Tuve primera noticia de ‘Le métèque’ en mis tiempos de estudiante de francés en el instituto. Descubrí el tema gracias a una joven profesora que rompía los moldes tradicionales de la enseñanza mediante la utilización de la música contemporánea. Con ella supe qué quería decir el cantautor de origen griego, gran amigo de nuestros Imanol Larzabal y Paco Ibáñez.

El tema es muy hermoso, pero no destacó por su melodía sino por su mensaje. Le métèque’, sin lugar a dudas la canción más popular del francogriego, aunque egipcio de nacimiento, reflexiona sobre la condición de un hombre en tierra extraña, aunque ésta finalmente sea la suya. Mi maestra nos lo tradujo como ‘El extranjero’, aunque matizó que realmente se refería a los foráneos mal vistos. Algo así como los ‘maketos’ de la Euskadi pretérita o los inmigrantes del Tercer Mundo llegados en los tiempos actuales.

‘Le Métèque’ y Moustaki se erigen así en los primeros símbolos de los apátridas, sin raíces, queridos en ninguna parte y siempre sospechosos. Ese personaje extraño venido de lejos que siempre causa resquemor. ¿Qué querrá? ¿Vendrá para quedarse? ¿Se llevará algo? Preguntas habituales de quienes desconfían de todo aquello que no conocen y, sobre todo, controlan.

Pero triunfa el amor, ése que a veces nos lleva lejos y otras nos fija en lugares en los que nunca pensábamos establecernos. ‘Le Métèque’ descubre unos ojos, un cuerpo, una personalidad en forma de mujer. Se lanza a su conquista, sabedor de que nunca podrá cumplir sus promesas. Sobre todo su palabra jamás podrá quedar empeñada en la certeza de que se quedará. No podrá. Está condenado a vagar.

Todo ello disfrazado de una visión vitalista de una existencia que no se amarra a ninguna patria ni a un lenguaje, salvo al de la libertad y al de la fidelidad a su propia personalidad y a la humanidad. Por lo tanto, mezcla de canción de amor y autorretrato sentimental.

Es la composición de un autor ya maduro –Moustaki contaba ya con 34 años cuando la publicó en 1969–, que no logró inicialmente alcanzar la popularidad por la vía de las listas de éxitos o la estadísticas de ventas. Pese a las aperturas conseguidas por el Mayo del 68 parisiense, todavía la canción protesta estaba mal vista incluso en las Galias, circunscribiéndose a los ambientes universitarios o a los círculos de los jóvenes más contestatarios en tiempos en que la libertad era un bien escaso.

Una maravillosa letra que sabíamos de pe a pa los estudiantes de francés de mi instituto, ya allá por finales de los setenta, se sustenta sobre un ritmo intimista y mediterráneo que claramente bebe de las fuentes musicales griegas que heredó Moustaki de sus raíces. De instrumentos de cuerda brota una melodía helena que nos describe los terrenos por los que pisa el extranjero. Así, podemos imaginarnos pequeñas islas de aguas cristalinas, plantaciones de olivos, caminos impracticables y mucho sol estival e inmisericorde en un cielo limpio.

Moustaki encarnaba al extranjero de diccionario, aunque realmente el verdadero ‘maketo’ fue su progenitor, como recordaba cada vez que en un concierto interpretaba su canción franquicia. «A mi padre, a todos los extranjeros y a todas las razas. A todas las personas, famosas o anónimas, que han contribuido a la grandeza de Francia».

‘Le Métèque’ es un himno universal, tal vez la canción más reconocida de Moustaki, un retrato preciso y delicado de melodía contenida y mediterránea.

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego
con mis cabellos al azar
y con mis ojos medio abiertos
que hablan de mares y desiertos
y que te invitan a soñar

Es con mis manos de farsante,
de embaucador y de feriante
que en los jardines va a robar
y con mi boca que ha bebido
y que ha besado y que ha mordido
sin apagar su sed jamás.

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego,
de vagabundo y de ladrón
y con mi piel que se ha quemado
bajo ese sol y se ha entregado
a los mil juegos del amor

Y con mi pecho que ha sentido
del corazón cada latido
y lo ha sabido hacer callar,
con mi alma enferma que no espera
ni purgatorio que la quiera
para poderla así curar

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego
con mis cabellos al azar,
que vengo a ti, mi dulce amiga,
gran manantial en mi fatiga
tus veinte años a buscar
y yo seré, si lo deseas,
príncipe azul con tus ideas

Igual que tú puedo soñar
y detener cada momento,
parar el sol, parar el viento,
vivir aquí la eternidad.
así contigo he de lograr
vivir aquí la eternidad.
igual que tú yo sé soñar

VERSIONES

La también cantautora MARINA ROSSELL realizó un disco con versiones de Moustaki. La catalana, por supuesto, no se olvidó de ‘Le métèque’.

El director de orquesta galo PAUL MAURIAT instrumentalizó el tema.

El italiano ROBERTO FERRI firmó un revisión interesante.

PAUL DARAICHE tampoco se pudo resistir a aportar su visión.

Con ritmo totalmente rumbero la interpreta el español MANUEL MALOU, antiguo componente de Los Golfos.

El carismático rapero JOEY STARR adaptó el tema universal de Moustaki e incluso actuó con él.

Por último, como rareza, la VERSIÓN EN CATELLANO interpretada por el propio Moustaki.

GEORGES MOUSTAKI, bautizado en Alejandría como Yussef Mustacchi, nos ofreció a lo largo de toda su vida la oportunidad de disfrutar de canciones que al encanto propio del idioma francés unían su magistral voz, la magia especial de la música y el mensaje de un hombre polifacético, rodeado de un halo de bohemia.

Tras beber de la misma fuente de inspiración de Georges Brassens y Edith Piaf –dicen que la adopción del nombre de Georges es un homenaje al primero–, desarrolló su propio mundo creativo para hacernos llegar obras como la mencionada ‘Le métèque’, ‘Milord’, ‘Sarah’, ‘Ma solitude’, ‘Il est trop tard’, ‘Ma liberté’, ‘La longue dame brune’, ‘L’homme au coeur blessé’, ‘Il y avait un jardin’, ‘La mer m’a donné’, ‘Le temps de vivre’ o ‘Joseph’.

