De los Butthole Surfers ya hemos hablado más de una vez por aquí, y recomiendo recuperar este post para empaparse de su filosofía y de ese anecdotario insuperable: cuando rociaron de combustible a los encargados de seguridad de un concierto, cuando se mudaron a Georgia para acosar a R.E.M., cuando frotaron el escroto en el maletín de una hija del expresidente de Estados Unidos, cuando añadían LSD al bol de cereales del desayuno… Pero, más allá de ser la banda más divertida en formato libro, los groseros y siempre reivindicables Surfers (que ahora están de actualidad por las reediciones de sus álbumes y por un documental en ciernes) eran un elemento imprevisible y desestabilizador en el rock alternativo de los 80: estaban más enraizados en la historia del rock que sus compañeros de generación (de hecho, lo suyo no deja de ser un rollo lisérgico hasta la majadería) pero a la vez experimentaban, exploraban e innovaban sin necesidad de coartadas intelectuales. Uno de sus lemas era que el rock debe resultar odioso, y en cierto modo solían conseguirlo, pero a la vez fascinaban con temas como este, doce minutos y medio que se dividen en dos partes casi opuestas en su planteamiento. En cierto modo, el alucinógeno Jimi resume muchas de las cosas que me gustan del rock y sirve como antídoto ante muchas de las cosas que detesto. Que paséis un bonito verano.

Ah, la foto de arriba es una de las imágenes del disco, todas ellas compuestas por fragmentos de las caras de los miembros del grupo, o eso he creído siempre. Supongo que en el reproductor de Bandcamp de abajo se verá la inolvidable portada del álbum.

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Hace unos días publiqué un reportaje sobre la reina Juana I (más conocida como Juana la Loca) y otras figuras históricas a las que convendría darles un repaso y, como suele ocurrir, acabé ambientando el curro con música vinculada al tema. Sí, lo sé, habría podido escuchar composiciones del siglo XVI (y de hecho, ahora que lo pienso, sí que anduve alguna mañana con Josquin des Prez), pero la selección tomó otros caminos y me dediqué esencialmente a Juana la Loca, una de esas figuras extravagantes y bastante olvidadas que nos dieron los 80. Al menos, olvidada fuera de su ciudad, Valencia, donde creo que es objeto de cierto culto local. A mi yo adolescente le entusiasmó su único éxito (o, quizá mejor dicho, su único lanzamiento con cierto eco), Unas mil chicas o así, de 1986, una visión alucinada en la que se abren los cielos y descienden mil chicas, calculadas a ojo. Aquella canción rabiosamente ochentera y a la vez orgullosamente anómala se publicó en un maxi con otros dos temas y también en un single peculiar y salomónico, porque partía el tema en dos y ofrecía una mitad en cada cara. Aparte de eso, Juana la Loca solo sacó otro sencillo, que yo ni siquiera llegué a escuchar en su momento, y nada más.

Tras el sobrenombre de la reina enajenada se escondía, o más bien se mostraba, el valenciano Hilario Cortell, que falleció en 2002 y del que nada sé más allá de lo que se puede leer en internet. Queda claro, en cualquier caso, que se trataba de un personaje surrealista e imprevisible, algo de lo que ya dejaban poca duda las letras de sus canciones, y supongo que, como suele ocurrir con toda la gente así, resultaría a veces fascinante y a veces más bien cargante. Esta repesca de Unas mil chicas o así me ha permitido descubrir, además, que todo su material está disponible en un Bandcamp que sirve de homenaje al artista: de ahí se puede descargar gratuitamente la exigua discografía de Juana la Loca, su maqueta de 1984 y también lo que Hilario dejó grabado con sus proyectos Dalilas, Esgrima y Los Incatalogables y Yo. También andan por ahí la videomaqueta de Unas mil chicas o así y un curioso vídeo en el que se puede ver a Juana la Loca en acción.

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Una de las peores cosas del periodismo es que, a veces, los entrevistados te contestan demasiado bien. Y, claro, después uno no puede hacer los honores a sus respuestas en el espacio limitado de un reportaje. Me ha pasado con una cosita que publico hoy sobre cuál es el mejor año de la historia del rock (y no, que nadie espere una respuesta de validez universal). Le envié un par de preguntas a Jaime Cristóbal, J’aime, el músico navarro que está detrás del exquisito podcast Popcasting, y después he tenido que mutilar salvajemente su cuidadísima aportación, así que voy a rescatarla aquí abajo íntegra. No solo es un honor tenerlo de invitado, sino que además coincido bastante con su opinión: yo también me quedaría con algún año entre 1977 y 1982.

