Me gusta aprovechar este último tramo del año para repescar discos que me han gustado mucho pero no han llegado a aparecer por aquí: a veces se cruzan otras cosas que me parecen más inmediatas, más resultonas como canción de la semana, y los álbumes un poco más densos se van quedando en un tintero del que no suele haber escapatoria. Y, en realidad, el debut de The Whimbrels, editado a comienzos del verano, es uno de mis favoritos de 2025 y probablemente se colará en esa minilista que tengo intención de colgar la semana que viene. Los Zarapitos (el ave que ilustra su chula portada) son una especie de supergrupo de veteranos del underground ochentero neoyorquino y yo, quizá engañado por mi añoranza de aquellos sonidos, esperaba que tuviesen mucha más presencia mediática, pero la verdad es que siguen ahí, tozudamente subterráneos. La figura más destacada de la formación, al menos según mis baremos, es Norman Westberg, mítico guitarrista de la etapa inicial de los Swans, pero sus acompañantes proceden también de historias y ambientes similares: como él, otros dos pasaron por la (mítica también, sí) orquesta de guitarras del compositor Glenn Branca, aquel vivero de rock diferente.

Para todo el ruido que ha hecho esta gente a lo largo de sus carreras, The Whimbrels suenan asombrosamente contenidos. Sus canciones tienen el germen del ruido, e imagino con deleite que en directo ese germen se desarrollará hasta alcanzar cierta plenitud, pero en estudio han apostado por la moderación y mantienen sus tres guitarras bien sujetas por las riendas: se acercan, se alejan, juguetean, cubren juntas algunos pasajes, crean fondos cercanos al drone o a la música india y exploran lo que supongo son afinaciones rarunas, pero nunca se pasan de rosca. A mí, en lo que más me hacen pensar es en los Sonic Youth de la época Daydream Nation (es decir, en mis Sonic Youth favoritos), pero apaciguados y con las guitarras sin desatar, y también en Television, que debe de ser la banda con mayor desproporción entre el tiempo que los he escuchado y la cantidad de veces que los cito. A lo de The Whimbrels lo podríamos llamar post-punk progresivo, por decir algo, y queda claro en este tema, Monarchs, el segundo del lote, en el que destaca la hermosa melodía de guitarras de su primera mitad. Pero creo, y supongo que por eso no los traje por esta sección en su momento, que lo apropiado para apreciarlos mejor es escuchar el álbum entero.

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Exo son un trío de Nueva York al que no conviene confundir con la boy band coreana homónima. Ellas proceden de la escena punk pero se juntaron con el propósito de combinar esa vieja costumbre del guitarreo con otros intereses compartidos, como el ambient o el pop con sintetizadores. Y algo de todo eso hay en Plastic, que empieza potente y tozuda, en una onda que a mí me hace pensar en unos Belly sin refinar, y evoluciona (siendo quienes son, quizá sea mejor decir se metamorfosea) en una coda soñadora y ensimismada con teclados. De hecho, es la última canción propiamente dicha del disco y da paso a lo que era la cara B de la cinta original, una exploración sonora que en algunos momentos parece realmente música de insectos para insectos.

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Foto: Steve Berger

Yo creo que con esto daré carpetazo a 2024, aunque nunca se sabe: en las primeras semanas del año uno siempre descubre cosas muy interesantes del año anterior. En realidad, esta canción ya se publicó en mayo, allá por la maldita primavera, pero el álbum no salió hasta octubre y yo no lo escuché hasta diciembre, o quizá ya enero. Y, como la canción me gusta un montón y a Grace Bergere no la he visto mucho por ahí, allá vamos. Grace es una vocalista y guitarrista neoyorquina que publica en el sello de Gogol Bordello y recibe elogios de figuras ilustrísimas como Jim Jarmusch: «Grace Bergere es verdadero rock and roll», ha dicho el director. «Y hasta sabe hacer malabares, ¿qué más se puede pedir?», ha añadido. El caso es que el disco, su debut, es una de esas obras perfectamente formadas que parecen corresponder a una carrera más larga: se compone de medios tiempos con atmósferas oscuras y melodías resplandecientes, con una producción más que notable (cómo suenan las baterías, los chelos, todo) y con esa voz de Grace, extrañamente desapasionada, como desligada de las turbulencias emocionales que expresa. A Little Blood es la primera del lote: «Cada día pierdo un poco de sangre, / veo cómo me cae por los brazos y mancha la ropa que llevo, / así cuando la veas / sabrás que la cosa no va a mejor y que, si digo que sí, estoy mintiendo».