El hecho de que creció en un ambiente de mezcla de razas y lenguas –su padre hablaba cinco idiomas y su madre seis– diseño su multiculturalidad. Su familia procedía de Corfú, la isla helena a la que el dios del mar Poseidón llevó a su amada tras raptarla. Pero pronto se trasladaron a Egipto, donde estudió en el Liceo francés.

Durante su adolescencia abandonó el amparo de su familia y se trasladó a París. Allí tuvo contacto con Brassens, Piaf, Montand o Barbara, que le animaron a escribir sus propias canciones, que siempre se han dedicado a describir su experiencia vital. Antes fue periodista, camarero y cantante de temas ajenos en locales de la bohemia del momento.

Siempre alejado de las leyes del mercado discográfico y fiel a su estilo, llegó a despreciar muchas de las obras que salían de su mente. De esos escrúpulos se beneficiaron otros artistas como Dalida, Montand, Colette Renard, Michèle Arnaud y Serge Reggiani, que cosecharon grandes éxitos con temas que Moustaki nunca quiso incorporar a su repertorio.

Todo ello a pesar de que Lennox se recuperaba de unos nódulos en las cuerdas vocales que le impidieron emprender una gira e incluso participar en el multitudinario concierto de Live Aid. La fórmula de la comercialidad quizá se debió a que redujeron su uso habitual de sintetizadores, incorporaron ciertas gotas de blues y se apoyaron en instrumentos tradicionales como las guitarras, la trompeta o el saxo.

Inicialmente Eurythmics, también compositores de la canción, tenían destinado el tema al cantante invidente norteamericano Stevie Wonder, pero finalmente tuvieron que conformarse con que la estrella de la Motown colaborara tocando un solo de armónica que rivalizó con las cualidades vocales de Annie.

El fondo de la trama de ‘There must be an angel’ no es sencillo. Versa sobre la búsqueda personal y espiritual en los momentos en que nos encontramos sentimentalmente más débiles. En apenas un puñado de párrafos, su ánimo es intentar subir la moral y la autoestima de quienes la escuchan en esos días malos que todos tenemos de vez en cuando.

La protagonista se siente sola, pero se cree bendecida por un ángel, por multitud de ángeles que reavivan su corazón y establecen una conexión celestial con quien ella ama. Pese a la profundidad del intento se convirtió en uno de los éxitos más comerciales de la carrera de Eurythmics. De esos que provocan sonrisas inmediatas.

El videoclip se hizo muy popular. En él Dave Stewart interpreta a Luis XIV y Annie Lennox a una cantante que ha sido llevada ante el Rey Sol para entretenerle con una melodía tan bien construida.

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Entro en una habitación vacía
y de repente mi corazón retumba
es una orquesta de ángeles
y están tocando con mi corazón
debo estar hablando a un ángel

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Y cuando creo que estoy sola
parece que hay alguien más en casa
es una multitud de ángeles
y están tocando con mi corazón

Debo estar teniendo alucinaciones
viendo a los ángeles de fiesta
podría ser esto estar reactivando
dislocando mis sentimientos?

Debe ser una desconocida ilusión
por intervención celestial
dejándome el recuerdo
de tu celestial conexión.

VERSIONES

Annie Lennox, ya roto el dúo con Stewart, firmó una revisión de corte RHYTHM & BLUES. La interpretó en directo en Londres en 2009. Sin igual.

El quinteto de rock alemán NO ANGELS supo aprovechar también la comercialidad de ‘There must be an angel (Playing with my heart)’. Llevó el tema al número uno en su país y en Austria en 2001.

KYLIE MINOGUE la canta en sus giras.

Como rareza esta interpretación que realizó el difunto tenor PAVAROTTI con Eurythmics.

La banda CELTIC WOMAN nos ha hecho llegar una versión preciosa.

Por último reseñar que en 1999 Eurythmics se reunió para cantar con el gran STEVIE WONDER.

La escocesa Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (guitarrista y compositor) comenzaron su andadura musical en la vía del punk londinense a mediados de los 70. Pero evolucionaron con facilidad hacia el technopop con su primer grupo, Tourists, banda que rompieron en 1980 para fundar el dúo EURYTHMICS. Eligieron el nombre inspirándose en la palabra latina Eurythmia, cuyas raíces provienen del griego Eu (Bien o bueno) y Rythmes (ritmo),

El éxito llegó en 1983 con ‘Sweet dreams’, disco de oro, y siguió con ‘Who’s that girl?’, ‘Are made of this’, ‘Would I lie to you?’ o ‘Here comes the rain again’. Aunque fue en 1985 cuando tocaron la gloria con ‘There must be an angel’. El tema al que hoy nos referimos marcó un punto de inflexión en su carrera pasado a un estilo new wave que levemente incluso se encaminó hacia el rhythm and blues.

Toda una cadena de temas con gran repercusión les colocó frente a la década de los noventa, cuando decidieron separarse para emprender carreras en solitario. Stewart se centró en la producción, mientras que Lennox cosechó numerosos éxitos discográficos y acentuó su faceta activista solidaria.

Intermitentemente se reunieron para grabar dos discos en 1999 y 2001, y siempre corre el rumor de que resucitarán el dúo.

Eurythmics llegó a vender unos 75 millones de discos en todo el mundo. Además cosechó cuatro Grammys, dos Globos de Oro e incluso un Oscar.

‘Centro de gravedad permanente’ constituyó el impulso definitivo para el siciliano, hasta entonces circunscrito a un público minoritario, básicamente de su propio país. Aunque hay quien piensa que sus letras se confeccionan como las listas de la compra y que realmente tras ellas no hay mensaje, otros descubrimos una poética espiritual, con referencias a la ciencia, a la aldea global… Es decir, una intelectualidad ecléctica de difícil compresión para las masas. Una entelequia, al fin y al cabo.

Para acceder a cierta dimensión de su obra hay que comprender previamente su personalidad. La canción de la que hablamos hoy puede hablarnos de ella. Se trata de un grito de desesperación del propio Battiato en su búsqueda de la normativa que rige su propio universo.

Este himno de los himnos del veterano transalpino se editó en 1981 y pronto fue reconocido como una pequeña gran joya en la que recupera algo de su etapa de experimentación sonora o de la de beligerancia humanística, derivando hacía un rock progresivo y experimental con influencia de la ópera. Vendió más de un millón de copias.

Trata de dejarnos claro que mantenerse vivo después de vivir es muy complicado y que ser feliz tampoco es fácil tras una existencia tan dolorosa como la de los humanos, muñecos con el centro de gravedad por debajo del centro geométrico. Minimalismo existencial, sin duda, el de Battiato. Siempre en la búsqueda de la integridad y el equilibrio.

