Lo prometido es deuda, claro, y la semana pasada anticipábamos un lote de dos canciones a cargo de dos bandas de señores viejunos, ambas con el sexo en el nombre. Y aquí están, no vaya a parecer que tiento a las masas con clickbaits sin fundamento. Los primeros, los de arriba, lucen el llamativo nombre de Your Heterosexual Violence y, en fin, la primera vez que leí su historia pensé que se trataba de una broma, una fantasía, una falsa biografía. Principalmente, por dos razones. En primer lugar, no me encajaba nada que un grupo de los primeros 80 luciese un bautismo tan propio de nuestros días (y que además, siendo tan chocante en su época, yo no recordase haberme topado nunca con él). Y, en segundo lugar, no me cabía en la cabeza que unos tipos capaces de bordar una canción como esta House Outside The World hubiesen pasado sin pena ni gloria.

Pero leí en Louder Than War una entrevista con su vocalista y parece que sí, que es todo verdad, que se formaron en 1982 en Londres y se pusieron ese nombre ajeno a su tiempo y colaron algún tema en alguna recopilación y se disolvieron y volvieron a juntarse hace una década. Revitalizados además por la presencia juvenil y no binaria de la guitarrista y covocalista Jemma Freeman, acaban de editar su primer álbum, que demuestra que la creatividad y el desparpajo no tienen por qué arrugarse con los años: es un repertorio espléndido que brota del mismo tronco que The Fall o Alternative TV. De hecho, me gusta cómo, en esa entrevista que he enlazado, Brian O’Brien explica que ya entonces eran demasiado viejos para que sus influencias fuesen punk, porque lo que les había marcado en la adolescencia fueron Bowie, la Velvet, los Beatles y el folk: es lo mismo que le pasaba a Mark E. Smith, que su post-punk bebía de muchísimas referencias prepunk. Y ahora, olvídense de las burdas categorizaciones por edades y déjense llevar por esta canción de dos minutos y medio.

La otra banda hunde sus raíces, más o menos, en la misma época, pero en este caso aquellos antecedentes alcanzaron más renombre. The Sexual Objects son el proyecto actual de Davy Henderson, cantante y guitarrista escocés que encabezó en los últimos 70 y primeros 80 los reputados The Fire Engines, ídolos de triunfadores posteriores como Franz Ferdinand. Henderson es un tipo inclasificable que en cada fase de su carrera (estuvieron después Win y The Nectarine No 9) apuesta por un enfoque diferente, y la verdad es que no sé bien cómo clasificar a The Sexual Objects: a mí me hacen pensar en T.Rex, The Only Ones y Television, lo que probablemente signifique que no tienen tanto que ver con ninguno de ellos. Una de las peculiaridades de la banda es que, en las casi dos décadas que llevan en activo, han apostado por ir soltando discos casi clandestinos que muy pronto acaban descatalogados: de hecho, han pasado a la historia por haber editado un álbum con una tirada de una sola copia, que se subastó en eBay y se vendió por 4.213 libras. Ahora acaban de regularizar un poco su producción con Orangutang, donde reúnen un hermoso ramillete de diez canciones que tenían desperdigadas por ahí, incluidas tres producciones de Boards Of Canada. El disco tiene tres cortes que me fascinan (este segundo, el sexto y el décimo, muy distintos unos de otros), además de un homenaje a Ron Asheton titulado Ron Asheton y un homenaje a Kevin Ayers titulado Kevin Ayers o Kevin Ayres, que ahí la cosa baila. Por cosas como estos cuatro minutos, coda incluida, yo lo tengo archivado ya en mi carpeta de candidatos a la minilista de lo mejor del año.

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Originalmente Qlowski eran un grupo italiano, pero la pareja nuclear, formada por Cecilia Corapi y Mickey Tellarini, se mudó a Londres. Poco después rompieron su vínculo sentimental, pero siguieron como proyecto británico y en los últimos tiempos han ampliado la formación para convertirse en una banda propiamente dicha. Acaban de publicar su segundo álbum, The Wound, inspirado por una frase de Francis Bacon que afirma que «no hay belleza sin herida». Mi favorita del lote es la última, que también es la más larga, esta Off The Grass que trata «sobre el fracaso y sobre construir algo a partir de las cicatrices» y que adquiere pleno sentido y plena belleza a partir de los dos minutos y medio, cuando entran esos teclados tan tontamente efectivos, tan… dream punk, por qué no.

