me dio mucha lástima no poder incluirla ya en “El culo del mundo”. En esta lucha de contrastes, con tanta mala leche, ayuda a la distensión decir que para reír juntos no hace falta que estemos de acuerdo políticamente. Yo vivo ahí, en la comedia, y vivo muy bien. Hay un felicidad implícita alucinante.

– Usted es el catalán más popular de España. ¿Siente responsabilidad ahora que el nombre de Cataluña está todo el día en los medios?
– Tengo una vivencia personal muy bonita y transversal, la de la aceptación de mi persona en toda España. Nunca he tenido ningún problema. En Madrid me siento muy querido, aunque haya gente a la que le pueda chocar. Yo no creo jurisprudencia por mí mismo, pero merece la pena recordar que si vas por la vida con naturalidad, si reivindicas tus orígenes, tu catalanidad, pero estás generosamente al servicio de un público, las cosas son un poquito más fáciles. Yo estoy para demostrarlo a disposición de quien quiera, siempre que no tenga intereses políticos maquiavélicos. Los catalanes no nos comemos a nadie, podemos hablar otro idioma, trabajar donde sea y recordar nuestros orígenes. Pero, repito, no soy muy consciente de ello, yo voy a lo mío.

– Ahora que arrasa “8 apellidos vascos”, ¿Cataluña tiene un humor propio?
– Cada región territorial tiene unos toques. Donde naces, tu lenguaje, tus referentes, marcan un estilo. Algunos salimos de esa localización e intentamos llegar a más públicos. No sé si puede establecerse una categoría suprema de humor catalán o humor vasco. Yo me identifico mucho con el humor de tu tierra, tengo grandes amigos allí. Tenéis un estilo, una cadencia…

– El filme demuestra que es un enfermo del trabajo. ¿Cuando uno es padre no se cura de eso?
– No me ha dado tiempo todavía, la niña tiene un año. Estoy en proceso de curación. A veces le digo a Silvia que veo lo que dice en el documental y yo quedo retratado un poco exagerado. Me he dedicado a esto toda mi vida, desde los 17 años. Tuve la suerte de entrar en este mundo y me absorbió. Desde que tengo uso de razón me levanto y voy a la radio o a la tele a contar mis tonterías. Esa es mi vida. He podido rodar esta peli porque se rompe esa vida y se abre un paréntesis inquietante. ¿Y ahora qué hago? ¿Dónde voy a contarlo? Y me dicen “eres un enfermo”… Me gusta más considerarme un apasionado, alguien incompleto si no cuenta sus cosas. La niña ha entrado para dejarme sin tiempo, por eso estoy aprendiendo a cortar, a diferenciar trabajo y vida familiar, que me encanta. Soy de los que cuando van al trabajo, ahora que está todo el mundo permanentemente conectado, apago el móvil y estoy siete horas fabricando comedia.

– ¿Y dónde ha dejado a su niña?
– Está fantásticamente con su tía. Tengo la suerte de estar muy bien rodeado. Lo que pasa es que ahora empieza lo de echarla de menos.

– ¿De verdad vale la pena sufrir para hacer reír a la gente?
– Sin querer buscar la lástima, el documental captura una época muy embarrada de este país, donde no avanza la maquinaria. Muchos se identificarán, porque están igual: intentan levantar un negocio, no les dan crédito… Había días en que pensaba dedicarme a otra cosa, pero me duraba muy poquito. Hay una pulsación que me dice que la comedia es lo mío y que hay que tirar hacia adelante. Esta ha sido la mejor-peor época de mi vida.

– Lenny Bruce decía que él no era un cómico: “El mundo está enfermo, y yo soy el médico”. ¿Se ha sentido alguna vez así?
– Solo cuando paro y hablo con gente noto la repercusión de mi trabajo, cuando estás en el ajo no te das cuenta. Mira lo de Concha Velasco (la actriz cuenta en el filme que la noche en que iba a suicidarse con pastillas en un hotel, encendió la tele con el programa de Buenafuente, empezó a reírse y depuso su actitud). Es flipante. Aquella noche… Se lo digo a ella: me viene grande. Ahí se demuestra el poder casi curativo de la comedia, incluso para los que la hacemos. Un día malo te lo arregla una actuación. Es como una droga, mágico.

– ¿Le gusta la tele que ve?
– Veo poca, porque o la estoy haciendo o estoy durmiendo. La que veo a veces no me interesa mucho. Soy un consumidor atípico, porque el consumidor habitual la ve un promedio de cuatro horas al día. Yo no puedo. Me interesan cosas puntuales.

– ¿Puede tomarse un café en un bar?
– Es complicado. Hay una especie de sobreexposición por parte de la gente, todo el mundo tiene un móvil. Nos ponen difícil la normalidad que todos buscamos. Yo siempre lo llevé bien, pero hay días… Estoy en una cruzada simpática y pedagógica. Cuando a veces me piden una foto, les pregunto: ¿para qué la quieres? ¿No sería mejor que habláramos, que me dijeras buenos días? Pido un poquito de educación y normalidad. Aunque entiendo esa cacería.

– ¿Cómo le convenzo para trabajar en El Terrat?
– Con tu pasión y tu idea. Si te crees una idea ya me merece todo el respeto. Siempre le digo a mi equipo que hay verlo todo y contestar a todo el mundo. Si tu idea es buena intentaré que prospere, aunque también te contaré cómo está el panorama televisivo.

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El hijo de ‘Carmina’ vuelve triunfante al Festival de Málaga con una secuela que solo estrenará en salas.
Paco León (Sevilla, 1974) provocó hace dos años un debate en el cine español al estrenar ‘Carmina o revienta’ al mismo tiempo en salas e Internet. Dos años más tarde regresa triunfal al Festival de Málaga con ‘Carmina y amén’, una comedia mucho más ambiciosa, oscura y compleja, que sigue aprovechando el carisma entre arrabalero y tierno de una fuerza de la naturaleza llamada Carmina Barrios, su madre.

El berlanguiano punto de partida es la muerte del marido de Carmina, que decide dejarlo a barbecho en el salón el fin de semana hasta cobrar la extra el lunes. Leon afina su ojo para trascender la farsa costumbrista y consigue carcajadas de ley con las conversaciones entre Carmina y sus locas vecinas, que parecen improvisadas pero no lo son. Confirma una mirada de cineasta aguda y hasta lírica. El filme, producido por Telecinco, se estrena el 30 de abril. Eso sí, solo en cines.

– ¿Es verdad que el Festival de Cannes le tentó para estrenar ‘Carmina y amén’?
– En absoluto. De tentar a tantear hay alguna letra que cambia mucho la cosa. Es verdad que desde la Quincena y la Semana de Nuevos Realizadores preguntaron qué circuito iba a tener la película porque les gusta. No es que me hayan ofrecido estrenarla en Cannes y yo haya preferido Málaga, entonces parecería tonto. Ahora, yo tengo una fidelidad lógica con este festival, porque no se me ocurre otro sitio donde ‘Carmina’ tenga mejor acogida. Todavía tengo esperanzas de ir a Cannes.
– En la primera me hablaba de «mirada sueca» hacia su familia, confesaba que siempre se había preguntado ‘¿qué hago yo aquí?’. ¿Sigue reconciliando con sus orígenes?
– Tienes que venir con el trabajo hecho de casa y estar en paz con tus orígenes si quieres hacer este retrato familiar tan íntimo e intenso. Matar al padre es bastante saludable según el psicoanálisis… En ‘Carmina y amén’ ha habido un juego teatral, no un psicodrama a exorcizar. Jugábamos a la muerte del padre.
– No idealiza sus orígenes.
– No. Nunca sé si hay algo de cine social en las ‘Carminas’, no es mi intención, pero gente que las ve lo reivindica muchísimo. Si ven cine social es que algo tendrá, ¿no? Me parece más interesante el retrato, con lo bueno y con lo malo, sin hacer una oda a la madre ni idealizarla. Me gustan las cosas fronterizas, decir que esta mujer es políticamente incorrecta. Me cae bien pero es una delincuente, no embellecerla. Es un personaje con sus claros y sus oscuros. Y que el público decida si le gusta este ser amoral, con su propio sentido de la justicia, que no tiene nada que ver con el de la ley. Ese desfase lo notamos constantemente, lo que es justo y legal, que no tiene nada que ver.
– Arranca con la muerte del padre. ¿Se ha querido poner más serio?
– Quería ser más ambicioso y hablar de la muerte familiar sin frivolizar, darle el valor que tiene y mezclarlo con la comedia. En la vida no hay géneros, se mezcla con fluidez la comedia y el drama. ¿A quién no le ha dado la risa floja en un velatorio? Esos contrastes donde conviven lo trágico y lo cómico, esa fina línea me gustaba. Buscar los límites, pero no la risa ni la lágrima.
– ¿Usted se ha descubierto Carmina en su faceta de padre?
– Sí. Y me he descubierto Antonio, mi padre. De repente me he encontrado más padre de lo que nunca hubiera pensado, diciendo frases de padre. Es un proceso que todos vivimos. De adolescente odias a tus padres, quieres llegar a ser lo contrario que ellos, y después vas descubriendo que te pareces demasiado a ellos, más de lo que te gusta. Y al final empieza a gustarte parecerte, porque somos ellos a nivel celular. Hasta que un día te ves diciendo las mismas frases que decía tu padre.
– Estrena ‘Carmina y amén’ en salas. ¿Telecinco no le deja hacerlo en Internet?
– No se trata de que antes hiciera lo que me diera la gana y ahora no, esa es una lectura fácil. Telecinco sabía mis condiciones cuando se metió en el proyecto, y una de ellas era encontrar un modelo de exhibición original. Ya estaban alerta. Yo no soy tonto, cada película tiene que tener su modelo de distribución, principalmente atendiendo al presupuesto. El cine tiene que ser industria y debes poder recuperar el dinero que inviertes. ‘Carmina y amén’ no tiene subvenciones públicas para poder tener libertad y flexibilizar las ventanas. Telecinco es bastante cómplice en eso, yo pensaba que era de boquilla, pero me han dejado hacer lo que he querido artísticamente y juntos buscamos la manera de hacerla más accesible. No es que yo sea el mesías de nada, el único objetivo es que la película la vea la mayor cantidad de gente posible. Y si es en el cine, mejor.

