Ahora, a principios de este año, ha salido el tercero, III, y supone todo un cambio. Aquí lo que suena es ya una banda completa, un cuarteto con su segunda guitarra y su batería, es decir, la formación que apañaron para dar conciertos. Y, según observo, el repertorio son temas que habían aparecido en sus álbumes anteriores, pero reforzados (y, a menudo, acelerados) con este nuevo tratamiento. En el caso de este Floor, cuya versión original aparecía en su debut, de 2021, la canción ha experimentado además un notable alargamiento propiciado por el juego de guitarras: ha pasado de tres minutos a cinco y medio, la más larga del lote. Con ella inauguramos las referencias del año nuevo, este 2026 que aún no nos hemos acostumbrado a escribir.

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Post tags: canción de la semana, Estados Unidos, punk, Wristwatch

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Quería elegir como canción de la semana alguna tonadita relacionada con la muerte, que al fin y al cabo es el asunto del día de Todos los Santos, y Soga me lo han servido en bandeja al abrir su álbum de debut con Mi cadáver. «Somos una banda de tres chavas de México», se presentan modestamente Angy, Sara y Violeta. Hace seis años, su música impresionó tanto al sello estadounidense Iron Lung Records que les editó directamente su maqueta, y ahora prolongan la relación con este disco poderoso y trepidante de doce cortes en veintidós minutos. No es de extrañar el entusiasmo de la discográfica, porque Soga son unas magníficas representantes de ese hardcore punk hispano intensísimo y acelerado que tantos frutos interesantes está dando en los últimos años, tanto al sur como al norte de Río Grande: unos favoritos personales son De Rodillas, de Pensilvania, autores de un himno titulado Me das asco que por desgracia se me escapó en su momento y no incluí en la sección. Y que, por cierto, tienen una canción titulada Soga.

En fin, no divaguemos. Dicen Soga que estas doce canciones les han salido de las entrañas, mientras el sello especifica que «señalan todo lo que han presenciado personalmente y que está equivocado en su país: desapariciones, fosas comunes, feminicidios, opresión machista, las expectativas sociales para las mujeres, la gentrificación, el matonismo de derechas y la violencia corporativa internacional hacia la tierra y los recursos». Mi idea inicial era colgar Necesito salir, la más pop (con perdón) del lote, pero ya digo que la jornada fúnebre me empuja sin remedio hacia Mi cadáver, con una letra impactante que se escapa del esloganismo tan peligroso en este tipo de bandas: «¿Crees que puedan reconocer, / de entre tantos que pueda haber / olvidados por la guerra / en la fosa común, mi cadáver? / ¿De los restos por exhumar / habrá algo que identificar? / ¿Podrás verte tal vez a ti / cuando mires por fin mi cadáver? / Halla mi cadáver».

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No me suele gustar eso de recomendar lo que todo el mundo está recomendando. Dicho así, puede sonar un poco esnob, pero no se trata de eso: qué sentido tiene centrarnos todos en lo mismo, cuando hay tantas cosas interesantes por ahí, tantos artistas injustamente desapercibidos y tan necesitados de elogios. Pero tendría un punto de deshonestidad no traer (también) por aquí a las Lambrini Girls, que están por todas partes con su imponente álbum de debut, un disco arrollador musical y verbalmente, agresivo y a la vez tremendamente resultón. He leído en una crítica por ahí que, mientras lo escuchas, tienes la sensación de tener a la cantante gritándote al lado y de que su  saliva te salpica la cara. Y así es.

Las chicas Lambrini vienen de Brighton y, tras unos cuantos cambios de formación a lo largo de sus seis años de carrera, son la vocalista y guitarrista Phoebe Lunny y la bajista Lilly Macieira, respaldadas por un misterioso batería que atiende por Banksy (y al que, sí, presentan como «el artista callejero y activista político con seudónimo»). Como una Amyl todavía más mosqueada, Phoebe escupe letras acuciantes y sin rodeos que a menudo pueden resultar incómodas para un señor mayor cis, blanco, heterosexual y aburguesado como yo (en este caso lo tengo todo), y para eso se inventó el punk, claro. He dudado entre la primera y la última y más atípica del lote y, al final, me he quedado con esta Bad Apple que abre el disco a todo trapo con una crítica a los abusos policiales, inspirada por el secuestro y asesinato de Sarah Everard a manos de un agente fuera de servicio. Y, ya que estamos con honestidades, la propia Phoebe admitió lo suyo en esta entrevista con Variety: «Soy consciente de que es muy fácil ser una chica blanca y rubia y decir ‘la Policía es mala’. Vengo de un gran lugar de privilegio para poder criticar a la Policía y no cagarme de miedo por ello».