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Genghis Cohn no se llama así. Según leo por ahí, el nombre viene de una peli de los 90 en la que el espíritu de un comediante y ventrílocuo judío, víctima del Holocausto, atormenta a uno de los nazis responsables de su muerte. Pero, bueno, el huidizo Genghis Cohn del que hablamos hoy se llama en realidad Gil Shani, vive en Londres y, por lo visto, lleva ya unos cuantos años activo por el underground del underground, grabando cosas para sellos que ni siquiera conozco. El caso es que Gil/Genghis sacó en marzo un disquito de veinte minutos que podríamos definir como un vanguardista collage folkie de ruiditos y que, en fin, en ningún caso nos preparaba para lo que acaba de publicar ahora, que para mí es uno de los álbumes del año.

Iron Day es una colección de doce canciones es las que Genghis Cohn se presenta como austero cantautor de voz gravísima, acompañándose a la guitarra acústica y con ocasionales arreglos de violín y percusión. Es una música imperfecta e imponente a la vez, surrealista y seria, clásica y radicalmente outsider. Vamos, que no sé muy bien en qué casilla encajonarla y me dan ganas de crear una nuevecita: a mí me hace pensar en Ian Dury cantando a Leonard Cohen con acompañamiento de Nick Drake, pero salvando todas las distancias, porque las canciones de Genghis sobre erizos enamorados o sobre el olor de la cebolla tienen a la vez un ramalazo esquinadamente bufo o, por lo menos, estrambótico que obliga a matizar esos referentes tan egregios. A mí me entusiasma en particular esta canción, Broken Vessel, con un recitado obsesivo y lacónico («vasija rota, aparta tu sombra de mi pecho: no la quiero, no puedo soportar más esta culpa»), que no sé si tiene que ver con la vasija rota del profeta Jeremías, y con una acústica que se va exaltando, se pone brava y parece contagiar al vocalista. El resultado es raro, distinto y, creo yo, hermoso.

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Explica la famosa Daxx que Treetops está inspirada en el cuento de Hansel y Gretel, alemán como ella. Y con momentos terribles, aunque, que yo sepa, entre ellos no se incluye esa escena macabra que retrata la canción. «Aunque fluye suave como folk, acompañada por una de mis cosas nuevas favoritas para tocar, la slide guitar, es el monólogo de Gretel contemplando el suicidio de su hermano en el mismo árbol bajo el que está ella (…). Para Gretel, en ese momento, todo se ha perdido, y se maldice a sí misma por no ser capaz de salvar a su propio hermano». Me encanta también el concepto que tiene esta mujer de lo que es un lyric video.

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Siempre que escucho a Jeremy Jay me digo que debería seguirle más de cerca. Me encanta cómo canaliza algunas de las cosas que más me gustan de la historia de la música, empezando por esas bases tan The Cure (precisemos quizá un poco más y digamos tan The Cure en torno a Seventeen Seconds) que asoman de vez en cuando en canciones como esta que nos ocupa hoy. Dicho esto, tengo que admitir que el tema y el disco que lo contiene me han sumido en la confusión, porque ni siquiera tengo del todo claro a quién debo acreditarlo. Acaba de asomar en Spotify como parte de un álbum titulado Septembers y firmado a nombre de Jeremy Jay. Pero, husmeando en su Bandcamp, veo que también colgó en enero un álbum titulado Septembers, que lleva las mismas canciones en distinto orden y con distinta portada, y ahí When Shadows Tear está acreditada a September Strangers, que es un proyecto que nuestro hombre puso en marcha hace algunos años. De hecho, Jeremy atribuyó en su momento el disco completo a la banda. También hay en Bandcamp, por cierto, un álbum más nuevo (digo yo, porque lleva fecha de mayo de 2023) y un montón de rarezas que Jay va compartiendo cuando le viene en gana, así que veo que seguirle de cerca exige más dedicación de la que suponia.

