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La Compañía – El soldadito

2015 julio 1

Este grupo y esta canción pueden considerarse los primeros productos de laboratorio musical que surgieron en España. Ocurrió en los primeros meses de 1970, cuando la multinacional discográfica CBS se instaló definitivamente en nuestro país. El productor Rafael Pérez-Botija, responsable artístico del sello, fue el encargado de crear las primeras obras ‘made in Spain’ para completar un catálogo hasta ahora compuesto por trabajos llegados desde el extranjero.

Pérez-Botija eligió a Cecilia como solista estrella y creó La Compañía para hacerse con el mercado de las bandas vocales mediante adaptaciones de temas clásicos y zarzuelas a ritmo de pop, un terreno que ya había labrado con éxito Miguel Ríos con el ‘Himno de la alegría’, basado en la ‘Novena sinfonía’ de Beethoven.

La Companía debutó en el microsurco en 1971 con ‘El soldadito’, que rápidamente ascendió a los primeros puestos de las listas de éxitos de aquel año gracias a los arreglos muy logrados que protagonizó Juan Carlos Calderón a partir del fragmento de la habanera ‘Marchaba a ser soldado (El saboyano)’. Originalmente, esta pieza era interpretada por un mendigo con organillo en la castiza zarzuela ‘Luisa Fernanda’, escrita por Federico Moreno Torroba y con libreto de él y Guillermo Fernández Shaw en 1932.

Su base interpretativa se sustentaba sobre dos coros –femenino y masculino– que se contestaban para unirse en un final mixto, con una batería siempre presente en primer plano.

Compartió el hit parade de aquel año con el ‘Quiero abrazarte tanto’, de Víctor Manuel; ‘El chico de la armónica’, de Micky; ‘We shall dance’, de Demis Roussos; y ‘Un beso y una flor’, de Nino Bravo. Sin duda, rivales de mucha entidad. Aún así, ocupó durante cuatro semanas el primer puesto de ventas, tras confirmarse como canción del verano.

En esta obra del género chico el soldadito marcha a batallar sin hacer mucho caso a Luisa Fernanda y ella, cansada de esperar, se promete con un hacendado extremeño que posee una finca cerca de Piedras Albas. De todas formas, al final, el amor verdadero vence. ¡Cómo no! Todo ello con el trasfondo del derrocamiento de Isabel II y la proclamación de la I República.

La repercusión de ‘El soldadito’ se amparó en el conocimiento generalizado por parte de los españoles de las zarzuelas, machacónamente programadas por la única televisión que existía por entonces en este país. Todo a pesar de que la grabación que se utilizó para promocionar el tema nada tenía que ver con los futuros videoclips.

La coreografía, cuanto menos, es peculiar, pero no podemos mirarla con ojos contemporáneos. Conviene retrotraer nuestra mente casi cinco décadas y, sobre todo, mostrar condescendencia con el look de minifaldas de cuadritos. Primitiva, pero impagable grabación.

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

quien le dijera que el soldadito
sueña en los brazos de otra mujer
y que en la boda fueron las arras
los entorchados de brigadier

VERSIONES

La zarzuela original es imprescindible para entender la revisión que realizó La Compañía.

LA COMPAÑÍA nació como grupo local que recreaba temas de viejas zarzuelas a ritmo pop. Su alma máter Rafael Pérez-Botija embarcó en el proyecto a Álvaro Nieto, de Los Pasos, a Manuel Escobar, de Los Sonor; y a Julio Seijas, de Aguaviva; junto a otros vocalistas sin experiencia anterior en el mundo de la música, hasta reunir una formación con ocho miembros.

Tras éxito de ‘El soldadito’, su obra de debut, llegó el larga duración ‘Reestreno’, un recorrido por romanzas y las canciones más importantes de creaciones de zarzuela como ‘Luisa Fernanda’, ‘La tabernera del puerto’, ‘Doña Francisquita’ o ‘La canción del olvido’. Este trabajo acabó en los tribunales por la adaptación de ‘Romanza de Morala’, de ‘La tabernera del puerto’, ya que el maestro Pablo Sorozábal denegó su permiso para la adaptación titulada ‘En un país de fábula’. La justicia falló a favor del autor, al considerar que su obra había sido mutilada y deformada.

Además, en 1972 la banda fue visitada por la tragedia, ya que una de sus componentes, Ana María Fernández, falleció víctima de un accidente de tráfico. En su honor publicaron ‘Tema para Ana’.

Un año más tarde llegó su segundo álbum, titulado sencillamente ‘La Compañía’ y que incluía el éxito ‘Gitano’, que volvió a aupar al grupo a los primeros puestos de las listas. El tema compitió incluso con el ‘Eres tú’ de Mocedades por representar a España en Eurovisión.

Entre 1974 y 1976, ya convertidos en sexteto, publicó sus últimos singles, sin que ninguno de ellos tuviera repercusión comercial, lo precipitó la desaparición del grupo.

Un par de años más tarde, Álvaro Nieto, ya director artístico de Movieplay, se puso de nuevo en contacto con Seijas para que la agrupación renaciera bajo el nombre de La Pequeña Compañía, que llegó a despertar gran interés entre los públicos español y latinoamericano con discos llenos de versiones de boleros, cha-cha-chas, villancicos, pasodobles o coplas. Versiones enganchadas, como dicen en Hispanoamérica. Otros componentes de La Compañía triunfaron en diversos campos del mundo del espectáculo.

Imagination – Just an illusion (Sólo una ilusión)

2015 junio 22

Para conseguir estar incluida en la lista de las cien mejores canciones de los años ochenta hay que acumular muchos méritos musicales. A ‘Just an illusion’ le sobran, aunque no siempre le son reconocidos. Este tema, mezcla de funk, soul y rhythm & blues que nos hizo llegar en 1982 la banda británica Imagination, reinó en fiestas y discotecas de la época tanto por su calidad musical como por la estética épico-espacial con la que se presentaban ante el público sus autores. Los trajes con hombreras, el sobrepeso de la bisutería y las cintas en el pelo hoy, sin duda, tampoco pasarían desapercibidos.