– ¿Cuánta gente vio la anterior ‘Carmina’?
– Tuvo 400.000 espectadores, pero yo no me fío de esas cifras. Donde la vio más gente fue en DVD, y por cada DVD se contabilizan dos espectadores. Pero yo sé que hubo urbanizaciones enteras que la han visto varias veces con un DVD… Para ser tan pequeñita estoy muy contento.
– Baraja estrenar ‘Carmina y amén’ con el precio de la entrada rebajado.
– Fue mi primera idea. Tenía su lógica, en teatro ‘El Rey León’ no cuesta lo mismo que un monólogo. ¿Por qué va a costar los mismo ‘El Hobbit’ en 3D que ‘Carmina’? Pero me encontré con un organismo que se llama Competencia, que no deja al exhibidor fijar el precio de la entrada. Alguna película lo ha hecho con cadenas de salas pequeñas –‘Stockholm’, ‘El mundo es nuestro’–. Ahora trabajamos en algún tipo de promoción teniendo esa frontera de la legalidad, que no sea el precio entero. Se estrena el 30 de abril.
– ¿Le salieron muchos enemigos al provocar un debate público sobre la conveniencia o no de estrenar en Internet?
– Aunque estuviera envuelto en un halo de polémica, fue una iniciativa aplaudidísima por el 98% de la gente. A la gente por la calle le parecía muy bien como experimento y como alternativa. Los exhibidores, que son cuatro importantes gatos de la industria, me odiaban. El otro día organicé un pase de ‘Carmina y amén’ y tuve que hacer un ‘Steve Jobs’ micrófono en mano para convencerles. Decirles que los objetivos son comunes, que todos queremos que vaya gente al cine, que vamos a ponernos en común y que esto son experimentos. ‘Todavía no se nos ha pasado lo de la primera ‘Carmina’’, me decían. ¡Pero si yo no estoy enfadado con vosotros y no me apoyásteis en absoluto! Yo entiendo que no jueguen con su pan. Yo tampoco. Y sabía que ahora iba a haber integristas del otro lado que dirían ‘ya se ha vendido a Telecinco y se desdice de todo lo que dijo antes’. Yo apuesto por profesionalizarse, está muy bien hacer películas de 100.000 euros pidiendo favores, pero lo suyo es que todo el mundo cobre y se gane dinero. En la primera se cobró muy poquito, hicimos bonus para cobrar cuando se amortizara una parte. Todo el equipo tecnico cobró. Y esto es un trabajo, yo también quiero cobrar.
– En la primera parte su madre y su hermana cobraron mucho tiempo después. ¿Y en esta?
– Ya han cobrado, están todos los pagos al día, ja, ja.
– ¿Cómo ha notado a su madre en su segunda película?
– Torerísima, he vuelto a sorprenderme. Hemos rodado en cuatro semanas, que ya es casi ritmo de tele. Y ha sido un paseo para ella. Hay más ficción y era más complicado para ella.
– ¿Seguirá su carrera profesional o solo es actriz con usted?
– Yo estoy como su representante, ja, ja. El primer filtro soy yo. A ella le divierte y se le da muy bien, tendría que seguir haciéndolo. Pero prefiero que siga siendo algo muy puntual, son actividades extraescolares mientras siga aprobando el curso. Cuando suspenda se acabó el cine.
– ¿Y usted ya se siente director?
– Sí. Me resulta curioso que a la gente le parezca como importante. ‘Director de cine’. Suena como que has llegado a algún sitio. Y me parece muchísimo más difícil ser un buen payaso. Desgraciadamente, director de cine lo es cualquiera, a la vista está. Payasos buenos hay muy pocos.
– ¿Está deseando la vida sin Luisma después de 10 años?
– Es agónico porque se le resucita que sí que no… Pero ‘Aída’ ya tiene una fecha de finalización. Merece la pena el esfuerzo final y disfrutar esta prórroga, porque antes no se veía el final. Yo me aburro muy pronto de todo. He hecho muchas actividades extraescolares en mis vacaciones y mi tiempo libre: películas, teatro… Pero estoy deseando comprobar que hay vida sin Luisma. Tengo muchos planes. Y también sé que ha sido el mejor personaje que voy a tener nunca, con esa audiencia y ese sueldo… Eso solo ocurre una vez en la vida.
– Ese personaje ha hecho que hoy usted no pueda desayunar en un bar de Málaga.
– Me esfuerzo mucho por no llevar vida de famoso, recluirte y cambiar de hábitos. Intento ir a Ikea un sábado, que es horrible para cualquier persona, pero para mí un poquito más. Me voy al super… Tener un poco de vida. Pero al metro no puedo entrar solo. Recuerdo la última vez en Barcelona y me agobié muchísimo.
– El hecho de llamar ‘Bárcenas’ al periquito…
– Es una ninfa. Una genialidad de mi madre. Le compré el loro dos meses antes del rodaje para que lo amaestrara. Y se le ocurrió bautizarlo ‘Bárcenas’. Me pareció maravilloso. Esa metáfora de meterlo en la jaula…Todo el mundo pendiente a ver si el loro habla… Es como una pirata con el pájaro en el hombro, una señora de las bestias.

– ¿Qué perspectivas tiene del Festival de Málaga?
– Venimos con el recuerdo de hace dos años. Me puede más la ilusión de cómo recibe el público la película que el miedo a no cubrir las expectativas. Aquí se va a ver con los mejores ojos, aunque igual les sorprende el tono, es bastante más densa y oscura que la otra. Más complicada sin dejar de ser auténtica y espontánea. Hiperrealista. Te crees todos los personajes, es casi lo único que me interesa de hacer películas, la interpretación.
– ¿Habrá una tercera parte?
– No, es un díptico. De ahí el título: ‘Carmina y amén’. Aunque también decía en la primera que no iba a haber otra…
– ¿Y si Paolo Vasile le ofrece una teleserie sobre ‘Carmina’?
– Le diré que no. No pega. Es un material familiar muy delicado, solo me atrevo a manipularlo yo, que desde lo íntimo se convierta en universal. Siempre he tenido mucho cuidado de proteger a mi madre en lo mediático, de no convertir a Carmina Barrios en un personaje. ‘Carmina’ es una película, mi madre es otra. Conozco los riesgos de la exposición mediática. Yo hice un trato con Paolo, que como italiano qué va a decir de la madre… Me dio su palabra. De hecho ha habido alguna propuesta en televisión para hacer algo concreto… Pero no haciendo de ‘Carmina’. Porque es muy fácil hacer un personaje de ella.
– ¿Y qué historia le apetece contar ahora como director?
– Esta es un ‘spin off’ de la otra. Hice un corto para Buckler 0,0 para recoger fondos para el cáncer de mama. Y tiene casi dos millones de visitas en Internet. Quería probar si tengo algo de estilo. Me interesan vínculos reales, la improvisación, jugar con el texto en rodaje…

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Las entradas a 3 euros han llenado las salas demostrando que ir al cine no pasa de moda. Los exhibidores advierten de que ese precio es insostenible.

Y de repente las salas se llenaron. ¿No habíamos quedado en que ir al cine era una forma de ocio finiquitada, propia del siglo pasado? Fue rebajar la entrada a 2,9 euros y acudir en tropel millón y medio de espectadores en tres días. Ocurrió el pasado octubre, durante la Fiesta del Cine, una iniciativa copiada de Francia que lleva cinco años celebrándose. El éxito sorprendió a los mismos exhibidores, que ven cómo el número de entradas vendidas lleva cayendo desde hace una década: de 144 millones en 2004 a los 77 con que se cerrará, presumiblemente, 2013.

