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Massiel – Tiempos difíciles

2014 julio 30

Massiel decidió darse un respiro en 1977, cuando ya estaba en avanzado estado de gestación de su hijo Aitor Carlos, que nació el 1 de junio de aquel año en el Westminster Hospital de Londres. Acumulaba el cansancio de una intensa carrera que se prolongaba ya durante más de una década y optó por tomar unos años sabáticos.

Durante el período en que custodió los primeros años de su niño también recapacitó sobre su futuro musical y optó con caminar por veredas diferentes a las que antes contabilizaron sus pasos profesionales. Su regreso supuso un cambio radical en su estilo.

Volvió en 1981, con nueva casa discográfica. Abandonó Zafiro-Novola, con la que firmó sus primeras canciones, y fichó por Hispavox, en auge en los primeros años de los ochenta. Debutó con un álbum que obtuvo un éxito inmediato en las listas españolas y latinoamericanas gracias a canciones como ‘El noa-noa’, ‘Eres’ o ‘El amor’.

No vamos a hablar de ninguna de ellas. Una vez más este melómano trasnochado –o quizá trastornado– opta por otro tema, uno de esos que no obtuvo el favor de las masas, a pesar de que daba título al LP. Me refiero a ‘Tiempos difíciles’.

Honorio Herrero y Luis Gómez Escolar, antiguos integrantes de Aguaviva y La Charanga del Tío Honorio, compusieron una obra con ambición futurista que roza el tecno pop y el productor-creador de éxitos de la época Danilo Vaona incorporó su toque de magia a uno de sus trabajos más completos. Una buena canción de ésas que penetran con parsimonia y se adueñan del pensamiento.

Massiel se reinventó con esta producción, optando por un pop más comercial. Demostró así que puede transitar de Bertolt Brecht a la pachanga sin perder un ápice de credibilidad.

Calle desierta, robot en la puerta
las doce y nunca en el reloj
voy a buscarte cruzando la niebla
ábreme sólo soy yo

1990 y la noche me mira con resignación
ojos de gato, mi dulce ladrón
acércate que aquí estoy yo para el amor

Tiempos difíciles, tiempos difíciles
para querernos tú y yo
tiempos difíciles, tiempos difíciles
queda prohibido el amor

No digas nada que luego es peor
nos pueden acusar de amor
cojo mis cosas, me visto y me voy
espero que hoy no esté el control

1990 y el sol espía como un delator
calle desierta, robot en la puerta
las doce y nunca en el reloj

Tiempos difíciles, tiempos difíciles
para querernos tú y yo
tiempos difíciles, tiempos difíciles
queda prohibido el amor

María de los Ángeles Santamaría (Madrid, 1947), bautizada MASSIEL para la música, vivió desde que nació rodeada por cantantes porque su padre era representante artístico de estrellas españolas como Miguel Ríos, Los Brincos, Karina… El veneno por lo tanto estaba en su ser desde la infancia y sólo faltaba un pequeño empujón. Se lo dio el Festival de Mallorca de 1966, donde fue galardonada con el premio de la crítica con el tema ‘Rufo el pescador’.

El reconocimiento significó un contrato con Zafiro, sello con el que pronto logró el éxito gracias a las canciones ‘Aleluya nº 1’ y ‘Rosas en el mar’, que le cedió Luis Eduardo Aute. De inmediato, se situó en la vanguardia del pop nacional y la canción protesta.

Dos años más tarde, ante la negativa de Serrat de cantar en castellano, representó a España en el festival de Eurovisión y, por sorpresa, ganó con ‘La, la, la’ cuando todos los pronósticos apostaban por Cliff Richard.

Tras probar con diferentes estilos, en 1972 se pasó a la discográfica Ariola para editar un disco comprometido con el damaturgo alemán Bertolt Brecht, que, sin embargo, no tuvo éxito y provocó un nuevo cambio de empresa. Fichó por Polydor, donde probó hasta con rancheras y temas nicaragüenses.

El descanso que se tomó para tener a su hijo le valió también la llegada a Hispavox, donde su carrera se relanzó gracias a canciones como la que hoy analizamos. Su obra se vanalizó, aunque se hizo más comercial y popular. Vivió varios años de esplendor para después ir reduciendo su repercusión mediática.

Luego se le vio en los platós televisivos analizando temas de corazón y su carrera musical llegó a su fin.

Cock Robin – Remember the promise you made (Recuerda la promesa que hiciste)

2014 julio 22

Caminemos veintinueve años atrás para recordar una canción que se encaramó hasta los puestos más altos de las listas de éxitos de 1985, amparada en las suaves voces de Peter Kingsbery, autor también del tema, y Anna LaCazio, que ofrecieron, junto a los otros dos componentes de Cook Robin, una interpretación elegante. Lo hicieron como si se tratara de un cuerpo de baile. Coordinación, sincronización y empatía se trasladaron de forma natural y sin esfuerzo a una obra que forma parte ya del acerbo del pop de finales del pasado siglo.

Todo ello almibarado por los efectos y juegos de los sintetizadores que imperaban en la época. También los arreglos y los solos de guitarra eléctrica colaboraron a dar un matiz misterioso a lo que se consideró -opinión que aún se mantiene– una obra de arte. Tras un inicio de percusión suave, se da paso a los teclados, al bajo y a la batería. Destaca su estribillo, donde la voz de LaCazio adquiere protagonismo a medida que la cadencia aumenta, sin que nunca pierda su condición de balada. Al final regresa el tono vocal de Kinsgbery.

