La última película de Julio Medem (San Sebastián, 1958) es ‘El pelotari y la fallera’, un anuncio de cerveza Amstel de 20 minutos con Asier Etxeandia y Miriam Giovanelli como cocinero vasco amante del txuleton y chef valenciana prendada de los experimentos en la mesa. Una excusa para charlar con el realizador, que en septiembre volverá al cine a lo grande con un ambicioso largometraje que rodará en parte en Euskadi.

– Se apunta al carro de los tópicos regionales.

– En un principio me encargaron un documental sobre una ruta gastronómica, y yo sugerí que podíamos hacer una ficción con personajes. Un cocinero vasco, una cocinera valenciana y su incompatibilidad gastronómica. Me dejaron libre y fui más alla: él de pequeño fue pelotari y ella, una fallera.

– ¿Le gustó ‘8 apellidos vascos’? Hubo quien se molestó por hacer humor con ciertos temas.

– Me resultó muy graciosa, te da lo que esperas, una comedia llena de tópicos. El cine se puede hacer desde muchos sitios distintos. Yo sé que hay personas a las que no les gustan mis películas. Incluso intuyo por qué. Yo es lo que sé hacer.

– ¿Ejerce de vasco?

– ¿Como el pelotari de este anuncio? Ya me gustaría. Tengo una fijación por los pelotaris desde pequeño. De hecho, preparo una serie, ‘Jai Alai’, sobre los pelotaris que fueron a Miami. Yo soy vasco por parte de madre y allí me formé como cineasta. Mis primeras películas hablan de Euskadi. Mi padre era hijo de un alemán y una valenciana, mi apellido es alemán. Tengo una mezcla, pero el País Vasco es el sitio al que he querido pertenecer, a veces más de lo que me correspondía.

– No es la primera vez que hace publicidad, una actividad muy lucrativa. Después de quedarse temblando tras el fiasco económico de ‘Caótica Ana’, proyectos así son bien recibidos.

– Yo hago publicidad por el dinero, está claro. El cine lo hago por necesidad y por placer. He aprendido mucho de la síntesis publicitaria. Vender un producto explícitamente ya ha cansado. Ahora es más ‘no te quiero vender nada y te cuento una historia con personajes que se toman una cerveza’. Y te caen bien.

– ¿Qué relación guarda con la gastronomía? ¿No cree que nos hemos vuelto locos con los cocineros?

– Yo me vine a Madrid hace veinte años. Y ya entonces me daba cuenta de la importancia que venían adquiriendo. A mí me parece bien, porque la gastronomía es una forma de cultura. Ahora es algo televisivo, los hijos pequeños de mis amigos cocinan. Y eso es sanísimo. En casa el que cocina soy yo, hago siempre las cenas. Suelo preparar mucho menú vasco.

– ¿Cuándo va a rodar su nueva película?

– En septiembre. Se titula ‘El árbol de la sangre’ y es una historia coral con quince personajes que rodaré en el País Vasco, Cataluña, Valencia, Alicante, Madrid y Sevilla. Un ‘thriller’ potente y oscuro, cuya estructura recuerda a ‘Los amantes del Círculo Polar’. Los protagonistas son Úrsula Corberó y Álvaro Cervantes. También están Alberto Ammann, Daniel Grao, Marta Etura y Najwa Nimri.

– Regresa a Euskadi a rodar. ¿La historia tiene algo que ver con el ‘conflicto vasco’?

– No es una película política, aunque tiene algo simbólico. Es la historia de unas familias, pero no toco el tema de la violencia. La historia se cuenta desde el caserío de una escritora, el personaje de Marta Etura. Va a ser una película con gancho comercial, porque ‘Ma ma’ en España fue muy floja. Y se vendió en todo el mundo. Fuera quieren muchísimo a Penélope Cruz.

– ¿Y aquí no?

– Ya sabes, en este país… No se alegran de que alguien triunfe fuera. Yo me dediqué el año pasado a acompañar la película por todo el mundo. Fuera notas que la gente se sienta a ver tu película con ganas de que le guste, y aquí no te lo ponen tan a favor.

– Estuvo viviendo tres años y medio en Los Ángeles.Huyó de España porque estaba muy quemado.

– ‘Habitación en Roma’ tuvo dos millones de descargas piratas. Hoy ha cambiado bastante la cosa porque hay plataformas que te permiten ver películas pagando. Justo entonces hice una campaña de publicidad, ‘I need Spain’. Me pagaron muy bien y me dije: ‘me voy’. Me fui por un año y me quedé tres y medio.

– ¿Y qué país se encontró al volver?

– Aún estaba la crisis. La corrupción vista desde fuera todavía es peor, aquí te acostumbras más a tanta porquería. Me daba mucha tristeza. Y vergüenza. Yo me vine porque me llamó Penélope. Y me quedé. Me gusta vivir y trabajar aquí. Llevo veinte años en Madrid y cada vez tengo más ganas de ir volviendo a Donosti. Pero está muy caro. Y en verano está petado, es como un parque temático gastronómico.

– ¿Y cómo lleva la conciliación con tres hijos? No solo se lo vamos a preguntar a las directoras.

– Peru tiene 28 años y es arquitecto. Alicia 24, tiene síndrome de Down y vive con su madre. Y yo estoy con mi mujer actual (la directora de arte Montse Sanz), con la que llevo veinte años, y Ana, que tiene 13 años. Trabajo mucho en casa. Allí escribo y monto las películas. Cocino y hago la compra, aunque reconozco que la mujer claramente siempre hace más en casa.

– El IVA del cine no baja.

– Es una muestra clara y descarada de desprecio. No tiene ningún sentido, como tampoco lo tiene que España no se ofrezca como lugar de rodaje de películas internacionales. Tenemos tantos paisajes, horas de sol y equipos técnicos estupendos… Montoro se niega a algo que sería muy bueno para la propia Hacienda. Odia el cine español, es muy evidente, le gusta ponérnoslo difícil. Es la venganza por el ‘no a la guerra’ de 2003.

– Una frivolidad. Usted tiene 58 años y está igual que a los 30. ¿Cuál es su secreto?

– Últimamente empiezo a pensar que algo pasa, ja, ja. No me cuido mucho. Hay una parte de genes, mi padre era muy atlético, y tengo un pelo muy bueno. Aunque el otro día me vi en unas imágenes recibiendo el Goya por ‘Vacas’ y pensé, ‘mira qué cara de crío’.

Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 6 de abril de 2017.

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Álex de la Iglesia (Bilbao, 1965) entró en la cincuentena siendo padre por tercera vez. Su felicidad vital contrasta con el pesimismo y la negrura que desprende “El bar”, la cinta con la que inaugura este viernes el Festival de Málaga, una semana antes de su estreno en los cines. Su escenario, una tasca madrileña de las de porras en la barra y tele a todo volumen, en la que sus parroquianos se ven obligados a permanecer encerrados: a los dos que han salido por la puerta les ha volado la cabeza un francotirador.
– ¿Los bares son iguales en todas partes?
– Cambia el “look”, los de Bilbao son más acogedores. En Madrid sobreviven muchos con ese punto de pescadería, con las luces de neón y unos pintxos que no tienen nada que ver con los nuestros. Pero si hay algo que nos une en este país son los bares. Allí te puedes encontrar con gente que no conoces de nada. Curiosamente, te sientas muy cerca físicamente de una persona sin tener la necesidad de hablar con ella. Puede ser un asesino o el amor de tu vida.
– ¿Qué encuentra en un bar?
– Cercanía, una sensación de “stop” en la lucha diaria. Te metes a un bar y parece que no te pueden atacar, de ahí el punto de partida de la película.
– ¿No hay demasiados bares en España? ¿No nos iría mejor si hubiera más librerías y menos tascas?
– No nos vendría nada mal que hubiera más librerías, por supuesto. Pero los bares son un síntoma de cómo somos. Nos gusta estar tranquilos un rato y socializar. Eso está muy bien en esta época en la que nos conducen hacia un solipsismo total, en el que la gente solo se comunica a través del móvil y el ordenador. Da miedo.
– El cine de catástrofes siempre nos ha enseñado que una situación límite saca lo mejor del ser humano. Usted demuestra lo contrario.
– Totalmente. Bajo “El bar” se oculta una película de catástrofes. El miedo es un detonante para que surja tu verdadero yo, que suele ser bastante decepcionante. “El bar” cuenta la historia de un grupo de gente desesperada que se ve obligada a mostrar sus propias miserias.
– Le ha salido una película muy pesimista.
– Bueno, también hay una oportunidad de sobrevivir, una salvación. Pero es una película bastante naturalista, no quiero ocultar esa sensación de angustia que tenemos todos. “El bar” está muy unida al tiempo que vivimos, al miedo e incertidumbre que sentimos. A la paranoia, porque no nos creemos al Gobierno, ni a la Policía, ni a la gente que tenemos alrededor. Cuando en la película los personajes descienden al purgatorio del sótano, antes de llegar al infierno de las cloacas, empiezan a dudar de ellos mismos.
– Habla entonces de la España actual.
– No hay una intención de pontificar sobre cómo son las cosas, pero sí de describir la angustia y el desamparo que sufrimos. Por eso el bar de Terele Pávez se llama “El Amparo”.
– Los personajes son arquetipos: el loco, la pija, el hipster…
– Eso viene de las películas de catástrofes. ¿Te acuerdas de “El coloso en llamas”? Es la película que más me gustó de pequeño. La vi en el Astoria de Bilbao, que ya no existe, y en el cartel había unas fotitos que ponía: el héroe, el cobarde, la chica… Eso me volvía loco.
– Está en la fase de posproducción de su siguiente película, “Perfectos desconocidos”. Además, ha producido “Pieles” y “Errementari”. Es como si tuviese la necesidad de respirar cine.
– Es exactamente lo que me pasa. Me encuentro muy bien mentalmente, con muchas ganas e ilusión. Y como tengo la oportunidad, la aprovecho. No me basta con mis propias películas. De “Errementari” oí hablar por primera vez en un estreno. El técnico de maquillaje me enseñó unas fotos de unos demonios. ¿Pero dónde habéis hecho esta maravilla? Es una película que estamos rodando en Vitoria. Y dije que quería estar ahí. La hemos presentado en Berlín y conseguido distribución internacional.
– Es como si tuviera miedo a quedarse quieto.
– Sí. Porque cuando te detienes, piensas. Y tienes una triste visión global. Creo en el movimiento como origen de la vida.