«Por desgracia, la Fiesta del Cine se desvirtuó y se convirtió en un plebiscito sobre el precio de la entrada, sobre si ir al cine es caro o barato», se lamenta Josetxo Moreno, director general de Golem. Unas pocas semanas después, las cadenas Yelmo y Cinesa, que engloban un 35% de las 4.000 pantallas del país, declaraban la guerra de precios y vendían sus tickets a 3,50 euros por unos días en vez de los 7, 8, 9 o 10 que valen habitualmente, dependiendo de si es un filme en 3D. Ambas cadenas triplicaron la taquilla respecto a la semana anterior.
Nadie contaba con que el efecto publicitario se iba a volver contra los propios exhibidores. ¿Quién va a pagar ahora los precios habituales si se ha demostrado que las salas se llenan a 3 euros? ¿Por qué no se mantiene la misma oferta todo el año -se preguntan algunos- logrando más espectadores que, al menos, consumen palomitas y hacen más caja con los mismos gastos fijos? «Poner las entradas a 3 euros es imposible», desanima Enrique González Macho, presidente de la Academia del Cine y dueño del circuito Renoir.

«Es irreal pensar que todos los días va a haber un millón de espectadores. La Fiesta del Cine es como los festivales: las salas están a rebosar para ver una película china con subtítulos en inglés, pero al día siguiente no va nadie. Es un acontecimiento, un hecho único publicitado, como los que se dan de bofetadas para comer pintxos en un festival gastronómico». Borja de Benito, portavoz de los exhibidores agrupados en FECE, reconoce que los descuentos han demostrado que la gente «está deseando consumir cine en salas», pero, matiza, son acciones puntuales.

«Las matemáticas no funcionan así. Si con entradas a 2,90 se triplicara la asistencia estaríamos como ahora. No es sostenible. De una entrada hay que descontar el 21% de IVA, el 3% de autores y el 55% para el distribuidor (60% si es una “major” y 45% si es independiente). De lo que queda tienes que pagar alquiler, empleados, facturas… No hay margen». Que se lo digan a Ramón Colom, propietario del cine Alexandra en Barcelona, que el próximo jueves pone fin a 64 años de historia. El pasado miércoles, día del espectador, costaba 4 euros ver “La gran belleza”, la película con mejores críticas de la temporada. En la primera sesión hubo 70 espectadores; en la segunda 35. No salen las cuentas. «El Alexandra se ha muerto y entre todos lo hemos matado», zanja Colom.

El mismo día que el Alexandra eche el telón se inaugurará en la misma ciudad el Balmes, doce salas en versión original equipadas con la última tecnología digital. En la jornada de apertura costará un euro. Muy cerca, en los Cinesa del centro comercial La Maquinista, la nueva entrega de “El Hobbit” se puede ver en una sala bautizada Dolby, con cuatro proyectores digitales capaces de lanzar imágenes en 3D a 48 fotogramas por segundo, una pantalla de 210 metros cuadrados y el sistema de sonido atmosférico Atmos, que reparte 60 altavoces por el patio de butacas. Renovarse o morir.

Desde la subida del IVA del 8% al 21% (el más alto de Europa), los exhibidores tienen en su tejado la pelota de si ir al cine es caro o no. Siempre han mantenido promociones, como carnets de fidelización, bonos, días del espectador y descuentos para parados, estudiantes y mayores. Sin embargo, una excursión el fin de semana para disfrutar de un estreno en 3D, palomitas y bebidas incluidas, puede dejar el presupuesto familiar temblando. «Me harto de decirlo: la misma película puede costar 9 euros y en el cine de al lado 5», advierte González Macho. «Hay que mirar las ofertas, que la gente no percibe o no quiere percibir».

Que el sector asume que hacen falta cambios lo demuestra la reunión celebrada en la Academia tras la “guerra de precios”, donde distribuidores y exhibidores pusieron sobre la mesa medidas conjuntas: realizar dos o tres Fiestas del Cine al año y ofertas especiales de cara al Mundial de Fútbol de este verano en Brasil. Incluso se pensó en anunciar los acuerdos antes de Navidad. Pocos días después, Cinesa y Yelmo dinamitaban el pacto al anunciar por su cuenta las rebajas creando malestar en el resto de empresarios.
«Nos reunimos para analizar el sector y activarlo. Los cines no podemos concertar precios porque iríamos a la cárcel, aunque el público no lo entienda», explica González Macho. Desde FECE también aclaran: «Hay que respetar las leyes de la competencia. Cada cine tiene libertad absoluta para lanzar las promociones que considere oportunas. Hay una percepción generalizada de que ganamos mucho dinero y recibimos subvenciones. Todo está mezclado, como que todo el mundo en el sector es del “no a la guerra”».

En Golem creen que las rebajas son «un sálvese quien pueda, arramplar espectadores durante unos días». «Pan para hoy y hambre para mañana». Pero que se lo pregunten a los malagueños, que se han beneficiado de los piques de precios en su cartelera entre Yelmo y las cadenas andaluzas UCC y Cinesur: entre semana van al cine por 4 euros y el fin de semana por 5.

Los centros de las ciudades han visto desaparecer los templos cinematográficos de antaño. La percepción de que nos quedamos sin salas no se corresponde con un parque sobredimensionado en locales, por no hablar del aluvión de estrenos cada viernes. El boom del ladrillo en los 90 fue parejo a la construcción de centros comerciales en las periferias urbanas, con un complejo de salas como elemento tractor. Llegó a haber 4.300 pantallas cuando el mercado actual, según el sector, da para 2.500 como mucho. Hoy muchos de esos complejos languidecen y las butacas están vacías. No pagan ni el alquiler, pero nadie los cierra porque eso supondría la muerte de los locales de restauración a su alrededor. «No se puede hacer una reconversión del sector», denuncia Josetxo Moreno.
Una leyenda asegura que los cines obtienen más de las palomitas que de la venta de entradas. Ninguna cadena da cifras de sus ingresos en el bar, aunque todas reconocen que el gasto en “consumibles” -su denominación comercial- ha ido decayendo en los últimos años. El margen de beneficios, eso sí, es mucho mayor. Los Golem Alhóndiga de Bilbao, urbanos y con un público adulto, admiten que las palomitas suponen del 8 al 10% de sus cuentas. En los Kinépolis de Madrid, que mantiene cerradas de lunes a jueves la mitad de sus 25 salas, los consumibles y los ingresos alternativos, como el alquiler de locales para eventos, conforman el 45%. En cualquier caso, cuando hablamos de cifras de taquilla nunca entra el dinero de las golosinas y bebidas.

«Las películas deberían tener precios diferentes por plazas y calidad de proyección. No puede costar lo mismo Kinépolis que una sala del centro de Madrid, porque no es lo mismo comer en Zalacaín que en McDonald”s», propone Paco Ramos, productor de la película española más taquillera del año, “Zipi y Zape y el Club de la Canica”, con casi 900.000 espectadores. Ramos pone el ejemplo de su México natal (copiado a su vez de Estados Unidos), donde ir al cine el viernes, sábado y domingo es más caro que el resto de la semana. Las entradas de saldo y su pretendido éxito las compara al primer día de rebajas de El Corte Inglés, con aglomeraciones en las puertas.
«Si pensamos que la solución es poner entradas a 3 euros, y a 9 vendemos 75 millones al año pero no son suficientes, ¿cuántas tendríamos que vender? ¿225 millones?», se pregunta. «Los costes de distribución no han bajado. ¿Alguien se ha puesto a pensar cuántas entradas son necesarias para cubrirlos?». Según Ramos, los descuentos beneficiarían sobre todo a las grandes producciones de Hollywood. «Las películas de autor y las españolas o europeas no triplicarían sus espectadores. ¿De verdad “La herida” tendría un público en masa con entradas a 3 euros?».

Donde todos los entrevistados coinciden es en señalar al principal enemigo del sector, que no es la crisis, ni el IVA, ni el cambio de hábitos sociales, sino la piratería. «Obviamente, si tienes la misma película en tu ordenador a un clic cualquier precio es caro. El todo gratis se ha instalado y ha roto en una generación el hábito de ir a las salas», se apena Borja de Benito. Somos el único país europeo donde los cines llevan diez años en caída libre. «¿Por qué si no todos los “blockbusters” han pinchado este verano en España?», observa Josetxo Moreno, que echa de menos más películas para un público adulto, el único que ya parece ir al cine.

Hacienda hace caja con el cine español

«No espero que baje el IVA en 2014. ¿Cuándo hay elecciones? ¿En 2015? Entonces bajará. Eso y todo lo que tenga impuestos. El pan será gratis». Enrique González Macho apela al sarcasmo para reflejar el pesimismo de un sector que ya nada espera del Gobierno. La subida del IVA cultural en septiembre de 2012 fue «la puntilla» para una industria que, además, paga la energía más cara de Europa.
La cruel paradoja es que, si se cumplen las estimaciones de taquilla previstas, Hacienda recaudará una cifra récord: casi 87 millones de euros si los cines facturan 500 millones de euros. Con el tipo del 8% anterior, las arcas públicas hubieran ingresado solo 38 millones. Los números desmontan la imagen del cine como un sector pedigüeño. Con el recorte del Fondo de Protección a la Cinematografía, previsto en 33,7 millones para 2014, el Estado ingresa más del doble de lo que invierte en cine

Digitalizarse o morir

Nadie se atreve a poner una fecha, pero a lo largo de 2014 las distribuidoras dejarán de suministrar películas en celuloide. Eso significa que las salas que no estén digitalizadas -el 20% actual, según FECE- tendrán que cerrar. Afrontar la reconversión supone un desembolso de 50.000 euros por proyector. «Las salas de cadenas regionales con una buena cuota de mercado lo harán, pero los cines del centro de las ciudades o de pueblos lo tienen más difícil», enumera Borja de Benito.
A diferencia del resto de países europeos, en España no ha existido apoyo económico de la Administración para realizar el tránsito del 35 mm. al digital. González Macho cerraba hace unas semanas los Renoir Cuatro Caminos, dejando sin cines el barrio madrileño de Tetuán, precisamente por no ser rentable su digitalización. Otras de sus salas clausuradas, como los Renoir de Majadahonda y Palma de Mallorca, se han reabierto gracias a vecinos en régimen de cooperativa.