El resultado es una composición deliciosa, con una sintonía tan pegajosa que incluso oculta su mensaje. Versa sobre un hombre que pide a su pareja certezas para dar el paso de declarar su amor y nos recuerda la importancia de las promesas, de la renovación de la palabra dada, del mantenimiento de lo que un día garantizamos cumplir a las personas con las que estuvimos unidos, a aquellas a las que dijimos que siempre seguiríamos juntos. Hablamos del hipotético amor eterno.

Pero qué pocos somos capaces de ser esclavos de nuestras palabras o dueños de nuestros silencios. Pronto olvidamos que las promesas y su cumplimiento nos definen. Faltar a ellas es fallarnos a nosotros mismos. Traicionar la palabra es como contar los secretos que han depositado en nosotros confiados en nuestra impermeabilidad.

De cualquier manera, los contratos orales tienen ya escasa fidelidad, tan efímera como los apretones de manos en una sociedad depredadora, donde valores como el honor o la honestidad son sinónimos de anacronía. Prima el beneficio en un mundo de consumo que, sin darnos cuentas, nos ha convertido en meros productos para que también seamos consumidos. Quizá confiar en promesas es ya una utopía, cuando ni siquiera se respetan los hechos.

‘Remember the promise you made ‘ nos recuerda cuánto nos hace falta aquella persona que nos prometió que siempre estaría ahí para levantarnos cuando tropezamos. Porque todos caemos, todos sentimos necesidad, experimentamos flaquezas y debilidad.

El tema de Cock Robin subraya la necesidad de extender hasta el final el convencimiento que se exhibe en el momento de prometer, porque quien recibe la palabra necesita sentir la seguridad de que la otra parte la cumplirá sine die.

Si renuncio a mi amor
al venir en tu defensa,
¿te preocuparías por mi
hasta sentir dolor en tu pecho?

¿Podría contar con la fortaleza de tu fe
para levantarme de nuevo
y animarme a seguir?

Por favor dime
que estarás ahí en mi hora de necesidad
que no me rechazarás
que me ayudarás a salir
de la vida que vivo
recuerda la promesa que hiciste

Si te diese mi alma
por conocer tu pensamiento,
¿me llevarías contigo
hasta el final de los tiempos?

¿Entenderías si descubres que no soy sincero?
¿nos uniríamos o nos separaríamos ?

Por favor dime
que estarás ahí en mi hora de necesidad
que no me rechazarás
que me ayudarás a salir
de la vida que vivo
recuerda la promesa que hiciste

¿Podría contar con la fortaleza de tu fe
para levantarme de nuevo
y animarme a seguir?

Por favor dime
que estarás ahí en mi hora de necesidad
que no me rechazarás
que me ayudarás a salir
de la vida que vivo.
recuerda la promesa que hiciste

VERSIONES

JULIO IGLESIAS JR. regrabó este tema con el título ‘Promete decir la verdad’.

La cantante belga KATE RYAN realizó un remake en 2010.

El galés RHYDIAN ofreció una interpretación muy personal.

En 2009 la banda holandesa LEFT incluyó este tema en el álbum con el que se presentó.

La cantante y modelo de Malasia CAMELIA AZZURRA eligió esta creación para promocionarse.

COCK ROBIN, que adoptó su nombre por la obra literaria del siglo XVII ‘El casamiento de Cock Robin y Jenny Wren’, es una banda estadounidense de pop rock y new wave que surgió en la ciudad californiana de San Francisco en 1982 y se mantuvo en activo hasta 1990, momento en el que sus miembros emprendieron carreras en solitario. Durante este período fue más popular en Europa que en su propia tierra, con un estilo que, salvando las distancias, recordaba a Fleetwood Mac. Dieciséis años después de su nacimiento volvió a intentarlo con nuevos intérpretes.

La formación nació por iniciativa de Peter Kingsbery, autor de los temas además de voz principal, bajo y sintetizador, y de Anna LaCazio (voz y teclados), completándose el cuarteto con Luis Molino III, a la batería, y Clive Wright, con la guitarra.

Su primer trabajo discográfico bastó para dar muestras de su calidad. Los singles ‘ When your heart is weak’ y ‘The promise you made’ de inmediato dieron a Cook Robin un prestigio en el panorama musical del momento y les permitió realizar una gira que se extendió durante dos años.

Sus siguientes obras, sin perder calidad ni sutileza, no pudieron continuar el idilio con el público logrado en su debut. Sólo, quizás, ‘Just around the corner’ destacó en los hit parade de 1987. Pero ya habían empezado a perder popularidad y desaparecieron con la llegada de los noventa, pese a que sacaron un tercer LP muy laborioso. La falta de nuevos éxitos derivó en la separación del grupo.

El público apenas se percató de su regreso década y media después, pese a que firmaron dos buenos discos.

Iva Zanicchi – La orilla blanca, la orilla negra

2014 junio 27

Más de tres millones de aficionados a la música de principios de la década de los setenta se rascaron el bolsillo para comprar el single de ‘La orilla blanca, la orilla negra’, que trasladó al mercado internacional la voz aterciopelada, casi negra, de Iva Zanicchi. Constituyó un bombazo en todo el continente europeo.

Ya previamente había triunfado en su país, Italia, con el título original ‘La riva bianca, la riva nera’, aunque no consiguió imponerse en el Festival de San Remo de 1971, la gran cita de la canción transalpina. Tuvo que conformarse con el segundo puesto, aunque el jurado destacó sobremanera la música compuesta por Eros Sciorilli, pianista de jazz y director de orquesta especialista en beber de las fuentes de la tradicional ‘canzone napolitana’. 

