Ha llegado el momento de añadir un dedalito de agua al mar. Por si fueran poco las doscientas mil listas de doscientos mil mejores discos del año que circulan por ahí, aquí está la evadida, tan pequeñita y coqueta como siempre. Aprieto el botón de repetir e insisto en que no son los mejores (iba a decir que alguno a lo mejor ni es del año, pero creo que eso no ocurre) sino los que se han quedado ahí, plantados en mi régimen de escuchas musicales con cierta terquedad y todo el merecimiento. Los que más me gustan a mí, vamos. Como siempre, son cinco: la única novedad es que normalmente los coloco por orden aproximado de aprecio y esta vez he recurrido al orden alfabético, que me gusta cómo les sienta.

Perfectamente habrían podido aparecer en este top 5 los discos de Tucker Zimmerman, Peter Perrett, Myriam Gendron, PyPy o Split System. Y también me han gustado mucho los de Róis, Lupo Città, Rafael Toral, Cachito Turulo, John Grant, UKAEA, Bloody Head, Alcalá Norte, Punkteras Rosas, Sutari, Sahra Halgan, Oranssi Pazuzu, Class, Aluk Todolo, Thurston Moore, Espanto, Kim Deal, Justin Adams & Mauro Durante, Laena Myers, VR Sex, Bourbon, Vampire Weekend, Alison Cotton, Itchy And The Nits, Tristwch Y Fenywod, Marcel Wave, Neutrals, Perennial, Beige Banquet, Kriegshög, Outer World, The Body & Dis Fig, The Green Child, Whispering Sons… y alguno que descubra tardíamente en estos quince días que quedan hasta fin de año y que me haga replanteármelo todo y pensar que (oh, tragedia) he añadido el dedal erróneo. Amosallá…

Beak> – >>>>

Hay una manera rápida de definir al trío bristoliano, y yo creo que es reduccionista pero certera: son como colonizadores que llevan la semilla de los alemanes Can, esa manera libre y vivificante de entender la música, hasta otros territorios donde puede crecer con lozanía, en su caso la psicodelia británica. En este cuarto álbum, que ha supuesto también la despedida de su miembro más famoso, el exportishead Geoff Barrow, Can vuelven a asomar una y otra vez (como he leído por ahí, uno se espera a veces la irrupción vocal de Damo Suzuki), y qué bien que sea así: entre ritmos motóricos, cantos hipnóticos y arreglos ilógicos y mágicos, el disco te va limpiando de tanta música aburridamente convencional y deja entrever, a su manera velada y penumbrosa, la belleza a la que puede dar lugar la combinación repetida y paciente de dos o tres instrumentos.

Chulería, Joder! – La urbe

Salió a principios de enero y contiene la canción que más he machacado este año, ese Tus amigos que dice «soy una entidad del terror» y que mis hijas se obstinan en entender y cantar como «soy una ardilla del terror». Bueno, ejem, a veces yo también lo hago. A Chulería, Joder! ya los tenía vistos y disfrutados en directo antes de que editasen el disco y, por supuesto, me fascinaban el descaro y el poderío escénicos de su vocalista, pero el álbum (o lo que sea, porque dura veintiún minutos) ha demostrado que el cuarteto de la Margen Izquierda factura canciones magníficas, clásicos pegadizos e inmediatos de punk rock o de rock a secas que pueden presumir de melodías resplandecientes tanto con ruido como sin él. Como los tenemos aquí al lado, a lo mejor no nos damos cuenta de que la gente no suele ir haciendo estribillos tan buenos por ahí.

The Cure – Songs Of A Lost World

Por supuesto, The Cure son el grupo más importante de mi vida y sus canciones encapsulan mi adolescencia, pero eso mismo me hacía más escéptico ante la perspectiva de un nuevo álbum: desde Wish, que es de 1992, todo su material grabado me resultaba un poco decepcionante, aunque quizá la culpa sea mía por haberme hecho mayor. Y qué va, esta vez Roberto y los suyos han dado en el blanco de la esencia Cure, esa suma de emociones a flor de piel, ambiente de pesarosa melancolía y desarrollos largos y repetitivos que tantos fans consideramos parte importante de nuestras vidas. Sensaciones como la pérdida, la incredulidad ante el paso del tiempo y la conciencia de la vejez alimentan un nuevo clásico que culmina en el último corte, Endsong, con el que los Cure logran encapsular también esta inmadura madurez que tantos fans hemos alcanzado sin saber bien cómo.