La cuantiosa inversión para saltar al digital ha provocado la aparición de un nuevo intermediario: el integrador. Empresas extranjeras que adelantan a los dueños de los cines la financiación de los equipos digitales, recuperando su inversión con la llamada VPF (Virtual Print Fee), una tasa que pagan distribuidor y exhibidor por su uso y mantenimiento.
«El pretendido abaratamiento que iba a conllevar el fin del celuloide -desgaste de copias, transporte- no ha sido tal», descubre Iván Barredo, director de la distribuidora Good Films. «Este nuevo canon no diferencia el número de semanas que la película va a permanecer en cartel ni la recaudación. Pagas lo mismo por “Gravity” que por un documental».
Las “majors” abonan sin rechistar la VPF, pero a los distribuidores independientes les hace polvo. Además, con el nuevo formato digital en que se proyectan los filmes (DCD, Digital Cinema Package) no cabe fraude alguno: quedan registrados todos los pases y solo funciona con una clave secreta proporcionada por la distribuidora.

Reportaje publicado el 15 de diciembre de 2013 en el Diario EL CORREO

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San Sebastián arranca con menos estrellas que el año pasado y un presupuesto ajustado: “Hemos dicho que no a marcas que no eran para unirlas al nombre del Festival”.

A las seis de la mañana camina todos los días. «Tengo los triglicéridos altos». José Luis Rebordinos (Rentería, 1961) también hace ejercicio en su despacho del teatro Victoria Eugenia, yendo y viniendo mientras ultima la tercera edición del Zinemaldia que dirige. Esta mañana cierra la llegada de una estrella sorpresa en la gala de inauguración: «No te digo quién, solo que es una actriz con entidad para ser un Premio Donostia». (Resultó ser Annette Bening).
Rebordinos tiró la casa por la ventana el año pasado al conmemorar el 60 aniversario del Festival con cinco Premios Donostia, entre ellos Dustin Hoffman y John Travolta. En esta edición, que arranca el viernes, tendremos dos más modestos: Carmen Maura y Hugh Jackman. Las vacas flacas en el cine y los recortes de las instituciones, cuenta Rebordinos, se han logrado compensar con patrocinadores privados. Nueve días de glamour para hacer olvidar un año terrible para la industria en España, que, paradójicamente, ha dado una cosecha de películas «espectacular».

– De cinco Premios Donostia a dos. Vaya bajón.
– Es normal, el año pasado era el 60 aniversario. Como no teníamos dinero para una macrofiesta lo celebramos trayendo Premios Donostia. Y como todo el mundo nos confirmaba su presencia… Es muy difícil que se repita. Lo ideal para mí son dos. Todos los años hacemos gestiones con gente que, el día que los astros se alineen, vendrán.

– ¿Por ejemplo?
– George Clooney, Steven Spielberg… Nos encantaría tenerlos.

– Clooney estuvo hace poco en Venecia y tiene película en la sección Perlas, “Gravity”.
– No puede venir porque está rodando. “Gravity” es de Warner, que el año pasado hizo el estreno europeo de “Argo” en San Sebastián y acabó ganando el Oscar. Ben Affleck se fue encantado. Veinte días más tarde, Clooney hubiera podido venir. Este año hemos lanzado la caña a menos figuras, porque si muchas dicen que sí hacemos un agujero de 300.000 euros.

– Su sueño es traer a Clint Eastwood.
– Clint Eastwood, Robert Redford… Los obvios, lo son todo en el mundo del cine. Como Scorsese, que hace cuatro años estuvo a punto de venir a recoger el Donostia cuando dimos su documental de los Stones. El Festival está mejor situado que hace dos años, sobre todo con el cine americano. Lo notamos a la hora de conseguir películas.

– Por primera vez en la historia del Festival la cinta de inauguración, “Futbolín”, de Juan José Campanella, es en 3D. Ese formato que iba a salvar Hollywood.
– Nunca me lo he creído. El 3D tiene sentido en ciertas películas, como en “Gravity”, donde ver el espacio así es una pasada. “Futbolín” también está concebida en ese formato, no es un añadido.

– ¿Qué siente ante este panorama catastrófico con salas vacías, el cierre de la distribuidora Alta Films…?
– Lo vivo con mucho dolor. Igual me estoy quedando viejo, pero soy de los que siguen pensando que el cine hay que verlo en una sala. Internet está muy bien, aunque estoy absolutamente en contra de la piratería. Me indigna la gente que la defiende como algo progresista, cuando en realidad hay que ser muy reaccionario para defenderla. Estar en contra de la piratería no significa que la gente no pueda acceder al cine a través de la Red. Reclamo que se busquen soluciones para que se puedan ver películas en Internet de forma legal. ¡Pero a mí me han dado tanto placer los programas dobles en Rentería! Ir al cine solo o acompañado para discutir luego la película… Me da tanta pena que desaparezca y que los jóvenes no lo disfruten… Cuando acabe el festival, tengo unas ganas locas de irme a los Príncipe a las cuatro de la tarde a ver una peli solo.

– Las salas que se cierran ya no se van a volver a abrir.
– Tiene difícil solución. La situación es terrible, cada vez que se cierra una sala se me rompe algo por dentro. Pero no soy pesimista, volveremos a salir, como de la crisis. En los próximos años va a haber transformaciones. Red Bull ha creado una cadena de cines europeos para exhibir películas de deportes de riesgo, y están llenos de jóvenes. Francia ha reducido el IVA al 5%… A lo mejor tenemos que bajar el precio de las entradas.

– ¿La subida del IVA cultural ha sido la puntilla?
– No sé si el Gobierno ha conseguido los beneficios que esperaba con esa medida, solo sé que ha perjudicado al cine. Un IVA del 21% para temas culturales es muy duro. En una situación de crisis la gente se quita lo que no es imprescindible, hay que comer antes que ir al cine.

– Usted que está en contacto con el cine español, ¿qué le cuentan de la situación?
– Que lo están pasando mal. Los que pueden buscan cómo sobrevivir en base a bajar los presupuestos y con coproducciones. “Las brujas de Zugarramurdi” es coproducción con Francia; “Caníbal”, con Rumanía, Rusia y Francia.

– Los actores también se han bajado el caché.
– Sí. Nosotros también pagamos menos por presentar las galas. Y sin embargo, aunque vaya tan mal, es un mérito que en estos momentos el cine español sea espectacular. Las películas españolas en Toronto, San Sebastián, Sitges, Valladolid, Sevilla, Málaga… Para la que está cayendo estamos muy fuertes. No nos ha costado nada seleccionar los títulos españoles en el Festival. Reto a que alguien me diga tres países europeos con películas tan interesantes.

– Hablemos de las cuentas del Zinemaldia. Este año el presupuesto es ligeramente inferior al del año pasado.
– Andaremos por los 7,2 millones de euros y el año pasado fue de 7,4. La cifra es un poco tramposa, porque hay dos aspectos en los que, a pesar de la crisis, hemos aumentado el presupuesto. El tema técnico, porque hemos tenido que reconvertirnos al digital, adecuar las salas y cambiar los proyectores (todas las películas se exhiben en digital menos las retrospectivas). Y también se ha hecho un esfuerzo mayor en las actividades de industria, en el Foro de Coproducciones, donde la gente invierte en proyectos en marcha. En San Sebastián se venden películas, pero no podemos compararnos con mercados como Toronto, Berlín y Cannes. Queremos ser imprescindibles en los proyectos entre Europa y América Latina.

– ¿Qué instituciones han disminuido su aportación?
– Ha habido un ligero recorte en el Ministerio de Cultura, aunque luego ha sido prácticamente cubierto por Industria, que entra en el Foro de Coproducciones. Gobierno vasco y Ayuntamiento mantienen la suya y la Diputación de Gipuzkoa, que ya rebajó el año anterior, lo ha vuelto a hacer este, aunque también a última hora ha dado una aportación extra de 100.000 euros. Sigue siendo la que menos aporta (unos 850.000 euros).

– Han disminuido los patrocinadores privados.
– Cada año es un sinvivir. La edición pasada se cayeron patrocinadores privados por unos 400.000 euros, pero conseguimos 600.000. Este año se nos han caído por el mismo valor y solo hemos conseguido compensarlo. También tenemos previstos prudentemente menos ingresos que el año pasado. Por ejemplo, en la publicidad de las vallas vamos a recaudar menos, pero no nos quejamos, porque hay festivales que han perdido todos los ingresos en este concepto.

– Nos tenemos que ir acostumbrando a ver marcas comerciales por doquier en los festivales.
– Ya se está viendo. Casi todas las secciones de los grandes festivales llevan marcas. No hay más remedio, aunque nosotros intentamos que no sea cualquiera. No todo vale. De hecho, hemos rechazado alguna oferta económica importante porque la marca no era como para unirla al nombre del festival.

