Nueva dosis de romanticismo. ‘I want to know what love is’ (Quiero saber lo que es el amor) refleja una cálida pasión que se ha extendido hasta nuestros días desde que en 1984 salió al mercado y se vio inmediatamente premiada con el número uno en Estados Unidos y Europa.
Escrita por Mick Jones y interpretada por Lou Gramm es considerada la mejor obra del grupo Foreigner y mantiene su actualidad sin problemas a pesar del paso de los años, removiendo recuerdos pasados y generando nuevas sensaciones. Al escucharla suena más triste que alegre tomando, aunque sólo toca el tema del amor en su concepto universal.
‘I want to know what love is’ constituye una especie de combinación de rock duro y música muy comercial que hizo estragos gracias a unos acordes ya reconocibles desde el primer segundo.
Su repercusión se incrementó incluso con su uso en las series de televisión ‘Corrupción en Miami’, concretamente en uno de sus capítulos de 1985; ‘American dad’ y ‘Ed’, en 1998. También fue incorporada al videojuego Grand Theft Auto.
Debo tomar un poco de tiempo
Un poco de tiempo para pensar las cosas
Mejor leo entre líneas
En caso de necesitarlo cuando sea viejo
Yo puedo escalar esta montaña
Siento el mundo sobre mis hombros
Veo el brillo del amor a través de las nubes
Esto me mantiene caliente mientras la vida se hace más fría
En mi vida ha habido angustia y dolor
No se si pueda enfrentarlo nuevamente
Ahora no puedo parar, he viajado demasiado lejos
Para cambiar esta vida de soledad
Quiero saber lo que es el amor
Quiero que tú me enseñes
Quiero sentir lo que es el amor
Sé que tú puedes enseñarme
Voy a tomarme un poco de tiempo
Un poco de tiempo para mirar a mi alrededor
No tengo ningún lugar para esconderme
Parece que el amor finalmente me encontró
En mi vida ha habido angustia y dolor
No se si pueda enfrentarlo nuevamente
Ahora no puedo parar, he viajado demasiado lejos
Para cambiar esta vida de soledad
Quiero saber lo que es el amor
Quiero que tú me enseñes
Quiero sentir lo que es el amor
Sé que tú puedes enseñarme
Quiero saber lo que es el amor
Quiero que tú me enseñes
Quiero sentir lo que es el amor
Sé que tú puedes enseñarme
ALGUNAS VERSIONES
Como cualquier canción de gran éxito, ‘I want to know what love is’ ha sido repetidamente versionada. La que más repercusión ha alcanzado es la protagonizada por la australiana Tina Arena, publicada en 1998 con la producción del mismísimo Mick Jones.
Mariah Carey lo intentó en 2009. Gustó también a Mick Jones, que dijo que la norteamericana supo reflejar la esencia de la canción, con arreglos muy similares al original.
Foreigner ha estado siempre liderado por el británico Mick Jones, quien a principios de los setenta fichó al ex King Crimson Ian McDonald, a Lou Gramm, Dennis Elliot, Al Greenwood y Ed Gagliardi hasta configurar un sexteto de gran éxito. Su nombre fue elegido porque, aunque la banda tiene su residencia en Estados Unidos, tres de sus integrantes eran ingleses.
Tras varios años con repercusión en el mundo pop-rock llegan a la cumbre con la hoy ofrecida ‘I want to know what love is’. Luego pasaron diferentes cambios en la formación, períodos de descanso, alguna enfermedad de sus miembros, etcétera… que acabaron con su fortuna creativa.
Cuando un grupo consigue que la primera canción que graba se convierta en un tema imprescindible de la historia del rock puede deberse simplemente a un debut afortunado o, como en el caso de Boston y ‘More than feeling’ (Más que un sentimiento), o a que es simplemente el producto de su genialidad y de un trabajo de casi cinco años.
En septiembre de 1976 salió al mercado este single y llegó a vender millones de copias en todo el mundo. La extraordinaria voz de Brad Delp presentaba a una banda formada por un selecto grupo de genios musicales que marcaron el devenir de la música sinfónica y hard rock. Inicialmente ninguna discográfica se interesó por su proyecto y prácticamente todo su primer LP fue concebido en un estudio de grabación que Tom Scholz tenía ubicado en el sótano de su casa. Allí el ingeniero analizó cada sonido.
Toda la melodía está basada en un riff de guitarra de cuatro acordes que llevó a la banda a los niveles más altos de ventas y popularidad. Boston pasó de tocar en pequeños bares a llenar estadios gracias a ‘More than feeling’, que nació inspirada por un tema de 1966 titulado ‘Walk away renee’ firmado por un conjunto que respondía al nombre de The Left Banke. Algunos también le encuentran cierta similitud con la clásica pieza ‘Louie, Louie’, de The Kingsmen.
Me desperté esta mañana y el sol se había ido
Puse música y comencé mi día
Me perdí en una canción familiar
Cerré mis ojos y me quedé dormido
Es más que un sentimiento (más que un sentimiento)
Cuando escucho esa vieja canción que ellos suelen tocar (más que un sentimiento)
Comienzo a soñar (más que un sentimiento)
Hasta que veo a Mariana irse
Veo a mi Mariana irse
Muchas personas han venido y se han ido
Sus caras se marchitan mientras pasan los años
Todavía las recuerdo mientras paseo
Tan claras como el sol en el cielo de verano
Es más que un sentimiento (más que un sentimiento)
Cuando escucho esa vieja canción que ellos suelen tocar (más que un
sentimiento)
Comienzo a soñar (más que un sentimiento)
Hasta que veo a Mariana irse
Veo a mi Mariana irse
Cuando estoy cansado y pensando frío
Me escondo en mi música, olvido el día
Y sueño con la chica que solía conocer
Cerré mis ojos y ella dormía
Ella dormía
Es más que un sentimiento (más que un sentimiento)
Cuando escucho esa vieja canción que ellos suelen tocar (más que un sentimiento)
Comienzo a soñar (más que un sentimiento)
Hasta que veo a Mariana irse
Veo a mi Mariana irse
La banda estadounidense Boston, encabezada por Tom Scholz e integrada asimismo por el vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea, protagonizó una producción de gran calidad pero poco extensa, cinco discos muy espaciados en el tiempo. Desde sus inicios en 1969, nos ha ofrecido canciones míticas, clásicos atemporales como ‘Amanda’, ‘Peace of mind’, ‘Don’t look back’ o ‘Walk on’, además de la mencionada ‘More than feeling’.
El suicidio de Delp en 2007 cerró una carrera con estilo propio y protagonizada por un rock de masas, con canciones que han traspasado los límites del tiempo para convertirse en clásicos.
Canción romántica por antonomasia. ‘Do that to me one more time’, traducida inicialmente en España como ‘Házmelo una vez más’ y después dulcificada como ‘Ámame una vez más’, nos dio a conocer al dúo Captain & Tennille, un matrimonio con bastantes éxitos en Estados Unidos pero sin repercusión a este lado del Atlántico hasta que en 1980 este tema les puso al frente de las listas del Viejo Continente.
El título no daba lugar a equívocos y parece innecesario explicar de qué se habla en esta canción. Basta decir que en una entrevista sus autores confesaron que pretendían resumir las maneras salvajes y libres de relación que existían en los setenta. «Hazme eso una vez más. Una vez nunca es suficiente con un hombre como tú», decían.