La repercusión de esta canción, coescrita por Steve Jolley, Tony Swain, Ashley Ingram y Leee John, se circunscribió prácticamente a Europa, donde en casi todos los países del continente alcanzó puestos altos en los hit parade. De los veintiocho estados en los que logró cierta popularidad, sólo en España se encaramó al número uno de las listas. Su éxito fue especial entre un colectivo homosexual que daba sus primeros pasos fuera de la clandestinidad a que le obligaba el franquismo. Los tres chicos jóvenes que componían la banda, muy atractivos, no pasaron desapercibidos.

Gracias a Steve Jolley y Tony Swain, productores asimismo de Spandau Ballet, Imagination consiguió con ‘Just an illusion’ un sonido que, aunque fue efímero, se conoció como soul british o funk dance, aunque como generalidad podría enmarcarse en el movimiento disco sound. Una continuación revolucionaria de aquella ola de finales de los setenta, aunque dotada de más electrónica.

En definitiva, una melodía brillante, contagiosa y con más calidad de la que se le presuponía por su procedencia. Aderezada, además, por las voces agudas de Imagination. Por todo ello, se ha convertido en un hit atemporal, que cada cierto tiempo reaparece en las recopilaciones de la década en la que apareció en el mercado. Sin hablar de la atracción que siempre ha despertado entre los discjokeys, que nos ofrecen repetidamente mixes y remixes de ‘Just and illusion’.

El videoclip que repitieron hasta la saciedad las televisiones, pese al bajo presupuesto con el que fue rodado, consiguió aumentar la repercusión de la canción mediante un intento loable, pero fallido, de recrear la historia de una mansión encantada. Su calidad, cuanto menos, puede ser cuestionada. Pero quizá no somos justos al analizarlo con nuestra mente contemporánea. Para juzgarlo con mesura deberíamos trasladarnos a principios de los ochenta e imbuirnos en su estética. Sólo era una ilusión, no más, lo que nos trataban de transmitir sus realizadores.

 

Búsqueda de un destino que es mío
no hay otro lugar en otro momento
al tocar muchos corazones en el camino
con la esperanza de que nunca tendré que decir
es sólo una ilusión, ilusión, ilusión

Sigue tus emociones en cualquier lugar
¿es realmente la magia en el aire?
nunca dejes que tus sentimientos te depriman
abre bien los ojos y mirar alrededor
es sólo una ilusión, ilusión, ilusión

¿Podría ser que es sólo una ilusión
ponerme de nuevo en toda esta confusión?
¿Podría ser que es sólo una ilusión ahora?
¿Podría ser que es sólo una ilusión
ponerme de nuevo en toda esta confusión?
¿Podría ser que es sólo una ilusión ahora?

¿Podría ser una imagen en mi mente?
No estoy seguro exactamente lo que voy a encontrar
sólo en mis sueños te enciendo
he aquí por un momento y luego te has ido
es sólo una ilusión, ilusión, ilusión

¿Podría ser que es sólo una ilusión
ponerme de nuevo en toda esta confusión?
¿Podría ser que es sólo una ilusión ahora?
¿Podría ser que es sólo una ilusión
ponerme de nuevo en toda esta confusión?
¿Podría ser que es sólo una ilusión ahora?

 

VERSIONES

La banda femenina estadounidense DESTINY’S CHILD firmó un cóver de ‘Just and illusion’ en el álbum con el que debutó en 1998.

También el dúo electrónico procedente de Austria DUO505 nos ofreció su visión de este tema en 2008.

D.D. KLEIN, nacida Dawn Patricia Clyne, es una cantante de la isla Antigua que ha realizado su carrera en Italia. En 1996 se fijó en el tema al que hoy nos referimos.

El proyecto musical francés TIBAM, formado por cuatro jóvenes, firmó una preciosa adaptación melódica. Me atrevo a decir que mejora el original.

En el mundo del cine ‘Just an illusion’ fue utilizada como tema de cierre de créditos de la película ‘F/X EFECTOS MORTALES’, estrenada en 1986 y protagonizada por Bryan Brown y Brian Dennehy.

IMAGINATION estuvo integrada por los británicos Leee John (cantante), Ashley Ingram, (guitarra y bajo) y el jamaicano Errol Kennedy (batería). La banda nació con la década de los ochenta, en cuyos primeros años reinó con temas como el analizado ‘Just an illusion’, ‘Flashback’, ‘Body talk’, ‘In and out of love’, ‘Music and lights’, ‘New dimension’…

La semilla sobre la que germinó este trío vocal la sembró Leee John, con experiencia como corista en varias agrupaciones de soul en Estados Unidos, Francia e Inglaterra. Él supo atraer a sus compañeros para constituir un grupo que desde sus inicios se declaró “sexy y erótico”, primero con el nombre Fizzz y más tarde con el definitivo Imagination, un reconocido homenaje a John Lennon tras su asesinato.

 

Pronto se hizo cargo de su carrera Trevor Horn, fundador del sello ZTT, que los incluyó en un catálogo en el que también estaban presentes agrupaciones exitosas de la época como ABC, Yes, The Buggles, Art of Noise, Frankie Goes to Hollywood, Propaganda, Grace Jones, Cher, Pet Shop Boys, Paul McCartney, Simple Minds, etcétera.

La trayectoria de Imagination se extendió hasta los noventa, con un balance de cuatro discos de platino, nueve de oro y casi una docena de plata por todo el mundo, sólo entre 1981 y 1983. En este período alternaron el éxito con grandes escándalos, sobre todo en sus intervenciones en televisión, que se consideraban excesivamente eróticas.