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Me hace mucha gracia, por cierto, la obsesión parasitaria de estas chicas de Sídney: el nombre del grupo significa aproximadamente El Picor y los Piojos (mis hijas, por cierto, conocen la palabra en inglés por la también australiana Bluey) y tienen canciones tituladas Pulgas, Parásitos y Ladillas, nada menos. El disco es una amalgama de la maqueta que editaron el año pasado en casete con cinco temas nuevos, en alguna entrevista han recomendado el álbum Las canciones de Conchita Velasco y, cuando les piden que definan lo suyo en cinco palabras, dicen que es «rápido, feliz, tonto, estrafalario y contagioso». Venga, dejad que parasiten también vuestro cerebro.

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Y, como colofón del festín, en vez de café, copa y puro, vamos a meternos un buen Solomillo Wellington, ese plato tan loco que envuelve la carne roja en hojaldre. El banquete que se acaba es el de Family Spree Recordings, que en enero anunciaron su cese de actividades tras siete años e incontables dosis de rock and roll: «La gasolina del sello ha sido la pasión, y eso nos ha llevado a tomar, desde el punto de vista de gestión, una decisión errónea detrás de otra», explicaban en su despedida. «En cualquier caso –añadían–, han sido decisiones conscientes desde el más absoluto amauterismo, sin el menor rigor empresarial, a sabiendas de que era la única manera de mantener la frescura y el entusiasmo, y que estas se perderían de inmediato en el momento en que las decisiones estuvieran soportadas en cualquier principio de oportunidad y, en especial, de rentabilidad». El solomillo sangrante en cuestión es su último lanzamiento, el EP de debut de los baracaldeses Solomillo Wellington, una especie de supergrupo alimentado con lindane que junta a Los Retumbes, Kañón (de Campamento Rumano) y, a la voz, Edurne, «la faraona de Baraka».

La verdad es que este va a ser el post más copión de toda la historia del blog, porque la nota de prensa de Family Spree, firmada por Tony DevilDog, es tan buena que me da rabia echarla a perder con mis balbuceantes aportes. «Estás en Barakaldo. El puto centro neurálgico de la margen izquierda de la ría. Epicentro del punk bizkaino desde que uno tiene memoria. Has comido más humo, mierda y polución en tu vida que birras te has tomado. Llevas media vida viendo a los pijos de Bilbao y del Getxo Sound dando por el culo con sus mierdas indies y afterpunk, y copando medios y festis. Te has frito el cerebro en el zulo del Tubo, a pie de escenario en el Mendigo y en la barra del Basterra. Y no entiendes nada de la puta moda actual, de las tendencias musicales en que se amparan y de la sociedad que las ha alumbrado. Y la gente y su postureo te cansa y te cae mal». Así que id poniendo la cara, que ahí va un puñetazo de punk callejero, básico y mosqueón: el EP de Solomillo Wellington dura seis minutos y medio para cuatro temas y me he quedado con el más corto, el tercero, porque me parece un himno ya desde el título. Qué pena no poder escucharlo ya en el Pamparius Punk Rock Club, mi refugio hostelero de Logroño, del que también nos hemos despedido esta misma semana. ¡Demasiado poco bebemos para todo lo que nos pasa!

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Tiendo a desconfiar de los proyectos misteriosos, sin información ni fotos, que arremeten contra el totalitarismo del país en el que supuestamente residen, o contra la represión religiosa en la que supuestamente viven. Sé que mi actitud es injusta, claro, porque la única vía posible para expresar esas opiniones es el anonimato, pero no puedo evitar la sospecha de que, en realidad, se trata de personas de países libres que se hacen pasar por víctimas de toda esa opresión para conseguir mayor efecto con sus argumentos. En cualquier caso, en fin, voy a saltarme toda esa prevención en el caso de Taqbir porque esta canción (su EP de debut entero, con letras en árabe de Marruecos) me ha agarrado la cabeza y me la ha estampado varias veces contra la pared. Después de ese masaje, todo me da igual.

Taqbir se presentan como procedentes de la ciudad marroquí de Tánger, pero, en esta entrevista con Maximum Rock’n’Roll, la vocalista aclara que solo ella viene de allí y que no es ese el auténtico centro de operaciones de la banda. Era de esperar, porque su planteamiento constituye una crítica frontal y descarnada a la religión islámica, o quizá a la religión en general: baste decir que la portada del EP muestra la demolición de la Kaaba, el lugar más sagrado para los musulmanes, que para la banda supone una «representación del capitalismo». El nombre, Taqbir (algo así como la magnificación), es la designación tradicional de la frase «Allāhu ‘akbar», Alá es el más grande, tristemente famosa en los últimos años por su utilización en actos terroristas, pero de uso generalizado en múltiples contextos en el mundo musulmán. Todo esto se lo cuento a modo de contexto, pero en realidad no hace falta (quizá incluso estorbe) para disfrutar de este minuto y veinte segundos de bestialidad y brillantez punk.