Pero, en realidad, poco importa todo esto de las atribuciones. When Shadows Tear es un tema de post-punk obsesivo y atmosférico que el artista californiano, afincado ahora en Londres, arma a partir de unas sencillas líneas melódicas, acumulando guitarras, dejando que se disipen y convocándolas de nuevo, como si fuesen esas sombras de las que habla el título.

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Nothingheads son un cuarteto relativamente nuevo que solo ha editado un puñado de sencillos. En este que acaba de salir se ponen especialmente intensos y ruidosos, con cinco minutos y medio de fibra guitarrera, voces majaras de rock and roll mutante y un pasaje final muy de sacudir cabezas y cabellos. Ah, una cosa sí puedo contar de esta gente: parece que les gusta inspirarse en asuntos poco comunes en este mundito nuestro del rock. Una de sus primeras canciones, Topsy, estaba dedicada a la elefanta de ese nombre que fue electrocutada en Coney Island en 1903 (y que, caramba, por alguna razón no incluí en mi reportajito sobre vidas y muertes de elefantes de circo), mientras que Digging tiene su punto de partida en las fotos de minas amazónicas que Sebastião Salgado tomó en los 80.

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Estoy recién aterrizado de unas vacaciones de cinco días en Londres con la familia. Sería bonito decir que, allá en la isla, he descubierto alguna novísima tendencia del pop, pero en realidad han sido cinco días prácticamente sin música, de aquí para allá, redescubriendo esa maravillosa sensación de encontrarse en un país extranjero. Aunque quizá debería decir «sin música grabada», porque Londres siempre tiene la peculiaridad de liar a mi cerebro en obsesivos bucles canturreantes. Me ocurre con las estaciones, por ejemplo: es ver u oír Brixton y empezar a cantar sin descanso el The Guns Of Brixton de los Clash (en realidad, solo el verso de «oooooooh, the guns of Brixton», no me tengan en tanta estima como para suponer que me sé la letra entera), y no digamos ya si mi metro pasa por Euston, porque entonces ya no se me caen de la cabeza los versos «smoke lingers round your fingers, train heave on to Euston» del London de los Smiths (esta sí me la sé, qué pasa, aunque siempre se me olvida lo que significa heave).

El caso es que esta vez nos hospedábamos al lado de Victoria y, claro, ya se pueden imaginar lo que ha pasado. ¡Ese exultante estribillo de una sola palabra repetida cuatro veces ha estado sonando non stop en mi cabeza! En realidad, la primera versión de Victoria que yo conocí fue la que hicieron The Fall, y en esa se ha centrado mi cerebro estos cinco días: aunque la letra es igual («Victooooria, Victooooria, Victoria, Victori-a»), la canto mentalmente con iracundo tono de Mark E. Smith, quizá incluso fumándome mentalmente un cigarrillo de los que no cato en la vida real. Pero, como The Fall ya tuvieron canción de la semana, nos vamos a la original, claro. The Kinks, Victoria, qué más voy a decir.

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Hoy es uno de esos días en los que he decidido la canción de la semana con mi propio algoritmo de Spotify, una sofisticada herramienta matemática a la que recurro en casos de duda. Tenía tres candidatos a aparecer por aquí: un cuarteto setentero de Gales, otro cuarteto tirando a punk de Francia y una cantautora británica nacida en Praga. Y las tres canciones me gustan mucho y son muy distintas y sé que en realidad a todos vosotros os da exactamente igual una que otra, así que he puesto en marcha mi decideitor del doctor Doofenshmirtz. Es decir, he mirado el número de oyentes que tiene cada uno de estos artistas en Spotify y me he quedado con el más bajo: los galeses andan por los 38.000 (vamos, que son superestrellas en términos de este blog, pero suenan tan arrebatadores que seguro que acaban asomando por aquí), los franceses tienen 402 (eso queda más en nuestro territorio habitual) y la checobritánica computa… ¡55! Y, como no logro entender ese número tan bajo, aquí está Misha Chylkova con su espléndida nueva canción, a ver si sube a 56.