Por cierto, al buscar alguna entrevista con nuestra protagonista de hoy (sin éxito) he encontrado una noticia de The New York Times de 2008 sobre una niña neoyorquina de 12 años, Grace Bergere, que se cayó desde una altura de 55 metros por un conducto de ventilación. Todos la daban por muerta, pero, cuando el equipo de rescate abrió la portezuela en la base de la chimenea, «salió una manita», como en una película de terror: la cría estaba un poco machacada pero muy viva y llegó al hospital hablando y sonriendo. Apuesto a que es nuestra Grace.

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La saxofonista Zoh Amba se ha convertido en los últimos años en un nombre de referencia en las músicas de vanguardia. Menuda físicamente y salvaje estilísticamente, de ella se suele mencionar como dato biográfico significativo que, cuando era niña, se marchaba a practicar con su saxofón por los bosques de Tennessee, pero ella quita el romanticismo al asunto recordando que lo hacía porque su madre, con problemas de adicciones, no le permitía tocar en casa. El caso es que Zoh está implicada en mil colaboraciones y proyectos, entre los que resulta especialmente accesible Beings, un cuarteto que completan otros figurones del underground más aventurado: el guitarrista Steve Gunn (a quien tuvimos por aquí hace poco acompañando a Bridget St John), el bajista y teclista Shahzad Ismaily (que también asomó por esta sección como miembro de Ceramic Dog) y el batería Jim White (a quien también podemos escuchar, por ejemplo, en el maravilloso nuevo álbum de nuestra ídola Myriam Gendron).

Beings, con base en Nueva York, acaban de debutar con un álbum de nueve canciones en el que caben la brutalidad y la dulzura, una combinación de la que aquí somos particularmente devotos. Hay cortes con vocación experimental, que a veces se zambullen en la música contemporánea más descoyuntada o el free jazz, junto a cosas tan bonitas como esta Flowers That Talk, en la que Zoh también canta con un estilo natural, de andar por casa, frescamente imperfecto, que puede evocar la vertiente de vocalista de Moe Tucker (y, mira, la Velvet puede servir de buen ejemplo de esa mezcla de brutalidad y dulzura). Se trata de una canción normal en la que nadie hace cosas normales con su instrumento, y no hay más que seguir atentamente la batería de White para darse cuenta de eso. En menos de cuatro minutos, Flores que hablan tiene su intro y su puente instrumentales con cierto aire progresivo, su sencilla y desarmante melodía vocal y también un desenlace de 40 segundos en el que Zoh sopla su saxo y arrastra el tema hacia la vertiente menos amable del álbum.

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He estado a punto de redondear la tanda punk de las últimas entregas de esta sección con una tercera canción de minuto y poco, después de las de Solomillo Wellington (que dura minuto veintiocho) e Itchy And The Nits (minuto dos). La idea era seleccionar algún corte de la antología de despedida de los leoneses Punkteras Rosas, que lleva nada menos que 43 canciones, la mayoría de minuto cinco (porque, si les quedan más largas, las cercenan abruptamente sin más). Pero, la verdad, no he sido capaz de elegir entre la de Rigoberta Bandini («puedo cruzar toda la Wikipedia pinchando en nombres de tus familiares»), la del tío de Burgos que quiere ser lehendakari por Bildu, la del abuelo que perdió un pie para que tú hagas un hilo en Twitter, la del socio 762 de la Fundación Gustavo Bueno, la del tipo que escribe «Cuca Gamarra está bien buena» en su quiniela… Y esa siniestra que se titula Querido amigo protestante de antecesores luteranos y que me gusta más que lo que hacen la mayoría de gotiquillos serios. Así que he pensado en recomendar de manera extraordinaria el disco entero y pasar a otra cosa, aunque una canción de tres minutos y veinticuatro segundos va a parecer casi Yes después del empacho de Punkteras Rosas.