Los centros de gravedad permanentes son, según el italiano, personales. Se basan en cosas como la familia o la ideología pasando por la pasión o la religión. Proporcionan un equilibrio mental, emocional y social. Tal vez trasladan el deseo de que nada te aliene el pensamiento.

El videoclip que ilustró la canción tampoco tienen desperdicio. En él podemos observar a Battiato deasafiando la fuerza gravitatoria, o sea buscando su centro de gravedad muy ochentero. Histriónico en su autoparodia se ríe de sí mismo y de todos los que le ven.

Una vieja de Madrid con un sombrero,
un paraguas de papel de arroz y caña de bambú.
capitanes valerosos,
listos contrabandistas noctámbulos.
jesuitas en acción
vestidos como unos bonzos
en antiguas cortes con emperadores
de la dinastía Ming

Busco un centro de gravedad permanente
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again

En las calles era mayo y caminábamos juntos
contando entre bromas manojos de ortigas
no soporto ciertas modas,
la falsa música rock, la new wave española,
el free jazz, punkie inglés,
ni la monserga africana.

Busco un centro de gravedad permanente,
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again

VERSIONES

La interpretación original EN ITALIANO es conveniente verla también.

El grupo LOS CARAMELOS, liderado por Charlie Mysterio, editó en 2002 un ‘Centro de gravedad permanente’ muy particular.

LA MONJA ENANA firmó asimismo una original y fresca revisión.

FRANCO BATTIATO lleva en el mundo de la música cerca de cincuenta años, en los que nos ha ofrecido más de treinta discos de estilos tan diversos como su propia personalidad. Aunque su mayor éxito lo obtuvo en la década de los ochenta del pasado siglo con canciones como ‘Cuccurucucu’, ‘Yo quiero verte danzar’, ‘Bandera blanca’, ‘’La vía lactea’, ‘La estación de los amores’ o la analizada ‘Centro de gravedad permanente’, sus originales letras han pervivido hasta la actualidad.

Extraño e inclasificable, el siciliano ha conseguido encaramarse a una posición que le describe como uno de los músicos europeos y mundiales más conocidos y respetados por sus seguidores, poseedores de un fervor cuasirreligioso. Battiato, que vive refugiado en la casa de su madre en Catania, a los pies del Etna y lejos de la industria discográfica, ha sabido tejer a su alrededor una leyenda de amor y odio en torno a sus inquietudes y maneras de concebir la música.

Su pop cercano al techno ha sido perfectamente radiable y quizás en eso radica su éxito, a pesar de la dificultad de sus creaciones sobre el cosmos o la inmensidad de cosas, que no podemos comprender.

Su creatividad ha sabido también trasladarse de la música al cine y la pintura, con varias películas y exposiciones de su obra por todo el mundo.

El final del verano siempre nos ha producido traumas. Bien porque en nuestra juventud se nos acababan las largas vacaciones escolares, como les ocurrió a los protagonistas de la serie, o bien porque ahora se agota el descanso estival en nuestra etapa laboral. Quedábamos o quedamos sumidos en la sensación de que nada volverá a ser igual.

‘Verano azul’ propulsó al Dúo Dinámico. Cuando ya habían pasado sus mejores años y la música disco restringía su campo de popularidad a los aficionados a la música que comenzaban a acercarse a su madurez, el invento de Antonio Mercero les presentó al público más joven en España, cerca de veinte años después de que ‘Amor de verano’ fuera publicado en 1963.

La canción fue diseñada con un ritmo machacón sobre el que, según algunos críticos, sus intérpretes rezan más que cantan para construir una preciosa balada que denota un cierto fervor religioso en su tratamiento, encomendando el único solo instrumental del tema a un saxo alto.

En el trasfondo, como dice el título, un amor de verano, de esos que nunca se materializan pero que dejan recuerdos agradables que perduran durante toda una vida. De los que nunca nos arrepentimos, porque de lo hecho por amor nunca hay que arrepentirse. Son amores imposibles, bonitos porque duran poco y no dan tiempo a que afloren nuestros lados oscuros. Por eso se rememoran como algo puro.

El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás

Pero sé, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré

Dime, dime, dime amor
Dime dime que es verdad
Lo que sientes en tu corazón
Es amor en realidad

Nunca, nunca, nunca más
Sentiré tanta emoción
Como cuando a ti te conocí
Y el verano nos unió

El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás
Pero se, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré.

VERSIONES

‘Amor de verano’ en el mítico epílogo de ‘VERANO AZUL’. A llorar toca.

El Dúo Dinámico cantó esta canción con CARLOS BAUTE para un programa de televisión.

VÍCTOR NARANJO versionó en directo esta obra de Manolo y Ramón durante una actuación que protagonizó en Hospitalet en 2008.

El éxito de la segunda etapa de ‘Amor de verano’ fue de tal dimensión que el mundo de la PUBLICIDAD recurrió a esta canción con profusión. Por ejemplo,Telefónica lo utilizó para lanzar una campaña de captación de clientes al final de un estío.

DÚO DINÁMICO tienen el honor de ser los primeros ídolos juveniles de la música pop española y el mérito de seguir en activo casi sesenta años después. Constituyeron un fenómeno social que nunca ha sido valorado en su justa medida y que incluso debería ser objeto de un estudio universitario.

Hay que remontarse hasta 1956 para relatar cómo Manuel de la Calva y Ramón Arcusa coincidieron en su primer empleo en una fábrica de motores de aviación de Barcelona, su ciudad natal. En la fiesta de Navidad de la empresa de 1958 ambos cantaron juntos algunas canciones y sus compañeros les alentaron a intentar rentabilizar su talento.

Así, comenzaron a actuar en clubes. Pero es una interpretación que realizaron en Radio Barcelona con el nombre de Dinamic Boys la que les promocionó. Sin embargo, el locutor, muy afecto al régimen imperante en aquella época, odiaba todo lo que no era español y les cambió el nombre por el de Dúo Dinámico.

Un año después consiguieron su primer contrato discográfico, abandonaron sus puestos en la fábrica y se lanzaron a la música profesional con gran acogida del público, que los aceptó como una de las principales atracciones juveniles del país. Su buena imagen, un repertorio acertado y versiones de temas anglosajones e italianos hicieron el resto en una época de despegue económico.