– Usted fue uno de los introductores de Twitter en España. ¿Qué piensa del boicot a “La reina de España” y “El guardián invisible” promovido desde esa red social?
– Es muy triste. Por otro lado, es el precio a pagar por tener una comunicación global. Es lo mismo que sucedió con el correo electrónico. Estábamos encantados hasta que se nos llenó de mensajes no deseados. En Twitter no puedes filtrar, estás expuesto todo el tiempo a los pensamientos de una inmensa masa que antes no tenía manera de comunicarse. Y eso es terrible, porque te llegan opiniones de gente a la que no quieres escuchar. Pero si te cierras, te pierdes a otra gente que dice cosas interesantes. Habría que dar clases de cómo utilizar Twitter. Yo tengo muchos amigos que solo conozco virtualmente, porque me enganché a lo que decían. Hay que tener cuidado con cómo se habla, te asomas a un balcón con millones de personas escuchándote. Y ellos te pueden responder.
– ¿Pero Twitter lleva gente a las salas?
– Esa no es la intención, sirve para estar en contacto. Yo ahora tengo una manera diferente de ver las cosas gracias a Twitter. La gente piensa y actúa de otra manera a partir de lo que lee allí. Das a conocer tu trabajo y las cosas que te gustan. Yo tuiteo mucho sobre libros y cómics. El secreto de Twitter y de la buena educación en la vida es hablar de lo que te gusta y no buscar la disensión.
– Le veo muy fan de Netflix y nada nostálgico de los cines.
– Como cineasta, me vuelve loco el cine. Una película hasta que no se ve en pantalla grande no es película. Pero como productor y consumidor de material audiovisual, obsesionarse con las salas es un grave error. Hoy el público está en otro sitio. Una película tampoco es película si nadie la ve. Aferrarse exclusivamente a la distribución y exhibición en salas es estar en contra del futuro. Ahora comprobamos lo que yo había vaticinado hace cinco años. Habría sido maravilloso que en vez de estar pensando en Netflix, HBO y Amazon, hubiésemos creado nuestras propias plataformas en España. No supimos aprovechar la oportunidad, no tuvimos la habilidad ni la paciencia necesarias.
– ¿Cómo le sienta cambiar pañales después de tantos años?
– Fantásticamente bien. No solo existen los bares, también los pañales, ja, ja. El mundo se detiene cuando me estoy ocupando de la niña. El momento del baño es maravilloso. Con cincuenta tacos, un bebé en lugar de ser un problema es una ventaja. Tienes la paciencia necesaria que yo antes no tenía.
– ¿Tiene más miedos ahora que cuando fue padre por primera vez?
– Todo lo contrario, lo llevo con mucha más tranquilidad. Con Rebeca y Claudia corríamos a urgencias todos los días. Ahora, el poso de la madurez te lleva a decir, bueno, a ver cómo está la niña mañana.

Entrevista publicada en EL CORREO el 14 de marzo de 2017

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A los once años, Raúl Arévalo rodó un cortometraje titulado “Superagente 000”, que debe andar perdido en casa de sus padres. “La actriz era mi hermana, que hoy es la jefa de sonido de mi película. También salía mi primo y un vecino. Metía efectos especiales a la virulé, con ketchup haciendo de sangre…”. El actor recuerda las primeras películas que vio en el cine: “ET”, “Conan el Bárbaro”, “Cocodrilo Dundee”… El socio número 131 del videoclub Iris de Móstoles, fan de Bruce Lee, rodaba cortos gore en el instituto. También llevaba una cámara cuando estudiaba Interpretación en la escuela de Cristina Rota tras aguantar un año en la carrera de Historia. “Solo terminé aquel primer corto, el resto se frustaron”, cuenta. “Empecé a trabajar como actor y ya no tuve tiempo para nada más. Se me fue creando una bola cada vez más grande por esa necesidad de dirigir”.

A los 37 años, Arévalo se ha sacado con creces esa espinita clavada. Su ópera prima, “Tarde para la ira”, arrasó en los Premios Forqué que conceden los productores y en los Feroz de la crítica. El próximo 4 de febrero se sabe favorito para los Goya, donde el runrún predice que se impondrá a “Un monstruo viene a verme” (12 nominaciones) y a “El hombre de las mil caras”, con la que empata en número de candidaturas: 11. “Todavía estoy encajando lo de ser favorito”, reconoce. “Hasta ahora no había sido consciente de ello. Hará que tenga más nervios pero que disfrute más de la gala. Como luego todo es tan subjetivo… Ganar el Goya no significa que seas mejor ni peor que los otros”.
“Tarde para la ira” parte con ventaja no solo por los premios recibidos; la mayor parte de los votantes de la Academia son actores, y Arévalo ha logrado nominaciones para cinco de sus intérpretes. “Soy actor y empatizo con sus necesidades. Intento respetar su trabajo y su espacio. Al haber elegido a todo el reparto y ser amigos míos, todo es más fácil. Por ejemplo, conozco cada mirada y cada tic de Antonio de la Torre. Así es más fácil pedirle lo que quiero”.
“Tarde para la ira” cuenta la historia de una venganza. La que lleva a cabo la víctima de un atraco en una joyería que salió mal y que espera durante años a que el ladrón salga de la cárcel. Una historia “nacida de las tripas”, que Arévalo ha tardado ocho años en sacar adelante. “Me nace de una necesidad, de algo pasional, que no tiene que ver con lo racional de pensar una historia. Necesitaba dar mi punto de vista sobre la violencia inherente al ser humano, una violencia cruda y descarnada que huye de la parte más efectista del cine”. A muchos sorprendió que Arévalo, ganador del Goya como actor de reparto por “Gordos”, se atreviera con un relato tan sórdido y crudo. “Supongo que tiene que ver con el momento en el que empecé a escribir el guion”, apunta. “En ciertas épocas de la vida tiendes a sacar más la parte mala para después sacar la luminosa, que es lo que me gustaría ahora”.