Barbra Streisand – Woman in love (Mujer enamorada)

2015 junio 11

‘Woman in love’ ocupará siempre un lugar preponderante en cualquier lista de música romántica. Eso nadie lo pone en duda. Hablamos simplemente de música para escuchar cuando el aroma de la persona a la que amamos llena nuestro sentido olfativo, mientras los pies de uno y otro compiten a caricias.

La obra escrita por la propia Barbra Streisand y Barry, Robin y Maurice Gibb, el trío de hermanos que conformaba Bee Gees, llegó a los melómanos en 1980, pero es una canción atemporal.

Su idilio con el público fue inmediato. Nada más publicarse su single escaló hasta el número uno de la lista de éxitos Billboard, la más prestigiosa del mundo aunque oficialmente su ámbito se circunscribe a Estados Unidos. Ocupó su cúspide durante tres semanas, la última de octubre y las dos primeras de noviembre. Luego, unos meses más tarde, se adjudicó el premio Grammy a la mejor canción de aquel año.

En el resto del planeta lideró los hitparade en Reino Unido –por dos semanas–, Canadá, Holanda, Australia, Austria, Suiza, Noruega, Suecia, Irlanda, Alemania, Singapur, España, Italia, Francia y Sudáfrica. Se vendieron más de veinte millones de copias del sencillo en todo el mundo.

La extraordinaria calidad de la voz de ‘la fea más guapa’ de la música encontró en ‘Woman in love’ el material que le posibilitó exhibir todo su poderío, una vía por la que penetrar hasta el fondo de los corazones de millones de románticos que han temblado con este tema en sus tres décadas y media de existencia.

El mérito, sin duda, es de los Bee Gees, que volvieron a primera línea del pop tras pasar un tiempo de desintoxicación de la sobredosis de éxito que vivoeron cuando dominaron la música disco editada en la parte final de los ochenta después de publicar la banda sonora de ‘Fiebre del sábado noche’, el disco mas vendido de la historia hasta que Michael Jackson lanzara su ‘Thriller’ en 1982.

El mayor de la saga australiana, Barry Gibb, no sólo compuso la obra, sino que asimismo participó en los arreglos y tocó la guitarra acústica durante la grabación que tuvo lugar en el estudio Middle Ear de Miami Beach en febrero de 1980.

Era tal vez el mejor momento artístico de la neoyorquina, cuando de su garganta salían notas puras y cristalinas al interpretar la producción del propio Barry Gibb, Albhy Galuten y Karl Richardson. Su voz era soberbia, perfecta, controlada… Con una exhibición de cambios de registro inalcanzables y un timbre tan personal nos relata las emociones de una mujer que cree que por fin ha encontrado el gran amor de su vida. Por ello, luchará para conservarlo a pesar de múltiples obstáculos. Como toda enamorada, defenderá lo que considera inmejorable.

Toda una declaración de principios de una mujer emocional y entregada, arropada por una música que nace de la mezcla de diferentes instrumentos sin que ninguno predomine sobre los otros.

Uno de los mejores registros vocales femeninos de la historia del pop destaca de forma sobresaliente en la segunda estrofa, cuando mantiene una nota por casi diez segundos. Fue la palabra ‘all’ (todo) de la frase ‘I stumble and fall, but I give you it all’ (Me tropiezo y caigo, pero yo te lo doy todo). Estableció un récord. Únicamente fue batido por Whitney Houston en su hit ‘I will always love you’, de 1992. Fue capaz, como Barbra, de mezclar intensidad con suavidad en una misma obra.

Sin embargo, ‘Woman in love’ nunca llegó a gustar a la propia Streisand. Por ello apenas ha interpretado en directo esta balada alucinante. Sostiene que no la siente.

La vida es un momento en el espacio
cuando el sueño se ha ido, es un lugar más solitario
te doy el beso matutino de despedida, pero profundamente
tú sabes que nunca sabemos por qué

El camino es largo y estrecho
cuando los ojos se encuentran y el sentimiento es fuerte
me doy la vuelta, tropiezo y me caigo
pero te entrego todo

Soy una mujer enamorada, y haría cualquier cosa
para meterte en mi mundo y mantenerte allí
es un derecho que defiendo una y otra vez
¿qué estoy haciendo?

Contigo eternamente mío
en el amor no hay medida de tiempo
hemos planeado todo al comienzo
que tú y yo viviríamos uno en el corazón del otro

Podemos estar distanciados por océanos
tú sientes mi amor, y yo escucho lo que tu dices
ninguna verdad es una mentira
tropiezo y me caigo, pero te entrego todo

Soy una mujer enamorada, y haría cualquier cosa
para entrarte en mi mundo y mantenerte allí
es un derecho que defiendo una y otra vez
¿qué estoy haciendo?

Soy una mujer enamorada y te estoy hablando
sé lo que sientes
¿qué puede hacer una mujer?
es un derecho que defiendo una y otra vez

Soy una mujer enamorada, y haría cualquier cosa
para entrarte en mi mundo y mantenerte allí
es un derecho que defiendo una y otra vez

VERSIONES

La vocalista de jazz de Hong Kong, pero criada en Sidney, SUSAN WONG rinde homenaje a Barbra Streisand con ‘Woman in love’.

La fallecida concursante de ‘Operación Triunfo 3’ LETICIA PÉREZ DURÁN recreó una espectacular interpretación de nuestro tema de hoy.

La cantante griega ANNA VISSI cantó este tema en su idioma. También en 1980. El título heleno fue ‘To ksero tharthis ksana’.

La versión francesa corrió a cargo de MIREILLE MATHIEU con el título ‘Une femme amoureuse’.

La encargada de dar la visión hispana fue la argentina MARICEL RAMÍREZ.