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Los versos del británico Wilfred Owen, que murió combatiendo en la Primera Guerra Mundial a falta de una semana para que se firmase el armisticio, supusieron un cambio radical en la manera de afrontar la guerra desde la literatura: Owen no se inflamaba de patriotismo y viril gallardía, sino que retrataba el pavor en las trincheras y el espanto de los ataques con gas. Así que quizá no sea tan impropio como puede parecer que quienes pongan música a sus textos sean Rudimentary Peni, el veterano trío británico de anarcopunk que siempre se ha caracterizado por su obsesión con la muerte y por un sonido que parece brotar del corazón del horror, de un pánico insuperable, del asco que se desborda. Como ha declarado el cantante y guitarrista Nick Blinko a The Guardian en una rarísima entrevista, a veces incluso consiguen que sus canciones «suenen a Primera Guerra Mundial».

Rudimentary Peni son un grupo singular, con unos rasgos tan marcados que lo vuelven único en el panorama del punk británico. Buena parte de esas peculiaridades se deben al propio Blinko, un hombre con varias enfermedades mentales que aporta a la banda, además de su característico estilo de interpretación vocal y de las intermitencias forzadas por sus ingresos en psiquiátricos, dos elementos definitorios: sus letras brevísimas y macabras y los dibujos a bolígrafo minuciosos y a menudo espeluznantes que ilustran sus portadas. Pero, además de eso, Rudimentary Peni también pueden presumir de una forma muy suya de hacer canciones, con unos pocos acordes machacones que suelen repetirse sin cambios durante un par de minutos, hasta el punto de emparentarlos con el black metal o el rock industrial. Aquí están de nuevo, feroces y tétricos como siempre, en un miniálbum que ha supuesto toda una sorpresa, ya que no sacaban disco desde 2008 (y aquel, por cierto, acabó en mi minilista de lo mejor del año). Lo nuevo se titula Great War, llevaba grabado varios años, sirve de prólogo a un ambicioso calendario de reediciones y se consagra íntegramente a los poemas de Wilfred Owen. A falta de fotos de la banda, arriba les pongo un detalle de la portada, chula e inquietante como todas las suyas.

Cualquiera de los diez cortes serviría para representar este panorama del horror bélico, porque todos son violentos esputos de poesía y rabia. He elegido el más comercial del lote, el primero, que también sirvió como sencillo de adelanto: este Himno para la juventud condenada. Si se me permite la osadía de intentar una traducción, la primera de las dos estrofas viene a decir así: «¿Qué toque de difuntos tendrán los que mueren como ganado? / Solo la ira monstruosa de las pistolas, / solo el rápido traqueteo de rifles tartamudos / puede acompañar sus oraciones apresuradas. / Ya no hay farsa para ellos, ni oraciones, ni campanas, / ni ninguna voz de lamento más que los coros, / los coros destemplados y dementes de las granadas de mano que lloran / y de las cornetas que los llaman desde tristes regiones».

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Foto: Big Plan Pictures

Incluso en esta época ultraconectada, hay bandas que logran sustraerse hasta a las exigencias más básicas del marketing, no sé si por dejadez, por una deliberada actitud anticomercial o por una atolondrada mezcla de ambos rasgos. Y qué quieren que les diga, es un poco latazo: por mucho que lo de estar al margen de todo tenga su encanto, luego a uno le gusta ver alguna foto del grupo, encontrar cómodamente algo de información, sacar partido a estas herramientas de comunicación tan majas que tenemos hoy en día.

