Tampoco es que sepa mucho sobre Atalaya. Ya he dicho que se trata de un dúo. Por una parte está el cantautor Fernando Milagros, que según veo cuenta con una copiosa discografía en solitario y ha colaborado, por ejemplo, con nuestra Christina Rosenvinge. Por otro, un músico que se hace llamar Spec, que es uno de los fundadores del trío Matanza (un proyecto pionero de folktrónica que ha girado por Europa), un reputado DJ (allí dicen tornamesista, una palabra chulísima que incorporo ya a mi vocabulario) y un conocedor del folclore desde la infancia, ya que su padre fue el ingeniero de sonido de muchas grabaciones históricas chilenas. Ellos definen su sonido como glocal (ya saben, global y local a la vez) y lo describen como «exploraciones rítmicas con el poder de transformar canciones de espíritu folk en música profundamente bailable». Acaban de editar su debut, La sed, cuatro canciones entre las que brilla la que le da título, este tema misterioso, entre lo místico, lo ritual y lo sexual, que empieza casi recitado y de pronto se vuelve todo estribillo. Dame de beber de tu agua…

Por cierto, pensaba yo que este era el estreno de Chile en la sección, pero no, resulta que ya tuvimos a Sign Of Evil, aunque parezcan de otro universo.

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Post tags: Atalaya, canción de la semana, Chile, electrónica, folk

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Confesaré aquí que muchos proyectos del rollo minimal synth tienden a aburrirme, por esa costumbre de tirar siempre de la receta más previsible, pero por alguna razón eso no me ocurre con esta gente extraña. A veces se aventuran por sonidos algo más ásperos, pero en general lo suyo es un pop frío, distanciado, elegante y pesimista, que va más allá de las referencias post-punk y a menudo remite directamente a Kraftwerk (no hay más que ver la portada de Transnecropolitan, el minielepé donde aparece The Frozen Ground) e incluso, como indica alguna crítica por ahí, pueden evocar ocasionalmente los paisajes electrónicos de Jean-Michel Jarre (que a algunos les espantará, pero fue una de mis primeras pasiones musicales). Si les gusta, aquí pueden descargarse por la cara, o por el precio que quieran pagar, una bonita recopilación de sus tres primeros epés. O también comprársela en versión casete, que seguramente es lo más indicado en su caso.

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Post tags: canción de la semana, electrónica, Plague Pits, Suiza

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La tarea de cubrir el Bilbao BBK Live invade también mi tiempo de ocio, porque durante unos días tengo que documentarme un poco sobre artistas que a menudo me son más bien indiferentes: entre las cosas que más he escuchado esta semana están Placebo (y me ha gustado bastante su último álbum y, en consecuencia, también ese concierto que muchos consideraron un tostón), The Killers (que siguen resultándome igual de indiferentes que antes) y Chill Mafia (y ahí se ha reforzado mi ardor de converso). A Pet Shop Boys no me ha hecho falta escucharlos, porque los tengo sabidos, pero creo que hoy mismo voy a meterme una buena sesión, apabullado todavía por el concierto de ayer: a lo mejor fue un poco ridículo emocionarse con su versión de Go West y esas imágenes de cielos que la acompañaron, pero a mí me ocurrió. Ah, me hace gracia que en el recuento de reproducciones también aparecen mis refugios musicales de estos días, remansos tan alejados del festivalismo como The Tallis Scholars o Henry Purcell.

Pero esta canción la tenía bien guardadita desde hace un par de semanas y ha seguido sonando en mi casa y mi cabeza. Ardina es el tema que encabeza el EP de debut del dúo franco-marroquí Taxi Kebab, formado por Leïla Jiqqir (que toca el buzuki y la guitarra y canta en árabe marroquí, la lengua de su padre) y Romain Henry (que se ocupa de la cacharrería electrónica). A Taxi Kebab, que describen su estilo como «psicodelia desoriental», los ha fichado el sello Real World para su división Real World X y el resultado son canciones tan intensas como esta, acerca «del retorno, el olvido, el recuerdo y la conexión con las raíces ancestrales».