Zanicchi derramó sobre este tema pacifista ese carácter que impregna toda su obra, ese genio, ese estilo tan personal e incuestionable. Con la guerra de Vietnam como telón de fondo, su potencia, su garra y su sentimiento se esparcen sobre la elocuente letra antibélica escrita por Alberto Testa, que describe con una prosa cargada de poesía todo el horror y la estupidez que rodea a las contiendas bélicas, al tiempo que alerta del peligro que tiene la defensa acérrima de las banderas. Sin duda, es de esas composiciones que ayudan a que la humanidad vaya tomando conciencia del sinsentido de los enfrentamientos armados.

Ya lo decía el famoso militar nazi Erich Hartmann a partir de una frase del escritor, poeta, ensayista y filósofo francés Paul Valery: «La guerra es un lugar donde jóvenes que no se conocen y no se odian se matan entre sí por la decisión de viejos que se conocen y se odian pero no se matan». Esta obra lo recoge bien y habla de personas que se enfrentan en una lucha que ellos no han provocado y que, sin embargo, les llevará juntos a la eternidad. Por eso, la historia de la humanidad es la historia de las conflagraciones por el negocio que siempre han supuesto.

La guerra es una fábrica de muerte, de dolor para el ser humano, capaz de acabar con familias y con amores, generar hambre y miseria, crear destrucción o cercenar infancias –además de sembrar un miedo que nunca acaba de desaparecer– en pos de intereses fronterizos, económicos o ideológicos.

El grito de ansiedad y de angustia de Zanicchi y su alegato contra la violencia siguen siendo actuales, porque la irracionalidad que rodea las contiendas bélicas aún impera sobre la inteligencia, los intereses sobre la humanidad y la ceguera mental sobre la luz cerebral. La cantante italiana nos recuerda que también hoy la solidaridad entre los seres humanos debe estar por encima de territorios y de ideologías.

El mensaje de ‘La orilla blanca, la orilla negra’ puede ser fácilmente trasladado al mundo de la política en una época convulsa como la actual, en la que de nuevo son necesarios los himnos por la paz como el que hoy analizamos. Porque, aunque en el mundo occidental cada vez es más raro un enfrentamiento bélico, siguen existiendo orillas blancas y orillas negras.

Ahora los uniformes cada vez son menos de caqui y más ideológicos. No obstante, los ríos se mantienen invadeables y los puentes se destruyen cada día. Las batallas continúan y tampoco nosotros las veremos acabar. Las dos orillas parecen condenadas a una pelea eterna, porque, como dice Silvio Rodríguez, la guerra es la paz del futuro a pesar de que todos somos sabedores de que un enfrentamiento crispado, el exabrupto y la belicosidad visceral sólo conducen a la involución.

En España ‘La orilla blanca, la orilla negra’ se convirtió en un himno antifranquista. Al margen de los ajustes  necesarios para adaptar el ritmo y la métrica al castellano, la interpretación de Zanicchi es muy similar a la versión original italiana.

Debe hacer un alto mi capitán
sí que estoy cansado, no puedo más
alerta, cúbrase, al terraplén
alerta estoy más cúbrete tú también

Di soldado de dónde eres tú
del país vecino que hay más al sur
y por el río pasa la frontera
la orilla blanca, la orilla negra
y sobre el puente veo una bandera
mas no es la misma que está en mi corazón

De los míos creo no debes ser
por mi uniforme lo puede ver
no sé mis ojos ya están sin luz
me han herido y tal vez fuiste tú
triste es el destino mi capitán
mientras hayan guerras no cambiará

En la colina silba la metralla
la hierba verde está quemada
y por el río continúa la batalla
nosotros dos ya llegamos al final

Tengo que marcharme mi capitán
voy contigo no me querrás dejar
no te abandonaré, lo sabes ya
que vamos juntos para la eternidad

Todo ha pasado, hay paz en la frontera
en la orilla blanca, en la orilla negra
pero alguien llora y se desespera
gritando un nombre que no responderá

Debe hacer un alto mi capitán
sí que estoy cansado, no puedo más

VERSIONES

Obligado es ofrecer en primer lugar el original EN ITALIANO, titulado, como ya hemos dicho más arriba, ‘La riva bianca, la riva nera’.

El dúo fraternal argentino PIMPINELA dio su visión del tema.

La cantante venezolana MIRLA CASTELLANOS, comúnmente conocida como La Primerísima de Venezuela, firmó una interpretación llena de carácter.

La asturiana CRISTINA RAMOS también exhibió su gran voz con este tema, cantado en italiano.

La gitana CARMEN GABARRE realizó una revisión racial en 2008.

IVA ZANICCHI (Ligonchio, 1941) dio sus primeros pasos artísticos saltando de concurso en concurso desde que apenas contaba con veinte años. En uno de ellos logró en 1964 su primer éxito con ‘Come ti vorrei’, pero fue un año más tarde, ya en San Remo, el festival italiano por antonomasia, cuando se convirtió en una estrella al interpretar ‘I tuoi anni piú belli’.

Volvió a la cita en 1966 con ‘La notte dell’addio’ e insistió en el edición siguiente con ‘Non pensare a me’, obteniendo el primero de sus tres triunfos. Repitió la victoria con ‘Zingara’ en 1969 y el tercer título lo sumó en 1974 con ‘Ciao cara, come stai?’. Es la única que ha cosechado tantos éxitos en la ciudad turística. También representó a Italia en el festival de Eurovisión con ‘Due grosse lacrime bianche’, aunque su talento no fue reconocido.

Zanicchi fue una precursora: la primera cantante italiana que cantó temas del griego Mikis Theodorakis, la única en dar un concierto en el Madison Squard Garden de Nueva York o también la que inició las giras por la desaparecida Unión Soviética.

Su época de mayor esplendor coincidió con los setenta, década en la que consiguió gran relieve internacional con temas como ‘Sola piú che mai’, ‘La felicitá’, ‘Per vívere’, la analizada ‘La riva bianca, la riva nera’, ‘La notte’, ‘Io ti daró di piú’, ‘Accarezzame’, ‘Come prima’ o ‘Fra noi’.