E – Living Waters

Con uno de los peores nombres para buscarlos en internet y con poca presencia en las plataformas de streaming, E han editado este quinto álbum que, me parece a mí, ha pasado más desapercibido de lo que debía. No suelo dar mucha importancia a eso, pero llama la atención lo bien que suena: el encargado de las mezclas y la masterización ha sido Ondřej Ježek, a quien apodan el Steve Albini de la República Checa, y ciertamente esa presencia cercana y cruda de los instrumentos recuerda al llorado Steve. En general, la música de Thalia Zedek y compañía evoca la vertiente más áspera de aquel rock alternativo de los 80, que siempre me ha parecido más interesante que el de la década siguiente: lo suyo es un noise rock que a menudo bordea lo experimental, pero sin perder nunca el corazón melódico, ese gancho que evita que la atención del oyente se evada angustiada en busca de otros mundos más amables.

Ekhi Lambert – Inbasioak

Ni conocía el disco, ni conocía siquiera al artista, pero uno de los momentos que más me han impresionado en directo este año fue la canción que interpretó Ekhi Lambert en la fiesta de despedida del sello Forbidden Colours: tuve que mirar en internet quién diablos era ese tipo espigado y barbudo que había abierto un paréntesis frágil y misterioso en la velada, acompañándose a la acústica y arropado por bellos arreglos de cuerda, como salido directamente de la psicodelia folk de los últimos 60 o primeros 70. Inbasioak es una maravilla de ambición inusual y bien entendida (¡casi treinta músicos!), en la que el cantautor de Iparralde va explorando paisajes brumosos, delicados, sugerentes… Tiene un punto tradicional, como un corazón boscoso en sintonía con la portada, pero a la vez suena tremendamente personal y ajeno a nuestro legado folk.

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Foto: Carl de Souza/AFP

Sé que el Reino Unido seguirá en el mismo sitio, a un salto de avión, y que la geografía lo condena a seguir siendo europeo, pero no puedo evitar que el Brexit me provoque un fondo de tristeza. No esperen hondas reflexiones sobre barreras al inmigrante, desconfianza entre los pueblos y cerrazón mental, porque esto va a ser simplemente un suspirillo sentimental: pensaba anoche que, en cierto modo, pasé en Inglaterra lo mejor de mi adolescencia. En sentido figurado, claro, porque físicamente seguía en el barrio Madre de Dios de Logroño (a mí la geografía me condenaba a eso), pero muchos de los ratos más trascendentes de aquellos años, los que recuerdo ahora mismo como más puramente adolescentes, los pasé envuelto en música británica. De allí venía el primer disco que me compré (Crises, de Mike Oldfield, que desencadenó cierta obsesión por este hombre) y de allí procedían los dos grupos que provocaron un cataclismo en mi vida y que me acompañan desde entonces (The Cure y Joy Division, claro). A eso se añade el impacto que tuvieron en el Carlitos desorientado y pazguato de los 80 álbumes como el hermosísimo Blue Bell Knoll de Cocteau Twins (todavía hoy me lo pongo y mi cerebro se libera de treinta y tantos años), el Darklands y el Psychocandy de The Jesus And Mary Chain, el Music For The Masses de Depeche Mode o el Never Mind The Bollocks de Sex Pistols. En tercero de BUP, un profesor de inglés protestante y muy lanzado nos llevó de viaje de estudios a Londres, un destino que en aquella época no era nada habitual para un instituto público de provincias, y a mí me entraban temblores cuando me topaba con camisetas de Joy Division (tanto, que acabé llevándome una medium porque la emoción me hizo olvidar la talla) o al comprarme en la Virgin el Substance de New Order (el único disco -doble, eso sí- que mi presupuesto me permitió traerme de allí).

Y eso por no decir que buena parte de mis lecturas de infancia y adolescencia correspondían al eje, para algunos perverso, Enid Blyton-Agatha Christie. Ay, cómo sería yo, cómo seríamos muchos, sin esa huella que el Reino Unido ha dejado en nuestras vidas. En aquel Crises tan ochentero venía una canción titulada Foreign Affair, algo así como asunto exterior, que no iba de política pero a mí me encaja. Ah, lo editó el señor abanderado de la foto de arriba, Richard Branson, el fundador de Virgin.

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Foto: Borja Agudo

A la espera de comprobar si The Cure editan por fin en 2020 su famoso álbum nuevo (que, a este paso, va a hacerse viejo antes de salir), recupero esta pieza que publiqué en el periódico hace tres años y pico, la última vez que vinieron a tocar por aquí. Se había volatilizado de nuestro mundo digital y no me ha quedado otra que rescatarla de emergencia vía Wayback Machine. He procurado limpiarla un poco de referencias temporales caducadas, pero seguro que alguna habrá quedado.