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Post tags: canción de la semana, electrónica, Francia, Marruecos, Taxi Kebab

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Me parece que con esta canción voy un poco retrasado y bastante desinformado, pero creo que las dos cosas tienen disculpa. Lo del retraso: veo que Fin du travail, vie magique lleva fecha del año pasado, pero yo la he descubierto ahora gracias a que el sello Detriti acaba de editarla en vinilo. Y me gusta un montón, claro: iba a escribir que me encanta el pop electrónico minimalista, así en general, pero en realidad lo que me encanta es cierto pop electrónico minimalista que está muy bien representado por esta canción (y también por otras que han pasado por esta sección como Homosexualis discothecus o Baile sin dientes). Son himnos turbios que enraízan en D.A.F., en Liaisons Dangereuses, en aquella estimulante ola alemana que sirvió de puente entre el punk y la electronic body music, a base de sonidos repetitivos y sin pulir que invitan a bailar con las extremidades descoyuntadas en algún club muy oscuro. Veo que la propia artista, Laura Krieg, cita en una entrevista a Malaria! y Einstürzende Neubauten como estímulos para iniciar su actividad creativa allá por 2016. ¿Y lo que decía antes de la desinformación? Bueno, me ha chocado que, en esa misma entrevista, Laura cita su pasión por grupos españoles de los 80 como Parálisis Permanente, Aviador Dro, Aerolíneas Federales o Almodóvar y McNamara, que no son precisamente las referencias que uno se espera de una compositora e intérprete afincada en Montreal. De eso y de los comentarios al vídeo en YouTube deduzco, con brillantez holmesiana, que nuestra protagonista es española, pero no me pidan más detalles, que no los tengo.

La canción está basada en Ahora, el libro de El Comité Invisible, y lo de fin del trabajo, vida mágica procede originalmente de una pintada en un muro de París. El texto de presentación de la canción arremete contra la cultura corporativa, la autopromoción, el team bonding y «abominaciones así». Y el vídeo es como un viaje en el tiempo, no sé si al pasado o a un futuro prometedor y perdido.

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Post tags: Canadá, canción de la semana, electrónica, Laura Krieg, Quebec

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Al leer sobre Rien Virgule, uno se imagina su música mucho más incómoda e impenetrable de lo que realmente es. Suele suceder con ciertos estilos que no se ajustan a esas etiquetas de las que todos abominamos pero que luego todos empleamos: a falta de una categoría evidente, la descripción tira de términos como improvisación, experimentación y electroacústica y el lector empieza a escuchar en su mente un antipático engrudo con pretensiones. Pero qué va: este Apache, tema de adelanto de lo que será su tercer álbum, arranca con tres minutos esencialmente ruidistas, pero a partir de ahí se acomoda a estructuras también libres pero más amables, de lo que podríamos llamar pop electrónico entre lo ambiental y lo ceremonial. El trío bordelés se toma la cosa sin prisas, renunciando a esa exigencia arbitraria de que las canciones tengan que durar tres o cuatro minutos, y se concede nada menos que doce minutos para desarrollar una canción de paso glacial y atmósfera misteriosa. Sí, sí, lo sé, estoy cayendo en el mismo error de la descripción hermética, así que mejor le dan al play.

Este tercer álbum de Rien Virgule (con el bonito título de La consolation des violettes) llega como una sorpresa, porque muchos habían dado por terminada su carrera hace un par de años, cuando falleció uno de los miembros del grupo, hasta entonces cuarteto. Los tres supervivientes (la artista plástica y fabricante de máscaras Anne Careil a la voz y los sintes, Manuel Duval a los «sintetizadores horizontales» y Mathias Pontevia a la «batería horizontal») fueron los primeros en asombrarse al descubrir que entre ellos circulaba «la misma savia incandescente» cuando volvieron a tocar juntos y que Jean-Marc, el compañero muerto, les había legado de alguna manera «su parte del caos». El resultado es este «revoltijo de metal, vidrios rotos y chispas de vida», de absorbente melancolía industrial.