– ¿Por qué?
– Porque hay algunas que pueden estar lastradas políticamente. Personalmente no me asociaría con ningún país o institución que no respeten mínimamente los derechos humanos.

– ¿Los bancos?
– Bancos sí, tenemos el Premio Kutxa-Nuevos Directores. Me refiero a países donde los derechos de la mujer no son los mejores. Aunque pusieran todo el dinero del mundo no entraríamos. También puede haber marcas cutres que no encajarían con el espíritu del festival.

– Hay equipos de fútbol que no tienen tantos escrúpulos.
– Bueno, yo solo puedo hablar del Festival, un lugar de encuentro donde el cine debe unir a los pueblos. Tampoco programaríamos una película que apoyase abiertamente el terrorismo o con un mensaje fascista o a favor de la segregación racial. No aceptaremos dinero claramente marcado.

– ¿Llegará un día en que el Premio Donostia se llame Premio Coca-Cola?
– No me importaría. No pasa nada.

– Cierta actriz se negó a recoger un galardón en el Festival de Málaga porque se llamaba Premio Nespresso.
– Bueno, si nosotros damos un premio, el que lo recibe va a saber que se llama así. Lo que no puedes es ocultárselo.

– Un estudio cifra el impacto económico del Zinemaldia en 27,3 millones de euros, lo que multiplica por siete la inversión de las instituciones. ¿Cree que las administraciones son conscientes de ello?
– Sí. Yo me he sentido absolutamente apoyado por las cuatro instituciones (Ayuntamiento de Donostia, Gobierno vasco, Ministerio de Cultura y Diputación de Gipuzkoa) en los tres años que llevo. Tienen clarísima la importancia del Festival y su apoyo es incondicional. Saben que esta es una apuesta de futuro, que el Zinemaldia está por encima de ellos y de su director. Un motor económico, social y cultural, un proyecto de país para Euskadi y el resto del Estado. Lo que ocurre es que la situación económica es muy dura. Mi obligación es reclamarles que sigan apoyándonos con la mayor cantidad posible, desde el entendimiento de las dificultades que tienen para poder hacerlo. Ese estudio de impacto económico no era para meter presión, sino para darles argumentos. También hay ciudadanos que dicen: con la que está cayendo, ¿cómo se gastan ustedes un millón de euros en un festival de cine cuando hay gente que pasa hambre? Pues porque genera beneficio económico. Si solo atendemos a las necesidades asistenciales nunca saldremos del túnel.

– El proyecto de Capitalidad Cultural de Donostia 2016 está siendo cuestionado. La polémica designación de su directora, el informe del jurado internacional denunciando intervencionismo político y retrasos en los plazos… ¿No puede acabar viéndose afectado el Zinemaldia?
– La polémica no nos afecta para nada. En cualquier caso afectaría positivamente que San Sebastián sea Capital Cultural. De hecho, Donostia 2016 colabora con nosotros este año en el Encuentro de Estudiantes de Cine. Y tenemos un par de proyectos sobre la mesa con ellos, al igual que con Tabakalera y la Filmoteca Vasca, para ver qué podemos hacer ese año.

– ¿Pero tiene una opinión personal al respecto?
– Ni entro ni salgo, me siento incapaz de dar una opinión. A veces, también leo cosas sobre el Festival que no son ciertas. Me pierdo. Soy un técnico y no entro cuando se entra a discutir algo desde el punto de vista político. Como ciudadano tengo mi opinión, como director del Zinemaldia no puedo darla. Lo único que sé es que nuestra relación con Donostia 2016 es espléndida y estamos trabajando juntos, aunque digan que no se hace nada.

– ¿También hay sintonía con el Ayuntamiento y con el alcalde de Bildu, Juan Karlos Izagirre, presidente del consejo de administración del Festival?
– Es mi alcalde como ciudadano, le debo respeto absoluto como a cualquier otro, sea de Bildu o de otro partido. En el trato personal nos conocemos desde chavales. Cualquiera que le conozca, al margen de las discusiones políticas, sabe que es una persona muy cercana. Afortunadamente, el consejo de administración del Zinemaldia es tan plural como la sociedad vasca. Hay miembros elegidos por el Ayuntamiento y la Diputación (Bildu), el Ministerio de Cultura (PP) y el Gobierno vasco (PNV). El clima no puede ser mejor: desde que estoy yo todo se ha aprobado por unanimidad. Eso demuestra la sintonía.

(Entrevista publicada en el Diario EL CORREO el 16 de septiembre de 2013).

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Mucho antes de que Steven Spielberg lograra que bañarse en una playa causara aprensión, Alfred Hitchcock consiguió que los graznidos de una bandada de gaviotas resultaran amenazantes. Ducharse ya no era lo mismo desde su anterior película, “Psicosis”. El director estaba obligado a ir un poco más allá a la hora de descolocar al espectador. La solución se la proporcionó un relato de Daphne du Maurier contenido, irónicamente, en una de esas antologías de misterio tituladas “Alfred Hitchcock presenta”. «No habría rodado la película si se hubiera tratado de buitres o de pájaros de presa; lo que me agradó es que se trataba de pájaros corrientes, pájaros de todos los días. ¿Comprende ese estado de ánimo?», le contaba a François Truffaut en su fundamental libro-entrevista.

50 años han pasado ya desde que “Los pájaros” hizo que los espectadores salieran del cine con una pregunta nunca contestada: ¿por qué atacan esas aves? Todavía, cíclicamente, surgen explicaciones científicas que atribuyen a causas naturales su comportamiento. Sin ir más lejos, el año pasado la revista “Nature Geoscience” investigó una lluvia de pájaros muertos acaecida en la ciudad californiana de Santa Cruz en 1961. No sufrían ningún ataque de locura colectiva sino, simplemente, una intoxicación aguda debida al ácido domoico de unas algas microscópicas. La toxina, hallada en el estómago de los peces que comieron estas aves, está muy difundida en el ecosistema acuático de Santa Cruz. Los análisis concluyeron que en aquella época la flora marina de la región contenía rastros del veneno.

A Hitchcock, sin embargo, se la traía al pairo la motivación de sus alados protagonistas. Al igual que en “Psicosis”, le interesaba mostrar la irrupción de lo terrorífico en una situación cotidiana. Y nada más plácido que la acomodada localidad de Bodega Bay, al norte de San Francisco, donde una chica rica y despreocupada (Tippi Hedren) conoce a un apuesto abogado (Rod Taylor) y le sigue en un juego de cortejo. Hasta que una gaviota la ataca hiriéndola en la frente. Un suceso en apariencia intrascendente. Claro que poco después docenas de gorriones se introducen por la chimenea, el cadáver de un granjero aparece con los ojos arrancados, los cuervos acosan a los niños en la escuela, las gaviotas logran que la gasolinera del pueblo explote…

«En “Los pájaros” he procedido siempre de tal manera que el público no pueda adivinar cuál será la escena siguiente», presumía Hitchcock. Cada nuevo ataque, cada vez más brutal, es una lección de dominio de la puesta en escena. Porque las películas de este artista de la angustia se pueden ver una y otra vez por mil motivos: por su argumento, por los detalles -los chistes macabros, las inventivas soluciones técnicas, las astucias de planificación-, por la música o por «esas escenas de amor filmadas como crímenes y las escenas de crímenes filmadas como escenas de amor», parafraseando a Truffaut.

“Los pájaros” también ha pasado al anecdotario cinematográfico por el acoso al que el director inglés sometió a Tippi Hedren, una exmodelo que creyó que podía ser la nueva Grace Kelly. Su hija, Melanie Gri ffith, que en el rodaje tenía seis años, siempre ha recordado el regalo del tío Hitch: un pequeño ataúd de madera con una muñeca réplica de su madre en su interior. Al cineasta le había abandonado primero Ingrid Bergman para casarse con Roberto Rossellini y después Grace Kelly, princesa de Mónaco. Hedren, una madre soltera entrada en la treintena, sería su nueva rubia idealizada.

La lista de perrerías a la que la sometió demuestra lo enfermizo de su obsesión. Hizo que dos miembros del equipo la espiaran fuera del plató, le obligaba a decirle con quién se veía en su tiempo libre y la colmó de regalos entremezclados con notas ardientes y la promesa de un filme posterior, “Marnie, la ladrona”.

Susurrarle comentarios obscenos antes de las tomas no resultó tan cruel como prescindir de aves mecánicas y enjaularla durante una semana lanzándole pájaros vivos para una escena de minuto y medio. Resultado: un colapso nervioso tras un picotazo que por poco le cuesta el ojo. Cuando ya no pudo más y se abalanzó sobre ella, Tippi Hedren le rechazó firmando su ostracismo en Hollywood. A partir de entonces, Hitchcock le dio instrucciones a través de sus ayudantes refiriéndose a ella como «esa chica».

– Música. Hitchcock pidió a su compositor habitual, Bernard Herrmann, una banda sonora electrónica de ruidos que simularan graznidos y batir de alas.

– 32 tomas fueron necesarias en la escena final, con el coche huyendo lentamente de Bodega Bay tomada por los pájaros.