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Con The Cure pasa lo mismo que con Bruce Springsteen: si algún día se les ocurre dar un concierto apañadito de hora y cuarto, limitado a sus mayores éxitos comerciales, los fans montarán en cólera y acabarán arrasando el recinto. Los setlists de los Cure rondan siempre la treintena de canciones, un poco por arriba o un poco por abajo, y al examinar con detalle esos listados se comprueba que en ellos convive material muy diverso: están los bombazos comerciales, por supuesto, esas melodías de pop adhesivo y juguetón que dieron popularidad masiva al grupo, pero tampoco pueden faltar los himnos oscuros que alimentan a la facción más siniestrilla y leal de sus fans, y todo ello se suele salpicar con alguna rareza remota y con unas cuantas composiciones de sus discos más recientes y (con perdón) olvidables. A Robert Smith, el hombre del pelo imposible y el pintalabios catastrófico, no le gusta olvidarse de ningún rincón de su repertorio: busca siempre equilibrar la fórmula de manera que contente al conjunto de sus seguidores y, sobre todo, que ofrezca una imagen completa de la banda. Porque todo eso, por dispar y hasta incongruente que pueda parecer, es The Cure.

Vamos a repasar su carrera a través de canciones que no son, desde luego, las más famosas, aunque la mayor parte de ellas siguen sonando a menudo en sus conciertos y algunas, de hecho, funcionan desde hace décadas como puntales de su directo. Estas diez dosis de La Cura sirven como un recopilatorio cronológico de no singles, ese concepto tan importante en su universo.

1. Fire In Cairo (1979)
Aunque se les catalogue tantas veces como un grupo de post-punk, en realidad los Cure hunden sus raíces en la década de los 70: ya en 1973, cuando Robert Smith solo tenía 13 años, actuó en directo con una banda en la que militaban Lol Tolhurst y Michael Dempsey, junto a otros dos amigos. Smith, Tolhurst y Dempsey fueron los miembros de The Cure en el primer álbum, Three Imaginary Boys, editado en 1979 y muy alejado de los tópicos posteriores sobre la banda: lo suyo era un pop enigmático y minimalista, con una influencia muy relativa del punk y, desde luego, con cortes de pelo bastante convencionales. La pegadiza Fire In Cairo logra combinar un ritmo saltarín, una atmósfera vagamente enrarecida y un estribillo que deletrea una y otra vez el título, como en un trabalenguas para clase de inglés.

2. M (1980)
The Cure hicieron una gira como teloneros de Siouxsie y a Robert Smith le tocó ocupar por primera vez (habría más) el puesto de guitarrista de los Banshees, tras el abandono de John McKay. Al contemplar las evoluciones de Siouxsie, una especie de sacerdotisa tenebrosa sobre el escenario, nuestro hombre se dio cuenta de lo importante que era para un grupo contar con un líder visible y carismático. También supo apreciar, y disfrutar como guitarrista, la intensidad del torturado afterpunk de Siouxsie y los suyos. Los tres siguientes álbumes de The Cure constituyen su trilogía siniestra (ahora dirían gótica), aunque cada uno muestra una marcada personalidad: Seventeen Seconds es ante todo misterioso, Faith suena más bien depresivo y Pornography tiene un punto violento y demente. M, obsesiva y sinuosa, pertenece al primero de ellos.

3. The Drowning Man (1981)
Si uno escucha los discos de esta época, The Cure parecen estar deslizándose por un tobogán hacia la negrura. Y, según dejan traslucir sus comentarios sobre aquellos tiempos, la impresión responde bastante a la realidad del grupo. En Faith dominan las canciones lentas, fúnebres incluso, dominadas por las repetitivas líneas de bajo (o, a menudo, de dos bajos) que envuelven al oyente en una atmósfera de neblina y abatimiento. Esa sensación de ser absorbido resulta particularmente notoria en The Drowning Man, uno de los dos temas del disco basados en la trilogía Gormenghast, la fascinante creación de Mervyn Peake que Smith suele citar como su obra literaria favorita.

4. One Hundred Years (1982)
Y, tras el gris oscuro, llega el negro. One Hundred Years es la canción que abre Pornography y no deja lugar a dudas desde su primer verso, tantas veces repetido en textos sobre los Cure: «No importa si todos morimos». Es un álbum extremo y desabrido, marcado por el creciente desequilibrio de Robert Smith, a quien le obsesionaba la idea del suicidio, y por la ingesta masiva de LSD y alcohol. Curiosamente, se convirtió en su mayor éxito hasta entonces en el Reino Unido, además de marcar el inicio de la estética clásica de los Cure, pero tanta oscuridad acabó devorando al propio grupo: la estructura que mantenía unidos a los tres miembros (Smith, Tolhurst y Gallup, quizá la formación más importante de su historia) se hizo añicos y la banda dejó de existir, si es que alguna vez ha sido algo más que Robert Smith con quien se pusiese a mano.