—¿Cuál es, a tu juicio, el mejor año de la historia del rock? O, si lo de ‘mejor’ te suena demasiado tremendo, ¿cuál es tu favorito y por qué?
—Voy a ser (quizá) polémico y elegir 1981 como el mejor año del pop. El rock (o pop-rock, feo pero claro término) tuvo seguramente grandes años como 1969 o 1971, pero la revolución que personalmente más impactante me resulta fue la de los 80 y la llegada, cual invasión de naves espaciales, de los sintetizadores a la música popular. Y 1981 es el año en el que por diversas razones nació el synth pop (o tecnopop, como se conocía en nuestro país) y cambió el rumbo de la música popular desde entonces hasta la actualidad. En los 70 los sintetizadores habían sido patrimonio casi exclusivo del prog-rock debido a su exorbitado precio, pero a finales de la década, coincidiendo con el movimiento post-punk, una nueva generación de artistas muy jóvenes empezaron a explorar la posibilidad de montar bandas con esos instrumentos. La aparición de modelos más baratos (como el Korg 500MP) impulsó a hacer un nuevo tipo de música a un grupo de pioneros muy fans de Kraftwerk, las excursiones electrónicas de Eno y Bowie y esa ventana al futuro que era I Feel Love de Donna Summer y Giorgio Moroder. Al principio estos grupos (OMD, The Human League) se dedicaron a hacer música experimental, pero en 1981 todos ellos y toda una legión de nuevas propuestas convergieron en una auténtica supernova de nuevo pop que deslumbraba: 1981 fue el año de Tainted Love de Soft Cell (y de su estupendo debut Non-Stop Erotic Cabaret), de Don’t You Want Me Baby de The Human League (y la totalidad de Dare), del Architecture & Morality de OMD y sus hits Joan of Arc y Souvenir, del fascinante primer disco de Spandau Ballet o del increíblemente influyente Speak and Spell (el debut de Depeche Mode, con hits como Just Can’t Get Enough). Sin mencionar infinidad de canciones sueltas salidas en 1981 o de impresionantes álbumes también pioneros de fuera del Reino Unido (como Telex en Bélgica, D.A.F. en Alemania, Glamour en España).

En todos ellos latía la excitación de un sonido radicalmente nuevo: sus burbujeantes sonidos artificiales apuntaban un emocionante nuevo futuro más allá de las fatigantes guitarras eléctricas, y las robóticas percusiones metronómicas abrían una senda de regreso a la pista de baile después de la caída en desgracia de la música disco. Todo ello combinado con una inspiración para las melodías pop que en un sólo año concentró un número de tesoros fuera de lo normal, más la guinda de una imagen radicalmente distinta y nueva que pronto sería fagocitada: el impacto fue tal que las radiofórmulas y las discotecas se empezaron a llenar de esta música, y los sellos empezaron a fichar artistas de esta onda o a impulsar a sus artistas en cartera a cambiar de sonido. Para 1984 el tecnopop había perdido la frescura por su comercialización, pero su impacto se sintió en lo que serían algunos de los estandartes del resto de la década (Pet Shop Boys, Madonna), influyó a estilos como el italo disco o la música house y sentó las bases para que los sintetizadores fueran un elemento normalizado del pop a partir de entonces y hasta el momento actual. Escuchar esos discos hoy en día certifica que no han perdido un ápice de frescura y su espíritu de exploración de un nuevo lenguaje para el pop se percibe gloriosamente intacto.

—Este tipo de reflexiones retrospectivas suele llevar a cierto desprecio por el presente, y me gustaría contrarrestar esa impresión: ¿crees que la cosecha discográfica de estos últimos años mantiene el nivel con respecto a tiempos pasados? ¿Nos recomendarías un disco de los últimos cinco años que te parezca esencial?
—En la actualidad sigue haciéndose una música increíble, de gran calidad y emocionante. No hay más que ver las listas de lo mejor del año para regocijarse con discos de viejos artistas que están en una forma admirable y de nuevas propuestas que apuntan a nuevos parajes sonoros, propuestas interesantes que intentan llevar el pop un paso más adelante, algunas quizá no tan conocidas. Entre ellas me fascina especialmente este disco de Julia Holter titulado Have You In My Wilderness, de 2015, porque parte de un enfoque vanguardista, pero en sus exploraciones electrónicas hay un componente muy atractivo de pop clásico, de melodías que podrían venir de los años 60, y no resulta un pastiche, porque el estilo de producción es radicalmente actual. Lo electrónico se entremezcla con instrumentos orquestales clásicos, las panorámicas sónicas celestiales a lo Julee Cruise se matizan con sonidos extraños, y las bases alternan tempos clásicos con polirritmia y experimentos percusivos. Pero lo que hace al disco esencial es que además las composiciones son perfectas, preciosas. Es entonces, como con el tecnopop en 1981, cuando nace algo verdaderamente extraordinario.