– Oscars. La Academia prefirió otorgar aquel año el Oscar de efectos especiales a… “¡Cleopatra!”.

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Spielberg volcó sus miedos infantiles en su cinta más personal sin saber que sería la más taquillera

El alienígena más bondadoso de la historia del cine aterrizó en las salas españolas el 6 de diciembre de 1982

«Cuando yo tenía nueve años deseaba tener un amigo que viniera de las estrellas, que me acompañara y creciera conmigo».
Steven Spielberg

Hace 30 años los niños españoles soñábamos con bicis BMX y urbanizaciones con jardín. En el cine los institutos tenían taquillas. Los chicos jugaban al fútbol americano y las chicas guapas eran animadoras. Todavía no sabíamos que el futuro iba a ser para los “nerds”, esos raritos de la clase que ya empezaban a trastear con el Spectrum. El cuarto del protagonista era tan grande como nuestro piso. Y si la película era de Spielberg es probable que el padre siempre estuviera ausente.
El 6 de diciembre de 1982 se estrenó en España “ET. El Extraterrestre”. Hace 30 años el “merchandising” todavía estaba en pañales, pero los muñequitos de aquella criatura de piel rugosa y ojos de spaniel se colaron en nuestras estanterías. Spielberg ya había mostrado cinco años antes que los alienígenas podían ser bondadosos en “Encuentros en la tercera fase”, una fábula idealista en forma de fantasía paracientífica sobre los contactos de los humanos con los ovnis.

 
“ET” resultaba igual de benevolente, pero adoptaba la forma de un cuento de hadas espacial. En atinada definición del crítico José Luis Guarner, era «”El mago de Oz” de los años ochenta», protagonizado por un diminuto alien olvidado por sus compañeros de platillo volante en las colinas de Los Ángeles y adoptado por un chico de los suburbios. Un ser calvo, achaparrado, casi un enanito de “Blancanieves”, que no inspiraba horror ni aversión, sino unos sólidos impulsos de protegerle. Otro crítico definió la cinta como «la máquina más perfecta jamás creada para provocar escalofríos». Ganó cuatro Oscar, entre ellos el de mejor música para John Williams, y durante una década fue la película más taquillera de todos los tiempos. Todavía hoy, con la inflación ajustada, ocupa el cuarto puesto tras “Lo que el viento se llevó”, “La guerra de las galaxias” y “Sonrisas y lágrimas”.

“ET” fue una obra trascendental para Spielberg. Y no solo porque la imagen de Elliott volando ante la Luna acabara como logotipo de su productora, Amblin. En ella volcó todos sus traumas y miedos infantiles. Tal como recuerda Peter Biskind en “Moteros tranquilos, toros salvajes”, el realizador se refería a su infancia como «mis años debiluchos». Era un chico esmirriado, tímido, con acné, ceceo y orejas de Dumbo. «Mis amigos eran como yo. Muñecas delgadas y gafas». El único alumno judío del colegio en Phoenix, Arizona.

 
El padre, ingeniero electrónico, nunca estaba en casa. Steven no rendía al nivel de su capacidad. Detestaba leer y prefería mirar la tele y rodar cortos en Súper 8 sobre la II Guerra Mundial utilizando a sus compañeros de clase. Cuando tenía 17 años sus padres se mudaron a California y se divorciaron. A los 22 ya trabajaba en la Universal dirigiendo capítulos de series.

«Elliott tiene mucho en común conmigo. No es que yo fuera así cuando tenía nueve años, sino que más bien he intentado reflejar lo que quería haber sido a esa edad», reconocía el autor de “Tiburón”. «Comparto el sentimiento de soledad, de sentirse solo en el mundo a pesar de estar rodeado de familia y amigos. Y dentro de esa existencia en solitario llega un regalo de las estrellas, el mejor amigo que nunca pudiera uno imaginar».
Más allá de las implicaciones personales, “ET” permanece como la quintaesencia del cine de Spielberg. Tanto por su imaginería -ese paisaje de urbanizaciones del extrarradio esencial en el Holly wood de los 80-, como por la noble za de los recursos cinematográficos de los que se sirve para provocar la emoción genuina en el espectador. Su viejo amigo de la época en Universal, el director de fotografía Allen Daviau, creó un mundo de luces y nieblas que remiten al clima feérico y evocador de los relatos de brujas y gnomos. Casi toda la película está rodada desde el punto de vista de los niños. Así, a excepción de la madre de Elliott (Dee Wallace Stone), al resto de adultos solo se les ven las piernas. Si hay algún villano en el relato son los científicos y militares del último tercio, empeñados en capturar y estudiar al visitante a toda costa.

Menos mal que Spielberg quería hacer «una película pequeña, intimista, sin grandes dosis de efectos especiales, que probablemente no daría grandes resultados en taquilla». La génesis de “ET” pertenece al cineasta independiente John Sayles, que escribió para el director de “Indiana Jones” un “remake” en clave fantástica del western de John Ford “Corazones indomables” con criaturas del espacio en vez de indios. La historia acabó en manos de Melissa Mathison, mujer de Harrison Ford por aquellos días, que empezó en el mundo del cine cuidando a los niños de Francis Ford Coppola. Durante el proceso de escritura vivió el asesinato de John Lennon, sentimiento que volcó en las escenas de la muerte de ET. Años después, la guionista acabaría reclamando a Universal parte de la millonada recaudada por las figuritas, pósters y camisetas. Su argumento era que todos los rasgos del protagonista habían sido previstos en el guion.

Henry Thomas hizo llorar a Spielberg durante el casting para elegir a Elliott. El actor, que tenía diez años en el rodaje, no ha logrado después convertirse en estrella, aunque trabaja con regularidad en títulos de fuste: “Leyendas de pasión”, “Gangs of New York”… Todo lo contrario que Drew Barrymore, a quien Spielberg ya había “adoptado” un año antes cuando hizo una audición para “Poltergeist”. La actriz tenía siete años en el estreno y desde entonces es una estrella. Con apenas nueve empezó a tener problemas con las drogas y el alcohol. Sus múltiples resurrecciones, líos sentimentales y ocasionales éxitos de taquilla la han mantenido en el candelero.

Pero la gran estrella del filme, esencial para su éxito, era un visitante del espacio de 600 años de edad que debía reunir en su mirada «la humanidad de Hemingway y la inteligencia de Einstein», en instrucciones de Spielberg al diseñador Carlo Rambaldi. El director había tomado nota del trabajo realizado en otra criatura de su amigo George Lucas, Yoda. Su esqueleto era de aluminio y acero; la piel de fibra de vidrio, caucho y poliuretano. Una actriz enana, un niño sin piernas y un mimo brindaban movimiento a los cuatro muñecos que se fabricaron. La voz correspondía a una octogenaria profesora de dicción, fumadora compulsiva, que le dobló en las principales lenguas, incluido el castellano y la celebérrima frase «mi caaaasa, teleeefono».
Hace diez años, Spielberg reestrenó el filme en una edición especial en DVD con una escena elimi nada en la que Elliott y su amigo juegan en la bañera. Más sangrantes resulta ron los retoques digitales por mor de la corrección política, sustituyendo las armas que esgrimen los policías para parar a los niños por inofensivos walkie-talkies.

Tres décadas después de su estreno, la capacidad emotiva de “ET” permanece intacta. Pocas veces la contraposición entre el mundo adulto y el de los niños se ha mostrado mejor. Y el homenaje al maestro Ford sigue incólume en la brillante escena en que el borrachuzo alien ve “El hombre tranquilo” y Elliott, por simpatía y a distancia, siente los efectos del alcohol e imita a John Wayne. Lo resumió Steven Spielberg: «Cuando empecé a rodar “ET” pensé que lo mejor sería hacer que la vida fuese como debería ser».

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CHIZURU SUGA

DIRECTORA DE CONTENIDOS DEL MINISTERIO DE ECONOMÍA JAPONÉS

El milagro económico japonés después de la II Guerra Mundial tiene un culpable: el poderoso Ministerio de Economía e Industria. La directora de su división de contenidos, Chizuru Suga, explicó ayer en los Cursos de Verano de la UPV que el país no solo exporta tecnología. Los videojuegos, el “anime”, los “manga”, las películas y juguetes venden a todo el mundo un estilo de vida.

 
– ¿Cuántos días de vacaciones tiene un japonés?
– Por ley, veinte días. Después tenemos unos días especiales: tres en verano y otros tres en invierno. Lo que ocurre es que la mayoría solo nos cogemos la mitad.

 
– ¿Qué relación guarda un trabajador con su empresa?
– Yo estudié un máster en Estados Unidos y me pasaba todo el tiempo comparando la situación. Somos totalmente diferentes. La inmensa mayoría de los trabajadores permanecen en la misma empresa toda su vida, no piensan en cambiar de empleo. Así que se entregan en cuerpo y alma y son leales. Simplemente aman a su compañía. Los trabajadores europeos estarían en un punto intermedio entre nosotros y los estadounidenses.

 
– ¿Esa garantía vitalicia de empleo todavía sigue en pie con la recesión?
– La situación está cambiando, pero las personas con talento siguen tranquilas: no necesitarán nunca cambiar de trabajo.