Discreet Charms (los discretos encantos, como en la peli de Buñuel, que en inglés se titula The Discreet Charm of the Bourgeoisie) son un cuarteto de Brooklyn, Nueva York, que acaba de sacar un EP de cinco canciones. Son, aclararé, los de la foto de arriba. Veo con extrañeza que en Spotify solo tienen tres seguidores, y yo soy uno, así que a lo mejor sus encantos están siendo injustamente discretos de verdad. A mí el disquito me parece un discazo, que reúne en sus cuatro originales y su versión (original de los Parasites Of The Western World, a los que no, no conozco de nada) algunas influencias más o menos obvias que acaban no pareciéndose nada a los originales. La voz, cómo no, remite poderosamente a Joy Division, y otros dirán que a Interpol, y a mí el estilo general me ha hecho pensar en Woolen Men y a veces me hacen acordarme de sus paisanos Oneida, pero el arranque de esta canción en concreto es televisivo a más no poder. Da igual, porque luego todo evoluciona y se va mezclando en canciones ásperas y tensas, pero sorprendentemente pegadizas, que tienen que funcionar genial en directo. Muchas veces deseo que los álbumes fuesen epés, pero con Discreet Charms me ocurre justo lo contrario.

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En materia musical, como en tantas otras cosas, Nueva York funciona muchas veces como un universo aparte: hay artistas que llevan toda la vida moviéndose por su rico underground, cruzándose en mil proyectos y dando lugar a un sistema de referencias propio. Uno de esos nombres que funcionan como claves es el de Andrya Ambro, una percusionista y vocalista conocida sobre todo como 50% de Talk Normal, su dúo junto a Sarah Register, que entre otras cosas es colaboradora de Kim Gordon, y así podríamos ir tirando hasta organizar una cadeneta con todas las figuras alternativas de la Gran Manzana.

Lo que tenemos hoy por aquí es Gold Dime, el otro proyecto más relevante de Andrya, un trío en el que ella se ocupa de la percusión, las voces y la composición. «Andrya tiene una habilidad especial para sintetizar la energía primitiva del punk, una sensibilidad vanguardista y unas líneas vocales pegadizas», ha dicho Brian Chase, de los Yeah Yeah Yeahs, otro de la cadeneta. Y tiene razón: con influencias como Patti Smith, Laurie Anderson o Diamanda Galás (ella también cita por ahí a PiL, Fugazi o Alternative TV), la percusionista y sus dos compinches acaban de facturar un tercer álbum oscuro, intenso y sugerente, de ambientes a menudo opresivos y guitarras como trenes de mercancías, que podríamos etiquetar como post-punk sin clichés. Wasted Wanted, casi industrial en su planteamiento, fue la canción que les sirvió de adelanto, allá por el verano, y me parece la puerta de entrada ideal a su mundo.

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Es atípico el perfil de Model/Actriz, partiendo de ese nombre bilingüe (que por estos pagos nos recuerda inevitablemente al Mocatriz de Ojete Calor) y pasando por una discografía que arranca en 2016 y, qué cosas, todavía no ha pasado por el rito iniciático del álbum de debut (que, ciertamente, con los usos contemporáneos de consumo musical cada vez parece más superfluo). El cuarteto, originario de Boston y afincado en el barrio neoyorquino de Brooklyn, todavía mantiene un nivel de popularidad más bien discreto a pesar de haber sido saludado por publicaciones importantes como una de las bandas emergentes más sólidas de Estados Unidos. Y su música tiene también cierto componente raro, que los emparenta con exitosas corrientes del rock actual (es, al fin y al cabo, una especie de dance-punk, de esos que se pueden disfrutar igual pensando que bailando), pero a la vez tengo la sensación de que se aparta de la corriente principal para explorar cierta periferia menos complaciente, más abrupta, más incómoda y ruidosa.