Supo extender su idilio con el público hasta los ochenta y los noventa, volviendo a San Remo y reinando en televisión, incluso con un programa de cocina. Hoy en día sigue en activo, aunque últimamente se dedica a la política.

Sin duda, ha sido una de las grandes voces de la canción ligera del país de la bota. Su éxito radicó, como dijo ella misma en unas declaraciones de 1971, en conjuntar en sus interpretaciones la extensión vocal de Mina, el tono cálido y la nota baja de Milva, y la calidez y fuerza de Ornella Vanoni. Todo ello le llevó a ser una de las grandes figuras de la canción italiana de todos los tiempos es una diva.

Bobby McFerrin – Don’t worry, be happy (No te preocupes, sé feliz)

2014 junio 19

Hay frases de algunas canciones que pasan a la historia. ‘Don’t worry, be happy’ (No te preocupes, sé feliz) es una de ellas. La hemos utilizado muchos para tratar de quitar hierro a alguna situación preocupante, a los errores, fracasos o incertidumbres. Este rítmico ejemplo de pop vocal se ha convertido en sinónimo de bálsamo desde que el compositor de jazz Bobby McFerrin lo llevara al número uno mundial en 1988, justo cuando su país, Estados Unidos, atravesaba una gran crisis económica y social tras el mandato ultraconservador de Ronald Reagan.

Desde entonces, y gracias a que reaparece cada cierto tiempo como sustento de campañas publicitarias o incluida en alguna recopilación, este clásico moderno produce alegría y energía positiva, para permitirnos ver nuevas perspectivas en situaciones aparentemente negativas, al tiempo que nos recomienda optar por una existencia menos programada, más espontánea.

Silbar su melodía sonriendo al aire es la mejor de las medicinas para cualquier tipo de depresión. Su mensaje motivante, de positividad, siempre es efectivo, porque cada una de sus notas genera calma y felicidad. Qué gran verdad aquello de que cuando la vida te castiga con un problema, pensar en él lo convierte en doble. Lo recomendable es olvidarlo.

El norteamericano escribió esta llamada a la indolencia y a la despreocupación en clave humorística, tomando como base una famosa frase que el maestro espiritual indio Meher Baba pronunció en los sesenta tras sufrir un accidente de automóvil y que se hizo muy popular al ser incorporada a tarjetas de felicitaciones en todo el mundo. De hecho, McFerrin la descubrió en un póster colgado en una pared del apartamento de Tuck Andress y Patti Cathcart, el matrimonio integrante de la banda de jazz Tuck & Patti, en San Francisco. Quedó impactado por la simplicidad de aquel pensamiento y lo convirtió en obra musical.

Su combinación de culto al estoicismo y a lo espartano es tal que, incluso, prescinde de instrumentos, para recrearlos a capella, solamente con la voz. El ritmo lo ponen el claquear de los dedos y los silbidos sustentados en tres acordes que se repiten durante todo el tema. Parece sencillo escribir una canción de pop vocal tan simple, pero es realmente complicado dar con la tecla adecuada.

‘Don’t worry, be happy’ fue reconocida de inmediato por público y crítica. De hecho, en los premios Grammy de 1989 se llevó el galardón a la mejor canción, mientras que McFerrin obtuvo el premio a la mejor interpretación vocal y al mejor álbum con ‘Simple pleasures’, que incluía el hit al que me refiero. Se convirtió en el primer tema a capella en llegar a la cima de las listas.

El videoclip promocional también era muy interesante. Intervenía el histriónico actor Robin Williams y su compañero de Hollywood Bill Irwin, haciendo ambos gala de su habilidad para payasadas mediante las que apostaban por ser feliz pase lo que pase.

Este tema también tuvo su punto de polémica política, ya que fue utilizado por el equipo de la campaña electoral para las presidenciales de 1988 que realizó George H. W. Bush, el padre. McFerrin mostró su pesar y finalmente dejaron de usarlo.

Aquí traigo una pequeña canción que escribí
puede que quieras cantarla nota por nota
no te preocupes, sé feliz
en todas las vidas, tenemos dificultades
cuando nos preocupamos, hacemos que se multipliquen

No te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz ahora
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz

No tienes dónde reposar tu cabeza
alguien llegó y se llevó tu cama
no te preocupes, sé feliz

El casero dice que te has retrasado en el pago
te denunciará
no te preocupes, sé feliz
mírame, soy feliz
no te preocupes, sé feliz

Te daré mi número de teléfono
cuando estés preocupado, llámame
yo te haré feliz
no te preocupes, sé feliz
no tienes dinero, no tienes estilo

No tienes chica que te haga sonreír
no te preocupes, sé feliz
porque cuando estás preocupado, frunces el ceño
y ello hará que todo el mundo se deprima

Así que no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, no te preocupes, no lo hagas
sé feliz. Pon una sonrisa en tu cara

No deprimas a la gente
no te preocupes, pronto pasará, sea lo que sea
no te preocupes, sé feliz
yo no estoy preocupado, soy feliz

VERSIONES

Los holandeses de HERMES HOUSE BAND, especialistas en dar su toque personal a clásicos del pop, se fijaron en esta canción en 2009. Le incorporaron el ritmo festivo de todas sus creaciones.

El montenegrino RAMBO AMADEUS grabó una recreación irónica.

El portorriqueño S7ETE, acompañado por sus compatriotas de Sí, Señor, cantó este tema en castellano.

El grupo vocal THE OVERTONES protagonizó una interpretación muy interesante.

Como curiosidad está la versión punk del grupo español THE LOCOS.