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Post tags: Burdeos, canción de la semana, electrónica, Francia, Rien Virgule

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Cada vez que empieza un nuevo año, me hago el propósito de ensanchar un poco las fronteras habituales de esta sección, ya que la idea convencional de canción siempre acaba imponiéndose y deja fuera propuestas más aventuradas o menos concisas. Como todos los propósitos de año nuevo, este también suele acabar fracasando, porque el atractivo inmediato de los estribillos se impone en las valoraciones semanales, pero a estas alturas de enero todavía sigo firme en mi intención y por eso traigo por aquí a Soho Rezanejad, con un disco editado en diciembre que he escuchado un montón en el último mes y medio.

Soho nació en Nueva York, hija de exiliados iraníes, se ha criado en Copenhague y vive ahora en Berlín. Practica una electrónica tremendamente variada, con texturas que abarcan desde lo abrasivo hasta lo orquestal, y en este nuevo disco deja que fluya una música libre y difícilmente encasillable. Son ocho temas, a caballo (creo) entre la composición y la improvisación, creados como respuesta a distintos entornos urbanos en los que Soho actuó en 2018 y 2019: Copenhague, Viena, Helsingør, Munich, Montreal, Toronto, San Petersburgo, Tromsø y Nantes. Además, el disco está marcado por la muerte de su padre y por «el lenguaje de la naturaleza». Esto último queda particularmente claro en Surrender, una pieza de doce minutos y medio que tiene un poco de todo (empieza industrial, incluye fragmentos cantados e incluso pasajes de piano ambiental) y se vuelve extrañamente orgánica con la aparición espectral de voces de aves. Sí, aves.

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Post tags: Berlín, canción de la semana, Dinamarca, electrónica, Irán, Soho Rezanejad

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Puede ser simple coincidencia o uno de esos síntomas que revelan tendencias culturales subterráneas, pero el caso es que coinciden en el mercado cuatro recopilaciones dedicadas a explorar un nicho muy concreto de la música española: la electrónica más o menos underground de los 80. Hoy mismo publico en la revista para suscriptores un repaso algo más detallado de las cuatro, pero no quería dejar de mencionarlas por aquí, porque me parecen apasionantes. Dos de ellas pueden resultar más áridas, porque se centran en la escena industrial y experimental, que tanta vitalidad tenía en aquella época del despertar de las máquinas: los paquetitos con casetes viajaban de aquí para allá, tejiendo una densa red de alianzas entre aficionados al ruido doméstico. Crónica técnica, subtitulada ‘industrial & noise from Madrid 1981-1991’ y editada en colaboración por Geometrik Records y Munster, es una selección realizada por Andrés Noarbe, mánager de Esplendor Geométrico y responsable de su sello. En su tracklist aparecen nombres como Orfeón Gagarin, Miguel A. Ruiz, Funeral Souvenir, Uvegraf 10000, Técnica Material o La Otra Cara de Un Jardín. Por su parte, Golpea tu cerebro es un doble vinilo con un libreto de 52 páginas que publica este mes el sello Insane Muzak. Con el subtítulo de ‘Spanish underground cassette culture, 1980-1988’, reúne a clásicos de la escena como Neo Zelanda o Francisco López junto a nombres que a mí me resultan absolutamente ignotos, tales como Bulbo Raquídeo, El Enterrador Enterrado, Físodo 13.4 o Iéximal Jélimite.

Las otras dos antologías, sin renunciar a la sorpresa minoritaria, exploran lo que aquí solíamos llamar tecnopop, un término comodín que nos ahorraba distinguir entre las distintas tendencias del pop maquinal llegadas del extranjero. El Interferencias vol. 1 de Munster, subtitulado ‘Spanish synth wave 1980-1989’, abarca desde Aviador Dro y La Mode hasta Metropakt o Líneas Aéreas, pasando por Oviformia SCI, Vocoder, WAQ, Diseño Corbusier, Séptimo Sello o nuestros Lavabos Iturriaga. Y desde Suiza llega La contra ola, una ambiciosa panorámica del sello Les Disques Bongo Joe a la que tampoco le falta su subtítulo explicativo (‘synth wave and post punk from Spain 1980-86’). Se abre con el mítico Moscú está helado, de cuando Esplendor Geométrico todavía hacían pop, e incluye temas emblemáticos de Zombies, Derribos Arias o Aviador Dro, pero también músicas mucho menos conocidas que van desde la faceta étnico-industrial de La Fura dels Baus hasta los efímeros Línea Vienesa o De Picnic. Me encanta, por cierto, la portada, con una foto de Miguel Trillo tomada en Rock-Ola en 1981 en la que aparecen Gema, de la banda Cruella de Vil, y su hermana Marta.