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En realidad, exagero un poco al decir que Décima Víctima fueron importantes en mi juventud, porque llegué a ellos un poco tarde, pero están tan vinculados a mi pequeño mundo de entonces que es como si se hubiesen incorporado a él de manera retroactiva. La “especie de documental” de Borja Prieto y Román Santiago, que se puede ver gratis en YouTube, me ha gustado mucho por lo mismo que se le puede criticar: su decidido amateurismo y su cándido entusiasmo fan. Me parece una presentación estupenda de la banda más quieta de La Movida, el nombre menos conocido popularmente de lo que considero el triunvirato afterpunk nacional: Parálisis Permanente (a los que, si no me equivoco, no se menciona en todo el documental), los primeros Gabinete Caligari (mis favoritos del lote) y Décima Víctima. Los primeros cargarán siempre con el halo mitificador de la muerte temprana, los segundos supieron metamorfosearse en gigante comercial y los terceros se disolvieron de alguna manera en esa oscuridad que siempre parecía envolverles. En el documental, además de los propios interesados, habla sobre ellos un montón de gente, desde El Zurdo hasta Cris de Belako, y algunos dicen cosas muy interesantes (aunque la primera intervención de Jota, de Los Planetas, dé ganas de abandonar inmediatamente el visionado). El rey absoluto es el escritor Kiko Amat, que confirma en este documental su condición semidivina a la hora de hablar de música: su descripción del vocalista Carlos Entrena como “un burócrata abatido” es perfecta, y también me encanta cuando dice que, más que de grupo oscuro, tenían pinta de grupo “de interior oscuro” o algo así, como si pasasen la vida encerrados en la penumbra de habitaciones espartanas. Y, por supuesto, también es el único que se atreve a mencionar ese eco estético hitleriano de algunas imágenes del grupo, con el impacto visual de sus dos miembros suecos, los hermanos Mertanen.

En el documental se citan unos cuantos grupos anglosajones como referencia de Décima Víctima (o de la Décima Víctima, como dice Paco Trinidad, que suena mucho mejor), pero a mí la más obvia siempre me ha parecido, con mucha diferencia, The Cure, por esas baterías a lo Seventeen Seconds o Faith y esas líneas melódicas un poco independientes a las que se entregaban los instrumentos. Pero, claro, supieron incorporar a esa influencia insoslayable las letras existenciales y el singular estilo vocal de Carlos Entrena y una imagen cuidadísima que no se corresponde exactamente con ninguna figura británica del post-punk. En realidad, todo este texto solo pretende ser una invitación a que vean ya Detrás de su mirada, que así se llama el documental, pero vamos a aprovechar para traer Tan lejos como canción de la semana. Qué lejos todo.

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La semana pasada, con ocasión del Record Store Day, puse a unos cuantos músicos en el brete de elegir un disco que les ha marcado y contar por qué. Les recomiendo el resultado, porque hubo respuestas muy entretenidas que, además, reflejan cómo funcionaba lo de descubrir música en los tiempos anteriores a internet: en sus relatos aparecen expositores giratorios de casetes, discos comprados en el Eroski o etiquetitas con la fecha (que solemnizaban el disco mensual para el que llegaba el presupuesto). Al hacer un reportaje de este tipo, resulta inevitable preguntarse qué respondería uno mismo, y creo que mi selección tendría que repartirse de manera equitativa entre los dos discos que adornan el post. Sé que no son lo más cool del mundo (¡un disco de madurez de una estrella progresiva y un recopilatorio de un grupo reciclado al mainstream!), pero me parece que de verdad son los más importantes en mi vida y los que más peso han tenido en mis gustos.