5. The Upstairs Room (1983)
Con Smith de nuevo como guitarrista de Siouxsie And The Banshees y entretenido con su proyecto paralelo The Glove, cualquiera habría pensado que la historia de los Cure había alcanzado su punto final con el apagón anímico de Pornography. El periodo que siguió es el más desconcertante de su carrera y el propio Robert Smith suele contemplarlo con escasa simpatía: The Upstairs Room es una de las poquísimas canciones de su discografía que jamás han interpretado en directo. Pero aquí se gestó el grupo versátil que unos pocos años después triunfaría comercialmente, modelado a través de una sucesión de sencillos livianos que oscilaban entre la electrónica ochentera (Let’s Go To Bed o The Walk, con el leal escudero Tolhurst trasplantado de la batería a los teclados) y el ‘music hall’ acústico con sobredosis de estribillos de The Lovecats. The Cure, extremistas emocionales, eran de pronto un grupo tan desquiciado en la alegría como en la desesperación.

6. Shake Dog Shake (1984)
Esos salvajes cambios de humor tan característicos del grupo (que incluso acabarían dando título a uno de sus discos de los 90) quedaban muy claros en The Top, el disco de The Cure menos valorado por la crítica. Ciertamente puede resultar desconcertante, con su psicodelia de pesadilla infantil y unas letras alucinadas en las que aparecen chicas oruga o chicas pájaro, pero varias de sus canciones se mantienen firmes en los setlists tantos años después, como la rabiosa y agobiante Shake Dog Shake.

7. Push (1985)
Reconvertidos en quinteto (Smith, Tolhurst, Gallup, Thompson, Williams), los exitosos Cure de mediados de los 80 abarcan una asombrosa parcela de terreno estilístico: es la época de sus grandes hits de pop infalible, pero en discos como The Head On The Door o Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me caben desde sufrientes inmolaciones guitarreras hasta cancioncillas retozonas de inocencia casi absurda, con Smith metamorfoseado en un raro híbrido de monstruo y niño. Push, que cerraba la primera cara de The Head On The Door, se podría ver como una adaptación del afterpunk a los grandes estadios, gracias a esa larga introducción instrumental que adquiere pleno sentido en directo.

8. Plainsong (1989)
Disintegration, su disco de 1989, está considerado la obra cumbre de The Cure, seguramente porque en él dieron con la fórmula definitiva para combinar su talento para el pop con las atmósferas tristonas de su época menos luminosa. Suena un poco ridículo a estas alturas, pero a Robert Smith le angustiaba la proximidad de su 30 cumpleaños y eso le llevó a componer canciones marcadas por la depresión y la desesperanza: en su momento declaró que estaba dispuesto a grabar el álbum en solitario si sus compañeros de banda no hubiesen sintonizado con el nuevo material. Plainsong abría el disco y marcaba el tono pausado, reflexivo, hipersensible, con un manto de sencillas líneas melódicas y un sonido marcado por los ecos y efectos. Funcionaba tan bien como túnel de acceso a un mundo propio que la siguen utilizando a menudo como inicio de los conciertos.

9. Burn (1994)
El propio Smith suele referirse a los 90 como su periodo menos relevante. En avance rápido, vamos a rematar nuestra selección con dos canciones que aparecen con frecuencia en sus ‘setlists’ más recientes. Lo de Burn no deja de ser curioso, porque se trata de un tema de hace más de veinte años: lo compusieron para la banda sonora de la película The Crow, aquella del roquero resucitado y el actor muerto, pero no lo tocaron en directo hasta 2013. Su puesto de honor en aquella banda sonora se puede interpretar como un reconocimiento público de su condición de padrinos de lo gótico, una etiqueta que a Smith le hace rechinar los dientes: «Solo la gente que no es gótica piensa que The Cure somos un grupo gótico –declaró una vez al Guardian–. Yo me visto de negro. Voy vestido de negro ahora, siempre lo he hecho, pero no pretendo manifestar nada al mundo. Lo hago porque… no sé… ¿Porque adelgaza? ¿Porque así no tienes que lavar tan a menudo?».

10. It Can Never Be The Same (inédita en estudio)
Del par de temas que los Cure estrenaron en sus conciertos de 2016, It Can Never Be The Same parece especialmente relevante, ya que Robert Smith lleva el título escrito en una de sus guitarras, y además caló muy rápido entre los fans más devotos del grupo: según los foros que se dedican a desmenuzar cada palabra y cada gesto del líder de la banda, esta canción es una despedida dedicada a su madre, Rita, que falleció en 2015. «Puedo cantar, puedo reírme, puedo bailar / como si nada hubiese cambiado, / pero sin ti, sin ti, / nunca podrá ser igual». El año pasado la incluyeron en el directo Curætion.