La canción ha aparecido en varias películas, incluso en algunas de Boollywood, pero la más conocida es ‘COCKTAIL’, protagonizada por Tom Cruise. Su inclusión en la banda sonora ayudó mucho a la popularidad de ‘Don’t worry, be happy’. También la hemos podido ver en pantalla grande o en televisión en ‘Sayonara Zetsubou Sensei’, ‘Flushed away’, ‘El príncipe de Bel-Air’, ‘Los Simpsons’, ‘Nip/Tuck’, ‘Casper: A spirited beginning’ y ‘That ‘70s Show’.

La PUBLICIDAD ha sobreexplotado ‘Don’t worry, be happy’ a lo largo de todo el mundo. Desde compañías de coches de alquiler o pañales, pasando por todo tipo de alimentos. Sin embargo, durante las últimas fechas se ha hecho muy popular en España el anuncio de una compañía telefónica que muestra a los belgas Nico y Olivier Favresse, Sean Villanueva y Ben Ditto, que en 2011 recibieron el premio Piolets d’Or –los Óscar del alpinismo–, colgados a cuatrocientos metros de altura y cantando la canción de McFerrin. Siempre llevan durante sus ascensiones instrumentos musicales para amenizar el final de sus aventuras. En este caso utilizan una mandolina y un bandoneón, cuyos sonidos comparten mediante una videollamada desde los Mallos de Riglos, en Huesca.

BOBBY MCFERRIN (Nueva York, 1950) está condenado a ser siempre el hombre que cantó ‘Don’t worry, be happy’. Pero realmente para él, esta canción, sólo ha constituido una anécdota en su larga trayectoria como compositor y vocalista de jazz con un rango de cuatro octavas. Especialista en temas a capella, con un estilo cercano a las fusión del jazz y el reggae, tiene en el mercado una docena de trabajos discográficos.

También es muy conocido por realizar improvisaciones con la complicidad del público de sus conciertos, siempre intentado dejar claro que la música es una forma de divertirse, una método de vida. Ha colaborado con solistas como los pianistas de jazz Chick Corea y Herbie Hancock, y el violonchelista Yo-Yo Ma o con la Saint Paul Chamber Orchestra.


El estadounidense estaba condenado a encaminar su vida hacia la música. Hijo de cantantes de ópera, a los seis años ya tocaba el piano, y luego practicó con el clarinete y flauta hasta que cursó estudios superiores de teoría musical y composición. Se inició como cantante en el coro de la iglesia de su barrio neoyorquino.

Abandonó la Gran Manzana cuando dejó la universidad. Se trasladó a California, donde se ganó la vida como pianista y cantante en diversos clubes nocturnos. Se hizo conocido cuando en 1980 participó en el festival de Newport y obtuvo grandes críticas, hasta el punto de ser considerado la nueva estrella del jazz de los ochenta.

De inmediato comenzó una gira exitosa con George Benson, lo que le decidió a lanzarse a emprender su carrera en solitario en 1983. Un año más tarde grabó su primer disco y desde entonces todos nos rendimos a sus efectos vocales, como la recreación de un bajo sobresaturado, que logra cantando y golpeando suavemente su pecho.

Joe Dassin – L’été indien (Verano indio)

2014 junio 10

Aquí le llamaríamos el veranillo de San Miguel o San Martín, pero en Estados Unidos es conocido como el verano indio. De cualquier manera, hablamos de lo mismo. De ese rebrote del estío que nos regala el otoño en noviembre –en el hemisferio norte– o en mayo –en el sur–, impregnado de un tiempo espléndido que nos carga las pilas ante la inminente llegada del invierno. Las fechas, por supuesto, son orientativas porque hay años en los que se da en octubre o abril, respectivamente.

Pero la canción ‘L’été indien’ no está dedicada al clima, sino al amor. La letra defiende que este período es el mejor para enamorarse, porque recupera las fogosidades que provoca la canícula, pero también para llorar por el amor perdido. Dassin sostiene que el fenómeno sólo ocurre en América del Norte, pero lo cierto es que su canción tuvo éxito en países lejanos de aquellas latitudes.

Hablamos, en cuanto a la melodía, de una composición erótica, a la imagen de ‘Je t’aime, moi non plus’, de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, en Francia, o ‘Todo el tiempo del mundo’, de Manolo Otero, en España.

En 1975 Joe Dassin interpretó en francés esta especie de balada destinada a reinar entre las piezas lentas de las famosas ‘boites’ de los años setenta. La profunda voz del artista galo y los consabidos ‘na na nas’ del coro femenino supieron dotar del preciso matiz transpirenaico a una pegajosa melodía compuesta originalmente por los italianos Toto Cutugno, Vincenzo Pallavicini y Pino Massara bajo el título ‘África’. La letra para el mercado francófono la adaptaron el propio Dassin, Pierre Delanoe y Claude Lemesle.

‘L’été indien’ constituyó el mayor éxito de la carrera del malogrado intérprete francés y en la actualidad está considerado como un clásico del pop del país vecino del norte. Pero, asimismo, supo ganarse un público entre los hispanoparlantes, entre quienes esta obra se conoció como ‘Sólo puedo mirar atrás’ o ‘Aún vivo para el amor’. Siempre tratamos de vivir en el amor y, aunque el amor nos cierre la puerta, nosotros ponemos el pie para impedirlo.