La cantante y actriz neoyorquina (Brooklyn, 1942) BARBRA STREISAND trabajó como telefonista y acomodadora antes de ganar un concurso para nuevos talentos que se celebró en Greenwich Village. De ahí pasó a actuar en circuitos de cabarets de Manhattan y en el teatro, donde intervino en revistas musicales de Broadway con sólo veinte años. De inmediato se convirtió en centro de atención por su voz y sus dotes para el humor. Alcanzó el estrellato cuando obtuvo el premio de la crítica de Nueva York.

Dos años más tarde llegó a su actual condición de diva con el papel de Fanny Brice en ‘Fanny girl’ y firmó un millonario contrato con la discográfica Columbia, editando tres trabajos que se impusieron en las listas a Elvis Presley o The Beatles.

Su primer éxito musical fue ‘People’, en 1964. El cine llegó en 1968 con una versión de la mencionada ‘Fanny girl’, llevándose –exaequo con Katherine Herpburn– el Oscar a la mejor actriz.

Poco después tuvo que superar un grave contratiempo. Un ataque de pánico escénico provocó que durante una actuación en Central Park en 1967 se olvidara de una letra en un concierto ante 135.000 personas. El traspiés hizo que se retirara de los escenarios por un tiempo. Desde entonces canta en vivo con cuentagotas y hasta utiliza un teleprompter. De cualquier manera, cada vez que anuncia su reaparición, agota todas las entradas en pocas horas.

Su década más fructífera fue la de los setenta, cuando consiguió tres números uno –‘The way we were’ (1974), ‘My heart belongs to me’ (1977) y ‘Love theme from a Star is born (Evergreen)’ (1977)–, tema este último que también se llevó la estatuilla de la Academia.

A partir de entonces se consolidó como artista polifacética, una condición que tras medio siglo de carrera, colocando hits en todas las listas del mundo, le hace tener un curriculum sin igual en el panorama musical contemporáneo. Ha grabado más de sesenta discos y participado en alrededor de una veintena de películas. Además, suma dos Oscar, seis Emmys, once Globos de Oro, diez Grammys, entre otros muchos galardones, y obtenido incontables discos de oro y de platino.

Además es la cantante femenina que más discos ha vendido en EE UU en toda su historia y única que tiene un disco número 1 en todas las décadas del Billboard Hot 100.

Una recomendación final. Además de ‘Woman in love’, que hoy analizamos, no se pierdan ‘You don’t bring me flowers’, cantada a dúo con Neil Diamond en 1978, y ‘No more tears (Enough is enough)’, interpretada en 1979 junto a la desaparecida Donna Summer.

Kool & the Gang – Celebration

2015 junio 1

La banda norteamericana Kool & the Gang llevaba mucho camino recorrido cuando nos ofreció ‘Celebration’ en el primer año de la década de los ochenta. Su regalo fue aceptado con profusión por los aficionados al pop, que elevaron este pegadizo tema hasta el número uno estadounidense –la única ocasión en que lo lograban los de Nueva Jersey–. Se mantuvo en esta posición durante dos semanas, hasta que fue expulsado por el ‘9 to 5’ de Dolly Parton, que ya hemos analizado en este blog. En Europa su éxito fue más discreto.

Sus autores –James T. Taylor y Ronald Bell– escribieron la canción sin otro fin que el musical, pero siempre se ha creído que ‘Celebration’ se creó para dar la bienvenida a 52 rehenes americanos que permanecieron 444 días atrapados en la Irán del ayatolá Jomeini. De cualquier manera, la composición pronto trascendió de cualquier objetivo y se convirtió en un clásico del funk-dance y en una de las obras más conocidas del conjunto afroamericano, derivando finalmente en la condición de himno.

La obra a la que hoy dedicamos esta combinación de letras y palabras puede ser calificada, sobre todo, de optimista, de esas nacidas para celebrar algo, porque junto a ella nos llegarán pensamientos positivos, como los que de niños nos recomendaban en la película ‘Peter Pan’.

Ese don de aunar buenas vibraciones también ha hecho que ‘Celebration’ sea utilizado hasta en el mundo de la política. El demócrata Walter Mondale fue el primero en reconocer esta virtud y usó este tema en la campaña presidencial de 1984. Veinticinco años después fue elegido para celebrar la victoria de Barack Obama.

‘Celebration’ también influyó en el posterior devenir de Kool & the Gang, que desde este éxito olvidó en cierta manera sus raíces funk y soul para adentrarse en el sonido pop y disco, aunque sin desdeñar nunca el rhythm and blues, tan bien acoplado al rango vocal de J.T. Taylor y a la instrumentación genética del grupo norteamericano.

Fue también ‘Celebration’ el tema que introdujo a la banda en la corriente comercial que hasta entonces se le había negado. Por fin supo conectar con las nuevas generaciones, necesitadas de una válvula que les permitiera evadirse de la vida cotidiana, celebrando simplemente la llegada del buen tiempo, del viernes anunciador del fin de semana o de unas vacaciones.

Celebrando buenos tiempos, ¡vamos! (a celebrar)
celebrando buenos tiempos, ¡vamos! (a celebrar)

Hay una fiesta por aquí
una celebración que nunca acabará
así que trae tus buenos tiempos y tu risa también
celebraremos contigo tu fiesta

¡Vamos, ahora!

Celebración
vamos todos a celebrar y pasarlo bien
celebración
vamos todos a celebrar y pasarlo bien

Es tiempo de unirnos
depende de ti que te guste

Todos, el mundo entero.
¡vamos!
es una celebración

Celebrando buenos tiempos, !vamos!
es una celebración.
celebrando buenos tiempos, !vamos!
vamos a celebrar

Lo vamos a pasar muy bien esta noche
vamos a celebrar, está bien
lo vamos a pasar muy bien esta noche
vamos a celebrar, está bien.