De los Liquids podemos decir que son de Indiana, que su líder se llama Mat Williams (y que ha tocado en unas cuantas bandas del mismo pelo) y que hacen punk, y esto último no hace falta que nos lo cuente nadie. Para el tema fotográfico he hecho lo que veo que hace la gente, tirar de un fotograma de un directo suyo que hay en YouTube, aunque creo que nadie tiene muy claro si siguen siendo esos mismos tres individuos o no. Pero, en fin, lo importante es que Liquids acaban de publicar un monstruo de álbum titulado Life Is Pain Idiot (sí, tampoco se preocupan mucho por detallitos como la puntuación) con nada menos que 27 cortes, unos nuevos y otros no, que son una saludable inyección de energía y una fenomenal vía de escape de estos tiempos de letargo que vivimos. Suena como un cañón, o como veinte cañones, y entre sus temas de uno o dos minutos (ejem, el más largo, con tres diecisiete, es Bat Outta Hell, su versión de Meat Loaf) encontramos un montón de melodías resplandecientes con encanto buzzcocksiano o incluso powerpopero. He elegido este You’re A Punk, que veo que es una regrabación con mucho más brillo de un tema aparecido ya en su Terminal Diarrhea de 2019, pero la verdad es que habría podido ser cualquier otro tema del disco. A menear la cabeza.

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Post tags: canción de la semana, Indiana, Liquids, punk

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La verdad es que no sé muy bien cómo acotar la personalidad de Sandré, y eso que he escuchado su disco de debut diez veces en un par de días. Lo del cuarteto barcelonés es un punk bastante majara a veces en lo musical (en los momentos más locos me hacen pensar en Melt-Banana, que para mí es un pensamiento muy bonito) y muy majara siempre en lo lírico, porque las letras de Sandré son una cosa peculiar, capaz de saltar de «me sobran los amigos, me sobran los amantes / y es que mis tetas son alucinantes» a «Barcelona em fa vomitar», de «los Beatles son chinos, / Michael Jackson es chino» a «no m’he depilat ni maquillat, / m’he fet una ratlla i m’he cagat», y no he elegido los emparejamientos por el bilingüismo sino por el tono. Digamos que tienden a lo insolente, lo escatológico y lo surrealista, tres conceptos admirables. Digamos también que, en fin, a lo mejor están como cencerros: ya ven la foto de arriba y, si pinchan aquí, la portada.

El disco de marras ha salido en BCore, se titula Ave Muñón (ejem, viene del verso «acaríciame el pezón con tu suave muñón», o eso entiendo yo), lleva once canciones (de las que solo tres pasan de los dos minutos) y es una cosa vivificante y divertidísima, en la que lo mismo citan con gran estima a Vetusta Morla y las Hinds que reúnen cariñosamente en una isla a Michael Jackson y Felipe VI. Cualquier tema habría servido como canción de la semana, pero creo que el más resultón es este anfetamínico No, que veo que les sirvió como presentación maquetera hace año y pico y como adelanto del álbum hace un mes. Evidentemente, estos sujetos y sujetas tienen que tocar YA en Bilbao.

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Post tags: Barcelona, canción de la semana, punk, Sandré

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Foto: Ebet Roberts

Hay grupos que te siguen gustando, simplemente, porque te gustaron una vez, y cada vez que los escuchas recuperas de alguna manera aquella relación que estableciste con su música hace mucho tiempo. Pero, a mí, los Buzzcocks cada vez me gustan más y, si es que puede decirse así, me gustan mejor. Sus canciones tienen un evidente efecto inmediato: son caramelos melódicos envueltos en la acometida enérgica de las guitarras, quizá la cumbre de esa receta eterna de combinar punk y pop. Pero, en vez de agotarse con las escuchas igual que golosinas que van perdiendo el sabor, cada vez parecen más ricas, más complejas, menos evidentes. No sé si tiene sentido buscarle explicaciones, más allá del hecho de que los tres primeros álbumes del grupo son una sucesión apabullante de canciones magníficas, pero supongo que algo tendrá que ver lo de que los Buzzcocks no fuesen punks estereotipados, de esos que parecían hechos por encargo para un muestrario: sus fundadores, Howard Devoto y Pete Shelley, se conocieron gracias a su interés compartido por la música electrónica, y en sus temas menos ortodoxos asoma la sombra de estilos tan ajenos al punk (y tan apreciados por los punks más listos) como el krautrock de Can. Ay, los Buzzcocks, qué buenos son y qué ganas tenía de verlos de nuevo: cómo disfruté en aquel concierto de 2009 en el que lograron embutir sus dos primeros discos enteros más algunos extras.

No podrá ser, ya saben: se ha muerto Pete Shelley, el líder de la banda y su vocalista desde que Howard Devoto los dejó nada más empezar para inventarse el post punk. Shelley tenía 63 años y, según parece, ha sufrido un ataque al corazón en Estonia, donde vivía. Las canciones de los Buzzcocks nunca han sido alegres del todo, porque su apariencia chispeante y la vocecilla de Shelley siempre parecen delatar un fondo de melancolía, y esta noche eso sucede más que nunca.

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Post tags: Buzzcocks, obituarios, Pete Shelley, punk

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