Ahora me doy cuenta de que los dos funcionaron igual, porque comparten un rasgo esencial a pesar de su escaso contacto estilístico: la cara A es muy distinta de la cara B, y en ambos casos yo los compré por uno de esos lados (el B) y acabé enganchado sin remedio al otro, que resultó iluminador y me dejó huella. Crises fue mi primer disco, me hice con él a los 12 o 13 años porque me gustaban mucho las canciones pop que cantaba Maggie Reilly: en realidad eso lo supe después, porque mi cándido y desinformado yo de entonces daba por hecho, un poco absurdamente, que la voz correspondía al tal Mike Oldfield. Yo quería Moonlight Shadow y me encontré con una cara A ocupada íntegramente por los veinte minutos de Crises, la típica suite más o menos instrumental de Mike Oldfield, que pronto empecé a reproducir más a menudo que las cinco canciones del reverso. Y ya he contado que con Standing On A Beach, el recopilatorio que The Cure sacaron en 1986, me ocurrió lo mismo: lo compré por In Between Days y Close To Me, los dos hitos con los que la banda había completado su reconversión en coloso pop, pero poco a poco me fue fascinando esa cara A que abarcaba desde el punk anómalo de Killing An Arab hasta las tinieblas siniestras y rituales de The Hanging Garden, es decir, los cuatro primeros álbumes de Smith y sus muchachos.

¿Qué me enseñaron? Me imagino que con Crises me di cuenta de que había formatos interesantes más allá de la canción, además de adquirir una tolerancia duradera hacia la ambición instrumental y formal. Y Standing On A Beach funcionó como un puente perfecto (o un túnel, quizá) desde la radiofórmula de los 80 hasta el punk, el post-punk y la oscuridad, un término comodín que lo mismo me sirve para Godflesh o Big Black que para Einstürzende Neubauten o Lustmord. También me temo que la suma de ambos, ese itinerario que marcan, me volvió un aficionado muy poco rockista, al contrario que los que se destetaron en esto de la música con sonidos más auténticos. Ahí les va Crises, el tema, que seguramente es la cara de vinilo que más veces he escuchado en mi vida. Recuerden que, en su momento, solo tenía otra opción: el otro lado del disco.

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Puede ser simple coincidencia o uno de esos síntomas que revelan tendencias culturales subterráneas, pero el caso es que coinciden en el mercado cuatro recopilaciones dedicadas a explorar un nicho muy concreto de la música española: la electrónica más o menos underground de los 80. Hoy mismo publico en la revista para suscriptores un repaso algo más detallado de las cuatro, pero no quería dejar de mencionarlas por aquí, porque me parecen apasionantes. Dos de ellas pueden resultar más áridas, porque se centran en la escena industrial y experimental, que tanta vitalidad tenía en aquella época del despertar de las máquinas: los paquetitos con casetes viajaban de aquí para allá, tejiendo una densa red de alianzas entre aficionados al ruido doméstico. Crónica técnica, subtitulada ‘industrial & noise from Madrid 1981-1991’ y editada en colaboración por Geometrik Records y Munster, es una selección realizada por Andrés Noarbe, mánager de Esplendor Geométrico y responsable de su sello. En su tracklist aparecen nombres como Orfeón Gagarin, Miguel A. Ruiz, Funeral Souvenir, Uvegraf 10000, Técnica Material o La Otra Cara de Un Jardín. Por su parte, Golpea tu cerebro es un doble vinilo con un libreto de 52 páginas que publica este mes el sello Insane Muzak. Con el subtítulo de ‘Spanish underground cassette culture, 1980-1988’, reúne a clásicos de la escena como Neo Zelanda o Francisco López junto a nombres que a mí me resultan absolutamente ignotos, tales como Bulbo Raquídeo, El Enterrador Enterrado, Físodo 13.4 o Iéximal Jélimite.

Las otras dos antologías, sin renunciar a la sorpresa minoritaria, exploran lo que aquí solíamos llamar tecnopop, un término comodín que nos ahorraba distinguir entre las distintas tendencias del pop maquinal llegadas del extranjero. El Interferencias vol. 1 de Munster, subtitulado ‘Spanish synth wave 1980-1989’, abarca desde Aviador Dro y La Mode hasta Metropakt o Líneas Aéreas, pasando por Oviformia SCI, Vocoder, WAQ, Diseño Corbusier, Séptimo Sello o nuestros Lavabos Iturriaga. Y desde Suiza llega La contra ola, una ambiciosa panorámica del sello Les Disques Bongo Joe a la que tampoco le falta su subtítulo explicativo (‘synth wave and post punk from Spain 1980-86’). Se abre con el mítico Moscú está helado, de cuando Esplendor Geométrico todavía hacían pop, e incluye temas emblemáticos de Zombies, Derribos Arias o Aviador Dro, pero también músicas mucho menos conocidas que van desde la faceta étnico-industrial de La Fura dels Baus hasta los efímeros Línea Vienesa o De Picnic. Me encanta, por cierto, la portada, con una foto de Miguel Trillo tomada en Rock-Ola en 1981 en la que aparecen Gema, de la banda Cruella de Vil, y su hermana Marta.

