Hoy traigo producto fresquito, o quizá calentito, que no sé si es pescado o pan, pero el caso es que Season 2 acaban de presentarse al mundo con este sencillo de adelanto de su álbum de debut. Habrá que hacer las presentaciones, claro: la Temporada 2 son un quinteto australiano, formado por artistas que han pasado por distintas bandas de la escena de Melbourne, y solo lleva año y pico en activo. Claro, lo malo de juzgar a un grupo por una sola canción es que a lo mejor esta no tiene nada que ver con el resto, o incluso puede ser que se trate de la única que les ha quedado bien, pero el caso es que a mí me encantó desde el segundo dos, y no exagero demasiado.

La nota de su discográfica cita referentes como The Feelies, The Vaselines o The Clean, pero a mí Abundance of Power me ha hecho pensar en un cruce entre las Breeders y Grauzone, con ese rollo juguetón pero serio, al menos hasta que la guitarra se anima y empieza a cantar con las dos vocalistas. Como el propio videoclip, se trata de música sin grandilocuencias y sin gestos rockistas, un poco huidiza como el pescado pero, no sé, también reconfortante como el pan.

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Los lectores no lo saben, pero en esto de la canción de la semana tiro a veces de asesores, o más bien de asesoras: mi música suena en casa, claro, y de vez en cuando mis hijas (14 y 10 años) se pronuncian sobre alguna canción, normalmente con un tono tajante más propio de un crítico pontificador. Y ya se pueden imaginar que, si menciono esto justamente hoy, es porque el tema que nos ocupa ha recibido la decidida aprobación de una de ellas, en este caso la pequeña, que recibió con entusiasmo el nuevo sencillo de The Corner Laughers. Y lo dijo justo cuando yo estaba pensando «pero qué buena es esta canción», así que…

Hasta ahora no conocía de nada a esta gente que se ríe en las esquinas, pero veo que llevan desde principios de siglo con sus canciones de indie folk, por describirlo de la manera más rápida. Ojo, que ese componente folk no es ninguna broma: al empezar a escuchar por primera vez su nuevo sencillo, este radiante Rainbow Cardigan, tuve dudas de si no estaría escuchando una joya perdida de alguna banda de folk rock de finales de los 60 o principios de los 70. Y, puestos a dudar, ni siquiera tenía muy claro a qué lado del Atlántico adscribirla. Y algo de puente debe de haber, porque leo que The Guardian se refirió a ellos en alguna ocasión como «unos Belle & Sebastian de la Costa Oeste». En efecto, se trata de un cuarteto californiano y al frente está Karla Kane, a la voz y al ukelele eléctrico, pero la inspiración parte en este caso de las islas británicas, más concretamente de un jersey arco iris que la vocalista se compró en la localidad inglesa de Kendal. De ahí surgió la letra sobre «una pieza textil que representa el tejido del tiempo y el espacio», según ha explicado, y también sobre cómo unas veces nos sentimos «horrorosamente antiguos» y otras seguimos siendo niños pequeños. «Subí al castillo de Kendal un día frío y lluvioso, / vi las ruinas a nuestro alrededor y el pueblo tan viejo y gris, / envuelta en un jersey de arco iris para mantener la tristeza a raya. / Fui por el cementerio silbando, porque no sabía el camino; / di tumbos por los charcos de barro, más allá de los muros de piedra derruidos, / envuelta en un jersey de arco iris para mantenerme al margen de todo», dice la letra, que se puede seguir cómodamente en este lyric video con imágenes (supongo) de la excursión familiar.