Nena
lo vamos a pasar muy bien esta noche (celebración)
vamos a celebrar, está bien.
lo vamos a pasar muy bien esta noche (celebración)
vamos a celebrar, está bien.

Celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)
celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)
es una celebración
celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)

Vamos a celebrar los buenos tiempos esta noche
porque todo va a estar bien
vamos a celebrar
celebrando los buenos tiempos, !vamos!

VERSIONES

La diva australiana KYLIE MINOGUE se apropió de ‘Celebration’ en 1992.

Cinco años antes el grupo neozelandés DRAGON protagonizó una revisión que pasó sin pena ni gloria.

El colectivo musical BRAZILIAN SOUND CLUB firmó con mucho decoro su visión personal del tema que hoy analizamos.

Como curiosidad podemos ofrecer la visión en tiempo de swing que realizó THE FAT DADDG PUSSYCAT ORCHESTRA del clásico de Kool & the Gang. Deliciosa.

En el séptimo arte esta canción fue interpretada por ALIEN GONZOS para la película de 1999 ‘Muppets from space’.

KOOL & THE GANG nació en 1964 cuando el bajista y cantante Robert ‘Kool’ Bell formó la banda en Jersey City junto a su hermano Ronald –saxo tenor–, Robert Mickens –trompeta–, Michael Ray –trompeta–, Clifford Adams –trombón–, Amir Bayyan –teclados–, Otha Nash –voz e instrumentos de viento–, Charles ‘Claydes’ Smith –guitarra– y George Brown –batería–.

Desde sus primeros pasos ya dio muestras de su calidad orquestal y vocal, aunque en sus años iniciales de vida cambió de nombre en varias ocasiones, con abundantes cambios en la formación. Fue en 1969 cuando definitivamente se presentaron con su denominación actual, justo cuando firmaron con la discográfica De-Lite.

Ya por aquella época era una banda reconocida por crítica y público gracias a su rhythm and blues con influencias funky y jazzísticas, adquiriendo cada ver mayor popularidad, pero sin obtener un éxito espectacular. Éste llegó en 1980 con ‘Celebration’.

Para ello supieron aprovechar el boom de la música disco de los setenta. De hecho participaron en la grabación de la banda sonora de la película ‘Fiebre del sábado noche’, en la que interpretaron el tema ‘Open Sesame’. Su carrera despegó coincidiendo con la llegada de James T. Taylor, quien aunó esfuerzos con el productor Eumir Deodato.

Fue entonces cuando se hicieron con el prestigio y la fama de la que hoy gozan tras haber vendido más de setenta millones de discos a nivel mundial, conquistando los mercados internacionales y convirtiéndose en una de las mayores atracciones de la música negra. La clave de su éxito reposa también en su espectáculo escénico y en acertada combinación de la música bailable y de la de calidad.

Jackson Browne – The Load Out / Stay – Live 1978

2015 mayo 29
por Anje Ribera

La inmmediata vistia de Jackson Browne a Bilbao es una buena excusa para hablar de su canción más conocida. El norteamericano popularizó ‘Stay’ en 1977, una composición que Maurice Williams escribió cuando tenía 15 años y que interpretó The Zodiacs en 1953. Este tema de gran calidad pasó desapercibido hasta que el cantautor consiguió recuperarlo, lo hizo internacional y hasta rizó el rizo con una versión en directo que popularmente es conocida como la larga, cuando realmente lo cierto es que antepone ‘The load out’ a ‘Stay’. Dos temazos en uno para crear un conjunto mítico. ‘Stay’ ya no puede oírse solo. Se queda cojo.

La versión de Browne tuvo mayor impacto porque está dotada de un tono romántico del que carecía la original. Aboga por dejar de llorar por las cosas que han terminado y pasar a sonreír porque han existido. Mucha melancolía, pero el resto de tu vida comienza hoy. Adiós tristeza, adiós soledad. Cargada de frescura, sobre todo en sus directos.

Como Browne han sido muchos los que han recurrido a ‘Stay’ para ofrecer su propia percepción de este tema. Es muy buena, por la energía que desprende, la protagonizada por Cindy Lauper en 2003. Asimismo son recomendables la visión ofrecida por el grupo británico de reggae Dreamhouse (1993) o la de The Hollies (1963). En su tiempo asimismo se hizo muy famosa la interpretación realizada por el propio Jackson Browne con Bruce Springsteen & The EE Street Band en el concierto contra las centrales nucleares de New York de 1979. Y en el capítulo de anécdotas había que decir que el cantante uruguayo Jorge Drexler la suele interpretar en sus conciertos, que fue incluida en la banda sonora de ‘Dirty Dancing’ (1987) para que se lucieran Patrick Swayze y Jennifer Grey o que incluso Miley Cyrus se ha atrevido con ella. Qué inconsciencia.

‘The load out’ está dedicada a los músicos y su vida en al carretera. Hace referencia concreta a los ‘rodies’, los acompañantes de los cantantes en las giras y que se encargan de preparar los equipos, de ejercer de ayudas de cámara durante las actuaciones y volver a empaquetar todo al terminarlas. También habla de la vida de los músicos, su paso por diferentes hoteles cada día, de ciudades que pisan pero que no pueden visitar cuando realmente quieren quedarse para conocerlas. La letra pide ampliar esos momentos, ampliar incluso el tiempo de actuación porque el cantante quiere cantar más, seguir más tiempo en contacto con su público.

El vídeo pertenece a una actuación realizada en Londres en 1978.