Parece claro que a Model/Actriz les gustan las palabras de origen castellano, porque ahí está su nombre y ya tenían otro tema titulado Matador. El mes pasado lanzaron Mosquito, del que también existe un remix a cargo del DJ malasio-chino Tzusing y que, al parecer, llevaba mucho tiempo siendo una baza infalible de sus directos. Me lo imagino, porque tiene que funcionar genial en vivo ese tono acuciante y esas bases que parecen un híbrido amenazador entre guitarra y percusión. «Con un número de víctimas más alto que el de un mosquito», insiste el carismático vocalista Cole Haden en una canción que, esta vez parece que sí, sirve de adelanto a su primer disco grande. Por cierto que a mí, no sé si por sonido o por estética, también me hacen acordarme de nuestros Vulk.

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Y así precisamente se llama su nuevo álbum, Success, éxito, aunque siento decir que intuyo una intención irónica en el bautismo. No, aquellos chavalillos son ya señores (el nombre Oneida, por cierto, viene de un pueblo aborigen de Norteamérica) y no han triunfado como yo pensaba, pero sí han construido una carrera inquieta, variada e interesantísima: lo suyo es, en esencia, un rock guitarrero que también bebe ávidamente de los ritmos motóricos de Neu! y compañía, pero en estos 25 años nuestros protagonistas se han desviado a menudo por territorios más áridos, más abstractos, más experimentales, a menudo más electrónicos, quizá menos disfrutables. Ahora han regresado decididamente al ímpetu de sus inicios e incluso ceden a la tentación de estribillos tan irresistibles como este I Wanna Hold Your Electric Hand, una canción a la que no le falta nada: es cantable y arrolladora y tiene una dosis más que generosa de ruido y electricidad. Por cierto, no soy capaz de escuchar el arranque sin pensar en los amigos Triángulo de Amor Bizarro, a los que tampoco vi lo suficientemente pronto como para chulearme de ello, pero al menos sí los cité por aquí en plan tempranero.

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Ya sé que la sinceridad es un valor poco cotizado en esto del periodismo musical, pero no voy a ocultar que hasta la semana pasada yo no conocía ni de nombre a Michael Beharie. Tampoco es que ahora sea un erudito en su vida y obra, pero al menos ya he averiguado que procede de la fecunda escena de vanguardia neoyorquina, que es una etiqueta que viene a equivaler a la imposibilidad de encuadrarlo con otras etiquetas más concretas. Por lo que leo, lo mismo te lo puedes encontrar en proyectos de exploración improvisada, que dándole a la electrónica en plan duro, que en bandas sonoras de documentales, que produciendo a artistas de dancehall, que acompañando a un vocalista nigeriano de afropop… En su perfil de Bandcamp, él mismo se sitúa en «la intersección imaginaria entre la cultura del sound system, la transmisión pop y la improvisación libre», y el batería en este tema concreto que nos ocupa es Greg Fox, a quien sí conocíamos por aquí como encargado de la percusión en los blackmetaleros experimentales Liturgy (y que es compañero suyo en la banda Zs).

Y ahora viene la pregunta: con todo esto que os he contado en el parrafito anterior, ¿cómo diablos os imagináis que suena For Days, que es la canción que cierra su nuevo elepé en solitario? Pues bien, creo que no tiene nada que ver con ninguna de esas pistas que he entresacado del currículum de Beharie. El álbum es un disco de folk errabundo, sin raíces en ningún lugar concreto del planeta, que el propio artista vincula con la evocación de músicas que recuerda de su infancia, pero este tema de cierre se interna más por territorios prudentemente roqueros: supongo que se puede hablar de folk-rock progresivo, o barroco, o algo así, con un pasaje final (y aquí aviso a los espíritus encallecidos que no soportan estas delicadezas) donde suena un solo de flauta interpretado por Laura Cocks, otra artista hiperactiva y aventurera en cuya carrera voy a tener que indagar. Son gente que a veces hace cosas muy pasadas de rosca, pero aquí se contienen en esta canción tan bonita.

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