“Tarde para la ira” está ambientada en una España suburbial que su director conoce bien, con bares de partida de mus y serrín en el suelo, primeras comuniones a los sones de una rumba, moteles cutres y gimnasios peligrosos. También hay una fuga a un pueblo castellano azotado por la solana, Martín Muñoz de las Posadas, en el que Arévalo pasó todos sus veranos. La casa que sale en la película es la de su abuela, la misma en la que rodó aquel corto de chaval. “Llevé a mi terreno los escenarios y retraté los sitios y la gente con la que me he criado. Cuando vemos una película coreana que está bien contada y habla de seres humanos su mensaje local se vuelve universal. Es lo que hace que Almodóvar sea el director español más conocido y valorado en el mundo”.
El perfil de Arévalo en Twitter luce la frase de un filósofo japonés: “Por amor a la memoria llevo sobre mi cara la cara de mis padres”. Con su aire a un joven Sean Penn, el actor explica el porqué. “Las cosas que me ponen nervioso de mi padre son las que cada vez hago más”. En su formación considera igual de importantes la escuela de Interpretación y el Krug, la cervecería alemana que su familia regenta desde hace veinte años en Chamberí. “Cristina Rota siempre dice que un actor tiene que tener vivencias. Cada vez soy más consciente de ello. Trabajar en el bar de mis padres es una vivencia en sí que me ha aportado mucho”. En el Krug ha escuchado muchas veces comentarios despectivos hacia el cine español. “Odios y mierda enquistada que te lleva a pensar en las dos Españas… Gente que te dice que no va a ver una película española ni para atrás, pero que te pregunta si conoces a Paco León o Fernando Tejero para llevarle un autógrafo a su cría. ¡Coño, pero si son los mismos que en las películas!”.

Raúl Arévalo está orgulloso de “Tarde para la ira”. Se empeñó en rodarla en Super 16, un formato que obligaba a enviar cada día las latas a Rumanía para revelar el celuloide. “Cualquier otro productor que no fuera Beatriz Bodegas me hubiera mandado a la mierda”. En las tibias recaudaciones del filme tras su estreno el pasado septiembre (poco más de un millón de euros) tiene mucho que ver la escasa promoción que hizo TVE. “Cuando he protagonizado una película, mi tía me dice: “Esa película debe de ser muy buena, porque la anuncian mucho en la tele”. Agradezco a TVE que me haya ayudado a hacerla, pero creo que haría falta mucho más apoyo a la hora de promocionarla. Ha sido frustrante”.

Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 29 de enero de 2017.

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Han pasado cinco años desde la lluvia de Goyas a ‘No habrá paz para los malvados’ y Enrique Urbizu sigue sin rodar. El director regresaba esta semana a Bilbao para celebrar los 25 años de ‘Todo por la pasta’ con una proyección en el teatro Campos de la mano de la fundación SGAE. Volvía a una ciudad muy distinta a la que dejó para buscarse la vida en Madrid.

– ¿Cómo era aquel Bilbao de finales de los ochenta?
– La principal huella de ‘Todo por la pasta’ es el retrato de la ciudad. Queríamos mostrar un Bilbao puro Chester Himes. La rodamos en el verano de la gran sequía, con cortes de agua. Se ven uniformes marrones de la Policía conviviendo todavía con los azules. Bilbao ha cambiado su prestancia, el golpe de vista. Aquella ciudad postindustrial, en decadencia, del hierro y el astillero se ha transformado en una comedia musical.
– Da la sensación de que ya no hay bajos fondos.
– Son distintos, je, je. Bajos fondos siempre hay, se han trasladado. Antes la frontera entre bajos fondos, actividad social, movimientos obreros y juveniles era muy borrosa. Era un momento de convulsión, estaba todo el mundo moviéndose. San Francisco era un barrio de frontera, de convivencia. Estaba la galería Safi de Álex de la Iglesia y aquellos locos, el caballo de los gitanos y las putas de toda la vida. Mi madre está allí ahora en una residencia recién construida, impecable. Siguen las putas, pero podíamos hacer un parque temático.
– ¿Por qué el cine negro es esencial en su filmografía?
– No sé, supongo que tiene que ver con la infancia, el juego, la atracción por las primeras imágenes que te fascinan en la tele, con las películas de la Hammer… ‘Sed de mal’, el cómic, Chandler, Hammett, Himes, Thompson… Todo eso mezclado con la conciencia de que el cine ha de tratar temas contemporáneos. Y el negro es el mejor género para pegarle un repaso a cómo va esto. Te recuerda que lo más importante no nos lo cuentan nunca. Los ‘thrillers’ te muestran el cableado por detrás del panel. Y hay pistolas, corbatas, bares… Sintácticamente es un género que no admite tonterías ni adornos.
– Cinco años ya desde ‘No habrá paz para los malvados’.
– No he parado de escribir, cuesta ser financiado. Hay varios guiones rulando y estoy desarrollando una serie por encargo de Movistar, ‘Gigantes’, que el año que viene habría que dar motor. Un melodrama criminal sobre un clan con un tono bastante arriesgado.

– ¿Quedó satisfecho de ‘Alatriste’?
– Es una experiencia muy frustrante de la que prefiero no hablar. A veces hablo sobre ella en clase, para contar la verdad a los chavales. ‘Alatriste’ fue el peor trabajo de mi carrera; de hecho, lo que se emitió no era mío en su totalidad. Cosas que pasan en este oficio. Las televisiones son ahí las que mandan.
– ¿Y eso que dicen que el mejor cine se hace hoy en televisión?
– Eso es una chorrada. Se están contando historias magníficas en televisión, atreviéndose a cosas a las que nunca se habían atrevido. Parece que hay signos de autonomía creativa, aunque a mí me parecen engañosos. Las series tienen la gran ventaja de que puedes desarrollar muchísimo los tiempos muertos, las tramas paralelas, la vida de los personajes… Son disfrutonas, me encantan. Pero, ¿HBO produciría ‘Saló o los 120 días de Sodoma’ de Pasolini? ¿Quién está produciendo a David Lynch? Los franceses. La pantalla grande es otra cosa. No puedes intervenir durante la proyección para irte a mear, es una experiencia colectiva… Y eso cambia el lenguaje. Lo que pasa es que en el cine solo están dejando hacer películas de hombres en mallas para un público muy joven. El espectador de casa, repantingado en el sofá, tiene pasta para suscribirse a los canales de pago. Lo que no sé es por qué no se puede hacer ‘The Wire’ en una cadena generalista para el resto de la población, igual es que somos todos tontos y no vamos a entenderla. ‘Ida’, ‘Caballo dinero’… no están en televisión.
– ¿Qué pasó con ‘2014 hijos de puta’, de la que se había hecho ya hasta el casting?
– No hubo acuerdo entre pares. No podía aceptar lo que se me ofrecía y lo dejamos. Teníamos el 70% de las localizaciones hechas. Decir no es tan importante como decir sí. Tampoco vamos a hacer chorradas.
– ¿Se hará algún día? ¿Era muy atrevida una película que arrancaba con el suicidio de un banquero en un campo de golf?
– El contrato contempla que si encontramos una nueva novia podemos recuperar el guion. Era una comedia picaresca con mala leche que contaba cómo la corrupción es transversal. De arriba a abajo, todos pringados. No ponía el dedo sobre nadie en concreto. Además, la tropa está inmunizada con el tema.

– ¿Echa de menos productores independientes?
– Echo de menos al productor cineasta, el que tenía ideas locas, como Andrés Vicente Gómez. Está más capacitado para correr riesgos que el financiero de una empresa que pertenece a un grupo de comunicación.
– Su labor de profesor en la universidad le permite estar en contacto con las nuevas generaciones. ¿Cómo las ve?
– Doy clases en la uni y en la escuela de cine de la comunidad de Madrid, son mejor que ir al gimnasio. Son chavales en un nivel unversitario a los que se les supone unos intereses definidos. A veces se nota que vienen con una edad emocional más joven de lo que éramos nosotros. Cada año ves las prácticas de fin de curso y el que se está examinando también eres tú. Hay razones para la esperanza, lo que les falta es que miren para atrás.

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La escritora y cineasta se recupera del “parón enorme” que supuso su polémico paso por el Ministerio de Cultura