Benelux es el tema de Líneas Aéreas que aparece en Interferencias. ¿Quiénes eran estos tipos? Según leo, se trataba de un dúo formado por los catalanes Francisco Palomo y Jordi Guber que solo llegó a editar un sencillo, en 1983: la imagen que encabeza el post y que se repite en el vídeo es un detalle de la ilustración de portada. Yo ni siquiera los conocía, aunque sí tengo un disco de otro proyecto de Guber, Velodrome.

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Estoy en esa etapa de la vida en la que muchas cosas importantes cumplen treinta años. Hoy mismo es el aniversario de Kiss Me Kiss Me Kiss Me, probablemente el álbum de The Cure que más veces he escuchado. Esa insistencia tiene una explicación fácil: yo me enganché a la banda británica con el recopilatorio Standing On A Beach, que ocupa el lugar inmediatamente anterior en su discografía, así que Kiss Me Kiss Me Kiss Me fue el primer disco suyo que disfruté en su momento, no en diferido. Pero también se le puede buscar una explicación más elaborada: Kiss Me Kiss Me Kiss Me es un doble álbum asombrosamente variado, inagotable, repleto de rincones que hacen interesantes las escuchas repetidas.

Cuando se habla de la obra maestra de Robert Smith y compañía se suele señalar (yo mismo lo hago siempre) a Disintegration, el siguiente a este, en el que depuraron sus oscuridades de principios de los 80. O, si no, se acude directamente a ese periodo más tenebroso y se elige el turbador y sociópata Pornography. Por Kiss Me Kiss Me Kiss Me siempre se tiende a pasar un poco por encima, aunque creo que resulta perfectamente defendible como pieza cumbre de su carrera y, desde luego, representa mejor que esos otros dos la variedad de registros que -en contra de lo que afirma el tópico- caracteriza a los Cure. Las dos primeras canciones sirven como muestra: el disco se abre osadamente con The Kiss, un holocausto de psicodelia rabiosa que parece supurar veneno («ojalá estuvieses muerta», concluye la letra), y sigue con Catch, una miniatura juguetona y serena sobre una chica del pasado. A partir de ahí, en el disco caben la fiebre oriental de If Only Tonight We Could Sleep o la desfachatez funk de Hot Hot Hot!!!, el pop parisino de How Beautiful You Are («nadie conoce ni ama nunca a nadie», dice ahí Smith) o la arquetípica melancolía made in The Cure de A Thousand Hours. En realidad, lo único que pretendo con esta enumeración apresurada y un poco chorra es animar a que lo escuchen, tan estupendo a sus treinta años, aunque antes pueden dedicar minuto y medio a aquella legendaria entrevista en TVE.

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Post tags: aniversarios, años 80, The Cure

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De un tiempo a esta parte, tengo muy desatendido mi compromiso con la inactualidad: la inmensa mayoría de las canciones de la semana son más o menos recientes, acaban de salir del horno, y me temo que me estoy convirtiendo en uno de esos pánfilos de la novedad a toda costa. Así que vamos a hacer un alto en esa pesada obligación de estar al día y escucharemos una canción de 1985, aunque admito que para mí es tan nueva como si la hubiesen editado la semana pasada: ni siquiera conocía al grupo, Glorious Din, hasta que la gente de Antiguo Régimen compartió una canción suya (bueno, esta canción suya) hace unos días en las redes sociales, que a la vista está que sí sirven para algo.