Llegaron asimismo algunas películas y aparecieron sus grandes éxitos. Tales como ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Quisiera ser’, ‘Esos ojitos negros’, ‘Como ayer’ o ‘Somos jóvenes’, que se vendieron a miles en España y Sudamérica. Consiguieron incluso tener hasta su propia revista.

A finales de los sesenta Manolo y Ramón comenzaron a tener un pequeño bache porque los nuevos tiempos estaban presididos por conjuntos y solistas que dejaron un poco de lado al formato dúo. Por eso, se volcaron en la composición, naciendo temas como’ La, la, la’, inicialmente destinado a Joan Manuel Serrat y finalmente vencedor de Eurovisión en 1969 con la voz de Massiel. Por aquella época también aportaron temas a Miguel Gallardo, Manolo Otero, Víctor y Diego, Camilo Sexto, Julio Iglesias, Los Chunguitos o José Vélez.

El éxito discográfico del Dúo Dinámico declinó, pero no así sus galas, en las que todavía siguen inmersos – pese a algunas fases de descanso– en la actualidad, ya ancianos.

Los reconocimientos a su trabajo les han llevado a conseguir, entre otros galardones, la Medalla al Mérito en el Trabajo.

La combinación del genio creativo de Mark E. Nevin y el interpretativo de Eddi Reader, dotada de una voz luminosa y angelical que nos impregna de paz emocional, nos enamoró desde sus primeras notas de sonido rockabilly. Para conseguir este beso en forma de canción colaboró en gran medida la producción de Kevin Moloney para la multinacional BMG/RCA. Ensambló música y letra con una estructura sencilla, basada en guitarra, bajo y batería.

‘Perfect’ fue número uno en todo el planeta a pesar de que contrastaba con los hits discotequeros y de ampulosas producciones que ocupaban la mayoría de los puestos de las listas. Fue el primer single de Fairground Attraction, el que convirtió su debut discográfico en éxito mundial.

Desgraciadamente es un genial ejemplo de ‘one hit wonder’ al tratarse del único tema de la banda que tuvo repercusión. Pero se llevó el Brit Award, uno de los premios más prestigiosos de la música pop británica.

Pero qué más da, porque sí consiguieron que ‘Perfect’ nos quedara grabada en el alma y en ella reverdece cada cierto tiempo, sin que nunca pase al limbo. Y cada vez que reaparece nos hace sonreír con el optimismo y vitalidad que desprende su melodía pegadiza y pizpireta. Su alegría es contagiosa.

Contrasta lo efímero de la existencia de Fairground Attraction –duró apenas dos años– con la perpetuidad de su canción. Esta joya serena, nostálgica y romántica siempre está presente.

El mensaje que nos lanza es que la vida es muy corta para jugar con ella de forma imbécil. Pero, como es una letra optimista, recuerda también a las personas que no viven su mejor momento que pronto todo les va a salir perfecto. Se acabaron los dramas y hay que disfrutar de una bocanada de aire fresco que nos invita a degustar las cosas más sencillas que sólo echamos en falta cuando ya no las tenemos.

Lo importante es tener la mente abierta porque la vida es demasiado corta para malgastarla lamentándose. En ‘Perfect’ se intuye la alegría serena de los que han alcanzado cierta paz espiritual y han dejado de estar presos de las pasiones.

Tiene que valer la pena, sí
demasiadas personas
elegí la segunda mejor
pero no voy a aceptar nada menos

Tiene que ser perfecto, sí.
tiene que ser sí vale la pena
tiene que ser perfecto
no quiero amores de medio corazón
necesito a alguien quien realmente le importe

La vida es demasiado corta para juegos tontos
me he prometido a mí mismo
que no voy a hacerlo de nuevo
tiene que ser perfecto
tiene que valer la pena, sí

Demasiadas personas
tome la segunda mejor
pero no voy a tomar nada menos
tiene que ser perfecto, sí

Los jóvenes que cometen este tipo de errores son tontos
están demasiado dispuestos a dar su amor a distancia
bien, he sido muchas veces tonto
ahora estoy decidido a hacerlo bien

Tiene que ser perfecto
tiene que valer la pena, sí.
demasiadas personas
elegí la segunda mejor
pero no voy a aceptar nada menos
Tiene que ser perfecto, sí

VERSIONES

La japonesa BONNIE PINK firmó una bonita revisión.

ANGELIQUE hizo lo propio.

‘Perfect’ ha sido recurrentemente utilizada por el mundo de la PUBLICIDAD, sobre todo en anuncios de perfumes.

FAIRGROUND ATTRACTION surgió en 1987 al juntarse en Glasgow Eddi Reader (vocalista), Mark Nevin (guitarra), Simon Edwards (guitarrón) y Roy Dodds (batería). Después de tocar en pubs de la capital escocesa y de Dublín, firmó un contrato con la compañía RCA para lanzar su primer single. Era ‘Perfect’ y bastó para que todos conociéramos a la banda.

Su primer LP –‘The first of a million kisses’– confirmó el apoyo del público y también las desavenencias entre los integrantes del cuarteto. En 1989 decidieron disolverlo por diversos problemas internos durante la gira promocional y la grabación de su segundo larga duración. Cuando en 1990 salió al mercado ‘Ay fond kiss’ la banda ya no existía. Este trabajo pasó bastante desapercibido.

En 2003 se puso a la venta un recopilatorio llamado ‘Fairground Attraction: Kawasaki’, con canciones grabadas en directo durante la gira japonesa que el grupo llevó a cabo en 1989. Luego llegaron los consabidos grandes éxitos.

Tras la breve trayectoria de Fairground Attraction, sus miembros han continuado vinculados al mundo de la música. Reader es a la que mejor le ha ido, con siete discos en el mercado y cierto prestigio en el ámbito del folk británico, aunque nunca ha alcanzado las mismas cotas de popularidad.

‘L’italiano’ no logró vencer en el histórico certamen de la canción transalpina –de hecho tuvo que conformarse con el quinto lugar tras ser eliminada en semifinales y la victoria fue para Tiziana Rivale con ‘Sarà quel che sarà’–, pero sí obtuvo un éxito inmediato en el mercado, donde su composición fue aceptada como un nuevo himno nacional. Prueba de ello es que este tema fue elegido para conmemorar la victoria de la selección de fútbol en el Mundial de 2006.