‘Do that to me one more time’, un clásico, volvió a la actualidad hace unos pocos años cuando fue utilizada en episodios de las series ‘Los Simpsons’ y ‘Friends’. Además, no hay recopilatorio romántico que no incluya esta pieza.
Ámame una vez más
Una sola vez no es suficiente
Con un hombre como tú
Ámame una vez más
Nunca obtengo lo suficiente
De un hombre como tú
Bésame como recién lo hiciste
Ámame una vez más
Pasa por mí una vez más
Una vez no es suficiente
Para que mi corazón se cicatrice
Dímelo una vez más
nunca es suficiente lo que me puedas decir
mientras te tenga cerca
dime esas palabras una vez más
como tu lo hiciste
dime esas palabras de nuevo
Ámame una vez más
Una sola vez no es suficiente
Con un hombre como tú
Ámame una vez más
Nunca obtengo lo suficiente
De un hombre como tú
Bésame como recién lo hiciste
Ámame una vez más
El éxito de ‘Do that to me one more time’ fue tal que su casa discográfica produjo una versión en castellano, especialmente destinada al mercado latinoamericano, que se titulo ‘Ámame una vez más’. No obstante, pasó desapercibida en España.
Ámame una vez más
y deja sentir tu rostro en mi pecho
Ámame una vez más
que no puedo ya vivir sin tus caricias
Whoa-oh-oh, dame tu amor
Oh baby, ven ámame otra vez
Bésame una vez más
que quiero ser feliz con tu cariño
Whoa-oh-oh, bésame una vez más
que no puedo ya vivir sin tu sonrisa
Di que es mío todo tu amor
Oh, baby, bésame con tu mirar
Ámame una vez más
y deja sentir tu rostro en mi pecho
Ámame una vez más
que no puedo ya vivir sin tus caricias
Whoa-oh-oh, dame tu amor
Oh baby, ven ámame otra vez
Whoa-oh-oh, baby, ven ámame otra vez
Whoa-oh-ho-oh-oh-oh, baby, ven ámame otra vez
Otra vez
Otra vez
Otra vez
Originarios de San Francisco, Captain and Tennille caminaron a lomos del éxito en los años setenta y comienzos de los ochenta del pasado siglo después de dar el salto a los escenarios en solitario tras hacer coros para Elton John, The Beach Boys o Neil Sedaka. La voz melodiosa de Toni Tennille, blanca, rubia y angelical señora, y el piano de Daryl Dragon propiciaron que su pop suave, sofisticado y elegante fuera muy escuchado.
Sus primeros triunfos llegaron de la mano de ‘Love will keep us together’ (1975) o ‘Muskrat love’ (1976), aunque fue ‘Do that to me one more time’ la producción que les encumbró junto con sus repetidas apariciones en un programa de variedades de la cadena de televisión ABC.
Actualmente, aunque sólo de forma ocasional, Captain & Tennille satisfacen a sus miles de seguidores con actuaciones en el afamado y elitista resort Lake Tahoe. Han conseguido reciclarse en reputados intérpretes de canciones de los años treinta y cuarenta. También son habituales sus actuaciones recordando viejos clásicos del jazz o del cancionero popular norteamericano, acompañados por grandes orquestas, con bastante famosos y prestigiosos en los Estados Unidos.
Pese al riesgo de convertirme en un pesado he aquí una nueva entrega del rock-pop norteamericano de finales de los setenta. ‘When you´re in love with a beautiful woman’ sirvió en 1979 para devolver a la actualidad a Dr. Hook & The Medicine Show, que en los comienzos de la década ya habían protagonizado otro gran éxito con ‘Sylvia’s mother’, número dos en las listas estadounidenses. Luego sus creaciones no traspasaron las fronteras de su país hasta que esta obra les hizo cruzar el charco.
El único objetivo de ‘When you´re in love with a beautiful woman’, que escaló hasta lo más alto de las listas de media Europa, era describir mediante el adorno de una melodía pegadiza lo que ocurre cuando te enamoras de una mujer bonita, una sensación de la que ningún hombre debería estar privado. Dice más o menos algo como: «cuando estás enamorado de una mujer hermosa te siente solo ya que todos la desean y no te puedes fiar de nadie. Te sientes solo, pero esto dependerá más de la forma de ser de ambos que de la belleza en sí, aunque quizás sí quieran acercarse más personas a ella, incluso amigos. Y eso es lo que le duele». Es decir, amor, desengaño y celos.
Lo cierto es que lograron un tema divertido, comercial pero con calidad. Fue un cambio de temática inesperado porque hasta entonces estos siete desheredados músicos trataban más de drogas y peleas que de amor en buena parte de sus interpretaciones. Lo consiguieron sobre una base de piano eléctrico y guitarra rítmica, incluye percusión, maracas, metales y un coro femenino.
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa es difícil
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa sabes que es difícil
todos la quieren, todos la aman
todos se quieren llevar a tu nena a casa
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa vigila a tus amigos
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa nunca termina
sabes que es una locura quieres confiar en ella entonces alguien cuelga cuando tú contestas el teléfono
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa estas solo solo
Tal vez es solo un problema de ego
El problema es que he sido engañado antes
por amigos buenos y confiables y por amantes sin corazón
y cada vez que sucede solo me convenzo más
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa mírala a los ojos
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa busca mentiras
todos la tientan todos le dicen
que es la mujer más hermosa que conocen
Cuando estás enamorado de una mujer hermosa estas solo.
Dr. Hook & The Medicine Show, conocida en su época como la banda más loca del mundo al elegir como nombre un jarabe milagroso del viejo oeste, fue un septeto de la costa este nacido en un club de New Jersey. Su rock sureño y la inconfundible voz de Ray Sawyer, antiguo cantante de soul en Alabama dotado de una imagen cuan menos peculiar por el parche que cubría su ojo derecho tras un accidente de tráfico, llegaron a personificar el grupo por excelencia del gusto americano.
Se hicieron populares por su participación en varias bandas sonoras de Hollywood con canciones de sonido country pop. Pero no cosecharon un verdadero éxito hasta que editaron ‘Silvia’s mother’, una preciosa balada con música sencilla, sonido de instrumentos de country y una letra deprimente que habla de un chico que intenta hablar por teléfono con su novia, pero la madre de ella le dice que no se puede poner porque se va a casar con otro. Luego llegaron otras obras como ‘The cover of the Rolling Stone’, ‘Sexy eyes’ o ‘When you’re in love with a beautiful woman’, que presento hoy.
El grupo se deshizo y su líder, Dennis Locorriere, protagonizó con escasa repercusión giras bajo el nombre ‘The voice of Dr Hook’.
Seguimos bebiendo de las fuentes del pop-rock norteamericano de los años setenta y ochenta. Toto es uno de los grupos que más éxito y reconocimiento obtuvo con canciones como ‘Hold the line’ o ‘África’. Sin embargo hoy nos ocuparemos de la primera que conocí de este grupo, ‘Rosanna’, de 1982. Bueno miento. Tuve antes noticias de la existencia de ‘Hold the line’, pero por aquel entonces no la asociaba con esta banda.