Ángeles González-Sinde sabe que jamás podrá tener una cuenta con su nombre en Twitter o Facebook. “No me atrevería. Desgraciadamente, internet es un medio hostil para mí, lo tengo asumido y lo acepto”. Ministra de Cultura entre abril de 2009 y noviembre de 2011, su apellido bautiza una ley (en realidad, un apéndice normativo de la Ley de Economía Sostenible) que pretendía acabar con las descargas en internet y las webs de enlaces. Su lucha contra la piratería la convirtió en la villana oficial de la Red. El acoso llegó a tal extremo que tuvo que cambiar los números de teléfono de su casa y el móvil ante las amenazas que recibía.
Han pasado cuatro años de su marcha del Gobierno Zapatero, pero todavía no se ha recuperado. “Estar en política es una experiencia que te transforma, no vuelves a ser la misma persona”, reflexiona. “Para bien, porque te enriquece vital e intelectualmente. La política es muy noble y apasionante, pero para mí fue muy duro, he tardado bastante en recuperarme. Sobre todo en lo que se refiere a tu identidad, a cómo te percibe la gente”. González-Sinde, que recibió en Bilbao el Premio de la muestra Zinemakumeak, se siente orgullosa de que una ley que nació para proteger los derechos de autor y la propiedad intelectual lleve su apellido. “Al menos me da la sensación de que hubo una realidad en la que participé y que tuvo unas consecuencias. La gestión pública a veces es intangible, piensas: “Me mataba a trabajar todo el día, ¿y qué hacía?”. En la política local los resultados son más concretos”. La polémica “ley Sinde”, reivindica, fue un empeño solitario. “Nadie más la apoyaba, salvo el sector afectado. Y en el Gobierno solo la defendía el presidente Zapatero, que no tenía el apoyo ni de su propio partido ni de los demás ministros. Sí, está bien puesto el nombre si significa que fue un acto solitario”.
A la directora y guionista le sorprendió descubrir la agresividad en la Red. “Cuánto odio y cuántos intereses se mueven, enmascarados bajo banderas supuestamente inocentes”. Los defensores de la “cultura libre” (gratis) la acusaron de actuar al dictado de “lobbies” estadounidenses. Hasta figuró en el escándalo de los cables de Wikileaks. “De internet sacan beneficio unas multinacionales muy poderosas que nadie cuestiona. A esos grandes internautas libertarios les parece fantástico que Apple les cobre 700 euros por un teléfono. ¿Por qué eso puede costar dinero y los contenidos no? Incluso muchos artistas se lo creen. El otro día leía el blog de una ilustradora que me gusta mucho y que está en contra de la propiedad intelectual. Me quedo perpleja. ¿Por qué Microsoft y Google son mejores que las diabólicas discrográficas? Ellas, por lo menos, permitían que los Beatles grabaran discos y con sus beneficios muchos grupos tuvieron futuro”.

La “ley Sinde” no ha resultado efectiva y los cierres de páginas piratas han sido simbólicos. A tres días de la llegada a España de Netflix –el portal de series y películas on-line más poderoso–, el discurso antipiratería sigue sin calar. “Es como cuando abres el grifo y sale agua; hasta el día que no salga sin una moneda seguirá así”, compara la exministra, a la que hace gracia la socorrida excusa tecnológica de que no se pueden poner puertas al campo. “El campo está lleno de puertas, y las aguas internacionales tienen límites que llevan a la cárcel a los pesqueros que las traspasan. Por desgracia para los ciudadanos, internet ofrece una facilidad enorme de control. Sabe todo de nosotros”. ¿Por qué entonces no hay voluntad política de acabar con las descargas ilegales? “No se hace porque es impopular en nuestro país, aunque no poder acceder gratis a la discografía de los Stones no es algo que amenace tu vida. Cuando aquí quieran hacer negocio con los contenidos la piratería será más difícil”.

Ángeles González-Sinde (Madrid, 1965) llegó al Ministerio de Cultura después de ir aceptando cargos gremiales empujada por sus colaboradores. Hija del productor José María González-Sinde, fantaseó con la idea de ser actriz, se licenció en Filología Clásica y realizó labores de prensa en editoriales y compañías de discos antes de encontrar su vocación. Mario Onaindía y José Luis Borau fueron sus maestros en el primer máster de guion que se impartió en nuestro país. Completó su formación en Estados Unidos y se forjó en series de televisión como “Truhanes”, “Turno de oficio” y “Cuéntame”. Escritora de libros para niños, el Goya por el guion de “La buena estrella” en 1997 la animó a ponerse tras la cámara, obteniendo otra estatuilla en 2003 como directora novel de “La suerte dormida”. Suyo era el guion de la cinta española más taquillera el año que la nombraron ministra, “Mentiras y gordas”, objeto de chanza para sus críticos en internet. Estuvo al frente de la Asociación Literaria de Medios Audiovisuales defendiendo los derechos de los guionistas hasta que Enrique Urbizu la convenció para que se presentara a la presidencia de la Academia del Cine, desde donde saltó a Cultura. Su carrera, se lamenta, ha sufrido un parón de cinco años.
“Han sido casi tres años de dedicación a la política y dos más de incompatibilidad. Un parón enorme a una edad que en el cine no es un valor sino un hándicap, salvo excepciones como Emilio Martínez Lázaro, que todavía es visto como un director comercial”. La reincorporación a su oficio no está siendo fácil. “Me he encontrado una industria que han hundido en esta legislatura que termina. Se nota en el desánimo de los productores, en su falta de energía y fe para iniciar proyectos. Las películas se ruedan en menos semanas, los técnicos cobran sueldos bajos y todo es más precario”.

Ya fuera de su cargo, la directora de “Una palabra tuya” volvió a estar en el ojo del huracán hace un par de años, cuando quedó finalista del Planeta. “Me machacaron a críticas, fue muy amargo. Después de pasar dos años en el dique seco escribiendo una novela, la publicas y te reciben con sospechas y acusaciones. Me entró el pánico. Pensé qué iba a hacer si no podía dedicarme a escribir. No tengo otro oficio”. Haber estado en política, concluye, es un demérito, “un estigma que no ayuda en tu carrera”.
– ¿Volverá entonces a la política?
– Jamás. Admiro mucho a los que se dedican a ello, tienen una resistencia de la que yo carezco. Lo bueno de cumplir cincuenta años es que me he dado cuenta de que lo que mejor se me da en la vida es escribir. Me produce serenidad. Si puedo volver a rodar algún día me encantará, y si no vuelvo a hacer películas porque se pasó mi tiempo tampoco pasa nada.

De momento, González-Sinde prepara un guion que dirigirá Daniela Fejerman y rueda vídeos para empresas y piezas audiovisuales. Escribe en prensa, sigue sin hacer demasiado caso a Twitter –”a veces cree mos que es el BOE”– y ayer se sentía orgullosa de recoger un galardón bautizado con el nombre de Simone de Beauvoir. “Es de los mejores premios que me han dado. Muchas veces ves cosas en tu entorno que te indignan en cuanto a la desigualdad de las mujeres, y te sientes muy sola. Piensas si estarás obsesionada con el tema. Que me premie un grupo de mujeres de otra ciudad que no te conoce y tiene las mismas inquietudes te respalda”.

– El cine no es un mundo especialmente machista, pero seguimos sin directoras.
– Sí. No es más machista que el periodismo. Uno pensaría que habría más incorporaciones con las nuevas generaciones, pero sigue siendo un goteo. En las artes se dan fenómenos de inercia. Y el patriarcado es un modelo que se perpetúa sin tener que hacer ningún esfuerzo para ello.

(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 17 de octubre de 2015).

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El pequeño de los Trueba captura en ‘Los exiliados románticos’ el espíritu de una generación desencantada y viajera 

Llamarse Jonás Groucho ya indica que tu padre es o muy cinéfilo o muy cachondo. Fernando Trueba reúne ambas características, así que no es extraño que su único hijo acabara dedicándose al cine. A diferencia de su padre y de su tío David, Jonás no creció en el populoso barrio de Estrecho, donde la educación sentimental se conformaba en las salas de cine que había en cada esquina en los 60 y 70. Tuvo el privilegio de vivir en el maravilloso caserón de Fernando Trueba y Cristina Huete en Arturo Soria, en cuyo estudio anexo en el jardín el autor de ‘Belle Epoque’ acumula discos, películas y fetiches.

Así, Jonás (Madrid, 1981) desarrolló su vocación entre fotos firmadas por Billy Wilder, tertulias con Rafael Azcona y El Gran Wyoming y los rodajes paternos. «Una de las grandes ventajas de pertenecer a una familia de cineastas es que desacralizas el cine; es el día a día, como comprar el pan», descubre. «Para mí es un oficio hecho por gente normal, maja y generosa como mi familia. No he perdido tiempo desmontando una idea del cine, algo que a otros les cuesta años».

La primera vez que supimos que Fernando Trueba tenía un hijo metido en el mundillo fue al ver su nombre como guionista de ‘Más pena que gloria’ y ‘Vete de mí’, ambas dirigidas por Víctor García León, el hijo de José Luis García Sánchez y la cantante Rosa León. Por ahí también andaban otros hijos de artistas ilustres: el montador Buster Franco –vástago del llorado Ricardo Franco, que tampoco se cortó al bautizarle– y el músico David San José, hijo de Ana Belén y Víctor Manuel. Una generación que, aparentemente, lo tuvo fácil para saltar al largo.

Tras escribir junto a Fernando Trueba el guion de ‘El baile de la Victoria’, Jonás debutó como director en 2010 con ‘Todas las canciones hablan de mí’, una cinta que dejaba clara su educación afrancesada y unos referentes fílmicos que bien podrían ser los de su progenitor: Truffaut, Rohmer, Woody Allen… La crónica sentimental de un Antoine Doinel criado en Argüelles incluia parlamentos a cámara, un sinfín de citas cinéfilas y literarias y el regodeo de quien se baña a gusto en la melancolía.