Benelux es el tema de Líneas Aéreas que aparece en Interferencias. ¿Quiénes eran estos tipos? Según leo, se trataba de un dúo formado por los catalanes Francisco Palomo y Jordi Guber que solo llegó a editar un sencillo, en 1983: la imagen que encabeza el post y que se repite en el vídeo es un detalle de la ilustración de portada. Yo ni siquiera los conocía, aunque sí tengo un disco de otro proyecto de Guber, Velodrome.

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Post tags: años 80, canción de la semana, electrónica, Líneas Aéreas, música industrial, recopilaciones, tecnopop

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La carrera de Franco Battiato es una de las cosas más raras que uno puede echarse a la cara. Hay muchos casos de artistas que empiezan haciendo música más o menos accesible y evolucionan después hacia la experimentación, o que parten de la vanguardia y van retrocediendo hacia terrenos más amigables y cercanos al pop, pero lo del italiano han sido sucesivas idas y venidas, tan bruscas y extremas que a menudo hacen difícil ubicarlo. Hay un mundo entre el Battiato de los álbumes visionarios de los años 70 y el que participó en Eurovisión y triunfó (también en España) en los 80, pero ni aquel explorador sonoro era el Battiato original (antes, ya había probado suerte como cantante sesentero, más o menos yeyé) ni la posterior estrella tirando a friki fue el Battiato definitivo (a partir de 1987 ha publicado, por ejemplo, siete óperas). Y sin embargo, de alguna manera, la personalidad fascinante y un poco misteriosa del músico siciliano logra englobar todos estos battiatos hasta hacerlos compatibles, como manifestaciones distintas de una invidualidad libre, inconformista e hipercreativa.

La reedición de sus primeros tres álbumes por el sello californiano Superior Viaduct permite regresar a aquella época, los primeros 70, en la que Franco Battiato se internó decididamente en la experimentación. Antes de eso, afincado en Milán, ya había publicado varios sencillos de pop que no obtuvieron el éxito pretendido y que de ninguna manera permitían pronosticar la siguiente fase de su trayectoria. Los tres discos en cuestión (Fetus, de 1971; Pollution, de 1972, y Sulle corde di Aries, de 1973) asumieron y excedieron los presupuestos de la música progresiva de la época, especialmente influyente en Italia, y sirvieron de transición hacia la producción todavía más radical con la que Battiato ocuparía el resto de la década. En cierto modo, guardan cierta simetría con su etapa más conocida: mientras que en los 80 confeccionó superventas que jamás sonaban del todo normales, en este periodo se dedicó a experimentar sin romper aún el vínculo con el pop. La electrónica ocupa un lugar determinante en estos álbumes (el artista estaba fascinado por las posibilidades de su sintetizador VCS3), pero también se escuchan guitarras y bajos con fuzz, al estilo del rock progresivo, y acústicas y cuerdas más propias del folk rock. A todo eso se suma la singularidad inevitable de Battiato, que entona textos crípticos con su voz melancólica de dicción precisa, introduce efectos de sonido y pasajes de música clásica e incluso asume sin complejos la vanguardia culta de tipos como su admirado Stockhausen.