La salida al mercado de ‘Rosanna’ se vio premiada de inmediato con el favor del público y la crítica. El single que lo contenía vendió dos millones de copias en muy poco tiempo, escaló con celeridad a las cotas más altas de las listas de éxitos y cosechó el Grammy a la mejor canción del año. Todo gracias a una mezcla de elementos del jazz y el rock.
‘Rosanna’ fue realmente la actriz Rosanna Arquette, intérprete de películas como ‘Buscando a Susan desesperadamente’, ‘Silverado’, ‘El gran azul’, etcétera, y protagonista de un tórrido romance con uno de los fundadores de Toto, Steve Lukather. Luego, esta diva de Hollywood le dejó para irse con el cantante británico Peter Gabriel.
Todo lo que quiero hacer cuando despierto en la mañana es ver tus ojos
Rosanna, Rosanna
Nunca pensé que una chica como tú pudiera alguna vez preocuparse por mí, Rosanna
Todo lo que quiero hacer en medio de la velada es abrazarte fuerte
Rosanna, Rosanna
No sabía que buscabas más de lo que yo podría ser
No hace ni un año que ella se fue
Ahora se ha ido, y yo tengo que decir
Te necesito todo el tiempo, te necesito todo el tiempo, Rosanna
Te necesito todo el tiempo, te necesito todo el tiempo, Rosanna
Puedo ver tu cara aún brillando a través de la ventana en el otro lado
Rosanna, Rosanna
No sabía que una chica como tú podría hacerme sentir tan triste, Rosanna
Todo lo que quiero decirte es que ahora nunca, jamás tienes que comprometerte
Rosanna, Rosanna
Nunca pensé que perderte pudiera doler tanto
No hace ni un año que ella se fue
Ahora se ha ido, y yo tengo que decir
No hace ni un año que ella se fue
¿Quién es? Rosanna
ahora ella se ha ido y yo tengo que decir
Te necesito todo el tiempo, te necesito todo el tiempo, Rosanna
Te necesito todo el tiempo, te necesito todo el tiempo, Rosanna
Ésta es una buena VERSIÓN EN DIRECTO grabada en un concierto ofrecido en Amsterdam.
Toto está constituido por grandes músicos de estudio que dieron muestras de su contrastada reputación y calidad exquisita en álbumes de Michael Jackson, Paul McCartney, Elton John o Bruce Springsteen hasta que por fin decidieron dar el salto a los escenarios para completar una andadura de más de tres décadas.
David Paich (voz y teclados), Steve Lukather (voz y guitarra), Bobby Kimball (voz), Steve Porcaro (teclados), David Hungate (bajo) y Jeff Porcaro (batería), procedentes de Los Ángeles, aunque comenzaron en los setenta fue en los ochenta cuando ofrecieron lo mejor de su producción mediante la combinación de estilos muy diversos como el blues, el jazz, el funk, el hard-rock, el soul o el pop. Ello les ha permitido vender más de 35 millones de discos y ser nominados una decena de veces a los Grammy.
Esto también creo que lo he dicho ya. Lo que siempre más me ha gustado de los grupos de rock son sus baladas. Y con los Rolling no se ha producido una excepción. ‘Angie’ ha sido mi tema favorito dentro de su extensísima producción, repartida en cinco décadas de carrera excepcional. Mi opinión no es compartida por su líder, Mike Jagger, que sólo la considera «una melodía sentimentaloide»
‘Angie’ nació a finales de 1972 del universo creativo de Keith Richards y Jagger para ser incluida en el álbum ‘Goats Head Soup’, de 1973. Narra una historia de desamor, tema manido en todas las épocas de la música y del que tampoco pudo escapar la banda liderada por ‘Morritos’. Precisamente su desgarradora interpretación vocal adornada por el piano de Nicky Hopkins y el arreglo de cuerdas de Nicky Harrison nos permite degustar esta joya que ya en su génesis llegó a lo más alto de las listas de éxitos.
La más común de las versiones sobre el origen de esta obra magistral apunta a que estaba dedicada a Angela Barnett, famosa modelo, groupie y primera esposa de David Bowie. Pero el propio Jagger lo desmintió. Hay también quien dice que Richards pensaba en su hija recién nacida y otros opinan que es Anita Pallenberg la afortunada inspiradora de la obra magistral. Pallenberg fue pareja de Richards, ex de Brian Jones y madre de la niña. Por último, también ha circulado el rumor de que se refería a otra diva del rock, Marianne Faithfull.
La polémica seguirá porque sus propios creadores nunca han estado interesados en aclarar dudas. También se ha visto rodeada de controversia cuando la Unión Demócrata Cristiana de Angela Merkel la utilizó en una campaña electoral pese a la oposición de los Rolling.
¿Cuándo se irán todas esas noches?
Angie, Angie
¿Adónde vamos desde aquí?
Sin amor en el alma
Ni dinero en el bolsillo
No se puede decir que estemos contentos
Pero, Angie, Angie
No se puede decir que no lo intentásemos
Angie, eres hermosa
Pero ¿no es eso tristeza en tus ojos?
Angie, aún te quiero, nena
Acuérdate de todas aquellas noches que lloramos
Todos los sueños que abrazamos con fuerza
Parecen haberse esfumado
Déjame susurrarte al oído:
«Angie, Angie ¿Adónde vamos desde aquí?»
Todos los sueños que abrazamos con fuerza
Parecen haberse esfumado
¿No es eso tristeza en tus ojos?
Pero, Angie, aún te quiero, nena
Allí donde mire, veo tus ojos
Ninguna mujer puede compararse a ti
Venga, nena, sécate los ojos
Pero, Angie, Angie
¿No es bueno estar vivos?
Angie, Angie
‘Angie’ ha sido múltiplemente versionada, incluso el asturiano Melendi se ha atrevido a dejarnos su visión del histórico tema, creo que con más pena que gloria.
Resumir en sólo unas líneas el devenir del mayor grupo de rock de la historia es tarea imposible y por ello ni lo voy a intentar. Sólo cabe decir que desde la década de los sesenta Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Ron Wood -bueno algunos de ellos llegaron más tarde para sustituir a ‘desaparecidos como Brian Jones- han conseguido que el fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad con que utilizan sus instrumentos les hayan llevado al Olimpo.
Tras su competición inicial con The Beatles, a los que vencieron por resistencia pero no por talento, han caminado a través del tiempo a caballo tanto de su genialidad como del márketing, que siempre les ha presentado como los chicos malos del rock. Los constantes escándalos han sido tan efectivos como su música.
Pero eso no les quita mérito porque todavía, ya ancianos, mantienen su chispa, sobre todo en las multimillonarias giras. Eso sí, son unos mentirosos. Mick Jagger es el padre de aquella frase lapidaria: «Muérete joven para tener un cadáver con buena pinta». Creo que él no lo va a conseguir. No hay peligro de que muera joven.
Recuerdo cómo mi abuela hacía siempre el mismo comentario cada vez que oía esta canción en aquella vieja radio Philips verde que teníamos en un altillo de la cocina. Hori egia da (Eso es verdad). Porque nadie es verdaderamente un ser humano si es despojado de la libertad.
Quién no ha temblado, quién no se ha abrazado, quién no ha llorado con esta canción en alguna de las noches de verano de Euskadi. Sobre todo en los tiempos de la dictadura, pero también mucho después. Generación tras generación se ha admirado al autor de unos versos tan cortos como inimitables, con tanto significado. Palabras simples, lírica básica entre pausas que permiten entender el sentido de lo que Laboa nos quiso transmitir mediante una melodía espartana, limpia y fácil de retener.