Ya sabes, esta noche me siento tan solo
y perdido porque no estás
y esos recuerdos están llenos de ti
de tu primavera, de una playa nuestra
donde fui arena para sostenerte,
de un mar nuestro donde fui la ola que te llevaba

Tu presencia, tus pequeñas cosas,
y ahora este vacío, sin poder mirar
hacia el futuro, solo sin ti
hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor

Una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser
hoy estoy muy lejos de esos recuerdos

¿Dónde estás? ¿Te acuerdas de mí o te habrás olvidado?
Tal vez tú piensas que fue una tontería conocerme,
y aquella arena y aquel mar sólo fueron recuerdos

Cierro los ojos y te imagino
te esperaré un mes, un año, toda la vida,
porque lo que siento no tiene tiempo,
se llama amor.

Hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor,
una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser

VERSIONES

Para la traslación al CASTELLANO la letra de la canción fue adaptada en 1976 por J. Israel y los hermanos McCluskey.

La tecnología logró que el desaparecido Joe Dassin cantara el tema con su autor, TOTO CUTUGNO.

Las grandes orquestas pop, como la de PAUL MAURIAT, pronto vieron las virtudes de ‘L’été indien’.

Más moderna es la revisión que firmó en 2011 la cantautora italiana IN-GRID.

Por último, la banda rusa BONEY NEM –en clara parodia de Boney M– también nos ofreció su peculiar visión.

JOE DASSIN (1938-1980) murió joven, pero dejó para sus seguidores una actividad musical intensa. Aunque nació en Nueva York hijo de artistas –su padre era un director de cine ruso judío y su madre violinista húngara–, siempre se ha considerado francés ya que a los doce años se estableció en París porque su familia tuvo que huir a Europa acosada por el ‘macartismo’ debido a sus creencias políticas.

Inicialmente, no quiso seguir la vereda familiar y optó por estudiar Antropología tras regresar a Estados Unidos, aunque finalmente se doctoró en Filosofía. Durante su época estudiantil trabajó como disc jockey y fue entonces cuando el veneno musical prendió en su interior.

Otra vez en tierras galas fue contratado como secretario de la compañía CBS Records, donde tuvo sus primeras oportunidades para grabar canciones. Aunque los comienzos no fueron fáciles, llegaron los primeros éxitos en los sesenta. Sin embargo, su consolidación se produjo en la siguiente década con temas como ‘A ti’ o el analizado ‘L’ete indien’. Su condición de políglota le permitió sacar canciones al merado en inglés, alemán, español, italiano y griego.

Murió a los 41 años de un ataque cardíaco durante unas vacaciones en Tahití. Fue enterrado en el cementerio Hollywood Forever, ya que pasó gran parte de su niñez en la ciudad californiana. Es uno de los cantantes que hoy aún más ingresos genera por derechos de autor en Francia.

Antonio Machín – Angelitos negros

2014 junio 3

Esta canción es tan popular que hasta una bodega de la denominación de origen zamorana de Toro ha bautizado a un vino con su nombre. Seguro que siete meses en barricas de roble francés y americano garantizan el sabor del caldo tinto, pero casi setenta años en el mundo de la música popular hacen que ‘Angelitos negros’ se erija casi en un himno litúrgico para los amantes de los boleros. De hecho, está considerada como una de las cincuenta composiciones favoritas de los españoles de todas las edades y épocas.

Este abierto alegato antirracista, que nos hace a todos querer ser negros a pesar de que nuestra piel sea pálida como la leche, sigue candente en una época como la actual, en la que los brotes de la xenofobia están a la orden del día. Sin embargo, el artista cubano lo grabó en 1947, consiguiendo un éxito inmediato en España, lo que supuso su asentamiento definitivo. Afortunadamente, nunca sufrió la discriminación a la que cantó.

El tema tomó como letra un poema del venezolano Andrés Eloy Blanco que se adentra en las profundidades de la discriminación racial. El autor llama a la reflexión sobre la problemática, para determinar al final que todos los seres humanos comparten el mismo nivel de humanidad, aunque son muchos los que lo olvidan, incluido el pintor de santos en iglesias.

Al parecer, Blanco se inspiró en un cuadro de la Virgen de Coromoto, patrona de Venezuela, colgado en la Basílica de la Macarena de Sevilla. La imagen aparece rodeada de angelitos blancos, mulatos o indios, pero no negros.

La música la puso el compositor mexicano Manuel Álvarez Maciste. Inicialmente ‘Angelitos negros’ fue interpretada por la cantante mexicana Toña la Negra y luego por el actor y solista, también azteca, Pedro Infante, dentro de la banda sonora de la película del mismo título rodada en 1946, pero fue Machín quien dotó a ‘Angelitos negros’ de la popularidad de la que hoy dispone en todos los países de habla hispana.

El cantante caribeño la interpretó primero como una canción morisca, pero pronto fue adaptada al ritmo de bolero imperante en aquellos tiempos. Ello obligó a reducir la poesía y eliminar también algunAs palabras de jerga venezolana. Fue así como se grabó y como ha llegado a la actualidad.

No sería justo acabar la referencia a ‘Angelitos negros’ sin hablar de las famosas maracas de Machín, que marcaron el ritmo de esta canción y de toda una generación. Esa armonía cadenciosa e inolvidable.

Pintor nacido en mi tierra
con el pincel extranjero
pintor que sigues el rumbo
de tantos pintores viejos

Aunque la Virgen sea blanca
píntame angelitos negros
que también se van al cielo
todos los negritos buenos

Pintor
si pintas con amor
Por qué desprecias su color
si sabes que en el cielo
también los quiere Dios

Pintor de santos de alcoba
si tienes alma en el cuerpo
porque al pintar en tus cuadros
te olvidaste de los negros

Siempre que pintas iglesias
pintas angelitos negros
pero nunca te acordaste
de pintar un ángel negro

Pintor de santos de alcoba
si tienes alma en el cuerpo
por qué al pintar en tus cuadros
te olvidaste de los negros

Siempre que pintas iglesias
pintas angelitos bellos
pero nunca te acordaste
de pintar un ángel negro

VERSIONES

Es una de las canciones del ámbito hispano que más veces ha sido interpretada, incluso por artistas de habla inglesa. Es el caso de la norteamericana ROBERTA FLACK, que cantó ‘Angelitos negros’ en 1969.