Ahora que todos se han ido
Los ‘roadies’ subirán al escenario
Para recoger y empacar los equipos
Ellos son los primeros en llegar y los últimos en irse
Trabajando por el mínimo salario
Armarán los equipos en el siguiente pueblo

Esta noche el público fue increíble
Haciendo fila para entrar
Y ya dentro, cuando se pusieron de pie, el show fue de ellos
Y eso fue tan bonito
Pero ahora puedo oír el sonido
Del abrir y cerrar de puertas y del recoger de sillas
Y ese es el sonido que el público nunca escuchará

Ahora todo se guarda en sus estuches
para ponerlos cerca de la rampa
Porque muchachos, cuando de poner todo en orden se trata
vosotros sois los campeones

Aunque cuando la última guitarra es guardada
Vosotros sabéis que yo todavía la quiero tocar
así que se aseguran que todo ha sido recogido
Y entonces sí, vienen por mi piano.

Pero la banda está en el autobús
Esperando para irnos
Tenemos que viajar toda la noche para un show en Chicago
O Detroit, quién sabe

Hacemos tantas presentaciones seguidas
Que todas las ciudades parecen lo mismo
Total, pasamos nuestro tiempo en un hotel
O dando vueltas detrás del escenario
Hasta que las luces se encienden y escuchamos a la multitud
y entonces recordamos para qué vinimos

Ahora en el autobús nos adentramos hacia el oeste
escuchamos punk y música disco en casetes de alta calidad
Pasamos por hermosos pueblitos y leemos revistas
Vemos camioneros hablando por sus radios

Miramos una película de Richard Prior
Y pensamos en nuestros seres queridos
Mientras los kilómetros pasan y pasan
y el único tiempo que parece ser tan corto
es aquel cuando nos estamos presentando.

El público tiene el control sobre nuestro show
Puede sentarse y esperar
O puede gritar y animarnos
Vamos, todos juntos cantemos esta canción

Vosotros sabéis que nada puede salir mal
Ya que mañana cuando el sol salga
despertéis en vuestra propia ciudad
Mientras que nosotros estaremos presentándonos
A mil kilómetros de aquí.

Gentes, quédense un poquito más
Queremos tocar sólo un poco más
Al promotor no le importará

Ni tampoco al sindicato
Si nosotros tocamos un poquito más
Y olvidándonos de todo cantamos
Una última canción.

Oh, se quedarán verdad? Sólo un poquito más
Por favor, por favor, digan que sí
Digan que se quedarán

Al promotor no le importará
Ni tampoco al sindicato
Si nosotros tocamos un poquito más
Y olvidándonos de todo cantamos
una última canción

Jackson Browne es un cantautor estadounidense, aunque nació en Alemania por un destino de su padre. Realmente se crió en Los Ángeles, donde desde los tres años era muy popular por cantar folk en locales de la principal ciudad de la costa oeste.

Siempre enfocó su vida hacia la música. De hecho sus estudios universitarios los realizó también sobre este arte. Sus primeras composiciones las utilizaron otros cantantes como Tom Rush, Steve Noonan o Eagles hasta que de pronto alguien le convenció de que por qué se iban a beneficiar otros de sus creaciones. Desde entonces ha vendido más de diecisiete millones de álbumes sólo en su propio país. El single de ‘Stay’ fue adquirido por más de veinte millones de fans. Paradójicamente el tema que le elevó a los altares es de los pocos que interpreta que no es suyo.

A su prestigio como músico se une su fama de hombre honrado, serio, comprometido por la defensa de los derechos civiles.

Immaculate Fools – Immaculate fools (Locos inmaculados)

2015 mayo 25

Los logros parciales no se disfrutan como si de victorias se tratara. En muchos casos apenas provocan ansiedades y hasta generan dudas. Algo parecido ocurrió en 1985 con la canción ‘Immaculate fools’ del grupo homónimo inglés, sin duda uno de los más infravalorados de la historia reciente de la música.

La banda británica llegó sigilosamente, dio la campanada y se fue como vino, sin hacer ruido. Pero el año al que nos referimos provocó un terremoto en el panorama musical de los ambientes más restringidos del rock europeo. Algo menos en el americano. En España se reconoció más que en ningún otro sitio la calidad de ‘Immaculate fools’ y de sus autores. Ahora nadie sabe de ellos. Se diluyeron como si fueran víctimas de una maldición. Leer más

Pantxoa eta Peio – Itziarren semea (El hijo de Itziar)

2015 mayo 16

Las limitaciones que impone expresar una idea en un idioma tan minoritario como el euskera han impedido que este alegato contra la tortura se extendiera como merecía su mensaje. La canción más conocida de Pantxoa eta Peio llegó a nosotros en 1969 y desde entonces, dejando al margen su utilización política, ha servido para agitar la sensibilidad de quienes siempre hemos creído que ningún exceso de la fuerza es justificable y menos proviniendo de manos de quien, por principios del sistema, debería precisamente impedirlo.

La letra de Telesforo Monzón nos cuenta la historia del ondarrutarra Andoni Arrizabalaga, protagonista de una serie de encontronazos con las fuerzas de seguridad franquistas. Fue arrestado en tres ocasiones y en todas fue víctima de los habituales excesos que se registraban por aquella época en las comisarías policiales y en los cuarteles de la Guardia Civil. Leer más

Playing for change – Stand by me

2015 mayo 1
por Anje Ribera

Ben E. King, el genial cantante de soul y autor de ‘Stand by me’, una de las canciones más conocidas del pasado siglo, nos ha dejado a los 76 años. Cualquier homenaje sería insuficiente para agradecer su contribución a la música, pero desde aquí queremos rendirle tributo con una versión de la tema estrella realizada en el marco de un proyecto altruista.