Pregunta: ¿alguien conoce la canción de Rivale? Es un claro ejemplo de cómo en muchos de estos festivales la opinión del jurado suele estar lejos de los gustos del público. ‘L’italiano’ fue la canción que más repercusión obtuvo ese año en la venta de discos y en las listas de éxitos.

El cantante de Fosdinovo ya se había encaramado al primer lugar en San Remo en 1980 con ‘Solo noi’. Se llevó un galardón que ansiaba desde hace mucho y que también después le obsesionó presentándose en varias ediciones más. Es más, quedó segundo en cinco oportunidades durante la década de los ochenta.

Cutugno destacaba en su letra su condición de italiano convencido, el orgullo de haber nacido en aquel país. Quiso gritar a los cuatro vientos su nacionalidad, al tiempo que describir las costumbres de su tierra. Metafóricamente se refirió a un presidente partisano –Sandro Pertini luchó contra Mussolini con la guerrilla– y a la invasión estadounidense durante y tras la Segunda Guerra Mundial, cuando no estaba bien visto ser patriota porque se identificaba este término con los fascistas del dictador.

Cantar a la nación italiana ha sido una tendencia a la que han recurrido bastantes intérpretes del país unificado por Garibaldi. Por ejemplo, por este blog ya pasaron Adriano Celentano y ‘Azzurro’.

Déjenme cantar
con la guitarra en la mano
déjenme cantar,
Soy un italiano.

Buen día Italia los fideos al dente
un partisano como presidente
con el stéreo en la mano derecha
y un canario sobre la ventana.

Buen día Italia con tus artistas
con tropas sobre manifestantes
con las canciones hechas con amor y corazón,
con más mujeres y menos hermanas.

Buen día Italia, buen día María,
con los ojos llenos de melancolía
buen día Dios, sabes que soy inclusive yo

Déjenme cantar
con la guitarra en mano,
déjenme cantar,
una canción lenta
déjenme cantar
porque estoy orgulloso
soy un italiano.
soy un italiano, verdadero.

Buen día Italia, que no se espanta,
con la crema para barba a la menta
con traje grisáceo sobre azul
y la movida el domingo en la televisión

Buen día Italia con el café estrecho
los zapatos nuevos en el primer cajón
con la bandera en la tintorería
y un seiscientos más de carrocería

VERSIONES

Como buen cantante italiano, Cutugno no desperdició la oportunidad de grabar EN CASTELLANO para el mercado hispano.

En la gala de San Remo de este año, el artista interpretó el tema con los coros de la ARMADA RUSA.

La solista egipcia LARA SCANDAR realizó una revisión árabe de la canción.

DINAMITI DI STEFANI ha reinterpretado los grandes clásicos transalpinos y, por supuesto, se acordó de ‘L’Italiano’.

El veterano artista francés HERVÉ VILARD convirtió la composición de Cutugno en ‘Mediterranéenne’.

Los inefables personajes de ALVIN Y LAS ARDILLAS también recurrieron a la canción a la que hoy nos referimos.

Salvatore Cutugno, TOTO CUTUGNO, es mucho más que otro buen cantante italiano de voz rasgada. Es uno de los músicos más versátiles, trabajadores e insistentes de la península itálica, que además toca diferentes instrumentos como el saxo, el piano, la batería o la guitarra.

Nació en 1943 en la región de la Toscana, pero de muy joven tuvo que abandonar su casa en busca de un horizonte musical que le negaba su entorno. Se marchó a Escandinavia, a Finlandia, concretamente, donde dio sus primeros pasos profesionales en un género tan distinto al que ahora labra como el jazz, actuando en la orquesta de Guido Manusardi.

Regresó a su patria en los setenta del pasado siglo incrustado en el grupo de rock Albatros, para después introducirse en la canción romántica que invadió toda Europa con la lengua de Dante y Petrarca. Su mayor éxito lo cosechó en el festival de San Remo de 1980, que se adjudicó gracias a ‘Solo noi’. Luego siguieron otros como ‘Mia’, ‘Innamorati, innamorato, innamorata’, ‘Un’estate con te’ o la mencionada ‘L’italiano’, que le consolidaron en el mercado italiano y hispanoparlante.

Pero fue en 1990 cuando el festival de Eurovisión acogió su mayor triunfo con ‘Insieme 1992’, que le confirió trascendencia universal que le ha llevado a actuar en 36 países y a vender más de cien millones de discos.

Como compositor para otros artistas también es muy demandado, sobre todo después del éxito que logró en 1975 en Francia gracias a una versión de su tema ‘Africa’, editada por Joe Dassin con el titulo ‘L’été Indien’.

En la actualidad se dedica más a la televisión que a la música, mediante la faceta de presentador, sin desechar por supuesto su participación anual en el festival de San Remo.

El cantautor asturiano nos hizo llegar un relato de amor distinto, protagonizado por dos personas diferentes pero capaces de aglutinar un romanticismo, si cabe, mayor que el que pudiéramos vivir los que nos consideramos normales. Bellísimo cuento real de dos seres que nacieron acompañados de la mala suerte, pero que la sortearon por medio de los sentimientos para demostrar que el amor es tan humano como universal, que no sabe de edad, diferencias sociales o impedimentos psíquicos o físicos.

En 1978 corrió la noticia sobre la boda de dos discapacitados psíquicos tras superar varios obstáculos, entre ellos los presentados por la iglesia católica. El caso llegó por medio de un periódico hasta Víctor Manuel, que escribió ‘Sólo pienso en ti’ como un himno a la determinación de dos jóvenes con problemas por defender su derecho a compartir una vida juntos.

Este tema materializa un modo de expresión en el que el amor aparece puro, sin pensamientos y quebraderos de cabeza, desconocedor de la oposición del resto a que dos personas con discapacidad se junten. Mari Luz y Antonio finalmente superaron todos los obstáculos legales y sociales, y contrajeron un matrimonio que les hizo felices. En la actualidad tienen tres hijos, uno de ellos universitario.

La Fundación literaria Crisálida organizó no hace mucho un encuentro de la pareja con el cantante. Indescriptible cúmulo de emociones. Víctor Manuel siempre ha asegurado que es la canción que más «dinero y alegrías» le ha dado, ya que es la que más ha perdurado en el tiempo.

Además, contaba el músico que «todavía hoy» le siguen «agradeciendo haber dedicado un tema a la discapacidad», y añadía que es una canción con una gran «carga emotiva» para él. «Me ha dado muchísimas satisfacciones, también por lo que ha significado poner en primer plano algo que nadie ve hasta que no lo tiene en su familia, la discapacidad», señaló.