Battiato asume «riesgos audaces y casi estúpidos que siempre acaban funcionando», según escribió en su comentario a Fetus Julian Cope, el gran erudito de todo lo progresivo. Y, ciertamente, la suma de elementos dispares podría conducir a un desastre estrepitoso, una empanada pretenciosa e inaudible, pero en cambio atrapa al oyente con una frescura que no se ha marchitado en estos cuarenta y tantos años. En su mayoría, estos discos publicados originalmente por el sello Bla Bla se componen de piezas fragmentarias, pequeños frankensteins que pueden saltar abruptamente del folk acústico a turbulencias casi industriales. Resulta difícil resistirse a aportar unas pinceladas que reflejen la suma extrañeza de su contenido. Fetus está dedicado a Un mundo feliz, la novela de Aldous Huxley, y se centra en asuntos de ingeniería genética: se escuchan corazones, niños, conversaciones de los astronautas Armstrong y Aldrin y, seguramente, el verso más extraño contenido en canción alguna. Pertenece a Fenomenologia y dice así:

Pollution se suele catalogar como el más roquero de los tres, pero arranca con una grabación del vals Cuentos de los bosques de Viena, de Johann Strauss hijo, sobre la que Battiato recita versos como «el silencio del rumor de la válvula a presión». El vals se ve interrumpido por una explosión y, a partir de ahí, el rock a lo Pink Floyd y las acústicas a lo Space Oddity conviven con efectos de cinta, más música clásica (Smetana), electrónica desmadrada y letras inspiradas por el Centro Internazionale Studi Magnetici, una institución pseudocientífica que defendía ideas como la existencia de un corazón magnético que late en el centro del sol. Este fue el disco que dejó boquiabierto a Frank Zappa, un individuo curtido en rarezas, y le llevó a describir a Battiato como «genio». Finalmente, Sulle corde di Aries prescinde de todo rockismo y se compone de cuatro suites electroacústicas, deudoras del minimalismo y libres de esa peculiar estructura entrecortada de los discos anteriores: aquí Battiato ya se ha alejado mucho del pop, en un viaje cósmico hacia la experimentación que parecía irreversible.

Escuchando los repiqueteos y las notas repetidas hasta la extenuación de Sequenze e frequenze, el tema central del álbum, nadie habría imaginado que en la década siguiente vendrían cosas como Centro de gravedad permanente, Yo quiero verte danzar, el quinto puesto en Eurovisión con la maravillosa I treni di Tozeur y, lo más inconcebible de todo, Martes y 13 y su Nappiato.

(publicado originalmente en la revista para suscriptores Musi-K)

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Post tags: años 70, electrónica, Franco Battiato, Italia, reediciones

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Da la impresión de que, si ajustamos el foco de la manera correcta, cualquier escena nos puede revelar una buena provisión de joyas desconocidas. Todos los años se rescatan del olvido discos, artistas, incluso estilos enteros que quedaron arrumbados por el tiempo y por las modas de una manera que parecía definitiva: desde la música somalí de los 70 y los 80, por poner un ejemplo de recuperación reciente, hasta los yacimientos aparentemente inagotables del protoheavy anglosajón, objeto de decenas de antologías. Entre los últimos tesoros desenterrados por los arqueólogos musicales destaca la obra de Pauline Anna Strom, una artista estadounidense que lleva tres décadas fuera de todos los radares, si exceptuamos un grupo de admiradores tan exiguo como apasionado. En realidad, incluso en los años en que desarrolló su actividad, con tres elepés y cuatro casetes autopublicados entre 1982 y 1988, Pauline Anna siempre mantuvo un perfil discreto y esquivo, camuflada a menudo bajo un nombre artístico (Trans-Millenia Consort) e indiferente a todas esas servidumbres y compromisos que allanan el camino hacia la fama.

A Pauline Anna Strom se la suele ubicar en la new age, aquella electrónica contemplativa y espiritual que atravesó su gran momento en los 80, y es cierto que sus composiciones encajan sin mayor problema en las coordenadas del estilo. Pero también es verdad que la etiqueta, tan desprestigiada, no hace ningún favor a unas piezas deslumbrantes, ingrávidas, con una vocación cósmica que entronca directamente con los grandes clásicos de la electrónica setentera. Al fin y al cabo, su inspiración estaba en los discos de pioneros como Tangerine Dream, Klaus Schulze, Vangelis o Brian Eno, mientras que la escena de la nueva era y su supuesta hermandad mística no le despertaban grandes simpatías: «El bombo publicitario que rodea al género new age es propaganda de mierda, igual que los demás aspectos de nuestra cultura orientada al hype. No te llames a engaño: toda la estructura de negocio que rodea la ‘new age’ es tan corrupta, política y superficial como cualquier otra», alertó en una de sus contadas entrevistas, concedida en 1986 a la revista californiana Eurock. Esas dos frases ya bastan para dejar claro que nuestra protagonista nunca ha sido exactamente una campeona de la diplomacia y las relaciones públicas.