En España, entre otros, la folclórica LOLA FLORES le dio su toque a este histórico tema.

Es muy reseñable la melancólica interpretación de PEDRO INFANTE para la película más arriba mencionada.

De sublime puede ser calificada la visión personal de SOLEDAD BRAVO. La sacó al mercado en 1995.

Otros cantantes que incorporaron la composición de Andrés Eloy Blanco y Manuel Álvarez Maciste a sus repertorios fueron el dúo uruguayo Los Olimareños, las estadounidenses Ertha KittCat Power, Conchita Piquer, Nana Mouskouri, Niña Pastori, Celia Cruz, Javier Solís, Los Pasteles Verdes, Los Ángeles Negros, Julia Zenko, Imelda Miller, Emilio Solo, Chavela Vargas o Xiomara Alfaro.

ANTONIO MACHÍN (Sagua La Grande, Cuba, 1903 – Madrid, 1977) constituye uno de los intérpretes principales de la música sentimental española gracias a su protagonismo en la difusión de los boleros cubanos y los ritmos antillanos. Su dulzura, su bondad, su parsimonia y su elegancia sembraron las décadas de los cincuenta y los sesenta de temas que llegan al corazón.

Se instaló en la península al estallar la Segunda Guerra Mundial y se afincó definitivamente en Sevilla al casarse con una vecina de la capital hispalense a la
que conoció en 1943 durante una gira.

Su carrera era ya extensa antes de pisar nuestro país. Sus primeras grabaciones datan de los años veinte, en una época en la que todavía no existía ni el
microsurco y la mayor parte de la canciones se difundían por medio de la radio.

Además de ‘Angelitos negros’, Antonio Lugo Machín –su verdadero nombre cuando fue bautizado en el seno de una familia con dieciséis hijos, fruto del
matrimonio entre un emigrante gallego y una cubana de color– nos dejó temas inolvidables como ‘Madrecita’, ‘No me vayas a engañar’ o ‘Dos gardenias’,
entre otros doscientos que se estima registró. Su voz y su inimitable manera de tocar las maracas crearon un estilo que dio pie al nacimiento de la música
romántica española.

Luz Casal – Piensa en mi

2014 mayo 30

Han sido muchos los ejemplos de canciones que han reivindicado su calidad o han vuelto a la actualidad de la mano de su inclusión en una banda sonora cinematográfica. El bolero ‘Piensa en mi’ es una de ellas. Porque el tema que escribió el maestro mexicano Agustín Lara en 1935 renació para la audiencia en 1991, gracias a que Pedro Almodóvar –con su habitual buen ojo para la música– la eligió para dar sonido a su producción ‘Tacones lejanos’.

La magnífica interpretación, dulce y romántica, la firmó la asturgalaica Luz Casal. En el filme, fue Marisa Paredes la que encarnó la reaparición artística de la cantante y actriz Becky del Páramo tras años alejada de los escenarios españoles.

La voz desgarrada de Luz esparce al aire una letra profunda y verdadera que recoge los tópicos del desamor: una entente imposible, un corazón roto, perennes ganas de llorar, amores malos, soledad eterna, un alma torturada… para conformar un tema eterno que está por encima de modas.

Porque, pertenezcamos a la generación que pertenezcamos, nos transmite emoción y miles de sentimientos. Y es que, ¿quién no ha llorado alguna vez por amor, por la nostalgia del ser amado que se ha ido, pero que sigue esculpido en nuestras mentes evitando cualquier intento de consuelo?

Una composición, en suma, que nunca produce indiferencia porque nos habla de experiencias vitales que pudieron ser nuestras, que tal vez pasaron por nuestra existencia cargadas de emoción y que todavía reviven en nuestro interior pese al paso de los años y de que ya tenemos una vida detrás.

Un bolero clásico que nos habla de la soledad y el sufrimiento que queda cuando el amor se fue, de los que te remueve por nada y por todo. Musicalmente, la versión de Luz quiso huir de ello. No pretendió dar un nuevo matiz o actualizar el estilo con nuevos arreglos sino que buscó repetir el original. Para ello, se volvió a grabar con instrumentos propios de la época original. La voz, la suya personal, es símbolo de una presencia vocal y humana única, según dijo alguien a quien no recuerdo.

Esta composición se escuchó en el entierro de la mujer más rica de España, Rosalía Mera, la primera esposa de Amancio Ortega, el fundador de Zara. La interpretación, que tuvo lugar en el cementerio de la parroquia coruñesa de Santa Eulalia de Liáns, en Oleiros, corrió a cargo del grupo de música Luar na Lubre. Luz Casal también estuvo presente, aunque no llegó a cantar.

Si tienes un hondo penar, piensa en mí…
si tienes ganas de llorar, piensa en mí…
ya ves que venero tu imagen divina,
tu párvula boca que siendo tan niña
me enseñó a pecar

Piensa en mí cuando sufras,
cuando llores también piensa en mí,
cuando quieras quitarme la vida,
no la quiero para nada,
para nada me sirve sin ti

Piensa en mí cuando sufras,
cuando llores también piensa en mí,
cuando quieras quitarme la vida,
no la quiero para nada,
para nada me sirve sin ti

Piensa en mí cuando sufras,
cuando llores también piensa en mí,
cuando quieras
quitarme la vida,
no la quiero para nada,
para nada me sirve sin ti

Piensa en mí…

VERSIONES

Justo es ofrecer en primer lugar la interpretación original del propio AGUSTÍN LARA.