El 2010 la directora JUDITH COLLEL realizó un maravilloso documental sobre la historia de la canción.

Como anécdota decir que ‘Sólo pienso en ti’ permaneció muchos años prohibida en Argentina, años después incluso del fin de la dictadura de Videla. Por aquellas tierras el ‘rojo’ Víctor Manuel no era muy querido por los militares, que tampoco podrían ver amores diferentes.

En el comedor
les sientan separados a comer
si se miran bien
les corren mil hormigas por los pies
ella le regala alguna flor
y él le dibuja en un papel
algo parecido a un corazón
sólo pienso en ti

Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti

Ella fue a nacer
en una fría sala de hospital
cuando vio la luz
su frente se quebró como el cristal
porque entre sus dedos a su padre
como un pez se le escurrió
hace un mes cumplió los veintiséis
sólo pienso en ti

Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti

Él nació de pie
le fueron a parir entre algodón
su padre pensó
que aquello era un castigo del señor
le buscó un lugar para olvidarlo
y siendo niño le internó
pronto cumplirá los treinta y tres
sólo pienso en ti

Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti

En el comedor
les sientan separados a comer
si se miran bien
les corren mil hormigas por los pies
ella le regala alguna flor
y él le dibuja en un papel
algo parecido a un corazón
sólo pienso en ti

Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti

VERSIONES

La canción original de Víctor Manuel ha sido también utilizada para enseñar el lenguaje de SIGNOS PARA SORDOS.

VÍctor Manuel y PABLO MILANÉS rizaron el rizo en este bonito dueto.

La excantante de Mecano ANA TORROJA interpretó la canción para el programa de televisión que sirvió para elegir la canción de la vida.

El programa de jóvenes talentos de la televisión mexicana ‘La academia’ lanzó a ESTRELLA con ‘Sólo pienso en ti’.

El asimismo asturiano MELENDI actualizó el tema.

En 1996 fue reeditada por el cantante puertorriqueño CHAYANNE.

VÍCTOR MANUEL es asturiano y ejerce de ello. Nació en Mieres y en su entorno tuvo los primeros contactos con la música, participando en festivales locales con canciones con temática folclórica. Al quedársele pequeño el círculo regional optó por marcharse a Madrid para estudiar piano y canto.

En la capital contactó con el mundo del nuevo pop español emergente gracias a la ligera apertura cultural que se daba en el franquismo. Comenzaron a llegar sus primeros éxitos. Tales como ‘La romería’ , ‘Asturias’, ‘La planta 14’, ‘El portalín de piedra’ o ‘El Abuelo Víctor», que todavía olían mucho a su tierra y a
minería.

Ese éxito le permitió comenzar también una carrera cinematográfica con las películas ‘Morbo’ y ‘Al diablo con amor’, en la que conoció a la actriz y cantante Ana Belén, con la que se casó constituyendo el matrimonio más estable del mundo de la música española.

Ambos tuteaban por aquella época con el Partido Comunista y sus discos comenzaron a tener problemas de censura. Sin embargo, con la llegada de la democracia se convirtieron en mitos de la canción ofreciéndonos lo mejor de su producción. Entonces llegó ‘Sólo pienso en ti’.

O’Sullivan se especializó en baladas y hoy analizamos la más popular de las que lanzó al mercado. Su repercusión fue tal que encabezó las listas estadounidenses durante seis semanas no consecutivas. Una composición tierna para contarnos la historia amarga de un aspirante a esposo al que dejan al pie del altar sin lograr consumar su nuevo estado civil.

El protagonista nos hace partícipe de su decisión de optar por el suicidio tras haber perdido a la mujer que amaba y a sus padres. En una de las primeras canciones que incita de manera evidente a quitarse la vida. ‘Alone again (Naturally)’ se convierte así en un réquiem.

Lo más fácil es optar por la hipótesis de una canción autobiográfica, pero el irlandés lo desmintió, aunque admitió que su padre sí había muerto a temprana edad. Siempre ha defendido que la historia es sólo fruto de su mente y no está inspirada en ningún hecho real.

‘Alone again (Naturaly)’ recientemente ha vuelto a la actualidad en un pleito judicial tras un plagio realizado por el rapero estadounidense Biz Markie, que utilizó parte de su melodía sin pedir permiso. La sentencia dijo que se violaron los derechos de O’Sullivan.

Con el tesón del que sabe que es una gran obra, el irlandés justificó su demanda porque «la música significa mucho para mucha gente. No voy a permitir que sea usada para karaoke o fines comerciales. Iré hasta mi tumba para defender la canción y asegurar que nunca se vea en un escenario cómico, lo cual es ofensivo para aquellas personas que la compraron por las razones correctas».

Dentro de un tiempo
si continúo igual de amargado
me prometo a mí mismo tratarme,
visitar la torre mas cercana
y, una vez arriba, tirarme al vacío
en un esfuerzo para que ‘alguien’ se entere
cómo se siente uno cuando está destrozado,
abandonado, dando tumbos
en una iglesia mientras la gente dice,
«eso sí que es duro, lo dejó plantado”

Dijeron «no hay motivo para que nos quedemos
así que debemos irnos a casa también»
como yo mismo hice,
solo otra vez, naturalmente

Y pensar que hasta ayer
yo era alguien alegre, brillante y feliz
mirando hacia adelante
sin saber aún el papel que estaba a punto de desempeñar
Pero para dejarme noqueado
la realidad llegó y sin hacer demasiado,
con un simple roce, me cortó en pedazos
me dejó sin fe, hablando de Dios
y su misericordia, si el realmente existe
¿por que me abandonó cuando realmente la necesitaba?
ahora realmente estoy, por supuesto,
solo otra vez, naturalmente

Me parece a mí que hay más corazones
rotos en el mundo que pueden ser arreglados,
abandonados ¿qué vamos a hacer?
¿qué vamos a hacer?
solo otra vez, naturalmente

Ahora, recordando los años pasados
y algún otro momento que se me aparece,
recuerdo que lloré cuando mi padre murió
nunca quise ocultar mis lagrimas,
y a la edad de 65 años mi madre,
«Dios la tenga en su gloria»,

No podía entender por qué la única mujer
a la que él había amado se la habían arrancado
dejándole (para empezar) con el corazón tan roto
que aparte de mis palabras de aliento
no se volvió a decir ninguna palabra
y cuando ella murió lloré y lloré todo el día
solo otra vez, naturalmente
solo otra vez, naturalmente

VERSIONES

La grabaron en castellano LOS TRES TRISTES TIGRES.