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Post tags: Robert Smith, The Cure

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Miro a Disintegration, que hoy cumple treinta años, y me doy cuenta de lo viejitos que nos hemos ido haciendo juntos. Lo del disco favorito siempre es un reduccionismo un poco injusto, pero supongo que, si tuviese que elegir un solo álbum para escuchar solo eso el resto de mi vida, tendría que ser Disintegration, el disco en el que The Cure depuraron su fase oscura de principios de los 80 y lograron destilar lo mejor de sí mismos. Recuerdo perfectamente cuando me lo compré, en el Discoclub de la calle Doctores Castroviejo de Logroño, y también guardo en la memoria la sensación de la primera escucha: la mayoría de mis discos preferidos no me gustaron al principio, y ese vínculo con ellos se robusteció de alguna manera por el esfuerzo de salvar la distancia que nos separaba de partida, pero el efecto de Disintegration fue inmediato y arrasador. Lo de la canción favorita también es siempre una ocurrencia un poco boba, pero, si tuviese que elegir un solo tema para escuchar solo eso el resto de mi vida, tendría que ser Plainsong, el primer corte de Disintegration, bellísimo pasaje hacia un mundo donde las emociones se acentúan y se poetizan. Y no hablo solo de los sentimientos positivos, porque Disintegration, la canción, es una de las composiciones de ruptura más intensas y tremendas del rock.

Me pongo hoy Disintegration (acabo de hacerlo, ahora mismo estoy entrando poco a poco a través de Plainsong) y me remite en parte a aquellos veranos eternos y aquellas inseguridades infinitas de la primera juventud, pero al efecto nostálgico se le superpone la validez que este disco sigue teniendo en mi vida. Es un refugio, como toda la música que importa, y también una especie de cristal (como ese velo traslúcido de la portada) a través del que se ven las cosas de otra forma, más chula y mejor.

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Post tags: aniversarios, The Cure

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La semana pasada, con ocasión del Record Store Day, puse a unos cuantos músicos en el brete de elegir un disco que les ha marcado y contar por qué. Les recomiendo el resultado, porque hubo respuestas muy entretenidas que, además, reflejan cómo funcionaba lo de descubrir música en los tiempos anteriores a internet: en sus relatos aparecen expositores giratorios de casetes, discos comprados en el Eroski o etiquetitas con la fecha (que solemnizaban el disco mensual para el que llegaba el presupuesto). Al hacer un reportaje de este tipo, resulta inevitable preguntarse qué respondería uno mismo, y creo que mi selección tendría que repartirse de manera equitativa entre los dos discos que adornan el post. Sé que no son lo más cool del mundo (¡un disco de madurez de una estrella progresiva y un recopilatorio de un grupo reciclado al mainstream!), pero me parece que de verdad son los más importantes en mi vida y los que más peso han tenido en mis gustos.

Ahora me doy cuenta de que los dos funcionaron igual, porque comparten un rasgo esencial a pesar de su escaso contacto estilístico: la cara A es muy distinta de la cara B, y en ambos casos yo los compré por uno de esos lados (el B) y acabé enganchado sin remedio al otro, que resultó iluminador y me dejó huella. Crises fue mi primer disco, me hice con él a los 12 o 13 años porque me gustaban mucho las canciones pop que cantaba Maggie Reilly: en realidad eso lo supe después, porque mi cándido y desinformado yo de entonces daba por hecho, un poco absurdamente, que la voz correspondía al tal Mike Oldfield. Yo quería Moonlight Shadow y me encontré con una cara A ocupada íntegramente por los veinte minutos de Crises, la típica suite más o menos instrumental de Mike Oldfield, que pronto empecé a reproducir más a menudo que las cinco canciones del reverso. Y ya he contado que con Standing On A Beach, el recopilatorio que The Cure sacaron en 1986, me ocurrió lo mismo: lo compré por In Between Days y Close To Me, los dos hitos con los que la banda había completado su reconversión en coloso pop, pero poco a poco me fue fascinando esa cara A que abarcaba desde el punk anómalo de Killing An Arab hasta las tinieblas siniestras y rituales de The Hanging Garden, es decir, los cuatro primeros álbumes de Smith y sus muchachos.

¿Qué me enseñaron? Me imagino que con Crises me di cuenta de que había formatos interesantes más allá de la canción, además de adquirir una tolerancia duradera hacia la ambición instrumental y formal. Y Standing On A Beach funcionó como un puente perfecto (o un túnel, quizá) desde la radiofórmula de los 80 hasta el punk, el post-punk y la oscuridad, un término comodín que lo mismo me sirve para Godflesh o Big Black que para Einstürzende Neubauten o Lustmord. También me temo que la suma de ambos, ese itinerario que marcan, me volvió un aficionado muy poco rockista, al contrario que los que se destetaron en esto de la música con sonidos más auténticos. Ahí les va Crises, el tema, que seguramente es la cara de vinilo que más veces he escuchado en mi vida. Recuerden que, en su momento, solo tenía otra opción: el otro lado del disco.