Los que hemos tenido la fortuna de nacer, crecer y esperamos morir en esta tierra tenemos el ‘Txoria txori’ como un himno. Se nos fue Mikel Laboa, aitxitxe, pero nos dejó el mensaje. Por qué intentar que cada persona no sea lo que quiera ser, por qué impedirle que experimente lo que el deseo le pida. Por qué obligar que alguien tome una decisión. Laboa abogaba por dejar a las personas libres, sin cortarles las alas. Todo el mundo tiene derecho a volar. Se acabó la dictadura pero la esencia de esta canción desgraciadamente sigue siendo actual en muchos sentidos distintos del político.
Si le hubiera cortado las alas
habría sido mío,
no habría escapado.
Pero así,
habría dejado de ser pájaro.
Y yo…
yo lo que amaba era un pájaro.
‘Txoria txori’ es la canción más conocida de Mikel Laboa y quizá la más internacional de las composiciones de los cantautores vascos. La cantante de folk Joan Báez, siempre comprometida con la vida, la interpretó en euskera durante un concierto que ofreció en Bilbao hace casi veinticinco años. Fue editada en un disco titulado ‘Diamonds and Rust in the Bullring’.
También es maravillosa la versión realizada por el propio Mikel Laboa junto al Orfeón Donostiarra y la Orquesta Sinfónica de Euskadi.
Mikel Laboa, nacido en 1934 en la Parte Vieja de San Sebastián y fallecido en la capital guipuzcoana en 2008, es el patriarca indiscutible de la música vasca gracias a su afán por revitalizar y modernizar la tradición tras ser influido por la Nova Canço catalana durante su estancia en Barcelona mientras estudiaba Medicina. Desde 1964, cuando salió al mercado su primer EP, publicado en Bayona, hasta su muerte ha sembrado a los vientos vascos una producción corta pero selecta. Luchó contra las olas de la dictadura y sus conciertos se vieron suspendidos en más de una ocasión por la Policía Nacional o la Guardia Civil. Formó parte del grupo que creó Ez Dok Amairu, movimiento musical en el que participaron muchos artistas entre ellos el propio Mikel, Benito Lertxundi, Lourdes Iriondo o Xabier Lete, etc.
Persona entrañable, siempre con esa imagen sencilla de pantalón vaquero y jersey oscuro, dejó en forma de canciones un gran legado. Revitalizó la canción vasca y realizó importantes incursiones, muchas veces no bien comprendidas, en el campo de la experimentación. Se fue para volar por fin como su ‘Txoria txori’, pero nos queda su voz.
Como decíamos ayer mis preferencias musicales siempre se han inclinado hacia el rock norteamericano, quizá porque me marcaron aquellas imágenes de músicos country que tocaban en locales llenos de sombreros tejanos que pude ver en mi niñez, especialmente en la película ‘Honeysuckle Rose’. Descubrí este filme gracias a una banda sonora que cayó en mis manos regalada por un familiar que navegaba y que nos aportaba sonidos que desconocíamos por estos lares.
Y entre los grandes del rock estadounidense ocupa un lugar destacado Bob Seger, hombre ya olvidado en Europa, pero que en 1978 con su Silver Bullet Band nos dejó una creación que siempre pervivirá en la memoria de quienes pudimos degustarla en su tiempo. ‘Still the same’ surgió cuando el cantautor vivía uno de sus mejores momentos y se convirtió en un clásico que escaló a lo más alto de las listas de éxitos. Normalmente siempre es el tema que abre sus conciertos, como también ocurre en la gira que Seger realiza este año.
Tú siempre ganaste, cada vez que apostaste
Todavía eres malditamente buena, nadie te ha alcanzado aún
Cada vez que estuvieron seguros de que te habían atrapado
Fuiste más rápida de lo que pensaron
Les dabas la espalda y te marchabas
Siempre decías que las cartas nunca te harían mal
Decías que el truco era no llevar el juego demasiado lejos
La parte del jugador, el único riesgo que asumirías
La única pérdida a la que podrías renunciar
El único farol que no podrías fingir
Y aún eres la misma
Te alcancé ayer
Moviéndote de un juego a otro
Sin nadie que se pusiese en tu camino
Siendo encantadora
Lo justo para apañártelas
Aún eres la misma
Aún apuntas alto
Allí estabas, todos te miraban jugar
Yo simplemente me volví y me marché
No me quedaba nada más por decir
Porque aún eres la misma
Aún eres la misma
Pasando de un juego a otro
Algunas cosas nunca cambian
Tú aún eres la misma
‘Still the same’ ha sido versionada por numerosos cantantes y en varios idiomas. El ‘cover’ en castellano corrió de manos del ‘abuelo’ Johnny Hallyday, que para los seguidores de su país también la interpretó en francés. Con el título de ‘Te sigo fiel’ en 1982 el Elvis galo recuerda al drama de su relación con Sylvie Vartan una vez de que su amor juvenil se acabara. Jugó fuerte fuera del matrimonio y perdió al icono de la feminidad del país del norte.
Estoy aquí, ni un momento te olvidé,
de nuevo aquí y esta vez me quedaré.
Se te ve tan bonita como ayer
definiendo la virtud de la eterna juventud,
Estoy aquí, un león en libertad
tan sólo tú me consigues amansar
Destruí nuevas jaulas para todos.
No soy fiera de salón
nada más que para ti.
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Eso es todo lo que sé
Es amor es amor
Mirándote
Es muy fácil de entender
Y mi amor por ti no se puede contener
Es amor es amor
Entre tú y yo
está todo bien.
Es amor es amor
Es amor sólo amor
Y quemé mi pasado de una vez
Antes que volver a él
no he cambiado ya lo ves.
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
Por amor solamente por amor
Te sigo fiel
¿Y cómo podría escapársele a Rod Stewart una canción como ésta? Por supuesto que no. En su afán de revisar los mejores clásicos y erigido en un crooner sin igual, su maravillosa versión se puede encontrar en el tercer volumen de una recopilación de las mejores canciones americanas que publicó en 2004.
Bob Seger (1945) nace en Detroit, la ciudad de los automóviles, y pronto sigue la tradición familiar para sumergirse en el mundo de la música. Hijo de un clarinetista, a finales de los años sesenta del pasado siglo da unos primeros pasos que se confirmarían en el comienzo de la década siguiente, cuando ya crea una formación fija: The Silver Bullet Band.
Poseedor de una voz rasposa clásica al estilo de Little Richard o Elvis Presley, su idilio con el éxito se inicia con su disco en directo ‘Live Bullet’ (1976). Las siguientes producciones protagonizan una constante escalada en las estadísticas de ventas hasta llegar a cosechar triples discos de platino, aunque su primer número uno en el hit parade de Estados Unidos no llega hasta en 1987 con ‘Shake Down’, tema incluido en la banda sonora de la película ‘Superdetective en Hollywood II’.
Un retiro voluntario que se extendió durante una década parecía haber puesto fin a su carrera, pero resurgió en los albores del nuevo siglo con una respuesta inusitada entre los viejos amantes del rock clásico y las nuevas generaciones que se acercaron a su manera peculiar de ver el rock. Sin duda para ello influyó que la película ‘Forrest Gump’ recogiera su ‘Against the wind’ (Contra el viento).