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Post tags: California, canción de la semana, Estados Unidos, The Corner Laughers

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Yo lo atribuyo a la edad, porque hay un momento en el que empiezas a vincular todo cambio con el hecho de hacerte viejo, pero el caso es que noto en mí un aprecio creciente por un tipo muy determinado de grupos: es el caso de los escoceses The Sexual Objects, que acabaron en mi minilista del año pasado, y de nuestros protagonistas de hoy, los estadounidenses Sunday Mourners, que tienen ya bastantes probabilidades de colarse con su debut en la selección del próximo diciembre, hala. ¿Y cómo los describo? No sé hacerlo bien ni yo, que soy el que se está metiendo solito en el berenjenal: tienen un sonido eminentemente clásico, pero en el corazón de ese formato más o menos convencional se esconde una libertad absoluta, una sensación de posibilidades ilimitadas. Hoy venía escuchando a los Sunday Mourners con cascos (y con el balance mal, porque llevo una semana con el oído derecho bastante taponado) y pensaba que, aunque ellos citan el post-punk, a mí me suenan más a pre-punk, a inmediatamente pre-punk, como si brotasen de aquel caldo cósmico de inconformismo y sobreabundancia de ideas donde se gestó el movimiento.

El primer nombre que viene a la cabeza es el de Television (ya saben, el grupo que menos he oído en comparación con las veces que los cito, y esta es una más) y ellos mencionan también, con razón, a los Voidoids. También pienso a veces en The Only Ones, aunque posiblemente sea porque ahí en el fondo está latiendo siempre la Velvet, e incluso hay un momento en el disco que me ha evocado de manera inesperada y gozosa a Los Bichos, mi grupo fetiche. Podríamos decir, se me ocurre ahora, que beben de los mismos manantiales que los Strokes, pero sin estar tan condicionados por el estribillo resultón y el impacto rápido: aquí la música fluye y los tíos se permiten, por ejemplo, añadirle una larguísima coda repetitiva a uno de los temas y colocarlo el tercero del lote, y no el último como haría la mayoría. Con tanto rollo ni los he presentado, por cierto: los Sunday Mourners (algo así como los afligidos del domingo, en plan funerario) son un cuarteto fundado en pandemia que se ubica en California pero, en realidad, es un popurrí de procedencias estadounidenses. Cualquiera de los diez temas del disco podría ir aquí, y de hecho he estado a punto de elegir la balada que deriva en trance y se extiende hasta los doce minutos, pero al final me he quedado con la acometida directa de Biograph.

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Post tags: canción de la semana, Estados Unidos, Sunday Mourners

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Ahora, a principios de este año, ha salido el tercero, III, y supone todo un cambio. Aquí lo que suena es ya una banda completa, un cuarteto con su segunda guitarra y su batería, es decir, la formación que apañaron para dar conciertos. Y, según observo, el repertorio son temas que habían aparecido en sus álbumes anteriores, pero reforzados (y, a menudo, acelerados) con este nuevo tratamiento. En el caso de este Floor, cuya versión original aparecía en su debut, de 2021, la canción ha experimentado además un notable alargamiento propiciado por el juego de guitarras: ha pasado de tres minutos a cinco y medio, la más larga del lote. Con ella inauguramos las referencias del año nuevo, este 2026 que aún no nos hemos acostumbrado a escribir.

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Pensaba tomarme vacaciones navideñas de canción de la semana, pero me daba pena no traer por aquí la reedición que más me ha gustado este año. Se trata de una recopilación de grabaciones de Trabant, misteriosa banda húngara de los 80 que operaba entre lo doméstico y lo clandestino, con unos planteamientos minimalistas que en parte eran consecuencia de sus ambiciones artísticas y en parte el resultado de unos recursos muy limitados y condicionados por la situación política. El sello británico Purge ya publicó el año pasado una primera selección de sus trabajos, que no escuché en su momento, y en verano de 2025 ha sacado una segunda selección, que a mí me parece todavía mejor que la primera.