El mexicano CHAO ofreció su visión en ‘Sólo soy para ti’.

ALBERTO FONT hizo lo propio.

Buena es asimismo la revisión que firmaron MANOLITA DOMÍNGUEZ Y LOS CONTINUADOS.

La diva del jazz SARAH VAUGHAN incorporó la canción a su discografía. Genial.

Especial es la moderna versión de VONDA SHEPARD. Está incluida en la banda sonora de la serie ‘Ally McBeal’.

El 1 de diciembre de 1946 vio la luz en la localidad irlandesa de Waterford uno de los baladistas más importantes del pasado siglo: RAYMOND EDWARD O’SULLIVAN. Sin sucumbir al desaliento y sin menospreciar ninguna influencia, desde su más tierna infancia apostó por el mundo de la música.

Para luchar por ello se trasladó a Londres a finales de los sesenta. En la capital británica dio inicio a su andadura como compositor y cantante, llamando la atención de la multinacional CBS, que le permitió grabar sus primeros discos, pero que no le renovó el contrato tras sus fracasos iniciales.

El sello MAM y su alma matter Gordon Mills, por entonces mánager de Tom Jones, lo redescubren y lo llevaron al éxito con temas como ‘Nothing rhymed’. Su repercusión aumentó con algunas apariciones televisivas, en las lució una extravagante estética basada en pantalones cortos, jerseys con la letra G estampada y un peinado peculiar.

Su particular estilo pop, lleno de arreglos orquestales y melodías sin complicaciones mezcladas con hermosísimas letras, se plasmó ya en los setenta en excepcionales baladas con buen resultado comercial. Son los casos de ‘We will”, ‘No matter how I try’, ‘Underneath the blanket go’, ‘Matrimony’ y, sobre todo, ‘Alone again (Naturally)’, al que siguió otro número uno mundial como ‘Claire’. Fue su mejor momento.

Conflictos con Mills acabaron con su relación profesional con su productor y le llevaron en los ochenta de nuevo a CBS, casa con la que en 1980 grabó ‘What’s in a kiss’, con la que resucitó su pretérita gloria comercial.

Pronto volvió a perder el interés de los mercados y se centró en actuaciones en vivo. Actualmente, pese a seguir en activo, navega por el olvido.

La canción escrita por Bob Geldof, líder de The Boomtown Rats, nos recuerda el caso de una joven californiana de 16 años llamada Brenda Ann Spencer, que en 1979 durante veinte minutos disparó desde la ventana de su casa a su escuela con el rifle que su padre le regaló por Navidad en vez del radiocassette que ella reclamaba.

Tras más de cincuenta tiros asesinó al director y al guarda, e hirió a otras nueve personas, entre niños y policías. Cuando se le acabó la munición fue detenida. Al ser preguntada por los motivos de la masacre se limitó a decir. «No me gustan los lunes. Sólo lo hice para animarme el día. No tengo ninguna razón más, sólo fue por divertirme».

La banda irlandesa la grabó el mismo año de la tragedia, con gran éxito en Europa, donde fue número uno en varios países. No ocurrió lo mismo en el país de las barras y las estrellas. Allí las emisoras de radio en un principio boicotearon la canción para evitar hablar de la tragedia. Geldof explicó que se enteró de la noticia del tiroteo mientras le realizaban una entrevista en una radio de Atlanta. A su lado se encontraba un telex y por él salió la información del crimen.

En el camino de vuelta a su hotel decidió que debía dedicar un tema a esa estúpida atrocidad. Primero iba a tener un ritmo reggae, pero cuando la banda regresó a Irlanda se optó por una onda new wave con el maravilloso piano de Johnny Fingers como instrumentro estrella.

De cualquier manera han sido abundantes los temas dedicados al día más duro de la semana, aunque he oído hablar de gente que también piensa que los lunes abren una gran posibilidad de comenzar algo nuevo, una esperanza. He de reconocer que yo no conozco a nadir de esa opinión.

Así de rebote, recuerdo a The Bangles y su composición de los ochenta ‘Maniac Monday’ o a The Mamas & The Papas con ‘Monday Monday’, en los setenta. Sin olvidar ‘Lunes por la madrugada’, de Abuelos de la Nada, o ‘Lunes otra vez’, de Sui Generis.

Todos comparten la misma teoría. El lunes es siempre un motivo de congoja, porque te recuerda que tienes por delante una dura semana. El tiempo ha vuelto a jugárnosla en su terror circular, el eterno retorno al odiado día del madrugón. Es difícil escapar de esa rutina.

Se le fundió el chip de silicona de su cerebro
y nadie irá a la escuela hoy
Ella va a hacer que se queden en casa

Y papá no logra entenderlo
Él siempre dijo que ella era tan buena como el oro
y el no consigue entrar en razón
porque no hay ninguna razón

¿Qué razones necesitas que te muestren?
Dime por qué no me gustan los lunes
Quiero pasarme el día entero disparando
La máquina de teletipo se mantiene limpia
mientras le teclea a un mundo en espera

Y mamá se siente tan conmocionada
el mundo de papá se desmorona
y sus pensamientos giran hacia su pequeña hija

Dulces 16, no es un lamento tan fácil
No, no es fácil admitir la derrota
Ellos no pueden ver las razones
porque no hay razones

Todo el mundo dejó de jugar en el patio
ella quiere jugar con sus juguetes un rato
Y la escuela termina temprano
y pronto estaremos aprendiendo
que la lección de hoy es cómo morir

Y le megáfono cruje, y el capitán cruje
con los problemas y los cómos y los porqués
Y él no puede ver ninguna razón
porque no hay ninguna razón

VERSIONES

La pianista y cantautora estadounidense TORI AMOS nos ofreció en 2001 una revisión mucho más suave. Su versión fue utilizada en la obra de teatro ‘Romeo and Juliet’.

En 1995 BON JOVI y el propio Bon Geldof actuaron juntos en directo.

A TERRY WHITNEY le bastó el piano y su voz para firmar su propia interpretación.

El cuarteto británico G4 la incorporó a uno de sus trabajos discográficos en 2006.

Los punkies estadounidenses THE GROOVIE GHOULIES le metieron ritmo al tema.

‘I don’t like mondays’ apareció en la serie de televisión ‘HOUSE’, cuando el protagonista, interpretado por Hugh Laurie, la tocó al piano para un paciente con problemas cerebrales.