Los norteamericanos Mark Johnson –un galardonado ingeniero de sonido y productor– y Jonathan Paredes crearon en 2005 ‘Playing For Change: Song Around the World’ (Canciones alrededor del mundo) con estética de documental finalmente reconvertido en una película de un concierto desarrollado de forma paralela en muchas partes del planeta. Inicialmente grabaron por pistas mediante un estudio móvil en las calles de Santa Mónica Nueva Orleans, Barcelona, Sudáfrica, Tíbet y en otros lugares versiones del ‘Stand by Me’ de Ben E. King y ‘One World’ de Bob Marley. Todo ello sin que ninguno de los distintos músicos que participaron se reunieran entre sí. Comenzó con la grabación del guitarrista y cantante estadounidense Roger Ridley en las calles de Santa Mónica. Leer más

Dolly Parton – Nine to five (De nueve a cinco)

2015 abril 30

‘Nine to five’ es el tema estrella de una película de 1980 que en España se tituló ‘Cómo eliminar a su jefe’ y que nos describe la vida de tres mujeres que trabajaban en una oficina para un superior sexista y egoísta. Dolly Parton, que creó e interpretó la composición, Jane Fonda y Lily Tomlin las encarnaron en la gran pantalla. La historia es la adaptación cinematográfica de una obra literaria de la escritora Patricia Resnick.

Ahora debería continuar escribiendo de ‘Nine to five’ como canción, pero no puedo resistirme a introducir en este texto algunos asuntos candentes de nuestra sociedad en estos momentos y que vienen a cuento con la temática de esta obra musical. Leer más

Ren Woods – Aquarius (Acuario)

2015 abril 21

Esta composición de Galt MacDermot, Gerome Ragni y Jim Rado es el himno no reconocido del movimiento hippy. Como también la película ‘Hair’, a cuya banda sonora pertenece este ‘Aquarius’, constituye la expresión cinematográfica más conocida de la filosofía del ‘flower power’ de los sesenta. Sin embargo, ambas llegaron a nosotros en los años setenta, concretamente en 1979, cuando el hipismo comenzaba a decaer por el empuje de la música disco, que convirtió en templos lugares oscuros sólo iluminados por luces destelleantes y giratorias.

‘Aquarius’ fue elegido por la juventud contestaria de aquella época para reivindicar un cambio en un mundo en el que no se sentían a gusto. ‘Acuario deja pasar el sol’ cantaba Ren Woods. Reclamaba oxígeno, reclamaba luz, reclamaba libertad en una sociedad como la occidental que siempre se ha caracterizado por oprimir a las nuevas generaciones. La escena del vídeo con la Policía en Central Park puede ser una alegoría de esta filosofía. Leer más

Celtas Cortos – 20 de abril

2015 abril 20
por Anje Ribera

La más conocida y pegadiza de las canciones de Celtas Cortos nos llegó en los noventa en forma de fecha, aunque no es la de hoy, que hubiera sido lo más lógico. ‘20 de abril’ salió al mercado en 1991 con un éxito inmediato, vendiendo más de 300.000 discos y llegando a lo más alto de todas las listas. Su popularidad radicó –según explicó Jesús Cifuentes, líder de la banda vallisoletana, en una entrevista– en que hay mucha gente a la que «le han pasado cosas ese día y se ha visto reflejada en ella».

‘20 de abril’ fue concebida en la mente del músico varios años antes. «Estaba destinado como trabajador social en el instituto Claudio Sánchez-Albornoz de la localidad abulense de El Tiemblo. «En ese año que pase allí extraditado me beneficié de ciertos entornos melancólicos y de ahí salió la canción», recordó. El tema, presentado como una carta a un antiguo amor, «relata una situación ficticia que posteriormente se ha convertido como quien dice en una pesadilla», añadió. Leer más

Franco Simone – Solo se mi vuoi (Sólo si me quieres)

2015 abril 2

Esta canción será familiar para muy pocos lectores. Probablemente para casi ninguno, salvo que tengamos la suerte de contar entre nuestros seguidores a algún italiano. Entonces, ¿por qué ha llegado a este sitio? Simplemente porque en cierta ocasión penetró en mis oídos por casualidad y me enamoré de ella.

Esta dinámica no es nada habitual en este blog. Como tampoco es normal destacar una versión y no el original. Con ‘Solo se mi vuoi’ también se da esta circunstancia. La obra original, titulada ‘Hello’, fue creada por el genial cantautor estadounidense Lionel Richie, quien, tras abandonar su banda The Commodores, nos ofreció una serie de baladas irrepetibles. Leer más

Demis Roussos – Velvet mornings (Mañanas de terciopelo)

2015 marzo 31

A nivel internacional tal vez las canciones de Demis Roussos que más se unieron al éxito fueron ‘Forever and ever’ y ‘Goodbye, my love, goodbye’, pero en España, y creo que también en el mundo latinoamericano, conocimos al barbudo grecoegipcio por el famoso ‘triki triki’. Realmente la canción a la que hoy nos referimos se titula ‘Velvet mornings’, pero nosotros siempre nos referimos a ella por ese sonido pseudoonomatopéyico que contenía su estribillo. Fue su composición más célebre por estos lares.

Es más, en unos tiempos en los que el inglés era enemigo de todos los españoles –desgraciadamente para los hispanoparlantes–, incluso convertimos aquel aterciopelado y francés ‘Triki, triki, mon amour’ en un manchego ‘triki triki mamabú’. Daba igual. Desconocíamos el significado tanto de una como de otra expresión. Pero a nosotros nos encantaban aquellas imágenes que nos ofrecía en blanco y negro nuestra única televisión de entonces, concretamente de 1973. El éxtasis llegaba cuando Demis Roussos coreografiaba, brazos en alto, como si fuera el inicio de un sirtaki. Leer más

Silver Pozzoli – Around my dream (Alrededor de mi sueño)

2015 marzo 25

Si tuviera que describir ‘Around my dream’ con una sola palabra diría que es pegadiza. Ésa es quizá su mayor virtud. Quizá también la única. Sin embargo, un producto tan endeble como éste ha conseguido, tanto cuando se dio a conocer en 1985 como en su devenir en los treinta años que han pasado desde aquella fecha, hacerse con el favor del público. Ése es su gran mérito. Ha logrado pasar a la historia de la música pop-disco europea y todos los de aquella época la recordamos.