Trabant, bautizados como el coche de Alemania del Este, eran un colectivo de artistas que operaban al margen de lo comercial, en buena medida por las trabas que el régimen comunista ponía a iniciativas como la suya. El único disco que publicaron fue un sencillo para promocionar una de sus películas (recurrían al cine ante la falta de la preceptiva licencia de grabación), solían operar a través de casetes vendidas de manera underground y casi no actuaban en directo. Y todo eso está muy bien, pero también puede dar un poco de pereza como concepto, porque uno se pone malicioso y se imagina que la propia rareza será el aliciente principal de una música más o menos anodina, más o menos plomiza, pero resulta que lo que suena en estas antologías de Purge es extraordinario: las canciones de Trabant suelen ser joyitas lánguidas, perezosas, artesanales, grabadas en baja fidelidad pero sobradas de encanto melódico, con una instrumentación modesta y singular (primitivas cajas de ritmos, apuntes de mandolina o de guitarra tocada como mandolina…) y la voz medio narcotizada de Marietta Méhes (o de Méhes Marietta, si respetamos el orden onomástico húngaro). Por ahí anda también Mihály Víg, que después se ha convertido en prestigioso compositor de bandas sonoras para directores como Béla Tarr. Creo que ante estas miniaturas encantadoras que se extienden a través de la repetición, como llamitas siempre a punto de apagarse, resulta inevitable evocar a Nico y a The Velvet Underground, no tanto juntos como separados y en sus vertientes menos hoscas. Como muestra he elegido Húzd ki magad, que según la traducción del magiar que me hace Google significa Sal de ti mismo.

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Este es uno de esos años en los que me habría resultado más fácil confeccionar una lista de treinta o cuarenta discos favoritos que reducirla a mi tradicional minilista de cinco. Otras veces tengo claros unos cuantos destacados, que sacan la cabeza con orgullo por encima de los demás, pero repaso la cosecha de 2025 y la veo de manera un poco más indistinta: podría haber hecho perfectamente otras selecciones de cinco y me parecerían igualmente válidas. Pero, en fin, al final he apostado por estos. ¿Tengo que decirlo? Tengo que decirlo. Por supuesto que no son los mejores discos del año, y de hecho habrá mucha gente a la que algunos le parecerán espantosos, pero son los que elegiría si en el resto de mi vida solo pudiese volver a escuchar cinco de esta añada.

Muy cerca de esta selecta élite se han quedado Anika, Fugue State, Richard Dawson, Thalia Zedek Band, Gabi Pedrosa, EZEZEZ, Arima, EarthBall, Jessica Curry, S.G. Goodman, Tropical Fuck Storm, Imperial Triumphant, Alien Nosejob, Hilary Woods, Rosalía, Tamar Sagiv, Sexfaces, Exo, Kiliki, Andreas Dorau, Laura Krieg, Dean Wareham y The Young Gods, en alegre ensaladilla. Y también he escuchado con mucho gusto a Caballo Muerte, Mark Fry, aya, Kombynat Robotron, The Cords, Fuzzy Lights, Michael Beach, Lookers, Los Retumbes, El León Pardo, msssv, Al Karpenter, Intensidades Ortega, Sabine McCalla, Olan Monk, Patriarchy, Pulp, Anchoress, Bryter Colours, Upchuck, Kling Klang, Soga, Fast Kids, Discreet Charms, Droges, Aurora Roja, SunYears, Equal Parts, Leya, Lavinia Blackwall, Eraser, Eggy, Nick Frater, Abdomen, Lael Neale y Civilistjävel!

Vamos allá, que pasen los primeros…

The Sexual Objects – Orangutang
Son el proyecto actual de Davy Henderson, cantante y guitarrista escocés que encabezó en los últimos 70 y primeros 80 los reputados The Fire Engines, y llevan casi dos décadas soltando discos casi clandestinos que muy pronto acaban descatalogados: aquí reúnen un hermoso ramillete de diez canciones animosas que a mí me hacen pensar en T.Rex, The Only Ones y Television, lo que probablemente signifique que no tienen tanto que ver con ninguno de ellos, pero desde luego sustenta la idea de que podría tratarse de una joya perdida de otro tiempo.