‘Unchained melody’ es otra de esas canciones que se ha visto obligada a reivindicarte a través del cine. En este caso también tarde. Muchos años después de su creación, la versión de The Righteous Brothers fue incluida en la banda sonora de ‘Ghost’ y se convirtió en un hit a pesar de que ya era un clásico desde hace décadas.
La icónica escena entre la alfarera Demi Moore y el fantasma Patrick Swayze se ha convertido en una imagen difícil de borrar de la retina de los millones de espectadores que llenaron las salas de todo el mundo para ver la película en 1990. Estaba adornada con esta ‘melodía encadenada’ –es como se conoció en el mundo hispano cuando realmente su traducción literal expresa lo contrario– grabada en 1965. La repercusión fue tal que los ‘hermanos’ se vieron obligados a registrarla de nuevo para lograr una producción que estuvo nominada para los Grammy.
La letra de Hy Zaret y la música de Alex North se convirtió en vinilo en 1955 precisamente para otra película, una producción con tema carcelario que tuvo muchas repercusión en la época –fue nominada para el Óscar de aquel año y hasta se grabaron cuatro versiones diferentes que entraron en las listas británicas–, para luego no superar el paso del tiempo y pasar al olvido.
A mí me parece buena, pero eso es cuestión de opiniones. Lo que es incuestionable es que gusta y para probarlo basta con decir que hay más de medio millar de versiones distintas. No hay estadísticas fidedignas, pero puede ser el tema con más graabciones e interpretaciones del siglo XX. Elvis Presley la utilizó en el ocaso de su carrera, allá por 1977, en lo que constituyó su última aparición televisiva, y también U2 es habitual que lo incorpore a su repertorio en directo. Tampoco hay que olvidar las revisiones protagonizadas por Iva Zanicchi, Roy Orbison o Il Divo. Sin embargo, entre las desconocidas está la de Gene Vincent, muy recomendable.
Oh, mi amor, mi querida,
he deseado tanto tus caricias
durante un largo, solitario tiempo.
Y el tiempo pasa tan lento,
y el tiempo puede hacer tantas cosas.
¿Eres mía aún?
Necesito tu amor.
Necesito tu amor.
Que dios me envíe tu amor.
Los ríos solitarios fluyen hacia el mar, hacia el mar,
hacia los brazos abiertos del mar.
Los ríos solitarios susurran: “espérame, espérame”.
Voy camino a casa, espérame.
Oh, mi amor, mi querida,
he deseado tanto tus caricias
durante un largo, solitario tiempo.
Y el tiempo pasa tan despacio,
y el tiempo puede hacer tantas cosas.
¿Eres mía aún?
Necesito tu amor.
Necesito tu amor.
Que dios me envíe tu amor
The Righteous Brothers fue un dúo californiano compuesto por Bill Medley y Bobby Hatfield que tuvo su época de esplendor entre 1963 y 1975, aunque su carrera se prolongó hasta 2003, cuando fue interrumpida con la muerte del segundo. Eligieron su nombre de un acontecimiento que vivieron mientras actuaban en un bar de Los Ángeles y un marinero del público les gritó «That was righteous, brothers» (Eso estuvo excelente, hermanos).
La excepcional combinación de ambas voces y las producciones de Phil Spector les acarrearon muchos discos de éxito, aunque popularmente pocos recuerden más temas que ‘Unchained melody’. La asociación de talentos se prolongó durante cuatro décadas, aunque Medley también protagonizó pequeñas aventuras en solitario, especialmente con dúos junto a distintas cantantes, casi siempre destinados a música de cine. Fue muy popular la interpretación de ‘(I’ve had) The time of my life’ que compartió con Jennifer Warnes para ‘Dirty dancing’. Se llevó un Grammy, un Óscar y un Globo de Oro.
Últimamente me siento optimista y eso parece reflejarse en este espacio. ‘What a wonderful world’ es un homenaje a la vida realizado a través de la voz ronca del famoso trompetista de color. Fue escrita y se publicó en 1967, en pleno desarrollo de la guerra de Vietnam, a la que la Casa Blanca sumió a un pueblo que todavía no había olvidado la Segunda Guerra Mundial y la posterior contienda de Corea.
Bob Thiele y George David Weiss, habituales compositores de temas jazz, cambiaron de registro temático para unirse en formato disco a las protestas que recorrían las principales ciudades estadounidenses contra la presencia de sus soldados en las selvas asiáticas. Pero apenas tuvo repercusión pese a que eligieron a la mítica sonrisa y a la atractiva personalidad de Armstrong para que la interpretara. El single pasó desapercibido, vendiendo inicialmente menos de un millar de copias.
Sin embargo, gracias a su inclusión en la película antibélica ‘Good morning, Vietnam’ en 1987 volvió a la actualidad para instalarse en el sitio que verdaderamente le correspondía. Desde entonces es un himno al bienestar de la persona, por lo que es constantemente elegida por otros artistas para versionarla. A mi entender destacan las ofrecidas por Natalie Cole, Plácido Domingo y José Carreras en 1995, la que realizó Celine Dion en 2004 y sobre todo la que el año pasado nos deparó Rod Stewart en un directo en Las Vegas. También fue adoptada por la BBC para acompañar a una serie del científico David Attenborough que descubre los paisajes más impactantes del mundo.
Pretendía ser un antídoto al ambiente bélico y también a la conflictividad racial. Sin duda su objetivo era pacifista. Nos habla de la importancia de valorar las cosas insignificantes, aquellas con las que tropezamos en nuestro devenir diario. El optimismo impregna cada uno de los versos, con loas a la esperanza de alcanzar un futuro mejor para los bebés que nacen cada jornada. Un tema clásico que nos hace ver que nunca todo esta perdido y que la esperanza siempre esta ahí.
Yo veo los árboles verdes, las rojas rojas también.
Las veo florecer para mí y para ti.
Y pienso para mi mismo, ¡Qué mundo maravilloso!.
Veo cielos azules y nubes blancas.
El brillo de un día bendito, la oscuridad de la noche sagrada.
Y pienso para mí mismo, ¡Qué mundo maravilloso!
Los colores del arco iris, tan lindos en el cielo.
También están las caras de la gente que pasa.
Veo amigos estrechando sus manos diciendo: ¿Cómo te va?.
Realmente ellos dicen: Yo te quiero.
Escucho bebés llorar, los veo crecer.
Ellos aprenderán mucho más de lo que yo jamás sabré.
Y pienso para mi mismo, ¡Qué mundo maravilloso!
Si, pienso para mi mismo, ¡Qué mundo maravilloso!
Louis Armstrong nació en Nueva Orleans con la música en la sangre. Ni siquiera el hándicap de formar parte de una familia muy humilde –llegó a vivir en un reformatorio– le impidió consolidar una carrera larga y complicada que finalmente derivó en ser considerado el mejor trompetista de jazz de la historia y uno de los solistas más prodigiosos. Su gran personalidad y su optimismo perenne le llevaron a triunfar también en el cine y a participar en la revolución que estableció los cánones del jazz moderno.