Tres años después llegaron ‘Los ilusos’, una película sobre el deseo de hacer cine que también era un canto de amor a un Madrid de cafés, librerías de viejo y la Filmoteca del cine Doré. Una cinta hecha con cuatro duros, entre amigos y en ratos libres, rodada en blanco y negro con una vieja cámara de súper 16 mm. que criaba polvo en la casa de su tío Javier. ‘Los ilusos’ bebía del desencanto de su primer largometraje, cuya distribución no fue como esperaba su autor, así que con este decidió moverse en salas alternativas y cinematecas, acompañando las proyecciones para debatir con el público.

La docencia de cine y sus artículos y reflexiones en medios de comunicación ayudaron a madurar su tercer largometraje, que se estrena el próximo 11 de septiembre. ‘Los exiliados románticos’ también está rodado sin esperar a las subvenciones, en apenas doce días y con una cámara de fotos que graba vídeo. El guion se iba reinventando sobre la marcha y los protagonistas son tan amigos en la ficción como en la realidad. Trueba habla de la amistad y de las relaciones amorosas «que han sido o que podrían haber sido». Lo hace embriagado de cinefilia, con el humanismo libertario de Truffaut y la aparente ligereza sentimental de Eric Rohmer.

‘Los exiliados románticos’, Premio Especial del Jurado en el último Festival de Málaga y Biznaga de Plata a la música de Tulsa, es una deliciosa ‘road movie’ que, como el que no quiere la cosa, atrapa el espíritu de una generación. Setenta minutos le bastan a su director para narrar el viaje de tres colegas en una Volkswagen California por las carreteras de Francia, con paradas en Toulouse, París y Annecy, ciudades con una larga tradición de acoger exiliados españoles. Cada uno de los protagonistas tiene una buena razón para unirse a la aventura ese verano: una chica que conoció en el pasado.

«Los personajes aspiran a encontrar esa idea idílica de la amistad entre hombres y mujeres», resume el director, que muestra de fondo el exilio de los jóvenes españoles en busca de trabajo y la realidad multicultural de una generación que, a diferencia de sus padres, habla idiomas y se mueve con libertad por el mundo. De nuevo aparecen la melancolía, cierta nostalgia y las citas cultas: «Ya sé que dicen que está mal visto meterlas pero, en mi caso, forman parte de la vida cotidiana».

Jonás Trueba se ha pasado el verano acompañando las proyecciones al aire libre de ‘Los exiliados románticos’ por toda España antes de que llegue a las salas. Integrante del colectivo Unión de Cineastas, reivindica la libertad de hacer películas sin victimismos y apelando a la unidad del sector. «Estoy donde quiero estar, que no sé muy bien dónde es… Hago las películas que quiero hacer, porque el cine español a veces es muy ‘o estás de este lado o del otro’, ‘o haces películas grandes y comerciales o autorales y marginales’. Yo pienso que el cine tiene que ser lo más amplio y generoso posible».

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‘Felices 140’ no es la película que uno espera de Gracia Querejeta (Madrid, 1962). “Quería explorar cómo el di nero pone a prueba la amistad”, justifica la directora, que reúne a una familia en una idílica casa rural convocados por una anfitriona (Maribel Verdú), que suelta la bomba: le han tocado 140 millones de euros en la lotería. Querejeta regresa a la familia como una institución muy poco acogedora y retrata a una generación de cuarentones insatisfecha, movida por la codicia y la mezquindad. “En el momento en que escribí el guion (con Antonio Mercero) estaba bastante cabreada con el mundo. Igual ahora lo estoy menos, no lo sé…”. Ese cabreo ha llevado a la hija del llorado Elías Querejeta a aceptar la vicepresidencia de la Academia del Cine. “Había que arrimar el hombro”.

  -“Felices 140” es deudora de una crisis que todavía no ha acabado.
-Quería hablar de gente corriente de cuarenta años, a los que las cosas les van mejor o peor. Ninguno tiene una necesidad acuciante.

  -Todos pensamos que con más dinero seremos más felices.
-Sí. Ansiamos la comodidad que te da el dinero de no preocuparte por sacarte las castañas del fuego. Ahora, ¿cuál es el precio que estamos dispuestos a pagar por ello?

  -Vuelve a su gran tema, la familia, según usted un sitio terrible.
-Sobre todo si hay dinero por medio. Parece mentira la cantidad de familias que se destruyen por las herencias. Yo, como soy hija única, no he sufrido esos problemas, pero los he vivido de cerca.

  -La esperanza la deposita en el chaval protagonista, el único íntegro de todos.
-Me gustaba la idea de que el más pequeño y el que menos control tiene sobre la situación es el que posee la mirada más limpia sobre el horror que está contemplando. Tengo un hijo de veinte años y creo que a esa edad todavía no tienen la cabeza tan contaminada.

  -¿Confía en las nuevas generaciones?
-Siempre. Si no, con mi chaval haciendo segundo de Políticas sería para tirarse de los pelos. De momento es muy difícil que mi hijo encuentre otra manera de vivir que no sea en la casa familiar. No sé si volverán los momentos de bienestar que hemos vivido, pero quiero pensar que la lógica y el sentido común prevalecerán. Las nuevas generaciones podrán estar en el mercado de trabajo de manera habitual y no como excepción.

  -¿Cree que saldremos mejores de esta crisis?
– Si salimos… Hará falta tiempo para superar este trauma que ha destruido tejido empresarial en mi sector y ha dejado unos sueldos muy pequeños. Será necesario mucho tiempo para poder quitarnos de encima esta sensación de precariedad constante y de no saber hacia dónde tiras. Hace veinticinco años yo quería hacer una película y podía. No una película de la hostia, pero tenía varias maneras de financiarla. Ahora no sé cuándo volveré a hacer la siguiente.

  -¿Antes vivían en el cine español por encima de sus posibilidades? ¿Había alegría a la hora de subvencionar?
-Nunca he tenido esa sensación. Yo he vivido de mi trabajo desde hace muchos años, no tengo casas de campo ni jet privado. He hecho una vida muy normal, sin grandes lujos, pero sin grandes angustias. Sin el temor actual de no saber si podrás seguir trabajando en tu oficio.

  -Pensaba que cada dos años iba a poder rodar un largometraje.
-O cada tres. Y haciendo por medio documentales, series… De hecho me siento muy afortunada de haberme podido reenganchar a la tele.

  -¿Ha visto dramas a su alrededor?
-Sí. Trasiego de préstamos entre compañeros. Hay gente que lo ha pasado francamente mal.

  -Mario Camus dice que ya no tiene ganas de buscar financiación para un filme, porque ese proceso es más complicado que rodarlo. “Éramos como pordioseros y lo seguimos siendo”, se queja.
-Antes éramos menos pordioseros. Mario Camus, Víctor Erice y directores de generaciones anteriores no pueden dirigir. Hacer una película hoy es un lujo. Y eso no tiene ningún sentido desde el punto de vista industrial ni cultural.

  -La semana que viene empieza el Festival de Cine Español de Málaga, lleno de películas “low cost”.
-Hace dos años ya ocurrió, cuando ganamos con “15 años y un día”. Fue el año de “La herida”, “Stockholm”… Esa tendencia de cine con muy poco presupuesto ya está instaurada desde hace tiempo. “Felices 140” es uno de mis proyectos más pequeños, solo tuvimos seis semanas de rodaje.

  -¿Se ve haciendo “crowdfunding”? ¿Recolectando dinero por internet?
-No. Quizá para otro tipo de experimentos, pero para una película no. Me veo un poco mayor. Concibo la producción de otra manera, dentro de un tejido industrial donde cobre todo el mundo. Lo que no quiere decir que no confíe en que el audiovisual se vaya a ver en internet. Netflix vende al mundo entero sus series porque son muy buenas. Esa es la tele que a mí me gustaría ver y que pasa por la compra de productos que sabes que te van a gustar.

  -¿Por qué ha dedicado “Felices 140” a su madre?
-Porque se la debía. Ya le dediqué la anterior a mi padre. Pobrecilla, vaya una película que le ha caído…

  -Es su primera película sin su padre vivo. ¿Cómo se ha sentido?
-Rara. Me acuerdo un día estando con Maribel en el set, que me pilló mirando el mar… Es que echo mucho de menos a mi padre, le dije. Siempre ha sido un referente. No sé qué hubiera pensado de esta película, creo que le hubiera molado. Me hubiera dicho que es demasiado brutal.