The Third Mind – Right Now!
Hablamos de un supergrupo con miembros tan ilustres como el ya septuagenario Dave Alvin y con la voz siempre chocante de Jesse Sykes, pero a la vez tienen mucho de modestia artesanal: la idea es entregarse a los placeres y los riesgos de la improvisación y grabar «sin paracaídas», sin planes y sin prestar mucha atención al minutero. Sí, casi todo son versiones bien impregnadas de psicodelia, pero esa descripción clasicista no hace justicia a una música sorprendentemente estimulante.

2020 – 2020
El cuarteto sevillano (voz, guitarra, electrónica, batería) profesa amor por lo oscuro, lo abrasivo, lo libre, lo anómalo, pero eso solo nos permite intuir el sonido de estos nueve temas que reptan, se agitan, golpean, estallan, se estremecen y se repliegan en un flujo negro que casi duele cercenar en cortes. Es una música intensa y viva que arrastra al oyente en sus expediciones a lo desconocido pero, de alguna manera, sigue siendo rock.

The Whimbrels – The Whimbrels
Me ha chocado no encontrarme por ahí con más menciones a The Whimbrels (los zarapitos, como el de la chula portada), una especie de síntesis del rock de vanguardia neoyorquino en la que milita el legendario Norman Westberg, de los Swans. Y su sonido es también eso, una destilación de esa larga tradición exploradora, con tres guitarras afinadas de maneras rarunas que juegan a entrelazarse, alejarse y buscarse de nuevo. Es gente que ha hecho mucho ruido en la vida y a mí me evocan a los Sonic Youth de la era Daydream Nation (mi periodo favorito), pero curiosamente contenidos, sin desbarrar.

Lambrini Girls – Who Let the Dogs Out
El dúo británico se ha marcado un imponente álbum de debut, un disco arrollador musical y verbalmente, agresivo y a la vez tremendamente pegadizo. Alguien escribió por ahí que, mientras lo escuchas, tienes la sensación de tener a la cantante gritándote al lado y de que su saliva te salpica la cara, y así es: como una Amyl todavía más mosqueada, Phoebe Lunny escupe letras acuciantes que pueden resultar incómodas para gran parte de su público. Por ejemplo, muchos hombres. Y para eso se inventó el punk, claro.

Vamos con 2020, que son lo más inusual del lote. Me encanta este disco.

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Yo tenía la idea de que Arima tendía hacia el shoegaze más o menos atmosférico, pero al escuchar su cuarto trabajo me he encontrado con una bestia totalmente distinta, más peligrosa y feroz que ese sonido que yo tenía catalogado en la cabeza. Y compruebo que, efectivamente, el proyecto de la bilbaína Paule Bilbao ha ido internándose progresivamente en estos territorios más oscuros, que dominan el EP en cuestión, Ez dago amor: son seis canciones que, según explica su sello (o sus sellos, porque son dos, Bonberenea y Aloud), «dejan atrás el carácter etéreo y melódico de sus anteriores discos». Sigue habiendo momentos que evocan al rock alternativo de los noventa, pero se combinan y se hibridan con pasajes ásperos, industriales, entre raptos de intensidad rabiosa y otros en los que el mundo parece ralentizarse para examinar sus propias tinieblas. El conjunto acaba transmitiendo una melancolía no muy diferente a la de algunas ramas del metal menos anquilosado.

Creo que es un disco que conviene escuchar entero, pero me he quedado como muestra con Isurkari, es decir, fluido, líquido, una exploración trilingüe con un arranque reptante, como esas serpientes de la letra, que acaba derivando en una conclusión obsesiva: «No soy un silencio, no soy una mirada, no soy un reflejo, no soy un vacío».