Desde los cabarets hasta los escenarios musicales más importantes del mundo pasando por los estudios discográficos. Un caminar constante, prolongado, durante el que no olvidó sus profundas convicciones políticas a favor del fin de la segregación racial y contra la guerra fría y el clima belicista que siempre ha anidado en Estados Unidos.
Intento no repetir pero en este caso no lo consigo. Vuelvo al blanco con voz de negro. Joe Cocker regresa al blog de la mano de la canción ‘Up where we belong’, que interpretó a dúo con Jennifer Warnes y que alcanzó la fama al ser elegida como el tema central de la película ‘Oficial y caballero’. Además fue galardonada con el Óscar a la mejor canción en 1982.
‘Up where we belong’ es un tema de amor precioso, pero sobre todo constituye un monumento al positivismo. Su música y su letra están consagradas a demostrar que no hay que vivir mirando hacia el pasado ni oteando el posible futuro, sino viviendo con intensidad el presente. He ahí el secreto de la felicidad. Lo importante es lo que sientes, lo que sienten quienes constituyen tu entorno humano y ser consciente también de que el camino siempre habrá obstáculos y que lo inteligente es sortearlos. No percutir contra ellos constantemente. Ninguna roca se puede mover a cabezazos. No hay tiempo de llorar, somos tú y yo sobreviviendo nena, asegura.
Está canción, ya todo un himno romántico que ha sobrevivido al paso de su década e incluso al fin del siglo, nos habla de la relación que mantienen el oficial Zack Mayo y Paula, una chica de quien se queda encandilado tras conocerla en el pueblo donde recibe la formación militar. La música de Jack Nitzsche y su mujer Buffy Sainte-Marie junto con la letra de Will Jennings se unieron para romper todos los récords de ventas. Propició el renacer comercial de Joe Cocker tras varios años de caminar perdido a lomos del alcohol.
Quién sabe lo que trae el mañana
en un mundo en el que pocos corazones sobreviven
Todo lo que sé es cómo me siento
cuando es real, lo mantengo vivo
El camino es largo
Hay montañas en nuestro camino
Pero subimos un escalón cada día
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
donde gritan las águilas en la alta montaña
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Lejos del mundo que conocemos
Allí donde sopla el claro viento.
Algunos sostienen el «solía ser»
Viven sus vidas mirando atrás
Todo lo que tenemos es aquí y ahora
Toda nuestra vida, para encontrar allí afuera.
El camino es largo
Hay montañas en nuestro camino
Pero subimos un escalón cada día.
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Donde gritan las águilas en la alta montaña
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Lejos del mundo que conocemos
Allí donde sopla el claro viento.
El tiempo se pasa
No hay tiempo para llorar
La vida es tu y yo
Vive, hoy.
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Donde gritan las águilas en la alta montaña
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Lejos del mundo que conocemos
Allí donde sopla el claro viento.
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Donde gritan las águilas en la alta montaña
El amor nos lleva allí donde pertenecemos
Lejos del mundo que conocemos
Allí donde sopla el claro viento.
Joe Cocker perteneció a grupos como The Cavaliers, Vance Arnold & The Avengers o The Grease Band, colaboró con Jimmy Page o B.L. Wilson, pero lo mejor de sí lo ha dado en solitario sorteando las trampas que en su vida le pusieron la droga y el alcohol. Fue precisamente en 1982 con ‘Up where we belong’ cuando su vida y su carrera se enderezaron. Hasta es designado sir por la reina Isabel II.
El éxito de la canción fue tal que desde entonces durante la década de los ochenta fueron muchas las películas que recurrieron a sus servicios para su banda sonora. Tras ‘Oficial y caballero’ llegaron ‘9 semanas y media’ , ‘Harry y los Henderson’, ‘Los búfalos de Durham’ , ‘Un hombre inocente’ , ‘El guardaespaldas’ o ‘Benny & Joon’. Vende millones de discos y es nombrado Doctor Honoris Causa por su ciudad, Sheffield, en reconocimiento a una las mejores voces de la música.
Jennifer Warnes ha protagonizado una carrera siempre vinculada al teatro y al cine. Cuando apenas contaba con veinte años formó parte del reparto de ‘Hair’ en Los Ángeles, obra que le abrió la puerta por la que se introdujo en el mundo discográfico, donde no ha conseguido mucho éxito. Sí lo ha obtenido realizando acompañamientos y dúos con otros cantantes como Leonard Cohen.
Pero su reconocimiento mundial se produjo en 1982 de la mano de Joe Cocker y ‘Up where we belong’, confirmando la fórmula cinco años más tarde con ‘The time of my life’ cantado junto a Bill Medley para la película ‘Dirty Dancing’.
Peter Frampton tuvo siempre que enfrentarse al hándicap de tener que demostrar que era un buen músico. Su belleza, su atractivo en el mundo de las adolescentes y su participación en el cine le etiquetaron como un producto de las discográficas, una fama que le costó mucho alejar. Sin embargo, como decía aquel, el tiempo es ese juez insobornable que da y quita razón. Y por fin se la dio al rubio de los rizos.
Ahora, ya de provecta edad, puede presumir de tener una carrera sólida, con grandes discos y canciones excepcionales, La ya mítica ‘Baby, I Love Your Way’, de 1976, es la que más ha perdurado en el tiempo y por la que se le conoce popularmente, sobre todo gracias a las versiones que con posterioridad han realizado otros artistas. No obstante, la más popular sigue siendo la que el guitarrista británico interpretó en el disco que grabó durante una actuación en San Francisco ‘Frampton comes alive!’, que hoy aún es uno de los discos en directo más vendidos de la historia.
La última que ha alcanzado el éxito es la de interpretación reggae de Big Mountain allá por 1994. Antes Diana Ross (1983) o Will To Power -en un medley con la canción ‘Free bird’ (1988)- también se atrevieron dar su punto de vista. Luego llegaron los cover de Mig Ayesa con el propio Frampton (2006), Sitti (2007), el decisioso de Orleya y Dinosaur Jr con Arearea.
Versión en directo del mítico disco ‘Frampton comes alive!’ grabada en San Francisco.
Las sombras crecen enormemente ante mis ojos
Y ellas se mueven a lo largo de la página
Repentinamente el día se torna noche
Lejos desde la ciudad
Pero no vacilo, porque tu amor no esperará
O baby amo tu manera de ser (cada día)
Quiero decir que me encanta tu forma de ser
Quiero estar contigo día y noche
La luna aparece para brillar y iluminar el cielo
Con la ayuda de algunas luciérnagas
Me pregunto cómo ellas tienen el poder de brillar, brillar, brillar
Puedo verlas debajo de un pino
Pero no vacilo, porque tu amor no esperará
O baby amo tu manera de ser (cada día)
Quiero decir que me encanta tu forma de ser
Quiero estar contigo día y noche
Pero no vacilo, porque tu amor no esperará
Puedo ver el ocaso en tu ojos
Marrones, grises y azules a los lados
Las nubes crean furtivamente islas en el sol
Desearía comprar una fuera de temporada
Pero no vacilo, porque tu amor no esperará
Oh nena, me encanta tu forma de ser (cada día) Quiero decirte
que me encantas
Quiero estar contigo día y noche
Oh nena, me encanta tu forma de ser (cada día)
Quiero decirte que me encantas
Quiero estar contigo día y noche
Peter Frampton es británico aunque parezca americano. Concretamente es del condado de Kent, donde comenzó a tocar la guitarra cuando sólo tenía siete años. Tres más tarde ya formó su propia banda escolar junto a David Bowie. Luego conoció al miembro de The Rolling Stones Bill Wyman, quien le cambió su forma de ver la música y le inclinó hacia el rock.