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Estoy en esa etapa de la vida en la que muchas cosas importantes cumplen treinta años. Hoy mismo es el aniversario de Kiss Me Kiss Me Kiss Me, probablemente el álbum de The Cure que más veces he escuchado. Esa insistencia tiene una explicación fácil: yo me enganché a la banda británica con el recopilatorio Standing On A Beach, que ocupa el lugar inmediatamente anterior en su discografía, así que Kiss Me Kiss Me Kiss Me fue el primer disco suyo que disfruté en su momento, no en diferido. Pero también se le puede buscar una explicación más elaborada: Kiss Me Kiss Me Kiss Me es un doble álbum asombrosamente variado, inagotable, repleto de rincones que hacen interesantes las escuchas repetidas.

Cuando se habla de la obra maestra de Robert Smith y compañía se suele señalar (yo mismo lo hago siempre) a Disintegration, el siguiente a este, en el que depuraron sus oscuridades de principios de los 80. O, si no, se acude directamente a ese periodo más tenebroso y se elige el turbador y sociópata Pornography. Por Kiss Me Kiss Me Kiss Me siempre se tiende a pasar un poco por encima, aunque creo que resulta perfectamente defendible como pieza cumbre de su carrera y, desde luego, representa mejor que esos otros dos la variedad de registros que -en contra de lo que afirma el tópico- caracteriza a los Cure. Las dos primeras canciones sirven como muestra: el disco se abre osadamente con The Kiss, un holocausto de psicodelia rabiosa que parece supurar veneno («ojalá estuvieses muerta», concluye la letra), y sigue con Catch, una miniatura juguetona y serena sobre una chica del pasado. A partir de ahí, en el disco caben la fiebre oriental de If Only Tonight We Could Sleep o la desfachatez funk de Hot Hot Hot!!!, el pop parisino de How Beautiful You Are («nadie conoce ni ama nunca a nadie», dice ahí Smith) o la arquetípica melancolía made in The Cure de A Thousand Hours. En realidad, lo único que pretendo con esta enumeración apresurada y un poco chorra es animar a que lo escuchen, tan estupendo a sus treinta años, aunque antes pueden dedicar minuto y medio a aquella legendaria entrevista en TVE.

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Post tags: aniversarios, años 80, The Cure

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El otro día escribí por ahí que un concierto de The Cure viene a ser como una estancia en su universo particular, que para muchos también es el universo donde pasamos buena parte de nuestra adolescencia: se trata de un lugar reconfortante en el que suele reinar la tristeza poetizada, puntuada por súbitos arranques de alegría efervescente. Es un mundo, en fin, donde tanto la estética y la gestualidad de Robert Smith como las carreras por el escenario del bajista Simon Gallup, carentes de todo vínculo con la música que interpreta, son cuestiones absolutamente lógicas y admirables. Y esa dimensión de The Cure como refugio convierte sus directos en algo muy difícil de valorar, al menos para mí, que soy fan y perdí la objetividad a los 15 años, cuando me envenenó definitivamente la primera cara del Standing On A Beach: anoche en el BEC, desde el sitio donde estábamos nosotros, buena parte del concierto (Inbetween Days, Lovesong y Push, por ejemplo) sonó entre regular y mal, sin definición ni pegada, con la batería floja y las guitarras y teclados perdidos en algún estrato de una masa confusa. Y, a pesar de esa molesta decepción, fui muy feliz, qué le vamos a hacer.

Lo cierto es que plantearon un concierto raro, con un setlist desequilibrado brutalmente en favor de determinados álbumes. No seré yo quien se queje de que cayesen ocho (¡ocho!) temas de Disintegration, que al fin y al cabo es mi disco favorito de los Cure y uno de mis discos favoritos en general, pero me da pena que no sonase nada de Faith, de Pornography (ni siquiera la imprescindible One Hundred Years) ni de The Top. El arranque, con esa ráfaga envolvente y evocadora de Plainsong, Pictures Of You y Closedown, me parece difícilmente mejorable, y el final del concierto propiamente dicho, que regresó al mismo disco a través de Prayers For Rain y Disintegration, fue una cosa desoladora y muy hermosa. Por supuesto, brindo con todas mis fuerzas por la ausencia de material de este milenio y por ese bis de cuatro canciones dedicado íntegramente al misterioso Seventeen Seconds. Ah, y también por haber escuchado al fin Charlotte Sometimes en directo. Y, como siempre, me resigno a que Smith incluya tozudamente en el repertorio tonadillas como Wrong Number o Never Enough, que parecen entusiasmarle por alguna razón para mí indescifrable.

Qué contento parecía ayer Robert Smith, por cierto. Desde el principio del concierto, cuando forzaba los ojos para leer las sinsorgadas de las pancartas, hasta el final, cuando llegó el desmadre de sus bailes de marioneta descoyuntada, el hombre estuvo radiante, relajado y muy simpático, cómodo en un personaje que en realidad es él mismo. Tal vez le hubiese pegado al vinillo en la cena. O tal vez sea simplemente la consecuencia de vivir a tiempo completo en su mundo.