  -No va a volver a haber productores como Elías Querejeta.
-No sé si por el talento, ahí no me meto, que me pilla demasiado cerca. Pero es que no existen las condiciones en las que Elías hizo su mejor cine. Tuvo otras dificultades: de orden político, con la censura… Antes de morirse, mi padre decía que ni en su peor pesadilla hubiera imaginado que las cosas iban a ser así. Y falleció en 2013. Si se lo cuentan años atrás no se lo hubiera creído. Vio morir el tipo de producción que le permitió ser uno de los productores más importantes de Europa.

  -¿Sabe que su padre imponía mucho en las entrevistas? ¿Era fácil trabajar con él?
-Mucho. Era extraordinariamente listo y muy generoso. Entendía que el director era el que llevaba las riendas de la película. No trabajaba por imposición, sino por conversación. Discutíamos mucho a gritos, porque la confianza es un asco, pero era profundamente respetuoso con mi trabajo de directora. Nunca tuve miedo a la comparación de autorías, a que me dijeran “esto es así porque está Elías detrás”. Imagínate al comienzo de mi carrera… No hay que tener miedo a reconocer coautorías del guion, lo que es de tontos es rodearte de tontos. Sí, discutí mucho con él, pero siempre desde el respeto profesional.

  -¿Estaba orgulloso de que su hija fuera directora?
-Cuando terminé Historia le hubiera gustado que trabajara con él en la productora, tenía esa fantasía. Y le dije que donde hay patrón no manda marinero. No tenía sitio a su derecha ni a su izquierda, tenía que buscar mi propia parcela. Y qué mejor manera que ser directora. Elías podía llevarse el gato al agua porque era listo, si no le interesaba la película la dejaba en un cajón. No se andaba con chiquitas.

  -¿Cómo le han logrado convencer para ser vicepresidenta de la Academia?
-Eso digo yo… Fui académica bastante tarde. Y hace años ya me llamaron. Confieso que me daba pereza, pero teniendo en cuenta cuál es la situación actual, hay que arrimar el hombro. Hay cosas que se pueden hacer desde la Academia. Somos un órgano políticamente independiente con 1.200 socios. No me puedo negar por vagancia ni porque tenga cosas mejor que hacer.

  -Sabe que el vicepresidente es el que más trabaja, ¿no?
-Ja, ja. Tengo la esperanza de que el presidente curre también. Antonio (Resines) está demostrando que es un presidente con un poder mediático muy interesante. Va a trabajar muy seriamente.

  -Primera reunión con Wert. ¿Cuál sería su prioridad número uno?
-La bajada del IVA cultural. Y más después de haberle escuchado a Rajoy decir que dependerá de la recaudación del cine español. ¿Perdón? Si gravas las entradas con un 21% no es fácil hacer taquilla, porque la gente no tiene dinero para ir al cine todas las semanas. Rajoy sostiene que hay productos culturales al 4%, como los libros. Ya. Y el porno. Es una tomadura de pelo. En las próximas elecciones, gane quien gane, pediría que demostrara una clara voluntad política de arreglar este sector desde distintos ministerios.

  -¿Tiene esperanza en los nuevos partidos?
-En algunos. Tengo esperanza en que de todo este letargo bestial que hemos vivido surja algo potente y con auténtica voluntad política de cambiar las cosas. Ya no nos vale que en período preelectoral se les dé la cartilla sanitaria a los emigrantes. La historia de la humanidad siempre ha funcionado de la misma manera: cuando la presión es insostenible surgen nuevas cosas. No se van a cortar cabezas, como en la Revolución francesa, pero algo saldrá de la desazón.

El bucólico fin de semana de una jauría de desalmados

“Felices 140” transcurre como tantas reuniones en la estela de “Reencuentro” y “Los amigos de Peter” durante un fin de semana que servirá de catarsis. Maribel Verdú, la soltera de la familia, cita a los suyos en una bucólica casa rural de Tenerife para celebrar que le han tocado 140 kilos en el Euromillón. Lo que parecía una comedia romántica se agría cuando el dinero descubre lo peor de cada personaje. Pero eso no es todo. El espectador no espera el brutal giro de guion que viene después. Sorprende que la directora de “Héctor” y “15 años y un día” se sumerga en las procelosas aguas de la comedia negrísima.

El séptimo largometraje de Gracia Querejeta cuenta con un reparto eminente -Antonio de la Torre, Marian Álvarez, Nora Navas…- en el que vuelve a brillar Eduard Fernández, el más humano de una jauría de desalmados en la que es fácil reconocerse. “Felices 140” no se atreve a jugar a fondo la carta del desmelene macabro y contiene una sonrojante escena musical, pero al menos conecta con un estado de ánimo en un país marcado por la crisis y la presencia del dinero en todas las conversaciones. Cruel paradoja de cara a la taquilla: desvelar los derroteros de su trama supone cargarse una película que, en apariencia, parece más “viejuna” de lo que es. Porque ya ni siquiera Maribel Verdú lleva espectadores a las salas.

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Cuando Álex de la Iglesia hizo ‘800 balas’ en 2002 se animó a producirla y bautizó su empresa Pánico Films. Pese a jurar que no volvería a repetir la experiencia, el bilbaíno figura como productor de ‘Musarañas’, una cinta de terror con la que debutan como directores Esteban Roel y Juanfer Andrés. La cinta coincide en la cartelera con el estreno de ‘Messi’, un documental sobre el astro argentino que De la Iglesia ha dirigido pese a odiar cordialmente el fútbol. O precisamente por eso.

 
– ¿Por qué acabó tan quemado como productor en “800 balas”?
– El problema era que aquella película la dirigía yo. Es muy difícil controlarse a uno mismo. Recuerdo que nos gastamos el 30% del presupuesto la primera semana, rodando exclusivamente la secuencia de la diligencia, que duraba tres minutos. Dije que hasta que no quedara perfecta no nos íbamos de allí. Eso provocó el caos y la película salió mucho más cara de lo que habíamos pensado. En “Musarañas” hemos sido más disciplinados.

– ¿Cómo se animó a producirla?
– Carolina (su mujer, la actriz Carolina Bang) me dio un guion de sus profesores en el Instituto del Cine, Esteban y Juanfer. Me dijo que llevaban años intentando sacar adelante el proyecto y que les podíamos echar un cable. Lo leí y me pareció una historia increíble.

– “He hecho como productor lo que jamás han hecho conmigo”, presume.
– Sí. Algo tan simple como preguntarte qué necesitas. Jamás se lo he oído a un productor, y eso que tampoco me han tocado terribles o dictatoriales. Nunca me han impuesto nada, pero no me han preguntado si quiero tomar postre.

– ¿Esa es la tarea fundamental de un buen productor?
– Tiene dos cometidos: conseguir sacar la película adelante, tal y como el director lo necesita, y lograr que se distribuya y exhiba con éxito. Que la gente la conozca y pueda ir a verla es tan complicado como hacerla.
-Usted ha trabajado con muchos productores: Pedro Almodóvar, Andrés Vicente Gómez, Enrique Cerezo…
– Les debo muchísimo, al que más a Pedro (Almodóvar), que es el que me dio la primera oportunidad y confió en mí. Siempre ha estado en un rincón de mi corazón. Pero todos me han aguantado, algo complicadísimo. Trabajando con Esteban y Juanfer me he dado cuenta: yo me hubiera puesto como un cabra en su situación. Ahora comprendo decisiones de mis productores.
– Pero nunca ha tenido malas experiencias con ellos.
– Nunca nos hemos cabreado, pero siempre he necesitado más tiempo y presupuesto. Pensaba que un buen director tenía que pelearse a muerte con el productor para sacar la película adelante. Con “Musarañas” me he dado cuenta de que no es necesario, se funciona muy bien en equipo.
– ¿No se le pasó por la cabeza dirigirla?
– No. El objetivo era que la hicieran estos señores. Estoy muy contento de que ellos hayan confiado en mí, era mi primera película hecha desde fuera, yo también era novato en ese sentido. Y han tenido la generosidad de aguantarme.

– Hubiera encajado en su universo.
– Eso lo dices ahora. Cuando la estaba produciendo era totalmente ajena a mi cabeza. Hay gente que dice que parece una película mía, pero es por afinidad de ideas. Opinarían lo mismo si la hubiera dirigido Pilar Miró, es más, me recuerda a “El crimen de Cuenca”. Y remite a una película de terror antigua, que es lo que más me gusta.
– Quitando su telefilme “La habitación del niño”, nunca ha hecho una película de terror puro.
– No va con mi carácter. Siempre va a haber un momento en que yo mismo me voy a ver dentro de la película y contemplaré las cosas desde un punto de vista cínico o irónico. “Musarañas” la hemos hecho -salvando las distancias- como si la dirigiera Siodmak o Preminger.
– Echo de menos una aparición suya a lo Hitchcock.
– ¡Qué horror! No me gustan los ‘cameos’ porque narrativamente te sacan de la película. De pronto te dices que es una ficción porque ves a esa persona. Otra cosa es Santiago Segura, el único director que hace su propio género: películas de Santiago Segura. En ellas uno de los acicates principales es encontrarte con su fauna de personajes.