Entre 1969 y 1975 formó parte de la banda Humble Pie, con la que grabó cinco excelentes discos antes de lanzarse a la carrera en solitario mediante un contrato con la discográfica A&M para la que graba sus primeros LP’s, todos cargados de calidad.
Pronto dio el salto al otro lado del Atlántico, donde llegó a la cima de su carrera con claros indicios de que se trataba de un genio de la guitarra. Colaboró en la banda sonora de la mítica película ‘Grease’ y ayudó también en algún disco de Ringo Starr.
Luego se une a Bee Gees en el momento de mayor auge del trío de los hermanos Gibb e incluso participa en la película ‘Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band ‘. Pero un grave accidente de trafico que casi acaba con su vida corta radicalmente su progresión. Ese impasse provoca un descenso de popularidad y le dirige hacia un público más minoritario, especializándose en conciertos acústicos en pequeños clubes y en colaboraciones con otros artistas como Bill Wyman, Grand Funk Railroad, Ringo Starr o Lynyrd Skynyrd.
Me niego. No me siento capaz. Me resulta imposible elegir una única canción de Rod Stewart. La obra del ex futbolista es tan extensa y de tal calidad que, como mínimo, me veo obligado a referirme a dos de sus temas más conocidos. He optado por ‘Tonight’s the night’ y ‘Ruby tuesday’, pero si hubiera escogido otras también ofrecería producto de gran calidad.
Esta noche es ‘la noche’. Bueno, lo fue en 1966, año en el que el cantante escocés dedicó esta canción a la primera noche de amor de una joven con la que pretendía intimar. De forma exuberante, sensual y un tanto lasciva, esta balada de rock está dedicada a las propuestas amorosas a una chica virgen, a la que se pretende tranquilizar y, al tiempo, eliminar sus miedos a perder esa condición.
Reúne la mayoría de las influencias musicales de la época en un sonido fácil, pero tremendamente atractivo. Se convirtió en un hit inmediato, sobre todo en Estados Unidos y los países anglosajones, mientras que en España fue relegada por las radios por su contenido sexual. Es más, ‘Tonight’s the night’ incorpora en su tramo final susurros de la actriz sueca Britt Ekland, la novia de Stewart en aquellos años, algo que no se toleró en nuestra recién nacida democracia.
En sus más de tres décadas de vida ha sido múltiplemente versionada, pero nadie ha logrado superar la original, ni acercarse me atrevería a decir.
Mantente alejada de mi ventana
Mantente alejada de mi puerta de atrás también
Desconecta la línea telefónica
Relájate nena y sácate esa ceguera
Quítate los zapatos y siéntate
Afloja ese lindo vestido francés
Déjame servirte un buen trago largo
Oh, nena, no dudes porque
Esta noche es la noche
Va a estar todo bien
Porque te amo cariño
Nadie va a detenernos ahora
Vamos ángel, mi corazón esta en llamas
No niegues el deseo de tu hombre
Sería una tontería detener esta marea
Extiende tus alas y déjame entrar
Esta noche es la noche
Va a estar todo bien
Porque te amo cariño
Nadie va a detenernos ahora
No digas una palabra, mi niña virgen
Deja a tus inhibiciones volar salvajemente
El secreto está a punto de saberse
Sube las escaleras, antes que la noche termine
Esta noche es la noche
Va a estar todo bien
Porque te amo, mujer
Nadie va a detenernos ahora
Siempre he sido más de los Beatles que de los Rolling y por eso me atrevo a asegurar, y sé que con ello me atraerá muchas iras, que la versión de ‘Ruby tuesday’ de Rod Stewart, grabada en 1992, es superior a la original que realizó la banda de Mick Jagger en 1966. Además, creo que el cantante rubio ofreció con este tema uno de los mejores cover de la historia de la música pop rock.
Se trata de otra composición de amor, escrita por Keith Richards en la habitación de un hotel de Los Ángeles y dedicada a una groupie, una de las chicas que les acompañaban en los conciertos. Así lo quiso aclarar en una entrevista concedida a la revita ‘Rolling Stone’ en 1971. Eso sí, se negó a dar nombres, aunque hay quien cree confirmado que se refería a Linda Keith, su novia a mediados de los sesenta.
Ella podría nunca decir de donde viene
Ayer no importaba si se había ido
Mientras el sol brillará
O en la oscuridad de la noche
Nadie sabe, ella viene y se va
Adiós Ruby del martes
¿Quién podría ponerte un nombre?
Cuando tu cambias con cada nuevo día
Todavía voy a extrañarte
No preguntes por qué ella necesita ser tan libre
Te dirá que esto es sólo una forma de ser
Ella sólo no puede estar encadenada
A una vida donde nunca se gane
Y nada se pierda, con tal de un costo.
Adiós Ruby del martes
¿Quién podría ponerte un nombre?
Cuando tu cambias con cada nuevo día
Todavía voy a extrañarte
“No hay tiempo que perder”, le oigo decir
Atrapa tus sueños antes de que escapen
Moribundos todo el tiempo
Pierde tus sueños y tu perderás tu mente
¿No tienes una vida desagradble?
Adiós Ruby del martes
¿Quién podría ponerte un nombre?
Cuando tu cambias con cada nuevo día
Todavía voy a extrañarte
Rod Stewart no quería ser cantante. Su afición era el fútbol, deporte que antes había practicado su padre. Llegó a formar parte de las secciones inferiores del Brentford y hasta dicen que tenía buenas condiciones con el balón, pero las dificultades para dar el salto al profesionalismo acabaron con su paciencia y le lanzaron hacia sus otros dos hobbies: la música y las mujeres rubias. Ha triunfado ampliamente en ambos.
Siempre ha formado parte de grandes bandas como The Jeff Beck Group o The Faces, pero su verdadera fama la ha ganado en solitario. Su carrera como solista dio inicio en 1969 y desde entonces ha vendido más de 250 millones discos en todo el mundo y figura en la lista de los artistas más exitosos de la historia. Sus canciones impresionantes son incontables. Durante los últimos años ha encontrado un filón a la hora de versionar con su estilo personal e intransferible y su voz ronca temas que dieron a conocer otros compañeros de profesión.
Está canción no estaba prevista. Es más, ni siquiera la conocía hasta hace unas escasas horas. La descubrí de casualidad porque había sido utilizada como fondo de un vídeo sobre una temática alejada de la música que me remitió un amigo. Y me ha cautivado la versión que Brenda dos Santos ofrece de esta preciosa composición del maestro Leonard Cohen.
Como con casi todas las creaciones del genio canadiense nunca ha quedado clara la idea que quería transmitir. Habla de referencias bíblicas. Ello ha hecho pensar inmediatamente a muchos que se trata de una canción cristiana, pero no parece ser así. Lo que resulta innegable es que es un tema espiritual. Simplemente Cohen recurre a la simbología judeo-cristiana para expresar la gloria y la pena de vivir.