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Post tags: Arima, Bilbao, canción de la semana, euskera

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Me gusta aprovechar este último tramo del año para repescar discos que me han gustado mucho pero no han llegado a aparecer por aquí: a veces se cruzan otras cosas que me parecen más inmediatas, más resultonas como canción de la semana, y los álbumes un poco más densos se van quedando en un tintero del que no suele haber escapatoria. Y, en realidad, el debut de The Whimbrels, editado a comienzos del verano, es uno de mis favoritos de 2025 y probablemente se colará en esa minilista que tengo intención de colgar la semana que viene. Los Zarapitos (el ave que ilustra su chula portada) son una especie de supergrupo de veteranos del underground ochentero neoyorquino y yo, quizá engañado por mi añoranza de aquellos sonidos, esperaba que tuviesen mucha más presencia mediática, pero la verdad es que siguen ahí, tozudamente subterráneos. La figura más destacada de la formación, al menos según mis baremos, es Norman Westberg, mítico guitarrista de la etapa inicial de los Swans, pero sus acompañantes proceden también de historias y ambientes similares: como él, otros dos pasaron por la (mítica también, sí) orquesta de guitarras del compositor Glenn Branca, aquel vivero de rock diferente.

Para todo el ruido que ha hecho esta gente a lo largo de sus carreras, The Whimbrels suenan asombrosamente contenidos. Sus canciones tienen el germen del ruido, e imagino con deleite que en directo ese germen se desarrollará hasta alcanzar cierta plenitud, pero en estudio han apostado por la moderación y mantienen sus tres guitarras bien sujetas por las riendas: se acercan, se alejan, juguetean, cubren juntas algunos pasajes, crean fondos cercanos al drone o a la música india y exploran lo que supongo son afinaciones rarunas, pero nunca se pasan de rosca. A mí, en lo que más me hacen pensar es en los Sonic Youth de la época Daydream Nation (es decir, en mis Sonic Youth favoritos), pero apaciguados y con las guitarras sin desatar, y también en Television, que debe de ser la banda con mayor desproporción entre el tiempo que los he escuchado y la cantidad de veces que los cito. A lo de The Whimbrels lo podríamos llamar post-punk progresivo, por decir algo, y queda claro en este tema, Monarchs, el segundo del lote, en el que destaca la hermosa melodía de guitarras de su primera mitad. Pero creo, y supongo que por eso no los traje por esta sección en su momento, que lo apropiado para apreciarlos mejor es escuchar el álbum entero.

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Post tags: canción de la semana, Nueva York, The Whimbrels

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Foto: Borja Agudo

Hace mucho tiempo que no escribo por aquí obituarios, pero, caramba, acaba de morirse Jorge Martínez y ante eso no hay desgana que valga: la música de Ilegales nos ha acompañado a muchos toda la vida, con esa cualidad infrecuente de resultar igual de válida en la impresionable adolescencia y en la descreída madurez. Jorge era un guitarrista extraordinario, un letrista extraordinario, un compositor extraordinario y también un personaje extraordinario, un tipo atípico que no encajaba en ninguno de esos moldes a los que estamos acostumbrados los seres humanos. Sus mejores canciones no se agotan nunca y sus conciertos dejaban en ridículo a la mayor parte de sus colegas, con esa precisión, ese sonido de guitarras y, claro, ese repertorio apabullante en el que lo popular y lo culto convivían de manera natural y estimulante. Suena a chorrada, pero más de una vez he dicho que uno de mis momentos favoritos de la historia del rock es la transición entre El norte está lleno de frío y Enamorados de Varsovia, cuando la rabia callejera de la primera da paso a la melancolía arpegiada de la segunda, y las dos cosas son Ilegales, las dos cosas son Jorge.