– Oiga, ¿jugaba al fútbol en el patio del colegio o era de los que acababan como portero?
– Ni siquiera de portero, eso hubiera supuesto una excesiva confianza en mis habilidades. Era de los que se quedaban en una esquina, junto a los que tenían problemas psicomotrices. Así se repartían las cosas.
– No ser futbolero en Bilbao es ser un apestado.
– Hombre, por otro lado me ha servido para aprender mucho. Cuando no perteneces a un gremio tiendes a universalizar conceptos y a tener una visión peyorativa de lo que no forma parte de tu mundo. Eso es un grave error. Gracias a “Messi” he conocido a tipos muy interesantes, que me han caído muy bien. Valdano es un tío extraordinario, Mascherano, Menotti…

– ¿Y ha llegado a alguna conclusión sobre Messi?
– La conclusión a la que llega el documental es que es una persona a la que solo le interesa el fútbol, lo único que le apetece hacer en el mundo. Habla, se expresa y entiende a los demás a través del fútbol. Todo lo que queda es su infancia, su abuela, su familia y, sobre todo, su pueblo, Rosario. En Buenos Aires me decían que Leo todavía tenía acento de Rosario.
– Él no quería que se hiciera el documental.
– No, ni él ni su familia. Tampoco nosotros queríamos que participasen activamente, porque iba a parecer la película oficial. Queríamos tener nuestra visión, no hubieran permitido muchas cosas de las que aparecen.
– ‘Messi’ es una suerte de ‘Ciudadano Kane’, busca el ‘Rosebud’ de su infancia.
– Sí, saber por qué es así este tipo tan tímido. ¿Qué le pasa? ¿Tiene un problema? Vas descubriendo que es una persona muy encerrada en su mundo y en su familia. Lo demás no le interesa, es solo jugador de fútbol.
– ¿Y en el proceso de rodarla se ha aficionado al fútbol?
– Hombre… Me he dado cuenta de que me gusta la gente que se apasiona por algo, lo importante no es con qué te apasionas, sino la pasión que pones en ello. Los futboleros me merecen mucho respeto, porque se lo creen y lo viven a muerte. Eso sí, el fanatismo no tiene sentido. Ronaldo es igual de bueno que Messi. Establecer parámetros es absurdo. ¿Es mejor el Madrid o el Barcelona? ¿Bergman o Spielberg? No tiene sentido comparar universos tan distintos. El problema del fútbol es que se establecen baremos constantemente.
– Como en los Goya.
– Ni los Goya ni los Oscar son cine. Ni la taquilla. Nada de eso forma parte en esencia del cine, son consecuencias de él. El fútbol es jugar al fútbol, disfrutar de un buen partido.

– ¿Cuál es la película española que más le ha gustado este año?
– ¿Que elija al Messi del cine, ja, ja? Apuesto por “Gente en sitios” de Juan Cavestany, la ha visto muy poca gente y me vuelve loco. Es una locura de película, arriesgada, con un humor demencial. Este año podemos sentirnos orgullosos: “El Niño” es extraordinaria; “La isla mínima” es sorprendente de lo buena que es; “Magical Girl” brutal…
– Qué paradoja: el cine español más desasistido que nunca y con un histórico 25% de cuota de mercado.
– Necesitamos que alguien se crea el cine español, más no se puede demostrar. En las condiciones más difíciles se está haciendo cine de gran calidad. Aunque seguro que pueden ser peores. Sería maravilloso que hubiera alguien que quisiera apoyar una industria, de la misma manera que se apoya el deporte, la agricultura y la moda. Cuando yo era presidente de la Academia todo el cine español se hacía con el presupuesto del Museo Reina Sofía. Y ahora será mucho menos. Si nadie apuesta, no pasa nada, porque seguiremos haciendo cine sea como sea. Claro que digo esto y se aprovechan, porque como ha salido bien… Alguno incluso dirá “gracias a nosotros”. Ojalá saquen conclusiones y digan que se puede apoyar algo que funciona.
– 2015 le viene cargadito.
– Ya quería que acabara 2014. El 23 de febrero comienzo a rodar “Mi gran noche”, con Pepón Nieto de protagonista y Raphael. Será una mezcla de “El ángel exterminador” y “El guateque”, un intento de comedia absolutamente desmadrada. Una especie de “imago mundi” en un programa de televisión donde todo el mundo está encerrado y te dan un papel absurdo, el de figurante. Todos somos figurantes, nos dicen ahora aplaudes, ahora ríes…
– ¿Sabe que Raphael no se pone delante de una cámara desde 1973?
– Eso me asusta y me fascina. El personaje de Raphael es una locura, el primero que dice vamos a hacerla es él. Eso me llena de energía.

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Unax Ugalde (Vitoria, 1978) sabía que en el Festival de San Sebastián le iba a tocar hablar más de política que de cine. El actor presentó en la sección oficial, fuera de concurso, “Lasa y Zabala”, de Pablo Malo, en la que encarna al abogado que defendió a las familias de los dos etarras torturados y asesinados por el GAL. Un personaje llamado Iñigo, que aunque no se apellide Iruin resulta un trasunto del político de la izquierda abertzale, que llevó el caso durante años hasta su resolución en la Audiencia Nacional. El filme llega a los cines este viernes.

– ¿Conoció al auténtico Iñigo Iruin?
– Siempre que interpreto a personajes históricos intento acercarme a ellos todo lo que pueda y de la manera más respetuosa. Mantuve una conversación con Iruin durante tres horas. Mi interés básico era conocer a la persona y que me contara de primera mano cómo vivió todo el proceso. Le advertí que en la película no iba a salir reflejada su persona ni su ambiente familiar. No había tiempo para eso. El protagonista verdadero de “Lasa y Zabala” es el caso, yo soy el antagonista que lo acompaña.

– ¿Pero es Iruin o no?
– Mi personaje se inspira en Iruin, uno de los abogados constitucionalistas más respetados de este país. Quería reflejar su profesionalidad y buen hacer mientras tenía detrás a las familias llenas de rabia y dolor de dos chicos de 20 años torturados y asesinados.

– En el filme no se dice nada sobre la militancia política de Iruin.
– Se cuenta que en su bufete se defiende, entre otros, a terroristas. Todo el mundo que tenga un mínimo conocimiento de la historia sabrá que era un político. Este conflicto es tan reciente y hay tanto dolor y odio por detrás que la gente se va a agarrar a que la película no contextualiza ese momento, los “años de plomo” de ETA. El objetivo era contar la historia de Lasa y Zabala: cómo unas familias descubren de repente que tienen en contra a la estructura de un Gobierno que se supone que está para reparar los daños de sus ciudadanos. Necesitaban una mano derecha, que fue Iñigo Iruin, y una izquierda, el forense Paco Etxeberria, para llevar el caso adelante.

– Muchos de los que han visto “Lasa y Zabala” lamentan que falte ese contexto. Solo en 1983, el año de su desaparición, ETA mató a 43 personas.
– Esa es una pregunta para el director y el guionista, pero puedo entender las críticas. Si contextualizamos todo lo que estaba pasando en aquel momento sería otra película. Esos dos chicos eran soldados rasos, pertenecían a ETA pero no tenían delitos de sangre, habían atracado un banco. Dentro del organigrama de la organización no significaban nada, aunque al parecer tenían un gran futuro.

– ¿Iruin ha visto la película? Tiene que estar contento de su imagen heroica.
– Hay cosas que le han gustado y otras que no, como que le saquemos fumando todo el rato cuando él es ciclista. En serio, no está demasiado contento de esa imagen heroica que tú dices. Yo no lo veo como un héroe, solo consigue llevar el caso a buen puerto. Mi personaje hace cosas que él nunca haría. Si Iruin esperaba un retrato más amable eso es otra película.

– ¿Quiénes serían entonces los héroes?
– El principal héroe es Jesús García, el policía nacional que actuó por su cuenta y logró la identificación de los cuerpos. Desde que aparecieron los restos en cal viva en 1985 hasta 1995 se quedó pensando en ellos, enfrentándose a los suyos. Buscó al culpable, fuera quien fuera, y gracias a la Justicia española se esclareció el caso. Otro héroe de la película es el forense Paco Etxeberria. Y las familias de los chicos, que durante años sufrieron el rechazo de los estamentos cuando buscaban la verdad. Hoy siguen peleando.