Glorious Din tenían su base en San Francisco, California, y hacían un post punk oscuro con marcada preferencia por los ritmos lentos, a menudo de resonancia tribal. También mostraban una influencia evidente de Joy Division, que va más allá del timbre grave del cantante Eric Cope y se extiende a las melodías, a la instrumentación y a esa textura fría y cortante de la producción: de hecho, en su segundo álbum, más acústico, hay temas (como este tan bonito) en los que, pese a la voz, el eco que se reconoce es más bien el de New Order. Pero no se asusten, porque Glorious Din (que, por cierto, significa Estruendo Glorioso) no incurren en el vicio de la fotocopia y exhiben una personalidad muy marcada, que me hace preguntarme por qué diablos no los había escuchado antes. Ah, según leo, Eric Cope procedía de Sri Lanka, incluso hay por ahí quien asegura que acabó sumándose a la guerrilla de los tigres tamiles, y además de cantar regentaba el sello que publicaba su música, Insight (ejem, sí, como la canción de Joy Division). Aquí tienen a su disposición un recopilatorio, bellamente titulado Vender keroseno puerta a puerta, que sirve como reivindicación del breve catálogo de la discográfica, tan válido como olvidado.

Y vamos a Tenement Roofs, o cómo construir una canción estupenda con solo cuatro frases y sin estribillo. Ya puestos, si les quedan ganas, escuchen también Din Glorious, el revoltijo de grabaciones en directo de Virgin Prunes del que imagino que tomaron su nombre.

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Estas vacaciones me he entregado a un trip nostálgico un poco temerario: he pasado más tiempo de lo habitual en casa de mis padres y me he dedicado a desenterrar objetos de mi juventud, en plan arqueología del cuarto de los trastos. Entre las piezas recuperadas figura la primera casete que grabé de la radio, una Basf Chromdioxid II de 60 minutos fechada en 1983, que contiene un batiburrillo confuso y un poco sonrojante. Se abre con el Words de FR David (esa no la grabé de Los 40, sino de un single que misteriosamente se compró mi primo Ramón) y después va dando tumbos por nombres como Gonzalo (sí, el Quién piensa en ti que fue a la OTI aquel año), Olé Olé (Dame) o Diseño (Problemas no). Les destaco lo más cuestionable, porque siempre es sano para quitar vergüenzas, pero también hay canciones que quizá les parezcan más defendibles: el Víctimas del desamor de Vídeo, el Thriller de Michael Jackson, el Candy Girl de New Edition, el Karma Chameleon de Culture Club, el Playback Fantasy de O’gar o el You’re Lookin’ Hot Tonight de Barry Manilow, qué cosas.

El caso es que el primer tema de la segunda cara es Codo, la canción con la que voy a concluir este picoteo agosteño. Estamos ante uno de los grandes éxitos del pop en alemán y también ante uno de los hits más improbables de la escena europea: lo firmaban DÖF, es decir, Deutsch-Österreichisches Feingefühl (la Sensibilidad Germano-Austriaca, nada menos que un choteo a costa de mis admirados DAF), pero, por alguna razón enigmática, en lugares como España se publicó acreditada a los dos líderes de esa formación, Tauchen-Prokopetz, como si eso fuese a resultar más comercial. Yo, en la Basf Chromdioxid, escribí trabajosamente Dawsen Prokofsets, que era lo que creía entender a los locutores de Radio Rioja. Los austriacos Manfred O. Tauchen y Joesi Prokopetz eran o son comediantes y cabareteros, y la canción debe de tener intención humorística, con su letra sobre un extraterrestre jovial y amoroso, pero entenderán que yo no pillaba absolutamente nada del texto: aún hoy me hace gracia tonta que la Wikipedia destaque “su pegadizo estribillo Und ich düse-düse-düse im Sauseschritt”. En cambio, la música me parecía fascinante, con sus frases robóticas, sus soñolientas voces femeninas y ese tono juguetón tan característico (eso, por supuesto, lo descubriría mucho después) de la nueva ola germánica.

Ya que me estoy enrollando más de lo habitual, añadiré dos datos de trivia ocupacerebros. Las chicas de DÖF (su mitad alemana) eran las hermanas Annette e Inga Humpe, dos figuras de la escena berlinesa de la época. A Annette, que había encabezado la banda Ideal, nos la encontramos también haciendo los coros en otro de los contados éxitos globales de la Neue Deutsche Welle, el Da Da Da de sus amiguetes Trio. Y, sí, existe un parecido bastante sospechoso entre una de las melodías de Codo y el tema central de la serie Buffy Cazavampiros, aunque los autores de este, Nerf Herder, aseguraron en su momento que jamás habían oído hablar de esos austriacos marcianos llamados Tauchen-Prokopetz.

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