Habla sobre una relación de amor con drástico desenlace, tan fatal como suelen ser todos los finales de historias donde el amor ha sido verdadero. Cohen, poeta ante todo, describe con genialidad el paralelismo de utilizar la figura del rey David, monarca de los judíos como el cantautor, y el mal que éste le hizo a su esposa al irse con otra mujer para finalmente arrepentirse y pedir perdón a Dios. Aleluya, alabado sea el señor.
Cohen, recientemente premiado con el premio Príncipe de Asturias, la publicó en 1984 pero pasó prácticamente desapercibida al gran público y sólo sus seguidores la apreciaron en su justa medida. Volvió a la actualidad después de que la película ‘Shrek’ la incluyera en su banda sonora en la versión de Rufus Wainwright y porque la joven Alexandra Burke ganara con este tema el programa televisivo británico ‘X Factor,‘ un reality al estilo de ‘Operación Triunfo’.
Pero a mí la versión que realmente me ha hecho temblar es la ofrecida por Brenda dos Santos, un meninha brasileña surgida también de un programa televisivo de su país embarcado en la búsqueda de nuevos talentos.
He oído que existe un acorde secreto
que David solía tocar y que agradaba al Señor.
Pero tú realmente
no le das mucha importancia a la música, ¿verdad?
Era algo así como
la cuarta, la quinta
cae la menor y sube la mayor.
El rey, confundido, componiendo un aleluya.
Aleluya…
Tu fe era fuerte, pero necesitabas una prueba.
La viste bañarse en el tejado.
Su belleza, y el brillo de la luna, te superaron.
Te ató a la silla
de su cocina.
Rompió tu trono,
y cortó tu pelo.
Y de tus labios arrancó un aleluya.
Aleluya…
Dices que tomé su nombre en vano.
No conozco siquiera su nombre.
Pero si lo hice, bueno, realmente, ¿qué significa para ti?
Hay un resplandor de luz
en cada palabra.
No importa la que hayas oído.
La sagrada o la rota. Aleluya.
Aleluya…
Hice lo mejor posible, no fue mucho.
No podía sentir, así que intenté tocar.
Dije la verdad, no te tomé el pelo.
Y aún así todo salió mal.
Permaneceré ante la oración del Señor,
sin nada en mi lengua más que el aleluya.
Aleluya…
También le han dado su toque personal Jeff Buckley, John Cale, Alexandra Burke, Kate Voegel, Bon Jovi, Allison Crowe, Katherine Jenkins, Il Divo, Justin Timberlake y Bob Dylan. Todas tienen su interés aunque el propio Cohen recomendó la del norteamericano Jeff Buckley, desgraciadamente ya desaparecido, al decir que «yo fui el que escribió esa canción, pero definitivamente es suya».
Y por último, no podía faltar la del genio. La original de Leonard Cohen.
Letícia Brenda dos Santos cumplirá dieciocho años en noviembre. Esta promesa brasileña, dotada de una voz impropia de su edad, comenzó a cantar ya a los tres años y ha crecido siempre rodeada de música. La humildad, el carisma y la simpatía que derrama cada vez que interpreta un tema han cautivado a los amantes de la música de su país y, poco a poco, su seducción ante los micrófonos trasciende de sus fronteras.
Cuando sólo tenía quince años participó en el ‘Programa Raul Gil para jóvenes talentos’ y se llevó el triunfo, premiado con la grabación de un disco. Inmediatamente fue contratada por la multinacional discográfica japonesa Sony.
El resto de su historia aún está por escribir.
Está canción también me ha vuelto siempre loco a mí. La mejor interpretación de la reina del country no es un tema country, sino una balada con acordes pop e influencias del jazz. ‘Crazy’ (Loca), escrita por un joven Willie Nelson, fue grabada en 1961, pero llegó al status de himno cuando desapareció la voz femenina más emblemática de la música tradicional del oeste. Se apagó en un accidente aéreo –como Buddy Holly, Ricky Nelson, Jim Reeves, Otis Redding o Gene Vincent–, cuando la garganta de la que salía sólo tenía 31 años.
‘Crazy’, cuyo título inicial era ‘Stupid’ (Estúpida), habla sobre la soledad y el amargor de un amor lejano. Pero parecía autobiográfica, porque retrataba con fidelidad la tumultuosa historia que protagonizaron Patsy y su marido. Tierna, dulce y sentimental, la voz de la emblemática cantante dota a la canción de un toque de cercanía y de calidez que convierten a la idea original de Nelson en tema imprescindible para la música del siglo XX. Aunque los productores, que compraron el tema por diez dólares, no lo vieron como un potencial hit, nada más salir al mercado llegó a lo más alto de la lista de singles más vendidos.
Patsy Cline pasó a ser una leyenda, sobre todo cuando se conoció que grabó esta obra maestra aún convaleciente de un accidente automovilístico sufrido semanas antes, con el balance de una costilla rota. Por el intenso dolor no podía llegar a las notas altas, y la parte vocal y su voz aterciopelada y luminosa se tuvieron que recoger dos días después de que se registrara la música. Cline estaba en la cúspide de fama cuando publicó ‘Crazy’, con numerosos éxitos en las listas, pero fue esta maravilla la que se convirtió en su signo de identidad.
Loca, estoy loca de sentirme tan sola.
Estoy loca, loca por sentirme tan triste.
Sabía que me amarías el tiempo que quisieras.
Y que algún día me dejarías por alguien nuevo
¿Preocupada?, ¿por qué he de preocuparme?
¿Maravillada por lo que hice en el mundo?
Loca por creer que mi amor podría apresarte.
Estoy loca por intentarlo y loca por llorar.
Y estoy loca por amarte.
Loca por creer que mi amor podría retenerte.
Estoy loca por intentarlo y loca por llorar.
Y estoy loca por amarte.
‘Crazy’ ha aparecido en numerosos anuncios, series de televisión y hasta en el cine, dando incluso título a alguna película. Además ha sido infinitamente versionada, con más o menos éxito, pero sin llegar jamás a la perfección que protagonizó la cantante country. En España se hizo muy conocida la ‘aportación’ con la que se atrevió Julio Iglesias.
También grandes estrellas de la canción como Diana Krall y Elvis Costello, acompañados por su propio autor, Willie Nelson, quisieron ofrecer otra visión del tema.
Quienes entienden de country dicen que en este género ha habido grandes cantantes, pero siempre se empeñan en distinguir entre Patsy Cline y las demás. La virginiana tuvo una corta vida. Murió a los 31 años en un accidente con su avioneta privada tras un concierto. Ya antes había tuteado a la muerte en un par de siniestros automovilísticos. Dicen sus amigos que solía decir que no esperaba vivir mucho. Sus presentimientos se cumplieron. «Cuando sea el momento de irme, será mi momento», señaló en una ocasión durante una entrevista. En su tumba reza: «La muerte no puede matar lo que nunca muere: el amor».
Su temprana muerte cimentó su mito tras una carrera de sólo 8 años –entre 1955 y 1963–. Pero en este limitado espacio de tiempo y sólo tres discos de larga duración, su voz firmó temas grandiosos como la mencionada ‘Crazy’, ‘Sweet dreams’ o ‘Walkin’ after midnight’, todas baladas heridas, pequeñas historias de desgracia y dolor.
Patsy Cline fue sin duda una de las artistas más importantes de la música con raíces, que supo trasladar el country con elegancia a las grandes audiencias. La revista ‘Time’ la calificó como la María Callas del country.