 
– ¿Las nuevas generaciones también comparten esa ética del trabajo?
– La industria de contenidos es un sector especial. Por ejemplo, los animadores más reputados acaban creando su propia empresa para trabajar con su equipo. Tendemos a ser más flexibles, más americanizados, mientras que en los sectores productivos clásicos se sigue la tradición. Los jóvenes prefieren la flexibilidad, sin que eso signifique que les afecten demasiado los valores occidentales. Tienen suficiente dinero para disfrutar de su propia vida y cambian gradualmente sus hábitos de trabajo.

 
– El “anime”, el “manga”, los videojuegos… Nos venden un estilo de vida.
– Sí. Los jóvenes japoneses tienen tiempo para dedicarlo a sus pasiones: la música, los videojuegos, el “manga”… Las revistas de moda en Europa, como “Elle”, son basicamente iguales en todos los países. Venden el mismo estilo de vida lujoso. Pero en Japón tenemos infinidad de estilos diferentes: las tribus kawaii (mono, precioso; la parafernalia de “Hello Kitty”), los pijos, las de ropa urbana hip hop, los punks, la gente que está cercana a las estrellas del rock… Todos esos estilos de vida pueden coincidir en una sola revista. Lo mismo sucede con el “anime”, que no es solo para los niños, hay mil clases que representan otros tantos valores de gente distinta. No solo se vende el estilo de vida de trabajar duro y estar ocupado todo el día.

 
– ¿Los japoneses son piratas? ¿Se bajan contenidos protegidos por derechos de autor sin pagar como en España?
– El Gobierno japonés no puede imponer una sanción si la infracción se produce en una web extranjera. Existe un organismo, el CODA, que atiende las denuncias por piratería. Y el cien por cien de las páginas “ilegales” se eliminan. El CODA incluso anima y asesora a páginas piratas de China y Corea para que se vuelvan “legales” y sigan haciendo negocio. ¿Os queréis convertir en un negocio decente? Para eso tenéis que comprar a los propietarios de los derechos. Y podemos negociar el precio si elimináis los contenidos piratas. En cuanto al usuario, tiene conciencia de que no debe bajarse contenidos piratas porque hay multas cada vez más duras. Aunque no se puede entrar en todas las casas, claro.

 
– ¿Cómo contemplan a España desde Japón? ¿Como un país emprendedor?
– No creo que asociemos España a un país emprendedor… Más bien pensamos en su Historia, en que fue un país dominante en el mundo en otra época. Y su cultura, que tiene que ver con los toros, la gastronomía, el vino… Tal vez un estilo de vida feliz. Las playas en la Costa del Sol.

 
– Las agencias gubernamentales japonesas apoyan la creación y distribución de películas. El Gobierno español ha recortado el dinero destinado al cine para ahorrar. ¿Le parece una buena idea?
– Todos los que crean contenidos dicen que los suyos son los mejores del mundo. Y el Gobierno no tiene criterios para saber qué es bueno o malo. Recortar el presupuesto en la fase de producción es un error. También hay que seguir apoyando la distribución. La industria de contenidos no es como la automovilística, la fase de fabricación y la de I+D están divididas. Si no apoyas las dos fases se colapsa la industria.

 
– ¿Qué consejo nos daría para salir de la crisis?
– Le pongo un ejemplo de hacer bien las cosas. Bollywood rodó hace no mucho una película en España con una productora local. La historia de tres jóvenes que iban a la Tomatina y a un montón de sitios disfrutando del sol y la comida. Pues bien, el turismo indio en España se ha multiplicado por diez. Es la fuerza del cine, que puede afectar a la forma de comportarse de la gente. Espero que los españoles, a pesar de la crisis, tengan en cuenta que los contenidos seguirán siendo necesarios. Y espero fructíferas colaboraciones entre sus empresas y las nuestras.

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Los estudios dejarán de tirar copias en película tradicional para los cines de Estados Unidos a finales de 2013

En España, con el 41% de los cines digitalizados, habrá que esperar aún dos años

Totó ya no podrá descubrir de adulto los trozos de película cortados por la censura y guardados en una caja por Alfredo, el proyeccionista, que ensamblados se convertían en una antología del beso en el cine. Adiós a la mitología de “Cinema Paradiso” y a la cinefilia sustentada en el celuloide, que durante más de un siglo ha alimentado los sueños de millones de personas. Los rollos de película tal como los conocemos, con sus pesadas bobinas, los desenfoques y las rayas en la pantalla, tienen los días contados. Exactamente hasta finales del año que viene.

Así lo anuncia el informe de IHS Screen Digest, una compañía que analiza las tendencias en los medios digitales. Los estudios de Hollywood dejarán de tirar copias en celuloide a finales de 2013 destinadas a los principales mercados: Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Japón y Australia. El estudio predice que ya no suministrarán ninguna película en el formato tradicional en 2015. Las copias digitales, en principio, solo ofrecen ventajas. La imagen y el sonido no se degradan y físicamente resultan mucho más manejables. El alza en el precio del haluro de plata, el emulsionante de la película fotográfica, también había elevado los costes del celuloide (en realidad, poliéster ininflamable). A finales del año pasado, el 51,5% de las pantallas mundiales disponían de un proyector digital. Sin embargo, el ritmo de la conversión no es el mismo en todos los países.

«En España rondamos el 41,4% de pantallas digitalizadas, un poco menos que la media europea del 54%», desvela Borja de Benito, de la Federación de Cines de España (FECE). En Francia nos llevan ventaja -68%-; en Reino Unido, Dinamarca y Holanda ya han alcanzado el 70%, y en Noruega todo el parque de salas es digital. «No hay una fecha fija para decir adiós al celuloide, pero en cualquier caso será antes de dos años», prevén desde FECE. Cadenas como Yelmo ya habían digitalizado sus más de 400 cines a finales del año pasado. «Es fundamental apostar por la innovación y el uso múltiple de nuestras instalaciones. Así se ofrece un mayor valor añadido a los anunciantes», señala su directora de márketing, Marta Évole. La bobina de celuloide se ha sustituido por el DCP (Digital Cinema Package), un “disco duro” que contiene la película y que necesita una clave secreta proporcionada por la distribuidora.

El DCP condiciona más a los exhibidores que el celuloide tradicional: la distribuidora puede establecer a qué horas o sesiones funcionará e incluso determinar en qué sala se proyectará. Con la convivencia actual de proyectores digitales y de 35 milímetros, el DCP no es la panacea. «Sería más económico si todas las proyecciones fueran digitales, porque desde un solo ordenador programarías las salas», explican en FECE. El siguiente paso será la desaparición de estos “discos duros” y el envío vía satélite de la película desde la casa central de la distribuidora. Los complejos de Yelmo, Cinesa y Kinépolis ya realizan estas proyecciones con eventos de ópera.
Las casi 4.000 pantallas españolas afrontan un futuro digital que les obliga a una cuantiosa inversión en una época de incertidumbre en el sector. Primero fue el paso al digital y después el 3D. Pero nadie asegura que el cambio tecnológico sea definitivo.

En una industria que no ha conocido variaciones esenciales durante cien años, el advenimiento de la tecnología digital tiene el inconveniente de lo efímero de los formatos. Peter Jackson ha rodado “The Hobbit” -el taquillazo de estas navidades- a 48 fotogramas por segundo en vez de los 24 tradicionales, lo que obligará a -carísimos- cambios en el software de los proyectores. Y James Cameron ha anunciado que la secuela de “Avatar” pondrá a prueba nuestra retina a 60 fotogramas por segundo. Lo único seguro es que, tras la llorada desaparición del acomodador, que ponía orden en el patio de butacas, la figura del proyeccionista ya es historia.

.- El 51,5% de las pantallas mundiales se había digitalizado a finales del año pasado.

.- En España, el 41,4% de los cines ha realizado la conversión: 1.608 frente a los 3.886 totales.

.- 887 salas españolas pueden proyectar en 3D, representando el 22,8% del total.

.- Europa tiene el 54% de las pantallas digitalizadas. En Francia el porcentaje es del 68%; en Reino Unido, Dinamarca y Holanda del 70%. Noruega es el único país que tiene todos sus cines equipados con proyectores digitales.

(Datos de FECE).

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Llega a los cines ‘Madrid, 1987’, la crónica intimista de una España que se sacudía laTransición y abrazaba la cultura del pelotazo

En 1987 las patillas de Felipe González blanqueaban y la pana había sido definitivamente arrumbada. Comenzaba la cultura del pelotazo. En círculos periodísticos de Madrid, corría la leyenda de que un veterano articulista se había quedado encerrado en el baño del piso de un amigo con uno de sus ligues. Aquella anécdota le sirve a David Trueba para confrontar a dos generaciones en ‘Madrid, 1987’.

Una estudiante de periodismo y su idolatrado maestro, un cínico y desencantado columnista, atrapados en un caluroso día de julio, enfrentados al deseo y a sus horizontes vitales. José Sacristán y María Valverde, desnudos la mayor parte del metraje, protagonizan un filme rodado con cuatro perras, que por alguna suerte de milagro llega mañana a los cines. «Me hubiera encantado hacer la película dentro de la industria, rodar en un plató, pero me han invitado a hacerla fuera», se lamenta el director.