La foto de arriba es del compañero Jordi Alemany. Y este vídeo de abajo lo ha colgado Leeveedad: se oye bastante bien, así que a lo mejor tuve mala suerte con mi ubicación.

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Noviembre trae una cantidad de conciertos que podría volver loco a cualquiera. En especial, la cuarta semana bordea lo demencial, con convocatorias interesantes por todas partes: esta vez, la estricta norma del blog de no repetir sala en la selección mensual me ha provocado dolor de corazón, al obligarme a dejar fuera cosas que me gustan mucho. Pero una selección es una selección y ocho citas me parece un buen límite. Ahí van.

Epic Problem (día 3, La Nube). El concierto de The Not Amused en La Nube, del que hablábamos el otro día, me ha dejado con más ganas de punk coreable. Y, precisamente, ahí está de nuevo La Nube para satisfacer esos oscuros deseos: Epic Problem vienen de Derbyshire, más o menos por el centro de Gran Bretaña, y practican un street punk agresivo y beligerante pero no caricaturesco.

Max e Igor Cavalera (día 5, Santana 27). Siento cierta desconfianza por lo que puedan hacer los hermanos Cavalera en esta revisión de Roots, el álbum mítico de su banda Sepultura. Pero es que ese disco y el que lo precedió, Chaos A.D., fueron importantes en aquella etapa de mi vida, hace (glups) veinte y veintitrés años respectivamente. Y me siguen pareciendo dos monumentos, de esos que dejan en ridículo a quienes desprecian el metal más o menos durete.

Hieroglyphic Being (día 11, piso superior del Antzoki). Me da mucha rabia dejar fuera de la lista el Izar & Star de Rafa Berrio con material de Poch y Derribos Arias, pero me siento casi obligado a destacar esta nueva cita de Paraleloan, que se están arriesgando a traer a Euskadi a figuras punteras de la electrónica underground. Hieroglyphic Being es Jamal Moss, un exgigoló de Chicago que produce de manera incontinente una intrigante electrónica de baja fidelidad, devota de Sun Ra y envuelta en conceptos herméticos. La cosa va de una a seis de la madrugada, ya saben.

The Rezillos (día 20, Satélite T). Se me ocurren pocos nombres mejores para animar una sesión vermú que The Rezillos, el grupo escocés que sirve para desmentir todas esas teorías baratas del punk como ruptura radical: en su música desinhibida y siempre divertida se escuchan mil ecos del pasado, combinados en una fórmula tan improbable como arrolladora. Su desfachatez parece diseñada especialmente para el Rabba Rabba Hey del Satélite.

Kevin Morby y Meg Baird (día 23, Kafe Antzokia). Lo que he escuchado de Kevin Morby me gusta, pero incluyo este concierto en la lista por la telonera, que ha aparecido por el blog con los Espers, con Heron Oblivion, en solitario, a dúo con su hermana y en colaboración con otros. Vamos, que tengo la intención de seguir sacando a Meg Baird haga lo que haga, porque su voz me parece una terapia mental que deberían prescribir los médicos.

The Cure (día 24, BEC). ¿Y qué digo yo de los Cure, si son el grupo que más ha influido en mi vida? Es cierto que, si aplicamos mi escala de valores, el último disco notable que han editado lleva fecha de 1992, pero eso da igual a la hora de ir a verles en directo: en sus exhaustivas sesiones de tres horas suena todo lo que tiene que sonar, de lo más comercial a lo más rarito, en una apabullante demostración de lo bien que han sabido hacerlo todo. Y, encima, telonean The Twilight Sad, que no son ninguna broma. Ah, el risueño Robert Smith de arriba es obra del compañero Borja Agudo.

Wombat Fest (día 25, Groove). La sala de Portugalete acoge esta nueva edición del festival, repleta de atractivos estruendos: de abajo arriba, oficiarán los guerniqueses Tooth, los irlandeses Wife (ex Altar Of Plagues), los noruegos Okkultokrati y los belgas Oathbreaker, que son los que más me motivan del lote, con su combinación de rasgos interesantes de diversas ramas del metal y la voz femenina de Caro Tanghe.

Wrekmeister Harmonies (día 25, Kafe Antzokia de Bermeo). En el cartel del Wombat Fest habría podido encajar perfectamente el extraño colectivo que comanda el barbudo JR Robinson, por mucho que el metal sea solo uno de los ingredientes que componen su ambiciosa propuesta, una música de vanguardia que demanda cierta paciencia pero suele recompensar con pasajes de fuerza liberadora. Me encanta, por cierto, su alegre presentación oficial: «JR Robinson percibe la vida como un proceso largo y gradual de decadencia».

Y ahora vamos a limpiarnos los oídos y a repararnos un poco el alma con una dosis de Meg Baird.