Misha, ya lo he dicho, nació en Praga pero lleva toda su vida adulta en Londres, donde ha desarrollado una doble carrera en el mundo de la moda (hey, veo que ha trabajado para Victoria Beckham) y en la animada escena antifolk. Describe lo suyo como «música palpitante, hipnótica y hermosamente oscura» y se declara «obsesionada con la repetición y la simplicidad», aunque este Doing It All Wrong cuenta con un cuidado acompañamiento de lujo a cargo de Darren Hayman (sí, el de Hefner), Ian Button (de Death In Vegas) y Jon Clayton (de Hurtling, a los que no creo conocer, pero no le voy a dejar sin referencia al pobre, sobre todo teniendo en cuenta que toca el Philicorda). «Estoy esperando que te enamores, / pero lo estás haciendo todo mal», dice la letra. Y sí, son cuatro estrofas más o menos con la misma melodía, algo que no es tan raro en una artista que cita como sus principales referentes a Low, Suicide y Marianne Faithful.

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Pozi son un trío londinense con una formación poco habitual: violín, bajo y batería, más el detalle añadido de que los tres cantan. Esa instrumentación ya los haría destacar dentro de la actual oleada de post-punk, que quizá tienda con un poco de exceso a la reproducción de esquemas del pasado. Pero es que, además, da la impresión de que Rosa, Toby y Tom son gente de gustos variados y poco doctrinarios: en una entrevista con la web de Fred Perry citaban a sospechosos habituales cuando hablamos de un sonido como el suyo (por ejemplo, Wire, The Fall, PiL y ESG), pero también a las Shangri-Las, el noise japonés, Elvis, Beak>, Stevie Wonder o Placebo. Y las canciones de Pozi reflejan de alguna manera esos esquemas abiertos, con una base repetitiva de post-punk sobre la que el violín y las voces tiran por senderos no siempre ortodoxos.

El año pasado editaron su primer álbum y ahora acaban de sacar un EP de cinco canciones, de las que dos son estupendas (y las otras tres buenas, no se vayan a pensar). Al final, como tantas otras veces, me he quedado con la que abre el lote, que por algo ha acabado colocada ahí: Whitewashing trata sobre compartir un viaje en coche con un viejo amigo y descubrir que en estos años se ha convertido en un idiota intolerante. Y le han hecho un vídeo así de chulo.

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Foto: Sanna Charles

La posteridad es un poco perra con ciertos artistas. Yo veo ese talante injusto en el trato que les da a algunos de mis grupos favoritos: a unos les surgen mil imitadores, que recogen y perpetúan sus aportaciones, y en cambio la semilla de otros parece caer en el olvido, aunque sea tanto o más interesante que la de sus compañeros influyentes. Sin ir más lejos, yo no entiendo por qué no hay más grupos fascinados y devotos que recojan el testigo de Big Black, que me siguen pareciendo una de las bandas más alucinantes de los 80: hace un par de semanas me han dado un alegrón Triángulo de Amor Bizarro al incluir en una de sus nuevas canciones, Ruptura, un sample del Kerosene de Albini y los suyos.

Y lo mismo me pasa con los Butthole Surfers y su rock ácido, orate, desmadrado y energúmeno. Con toda la materia prima que suministran sus hallazgos, hay que ver qué pocas bandas los aprovechan. Pues bien, uno de sus seguidores más evidentes es el grupo londinense Luminous Bodies, cuyo «barullo lisérgico» es heredero reconocido de las majaradas de los Surfistas. De ellos viene la idea siempre acertada de usar dos baterías, de ellos vienen los solos de guitarra estupefacientes e incendiarios hasta el exceso (ay, qué maravilla aquellos solos de Paul Leary) y de ellos viene, en fin, la sensación general de caos y desequilibrio mental. Ah, los miembros de la banda son luminarias del noise rock británico, en cuyo currículum figuran nombres prestigiosos como Terminal Cheesecake o Part Chimp. Sykes (no me pregunten por la traducción, que no tengo ni idea: entiendo mucho mejor otro de sus títulos, Fuck The Beatles) es el tema que abre su segundo álbum, Nah Nah Nah Yeh Yeh Yeh, y son casi ocho minutos de felicidad deforme.

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