– ¿Cuáles son sus recuerdos del Madrid de 1987?
– Empezaba la universidad. Fue el año en que sustituí la máquina de escribir por el ordenador, un cambio bastante radical para los que nos dedicamos a estas cosas. José Sacristán me recordaba que, aquel año, “El viaje a ninguna parte” ganó en los Goya. Quién me iba a decir a mí, un chaval de Estrecho, que acabaría rodando con Fernando Fernán Gómez y José Sacristán.

– En aquella España empezaba a fraguarse lo que nos ha traído hasta aquí.
– Había una sensación de orgullo, un por fin lo hemos conseguido, ya no estamos bajo la amenaza de un golpe militar. “Ya semos europeos”, que era el título de una serie de Albert Boadella. Eso a la larga fue provocando una caída en el cinismo. Los valores morales de una democracia joven dieron paso al ansia de ganar dinero. De la regeneración moral a la cultura del pelotazo. Y de ahí al pelotazo de la cultura, todo pasó a valorarse en términos cuantitativos, como si fuera un deporte o la economía.

– Una película solo es buena si recauda mucho.
– Sí. Casi debía pedir perdón el que no tenía éxito. Apareció la lista de libros más vendidos… Poco a poco todos fuimos criticando en los negocios lo que estábamos aplicando en nuestro criterio personal.

– ‘Madrid, 1987’ muestra la admiración de una generación por la anterior. Hoy suena insólito.
– Antes estaba claro: si te querías dedicar al cine o a la literatura expresabas tu admiración por los maestros. Yo recuerdo una noche de borrachera con un amigo de la facultad, que nos plantamos de rodillas delante de Paco Ibáñez y José Agustín Goytisolo en una calle de Madrid. «Perdonen que se lo digamos, son dos genios». Dudo mucho de que hoy ocurriera algo así. Mi hermano Fernando también me dio el teléfono de Billy Wilder, pero no me atreví a usarlo. Acabó llamándome él: «¿Pero por qué no viene usted a verme?». Había respeto, admiración y placer. Hoy también se dará, pero esa gente está como criminalizada por los usos sociales. Hoy se aplaude e idealiza al zoquete, es la estrella de los programas.

– Ya son trece ediciones de ‘Gran hermano’…
– Sí. Todo el mundo conoce la vida de Paquirrín, pero no el trabajo del señor que está inventando la vacuna de la malaria. Este país le dio unos valores a determinada gente, y algo de eso arranca en 1987.

– El desencanto de los instalados en el poder, simbolizados por el personaje de Sacristán, hoy lo comparten los jóvenes.
– Es diferente. Aquel desencanto fue una justificación para dejar de autoexigirse. No quiero caer en un juicio fácil, pero creo que hubo demasiados Premios Planeta, demasiada pasta, demasiado dejarse mecer por el dinero sin imponerse rigor y disciplina. Obviamente se sentían desencantados y utilizados. A los jóvenes de ahora todavía no se les ha dejado llegar a ningún lado. Se ha roto esa sensación de satisfacción, y eso es bueno tras 25 años pensando que no teníamos nada que envidiar a Europa, que éramos la leche. Por fin nos hemos vuelto a dar cuenta de que somos un país pobre y atrasado. De que las cuentas no eran tal y no hemos cumplido con lo que se debía. Además, no hemos usado los 20 años de bonanza para sentar una bases y defendernos por nosotros mismos. Hemos perdido el tiempo, como pasa siempre cuando uno se siente satisfecho.

– ¿Puede salir algo bueno de este apocalipsis diario?
– Del apocalipsis poco, porque el miedo se usa para someter. La gente tiene que sacudírselo y buscar soluciones en su entorno privado. Cómo consume, cuáles son las prioridades que impone a sus hijos. La crisis del sistema es enorme, aunque es difícil cambiar el ideal de vida de tener dos casas y un coche caro. En 1987 la plaza pública era la calle y los medios de comunicación más distinguidos; ahora es la televisión privada, Internet y el centro comercial. Y la plaza pública siempre impone sus prioridades.

– Pero usted y yo no tenemos la culpa de esta crisis.
– No. Yo siempre he dicho lo mismo. Veía a compañeros de generación que se subían al carro: si las películas hacían dinero, había que hacer éxitos de taquilla. Yo miro hacia atrás y siempre me he vestido y peinado igual, en el éxito y en el fracaso, aunque pecara de aburrido. Siempre he pensado que debías entretener al público y que este no debía mandar sobre tu obra. Me ha pasado haciendo la película más taquillera y el mayor fracaso. Tengo una hipoteca que puedo sobrellevar y he tratado de educar a mis hijos de la mejor manera posible. Nos va a tocar pagar pecados que no hemos cometido.

– Volviendo a la película, ¿hoy es posible la seducción intelectual?
– Por suerte, si no solo ligaría Mario Casas. El físico ha ascendido muchísimo en la escala de valores. Y el dinero se ha convertido en un atractivo desmesurado; antes una chica liada con un rico tenía que justificarse, hoy se pavonea. Pero sigue habiendo un montón de gente atraida por su profesor o por alguien sabio al que admira. Convivir es algo más que tocarse desnudos en una habitación.

– ‘Madrid, 1987’ habla de una concepción del periodismo hoy en trance de transformación.
– Tiene una parte buena. Ya no existen las fes dogmáticas, ya nadie va al quiosco y compra el periódico como si fuera la Biblia, tal como ocurría en los 70. Somos hipercríticos, ponemos todo en duda. Al mismo tiempo, la profesión se ha precarizado y no se hace tanto periodismo de investigación porque cuesta más. Priman los temas cotidianos, cercanos a la vulgaridad. Yo sigo abriendo un periódico y sé que esos periodistas están perdiendo dinero por no estar en el ‘Sálvame’.

– ¿Y esa quimera del periodismo ciudadano en Internet?
– Sería como la fontanería ciudadana. La primera vez llamas a uno, pero lo mejor es recurrir a un profesional. Y el periodismo es la fontanería de la democracia. Si no se mantienen limpias la tuberías, se nos cuelan por todas partes. La democracia es un sistema maravilloso, pero con fisuras, porque no hay imposición militar. Su propio ejército son los escuadrones de la libertad en los medios y en la sociedad.

– Compruebo que no es tan cínico y desencantado como el columnista de la película.
– No, al revés. No puedes estar instalado en la queja perpetua, decir que no hay arreglo. No puedes pedir que cambiemos el mundo, pero sí pasión por tu oficio, por las cosas bonitas, por el que hace algo bueno por la sociedad y no contribuir a minusvalorarlo. Rafael Azcona siempre me decía que cuando viera a algún viejo hablar mal del futuro no le hiciera caso: se queja porque él no va estar. No hay que caer en la nostalgia. El 87 no era mejor que ahora. Quizá los mecanismos de la cultura no estaban tan dominados por el comercio, pero eso ha hecho que los creadores hayan ganado más dinero.

– «Un país no es pobre porque no destine dinero a cultura, sino porque sus ciudadanos han sido animados a despreciarla», escribía en su columna de ‘El País’.
– Suena duro pero es así. Javier Bardem gana el Oscar y lo primero que lees es que es un bocazas de izquierdas y que ojalá se muera su madre. Me parece lamentable. Ayer en la radio un oyente sostenía que se podía luchar contra la crisis quitando tanta estatua de lugares públicos. Probablemente para muchos es la única expresión de la cultura que pueden disfrutar en entornos tan feos. Yo veo las cabezas de Antonio López en Atocha y me pongo de buen humor. No tengo problemas en ahorrar en cultura, pero que a nadie se le olvide que el entretenimiento es la principal industria de Estados Unidos. Que no les engañen, la creatividad puede ser muy rentable. Si odian a alguien que se ha hecho rico cantando estamos mal, porque esa persona genera que otros hagan cosas, que entren divisas, que tu país sea conocido en el extranjero… Más riqueza que los hidrocarburos.

– En el fondo ahí late el desprecio, el pecado nacional, según le contaba Fernán Gómez en el documental que le dedicó.
– Sí. La gente no dice “me encantaría escribir el ‘Quijote’, sino ‘¡bah, si el ‘Quijote’ no es para tanto!’. Todos los Ayuntamientos han montado escuelas de cine y de pintura. ¿Para qué? ¿Para sacarles el dinero a los chavales, si luego no creen en eso? Yo no pido disculpas por mi trabajo ni que se apiaden de mí. Es un relación de iguales, la misma que tengo con el frutero. Me apetece una manzana y la pago; si a alguien le apetece mi libro, que lo compre.

– ¿Si ya no tenemos fe en los políticos, en quién debemos creer?
– No está de más dejar de tener fe. Los políticos dicen que están para servir, pues utilicémoslos. No hay que tener fe ni detestarles. Los políticos representan a la sociedad. Y estoy seguro de que hay tantos políticos corruptos como farmacéuticos corruptos. Lo que es hipócrita es mantener la imagen de decencia. Nadie quiere tirar de la manta del gran foco de corrupción, la financiación de los partidos, donde están metidos constructores y grandes empresas. Pero sería injusto despreciar a los politicos honestos que podrían ganar más en el sector privado.

Tráiler de \’Madrid, 1987\’

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