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El mes pasado se me pasó conmemorar el treinta aniversario del que, seguramente, es el disco más importante de mi vida. No se esperen una gran revelación o una muestra de exquisito gusto, porque el disco más importante de mi vida es un recopilatorio: en mayo de 1986 se editó Standing On A Beach, en el que The Cure repasaban su primera década, desde el pop-punk de Killing An Arab hasta el pop-pop de Close To Me, pasando por las oscuridades, las tecnificaciones y los jugueteos intermedios. Mi yo de 14 años lo compró por el final de la segunda cara, la apoteosis comercial, pero acabó enganchado irremediablemente a la primera, y creo que aquel álbum (reproducido hasta la extenuación, como era habitual en aquella época de paga escasa) decidió y orientó mis gustos posteriores. Una curiosidad: el viejo que aparecía en la icónica portada, de la que tienen un detalle arriba, era un pescador jubilado de Rye llamado John Button. Vamos a escuchar Charlotte Sometimes y seguimos debajo.

El caso es que dentro de un par de días cumple treinta años otro disco importante en mi juventud y, al menos, quería traerlo por aquí, para estremecernos todos juntos por el paso del tiempo. Se trata de The Queen Is Dead, que ha quedado como el álbum canónico de The Smiths. Lo cierto es que yo prefiero Meat Is Murder y, sobre todo, la recopilación de sencillos y grabaciones radiofónicas Hatful Of Hollow, pero a todo eso llegué retrospectivamente: descubrí a los Smiths con The Queen Is Dead y, concretamente, con su primer sencillo, que me sigue fascinando igual que entonces, cuando lo escuché por primera vez en Los 40 Principales. A lo mejor es que la sigo oyendo con los mismos oídos impresionables, pero Bigmouth Strikes Again me sigue pareciendo una canción tremendamente anómala: todo lo que hace Johnny Marr me suena distinto a otros guitarristas, pero más todavía en este tema, y recordemos que, en la letra, a Juana de Arco se le funde el walkman en la hoguera. Ah, la voz aguda y rara del fondo, aunque esté acreditada a una tal Ann Coates, es el propio Morrissey en versión trucada, y también hace coros Kirsty MacColl, aunque tengo la impresión de que lo suyo se limita al uh, uh que acompaña al solo de guitarra.

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Como quien no quiere la cosa, en las últimas semanas me he cargado de versiones en las que están implicados algunos de mis grupos favoritos, unas veces como homenajeados y otras como homenajeadores, así que les traigo aquí una pequeña ronda, al estilo de un camarero que va disponiendo una amenazadora hilera de chupitos encima de la barra. Tranquilos, que una versión siempre será más inofensiva que un brebaje de color raro.

Los primeros de la fila son los Cure, que por fin se han animado a grabar algo después de seis años sin actividad conocida en el estudio. Robert Smith y sus muchachos figuran entre los ilustres participantes en The Art of McCartney, un tributo al amigo Paul: son 42 temas, nada menos, y los Cure han elegido hacerse cargo de Hello Goodbye, que no puedo decir que sea precisamente mi canción preferida de los Beatles. Siempre han sido unos versionadores muy competentes, y se puede afirmar que los años 67 y 68 son su especialidad, ya que en el pasado han dado su visión de temas como el Hello I Love You de los Doors o el Foxy Lady de Hendrix. Aquí se les ve llamativamente relajados, acompañados por el hijo de Paul McCartney a los teclados.

El siguiente chupito tiene como base una dosis de Depeche Mode, pero está reforzada con un chorrito de bourbon. Hasta esta semana me había pasado desapercibida la versión de Never Let Me Down Again que han incluido los Supersuckers en su nuevo álbum, editado a principios de año, así que se la sirvo aunque esté un poco pasada: el original es, probablemente, mi canción favorita de Depeche Mode, un tema de desengaño e itinerancia que en las manos de Eddie Spaghetti y compañía parece transcurrir a lomos de una Harley.

Y, para completar la borrachera, aquí tienen no una versión más, sino diez. De acuerdo, estamos entrando ya en el campo de las obsesiones, y espero que sepan perdonar que me ponga tan repetitivo con mis matracas: hace poco les traía el álbum entero de interpretaciones de Joy Division a cargo del proyecto israelí Die Entweihung, y hoy seguimos por la misma senda con la cuarta entrega de The Cvlt Nation Sessions, los homenajes (descargables por la cara) que la revista digital Cvlt Nation rinde a discos particularmente influyentes. Esta vez toca Unknown Pleasures, el álbum de debut de Joy Division, desmenuzado por las garras de diez proyectos procedentes de la vanguardia oscura y la periferia del metal. Gente como Pinkish Black, que son esos señores tan seriecitos de la foto de arriba. Hala, a ver si se meten todo esto entre pecho y espalda y logran después mantener la verticalidad.

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Post tags: Cvlt Nation, Depeche Mode, descargas gratuitas, Joy Division, Supersuckers, The Beatles, The Cure, versiones

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