El grupo THE BOOMTOWN RATS estaba compuesto por el vocalista Bob Geldof, Johnnie Fingers, Gerry Cott, Garry Roberts, Pete Briquette y Simon Crowe, todos irlandeses. Su andadura se prolongó desde 1975 a 1986 dejándonos como herencia seis discos y una canción sin igual: ‘I don’t like mondays’.

Sin duda fue su tema franquicia y uno de los pocos que recordamos del quinteto, que es considerado un One hit wonder, grupo con un sólo éxito. En 2006, durante la presentación de los Premios NME, Russell Brand hizo una broma al respecto y señaló que Geldof, activista involucrado en la lucha contra el hambre en África, lleva cenando treinta años gracias a esta canción.

Pero no es del todo cierto porque The Boomtown Rats antes que ‘I don’t like mondays’ ya habían conseguido un número uno en 1978 con ‘Rat trap’ y más tarde también lograron un gran éxito con ‘Looking after no. 1’.

Gelfof fue asimismo protagonista de la película ‘The wall’, sobre la obra de Pink Floyd, pero lo que en realidad le dio la fama fue su activismo por el desarrollo de los países africanos. Incluso le llevó a ser nominado al premio Novel de la Paz. Su vocación nació cuando en su casa veía un programa especial de la BBC sobre la hambruna de Etiopía.

Entre las numerosas actividades benéficas que ha organizado en el mundo del rock está el mundialmente famoso concierto ‘Live Aid’, que se desarrolló en 1985 simultáneamente en Londres y Filadelfia.

Es toda una balada romántica de oro que está junto a nosotros desde 1979, aportando de forma constante dosis de un romanticismo siempre actual. Se ha conformado en un tema que jamás podrá pasar desapercibido gracias a la magia musical del cantautor castellanomanchego.

‘Un velero llamado libertad’ llegó rodeado de otras grandes composiciones dentro del LP ‘Tiempo de otoño’, octavo disco grande del conquense para la discográfica Hispavox, más tarde absorbida por la multinacional EMI. Esta canción fue producida por Rafael Trabucchelli y Danilo Vaona, los genios de la firma.

Supuso la apertura de una nueva etapa creativa más cercana al pop y mejor recibida por el público por hablar de temática más urbana y abandonar la denuncia de la realidad desnuda de un presente intolerable que realizó en trabajos anteriores. Las ventas le llevaron a alcanzar el doble disco de platino.

Con el respeto de un escolar que llega por primera vez al colegio, Perales nos cuenta en ‘Un velero llamado libertad’ la historia de alguien que se va, que abandona su entorno para huir de los grilletes de la cotidianidad, de los que están más próximos. O de alguien que se marcha de este mundo, dejando rotos a quienes les querían.

Existe una teoría que afirma que ‘Un velero llamado libertad’ estaba dedicado a un joven que se había ahogado en el pantano de Entrepeñas. Pero Perales lo desmintió. Sí escribió una canción para el chico que sufrió el accidente, pero ésta era ‘Pequeño marinero’.

Como en todas sus obras, en ésta también nos encontramos con un momento en el que se detiene el ritmo, como si el tiempo dejara de caminar para realizar una reflexión. Pero la melodía continúa hasta un último suspiro para acabar con un verso a modo de moraleja.

Perales confesó en una entrevista que utilizó la metáfora del velero porque él es de secano. Sin embargo, tiene una casa de campo en la orilla de un embalse artificial, donde tiene anclado su barco, llamado ‘Libertad’, por supuesto.

Ayer se fue, tomó sus cosas y se puso a navegar 
una camisa, un pantalón vaquero y una canción 
Dónde irá, dónde irá 

Se despidió, y decidió batirse en duelo con el mar 
y recorrer el mundo en su velero 
y navegar, nai na na navegar 

Y se marchó, y a su barco le llamó libertad 
y en el cielo descubrió gaviotas 
y pintó estelas en el mar

Su corazón, buscó una forma diferente de vivir 
pero las olas le gritaron vete 
con los demás, nai na na, los demás
 
Y se durmió y la noche le gritó dÓnde vas 
y en sus sueños dibujó gaviotas, 
y pensó hoy debo regresar

Y regresó, y una voz le preguntó ¿cómo estás? 
y al mirarla descubrió unos ojos
nai na na azules como el mar 

VERSIONES

El conjunto de cumbia de Santa Fe LOS LEALES la cantó con otro ritmo.

El grupo de pop gallego HEREDEIROS DA CRUS le dio totalmente la vuelta. Decidid vosotros.

También la banda VOLSTEAD aceleró este tema.

Los divertidos miembros de LOS PETERSELLERS no defraudaron.

El grupo conquense TRANCE homenajeó a su paisano.

JOSÉ LUIS PERALES es de Cuenca, como se ha encargado de remarcar cada vez que ha tenido oportunidad. Nació en la localidad de Castejón hace 58 años y dicen que ya antes de cumplir su primer aniversario se le notaba su predilección por la música. De hecho comenzó a aprender solfeo y a tocar el laúd a los seis. Sin embargo, le costó introducirse en el mundillo artístico.

Una beca para estudiar maestría industrial, especialidad de electricidad, en la Universidad Laboral de Sevilla le alejó de casa. En la ciudad hispalense se apuntó a la tuna, aprendió a tocar la guitarra y compuso sus primeros temas.

Completó su educación en Madrid con un peritaje pagado de su propio bolsillo con trabajos como electricista y compositor. En la capital fue descubierto por el director de una discográfica que le ofreció grabar y que fue rechazada porque le daban pánico los escenarios.

Trabuchelli le convenció finalmente y comenzó a cantar a finales de 1973. ‘Celos de mi guitarra’ fue su tema de presentación, con gran éxito en España e Hispanoamérica. Desde entonces ha vendido más de cincuenta millones de discos gracias a un estilo romántico tradicional y a su facilidad para hablar de temas cotidianos de forma intimista. A veces, con un tono ligeramente contestatario. Sin olvidar su faceta solidaria, donando, por ejemplo, los derechos de ‘Que canten los niños’ a Aldeas Infantiles.

Ha escrito más de 450 canciones, muchas de las cuales han sido interpretadas por artistas como Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, Mocedades, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Jeanette o Paloma San Basilio, entre otros. En su carrera personal como intérprete ha recibido más de cien discos de oro y platino.