Pauline Anna Strom nació en Luisiana, en el seno de una familia ultracatólica. Vino al mundo de manera prematura y se quedó ciega. Pasó su juventud en Kentucky y, tras casarse con un militar, se mudó a la ciudad californiana de San Francisco, el núcleo de ese combinado de espiritualidad y tecnología que sirvió de caldo de cultivo a la new age. Aunque ella siempre había escuchado música clásica, los programas de radio que difundían el nuevo estilo le descubrieron nuevos territorios: primero empezó a coleccionar discos y, después, instrumentos electrónicos, hasta convertir una habitación de su apartamento en un estudio doméstico. Allí daba forma a sus piezas en sesiones creativas que solían transcurrir de noche, con auriculares, en un entorno de silencio y oscuridad que se concilia bien con su música paciente y exploratoria, atravesada constantemente por cascadas de sonido que parecen fulgurantes rayos cósmicos. «Mi ceguera, más que entorpecerlas, ha contribuido a mis aptitudes musicales. Creo que mi oído y mi capacidad de visualización mental se han desarrollado a un nivel más alto. Y tampoco afecta a mis capacidades desde un punto de vista técnico: es posible programar sintetizadores y unidades de efectos, grabar con precisión y manipular una mesa de mezclas guiándose solo por el sonido», detalló en aquella rara entrevista.

Pauline Anna Strom siempre se mantuvo al margen de la industria, de manera que sus autoediciones no pasaron de tiradas modestas y pronto acabaron descatalogadas. Se convirtió en la perfecta artista de culto: conocida solo por una minoría especializada, inactiva desde 1988, autora de músicas inencontrables y, para redondear el perfil, misteriosa y huidiza en sí misma, hasta el punto de que resultaba casi imposible encontrar información fiable sobre ella. El sello RVNG Intl. la ha puesto inesperadamente de actualidad al editar Trans-Millenia Music, una recopilación que reúne trece piezas extraídas de sus siete álbumes. Son ochenta minutos de instrumentales hermosos, serenos y sugerentes, entre lo ambiental y lo psicodélico, que triunfan en el propósito de embarcar al oyente en un viaje astral o, tal como lo planteaba la propia Pauline Anna, de enlazar «las profundidades del pasado remoto» y «las vastas magnitudes del futuro». La compositora («audazmente individualista y fieramente independiente», como la describe la discográfica) incluso se ha avenido a conceder una entrevista telefónica a la revista británica The Wire, la biblia mensual de las músicas de vanguardia. En el reportaje publicado el mes pasado, revela que sigue viviendo en el mismo apartamento que en los 80, pero que su querido equipo (el Yamaha DX7, el Prophet 10, el E-mu Emulator…) ya no está allí, porque se vio obligada a venderlo junto a su colección de discos para superar una mala racha.

(publicado originalmente en la revista para suscriptores Musi-K)

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Post tags: California, electrónica, new age, Pauline Anna Strom, reediciones

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Y aquí es donde llego a territorio peliagudo, porque no sé muy bien cómo describir La patrulla Águila. Digamos que es la exposición poética de un suceso imaginario. O la visión alucinada de una posibilidad macabra. O una postal apocalíptica enviada desde Murcia. El caso es que este recitado cargado de ecos y de humor negrísimo, sobre unas bases de engañosa melancolía, me tiene un poco obsesionado desde la primera vez que lo escuché. ¿Preparados para despegar?

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Post tags: canción de la semana, electrónica, Los Esmiz

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