– ¿Qué recuerdos tiene del caso?
– Crecí en el País Vasco hasta los 17 años. Nací en 1978, cuando los muertos de ETA subieron de 12 a 65. En 1980 hubo 94. Desde pequeñito recuerdo mucho odio y fuego en las calles. Era cuando empezaba a actuar el GAL y desde España se negaba todo. Recuerdo nítidamente cuando trajeron los cuerpos de Lasa y Zabala, la carga de la Policía Nacional en Fuenterrabía, la de la Ertzaintza en el cementerio de Tolosa… Me parecía increíble que sufrieran así unos familiares que enterraban a sus hijos desaparecidos desde hace doce años. Fue muy doloroso.

– También se desprende de la película que todo fue una gigantesca chapuza.
– Borja Cobeaga contaba el otro día que había tenido que quitar del guion lo más surrealista de “Negociador”. Nosotros exactamente igual. Felipe Bayo apareció en la Audiencia Nacional en calzoncillos y silla de ruedas. Persiguió a Iruin por la sala de vistas para trincharle con el asta de una bandera española y le acabó tirando una máquina de escribir. Lo ensayamos, pero vimos que se nos iba la película de las manos. Tuvimos que hacer un trabajo de contención absoluto para no ridiculizar a los personajes y acabar con un esperpento. En este caso la realidad superó a la ficción con creces.

– ¿Cómo espera que se reciba la película?
– Con respeto. Estamos hablando de víctimas del terrorismo, y para mí todas se merecen el mismo respeto. “Lasa y Zabala” y “Negociador” son las primeras de una larga lista de películas que van a venir a hablar del conflicto vasco. Se van a hacer sobre Miguel Ángel Blanco, Gregorio Ordóñez… Hay muchas cosas que contar. Y si yo tengo que participar como actor en ellas no tengo ningún problema. Es necesario hablar, no podemos mantener el debate dentro de nuestras casas. No podemos seguir evitando hablar de política en las cenas de Nochevieja, que siempre acaban mal. Sentémonos. Estas películas ayudarán en el proceso de paz que está iniciándose.

– ¿De verdad cree que vendrán muchas películas sobre el conflicto vasco?
– Imanol Uribe empieza a rodar una y sé que muchos directores que me han llamado preparan más. Hay historias que han pasado desapercibidas en el tiempo, pero han perdurado en la conciencia del País Vasco por una palabra clave: impunidad.

– ¿Su representante no le advierte de que una película así puede tener consecuencias en su carrera?
– Estoy seguro de que “Lasa y Zabala” va a tener consecuencias en mi carrera. O las ha tenido. Como actor me da igual, no soy responsable de los hechos que relato. Sé que no he hecho un panfleto, no intento convencer a nadie. Cuento unos hechos históricos desde el punto de vista del dolor de las familias. Los asesinos se ponen a un lado, sean de ETA o del GAL.

– ¿Por qué tendrá consecuencias en su carrera?
– Porque vivimos todavía con mentes muy cerradas y venimos de mucho dolor. No sé si la gente está preparada para ver disparos en la nuca y torturas. Ya antes de empezar la película hubo marcas de cerveza y hoteles que no quisieron saber nada, porque a nivel comercial podía tener repercusiones. Yo he perdido trabajos por hacer una película sobre ETA. Y me lo han dicho clarísimo. Me da igual. La historia de Lasa y Zabala había que contarla.

(Entrevista publicada en el Diario EL CORREO el 26 de spetiembre de 2014).

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Hugo Silva (Madrid, 1977) es de barrio, de San Blas, y presume de conocer al dedillo a perdedores como el protagonista de “Dioses y perros”, un exboxeador que malvive como sparring, carcomido por la culpa y consagrado a cuidar a su hermano minusválido. El actor salva con su buen hacer el largometraje de David Marqués, que compitió en el pasado Festival de Málaga.

 
– ¿Crecer en San Blas le ayuda a entender mejor su personaje?
– Creo que ni siquiera es algo intelectual, sino que forma parte de mí. Tú eres de donde te has criado y con la gente con la que te has criado. Pero aunque haya crecido en San Blas puedo empatizar con un millonario. Al final, de lo que me he dado cuenta es de que todos somos iguales.

– ¿Se ha enganchado al boxeo?
– Sí, aunque lo tengo un pelín abandonado. En este personaje he intentado crecer desde el boxeo. Me fui a un gimnasio de barrio y peleé con profesionales y aficionados. Es un deporte de caballeros. Hay deportistas y luego boxeadores.
– ¿No tiene algo de autodestructivo?
– No, todo lo contrario. Te obliga a superar el miedo, a ti mismo, a tu físico y al rival. El boxeador cuando se pone delante de un contrincante deja todo lo personal, aparca sus propias miserias y malos rollos para que la mente esté limpia. Y cuando termina un combate, ambos púgiles se dan un abrazo. Ha habido rivalidad, sí, pero no es nada personal. He descubierto un mundo muy curioso que parece violento desde fuera, pero que es bastante sano.

– ¿Ha rebajado su caché para “Dioses y perros”?
– Sí, hemos buscado la fórmula para poder sacar la peli adelante. Es triste el momento en el que estamos. Debemos ser coherentes y responsables con nuestra cultura, pero no conformistas. Todos los profesionales tienen que estar bien pagados. Deberíamos aspirar a tener una industria en España, y si nos conformamos con el “low cost” no estamos siendo justos ni con los profesionales ni con el público.

– Protagonizó la taquillera “Las brujas de Zugarramurdi”. Ahora que arrasa “8 apellidos vascos”, ¿qué piensa cuando escucha que el cine español es malo?
– Vivimos un momento muy dulce en cuanto a talento y creatividad, que curiosamente va a la contra de la situación económica del país. Esas películas demuestran que el cine puede ser rentable para la economía de un país, no es un capricho de cuatro intelectuales. Y es otra forma de enseñar España fuera, de que la gente venga a invertir, a hacer turismo…

– ¿Y cuándo escucha a un ministro dudar de la calidad del cine español?
– No quiero hablar de política. Cada uno tiene que asumir sus responsabilidades.

– Estudia inglés. ¿Su salto fuera es inevitable?
– Siempre lo he querido hacer por curiosidad: conocer otras industrias, otros actores, otros directores? No es una cuestión de que aquí las cosas estén mal. Cuando he podido me he ido a estudiar inglés o me he puesto un profe aquí. Prefiero estar preparado y sentirme seguro con el idioma si las cosas van por ese camino, Pero, vamos, no me va la vida en ello.

– ¿Y con qué director iría sin leer el guion?
– Tarantino, Allen, Scorsese… Aunque fuera para un plano.

– ¿Cómo vive su increíble popularidad? ¿Puede tomarse un café en una terraza?
– No es cómodo, pero no deja de ser el cariño y la admiración de la gente. El cine español vive de su público. Llevo bastantes años con esto de la fama y ya lo sé gestionar. Tú sabes que sigues siendo la misma persona de siempre por mucho que te griten en la calle. Cuando alguien me ha faltado al respeto, que por suerte han sido pocas veces, le he dejado claro que, aunque famoso, soy un ser humano al que se le debe respeto.

– ¿A qué renuncia?
– Intento no renunciar a nada y hacer la misma vida. Además, te vas a Portugal y nadie te conoce.

– Sueña con protagonizar un “biopic” del cantante Bambino. ¿Por qué?
– Tengo origen andaluz, de Utrera, como él. Fue un personaje curioso lleno de contradicciones: gigoló, homosexual reconocido, cantaor, rumbero, gitano que quería ser crooner… Entro a un bar de Barcelona y resulta que es un santuario a Bambino. Parece como si me llamara a la puerta.

– Si alguna vez esto de actuar no funciona, ¿se le caerían los anillos por volver a recuperar sus estudios de Electricidad?
– Estoy viejo ya para la FP… Lo que más me gusta ahora y estoy empezando a hacer es dirigir. Dentro de poco voy a dar una pequeña sorpresa. Y no digo más.

– ¿Cuándo le darán un premio?
– No lo sé. Me haría ilusión por mi familia. Yo ya tengo un premio muy grande: una continuidad en este trabajo, algo que muchos compañeros no pueden decir. Vivo tranquilo, y el día que me den un premio lo agradeceré.

(Entrevista publicada en el Diario EL CORREO el 26 de marzo de 2014).

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