Su obra combina lo brutal y lo poético, la provocación y la hondura lírica, la rabia de las revueltas y la influencia de Quevedo y de los clásicos latinos. Y su vida resulta igualmente singular: hablamos del bocazas que salía de bares con un stick de hockey por si había bronca, del descendiente de una nobleza venida a menos que se refugiaba a menudo en el destartalado palacete familiar, del rebotado de la carrera de Derecho que discutía en el programa Moros y cristianos, del hombre sediento de placeres que había sobrevivido a mil peleas y a un millón de excesos, del solitario que nunca había vivido en pareja y que se apasionaba por sus colecciones de guitarras y soldaditos de plomo, de ese extraño individuo que acechaba desnudo a la fauna salvaje. Y hablamos también de uno de los mejores entrevistados del mundo, siempre con una o con mil frases ingeniosas y subversivas en la recámara del cerebro, siempre activista de la inteligencia, que es lo que algunos llaman provocación. La penúltima vez que hablé con él, hace algunos años, terminamos charlando de la muerte.

–Siempre ha cantado mucho sobre ese tema, ¿piensa mucho en la muerte?
–Claro, la he visto por todos los lados. Tendemos a crear una burbuja que nos aísle de eso, pero no es higiénico, hay que estar preparado para casi todo.
–Le pega haber pensado ya en su epitafio.
–Pues no, porque una vez que te vas ya no importa. Pero estaría bien poner «Regresaré».

Sigo escuchando muy a menudo a Ilegales, sobre todo aquellos cuatro primeros álbumes que son monumentos del rock en castellano. Y mi canción favorita, que el muy perro se resistía a tocar en directo, siempre ha sido esta de abajo. Con ella me despido de uno de los músicos a los que más voy a echar de menos: nadie puede ocupar el hueco de nadie, pero el que deja él es especialmente único y distinto al de todos los demás.

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Post tags: Ilegales, Jorge Martínez, obituarios

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Con los años uno se va dando cuenta de que tiene una debilidad incurable por ciertos planteamientos musicales. Podemos tratar de envolverlo en farfolla teórica y pomposa, pero hay combinaciones de ingredientes que simplemente derriban todas nuestras defensas y nos disparan el deseo de volver a escuchar una canción. Y a mí no me suele fallar lo que podríamos llamar kraut juguetón, o quizá simplemente krautpop, es decir, la suma de elementos tomados del rock progresivo alemán de los 70, sobre todo en su vertiente más electrónica, con una actitud amigable, melódica, concisa, quizá un poco naíf. En nuestros protagonistas, ese ramalazo germánico no podía estar más expuesto. Caramba, se llaman Kling Klang, como los míticos estudios de Kraftwerk, uno de los centros de mayor poder místico de la historia de la música.

Kling Klang proceden de Liverpool y tienen una larga y accidentada carrera, porque empezaron allá por finales del siglo pasado. Pueden presumir del pedigrí de sus protectores, ya que los fueron cobijando bajo el ala grandes nombres como OMD, Mogwai o Portishead, nada menos. Claro que también pueden chulearse de enemigos temibles: en determinado momento, recibieron una cartita de Kraftwerk, o de sus abogados, diciéndoles que ya les valía de andar por ahí con ese nombre que habían robado con tanta desfachatez. Desaparecieron del mapa un par de veces, pero aquí están y se siguen llamando igual: acaban de lanzar su segundo álbum, Half Life (hay que tener en cuenta que el primero, recientemente reeditado, data de 2006) y siguen bordando lo que ellos describen como «destilaciones del espacio interior interpretadas con sintetizadores primitivos, batería y actitud». El disco, mayormente instrumental, abarca desde pasajes que pueden recordar al punk a la vez garajero y electrónico de The Screamers hasta otros que remiten al minimalismo de la electroacústica antañona, pasando por algunos de abigarramiento instrumental más progresivo, pero ya se habrán enterado de que a mí me priva lo juguetón, y ahí brilla el tema que da título al álbum, el último del lote, su canción más propiamente dicha.

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Post tags: canción de la semana, Kling Klang, Liverpool, Reino Unido

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