Ejemplo claro de la música eurodance que surgió de Italia, ‘Around my dream’ fue el primer disco de Silver Pozzoli y con él se hizo con un renombre continental. La repercusión del tema fue tal que, de inmediato, hubo que editar un remix. El verdadero nivel de su bombazo, que rompió las listas de ventas, lo dio su inclusión en la biblia de los megamixes, el archiconocido ‘Max Mix 2’, que salió al mercado también en 1985. Leer más

Leo Sayer – More than I can say (Más de lo que puedo decir)

2015 marzo 9

Sonny Curtis y Jerry Allison, miembros de The Crickets, la banda de acompañamiento del mítico Buddy Holly, escribieron ‘ More than I can say’ a finales de la década de los cincuenta. No fue una canción bien acogida por su discográfica. Se grabó en 1959, pero se desechó desde el principio y pasó a reposar en el fondo de un cajón.

La muerte de Holly en un accidente de aviación dejó huérfanos a The Crickets, que se vieron obligados a seguir en solitario su carrera. Fue entonces cuando recuperaron la canción que hoy analizamos. Salió al mercado en 1960, sin mayor éxito. Ni siquiera consiguió clasificarse entre las primeras cuarenta plazas del hit parade estadounidense. Leer más

Peaches and Herb – Reunited (Reunidos)

2015 febrero 24

Tiene el honor de estar incluida entre las mejores canciones de amor de la historia elegidas por los usuarios de Spotify. Hablamos de ‘Reunited’, una balada soul a la que su, quizás, excesivo endulzamiento no ha impedido que se pueda apreciar su gran calidad creativa. Corría 1978 -a España llegó un año más tarde- cuando este dúo estadounidense que respondía al nombre de Peaches & Herb alcanzó el número uno en medio mundo occidental gracias a este espectacular tema, incluido en su excelente álbum ’2 Hot’, que en nuestra tierra publicó Polydor.

‘Reunited’ podría ser incluida en cualquer catálogo de música para gourmets. Y, sin duda, habrá sido integrante de las numerosas listas y recopilaciones editadas o confeccionadas para el reciente día de San Valentín. Porque más de treinta años después de su salida al mercado aún mantiene el frescor de su génesis. Leer más

Korrontzi – Akerrak adarrak okerrak (El macho cabrío tiene los cuernos torcidos)

2015 febrero 7

Agus Barandiaran trasmite sencillez desde el primer contacto. Incluso, traslada una imagen inequívoca de naturalidad a quienes, como yo, no tienen la suerte de conocerle. Pero, en el fondo, la mente del líder de Korrontzi es tan alambicada como transparente. Combina complejidad e inocencia en idénticas dosis. Sólo de esa manera se puede explicar que en ella haya nacido ‘Akerrak adarrak okerrak’, una de las composiciones más logradas del actual panorama musical euskaldun.

El creador de Maruri ha conseguido resolver en poco más de cinco minutos un rompecabezas sónico para compartirlo con un público menos formado que él en el territorio de los pentagramas. De cualquier manera, sus seguidores disfrutan de un resultado final que, por otro lado, está al alcance de cualquier amante de ese placer sensual que trasmiten los instrumentos musicales de viento, en este caso la trikitixa –el clericalmente perseguido ‘infernuko hauspoa’ (fuelle infernal)–, que maneja hábilmente con sus manos. Leer más

Akelarre – Eperra (Perdiz)

2015 enero 14

Una canción mítica del folklore vasco como ‘Eperra’ lógicamente ha sido incorporada a los repertorios de más de medio centenar de artistas de Euskal Herria, a ambos lados de la frontera. Sin embargo, a mi entender, fue el grupo Akelarre quién ha ofrecido, hasta ahora, la mejor versión de esta joya, de este incunable de la euskal kanta berria. Menos racial, pero de más calidad.

‘Eperra’, que garantiza el éxito a cualquier artista que la interprete, es una obra surgida del acerbo popular de Iparralde, concretamente de Zuberoa. Su éxito fue inmediato desde que llegó al gran público en la versión que firmó Niko Etxart en 1979, dentro de su primer disco de larga duración, publicado por Movieplay. Fue un hit sin igual dentro de nuestro pequeño territorio. Leer más

Kid Creole and The Coconuts – Annie, I’m Not Your Daddy (Anita, no soy tu padre)

2014 diciembre 30

La colorista y genuina banda estadounidense Kid Creole and The Coconuts llegó hasta nosotros en 1982 con ‘Annie, I’m Not Your Daddy’ bajo el brazo. Es la versión musical de una prueba de paternidad que sirve para sacar de su error a la protagonista de la historia, llamada Anita, a la que se deja bien claro que su información sobre la filiación entre ambos es equivocada.

Como prueba de cargo se emplea el desnivel estético entre ambos personajes de este acontecer. «Si yo estuviera en su sangre, no sería tan feo», sostiene quien se niega como progenitor. Un piropo y una afirmación al mismo tiempo. Por todo ello, tendríamos que clasificar a ‘Annie, I’m Not Your Daddy’ en el casillero de las canciones sobre relaciones familiares. Leer más

Ottawan – D.I.S.C.O.

2014 noviembre 30

Cinco minutos de sonido trepidante reinaron en 1979 en todas las salas de baile europeas bajo el enigmático título de ‘D.I.S.C.O.’. La canción la presentó un dúo francés que respondía al nombre de Ottawan, en referencia a la capital canadiense.

Se trataba de un producto musical que nació para caminar por la vereda abierta por Boney M. Es decir, agrupar a una serie de cantantes, preferentemente procedentes de las colonias del Caribe, y convertirlos en grupo para cantar temas nacidos en los cerebros de conocidos compositores galos. Leer más

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