Impresionante, por desgarrada y cruel, la revisión que firmó CHAVELA VARGAS.

LOS PANCHOS, como siempre, dieron su deliciosa visión del clásico mexicano.

La cantante mexicana EUGENIA LEÓN, de gran prestigio en su país, quiso aportar su matiz a este clásico.

El puertorriqueño DANNY RIVERA pretendió dotar a la canción de un aire más moderno. Cuestión de gustos.

LUZ CASAL nació en Galicia (La Coruña, 1958), pero se crió en Asturias, donde formó sus primeros grupos. Al cumplir la mayoría de edad –entonces se alcanzaba a los veintiún años– decidió apostar firmemente por la música y se encaminó hacia Madrid en busca de una oportunidad.

Su voz rasgada hizo coros hasta que consiguió grabar un single lleno de insinuación y erotismo que le permitió ser telonera de Miguel Ríos en 1983. Aún se la recuerda por su lunar en la mejilla derecha y su afición a los vestidos extravagantes con colores rojo y negro.

Se hizo con un nombre que ya la encaminó hacia una carrera sólida con una docena de trabajos en el marcado. Inicialmente cultivó el rock y luego las baladas desgarradas, como la que hoy analizamos. De hecho, su interpretación de ‘Piensa en mi’ supuso un punto de inflexión en su andadura profesional.

Cuando mejor situada estaba en el panorama musical hispano le fue diagnosticado un cáncer. Entonces inició una nueva lucha, una batalla sin cuartel que finalmente se saldó con una victoria. A nadie le extrañó que triunfara sobre la enfermedad, porque Luz siempre ha sido un símbolo de fuerza.

Nino Bravo – Libre

2014 mayo 25

En 1973 los compositores José Luis Armenteros y Pablo Herreros -excomponentes del grupo Los Relámpagos y luego impulsores de Fórmula V– otorgaron a Nino Bravo la canción que le dio más popularidad. ‘Libre’ no sólo es el tema más famoso del cantante valenciano, sino que con el paso del tiempo se ha convertido en todo un símbolo del pop español.

Desde entonces esta canción ha estado presente en nuestras vidas, bien en celebraciones, bien en publicidad, o bien, ya en la modernidad, en la listas de reproducción de nuestros artilugios sónicos. Hasta nos hemos atrevido a cantarla quienes nacidos invalidados para la música, porque siempre nos ha transmitido alegría, exaltación. Y sobre todo porque nos ha dotado de sensación de libertad.

La voz de Nino Bravo bastó para convertir ‘Libre’ en un himno. Reinó inicialmente en las listas de éxitos en los estertores de la dictadura de Franco. Sobrevivió al régimen y aún goza de una salud impresionante. ¿A que nadie conoce a un ser humano que no la haya oído en alguna ocasión?

Siempre se sospechó que se trataba de una alegoría y todos los que así pensaban estaban en lo cierto. Pero todos también estaban equivocados en cuanto a su verdadero significado. En su época se emparejaba ‘Libre’ al deseo de libertad del pueblo español tras largas décadas de dictadura y se traducía su letra como un enjambre de metáforas que trataban de trasladar un mensaje reivindicativo que directamente no se podía ofrecer.

Sin embargo, cuatro décadas después se ha conocido la historia oculta y trágica. Sí que la canción habla de libertad, pero se refería a la que perseguía la primera víctima del Muro de Berlín, un joven mártir que perdió la vida el 17 de agosto de 1962 cuando intentaba abandonar el régimen comunista de la Alemania Oriental de Eric Honecker para pasar al lado occidental de la capital germana, la capitalista.

Peter Fechter era un obrero de la construcción de 18 años que trató de cambiar de bando junto a su compañero de trabajo Helmut Kulbeik. Su plan era tan sencillo como suicida. Consistía en esconderse en el taller de un carpintero cercano al muro y aprovechar un descuido de los guardias de la frontera, los conocidos ‘vopos’, para saltar por una ventana y atravesar el espacio conocido como ‘corredor de la muerte’ con el objetivo de alcanzar el Checkpoint Charlie custodiado por los estadounidenses.

Como era de prever nada salió como ellos pensaban. Sí que llegaron hasta el muro sin problemas, pero cuando ya estaban en su parte superior, fueron descubiertos. Los disparos sonaron y Peter resultó alcanzado en la pelvis y quedó tendido en el suelo, en tierra de nadie, durante cincuenta angustiosos minutos. Se desangró a la vista de todos y sin que nadie hiciera nada.

Los soldados del lado este, los que le dispararon, omitieron cualquier auxilio. Los norteamericanos, en el oeste, se limitaron a lanzarle un botiquín. Vecinos de ambos bandos y periodistas contemplaron impotentes su agonía mientras gritaban a los militares que le ayudasen. Finalmente, el cadáver fue recuperado por los uniformados de RDA. Fue un duro golpe para la esperanza de los berlineses de alcanzar la libertad.

Las fotografías de aquel símbolo de la crueldad humana dieron la vuelta al mundo, pero nada cambió hasta que el muro cayó en 1989. En 1997 dos antiguos soldados de la RDA fueron juzgados y condenados a un año de cárcel por la muerte de Peter Fechter.

Tiene casi veinte años y ya está
cansado de soñar
pero tras la frontera está su hogar,
su mundo y su ciudad

Piensa que la alambrada sólo
es un trozo de metal
algo que nunca puede detener
sus ansias de volar

Libre,
como el sol cuando amanece yo soy libre,
como el mar

Libre,
como el ave que escapó de su prisión
y puede al fin volar

Libre,
como el viento que recoge mi lamento y mi pesar,
camino sin cesar,
detrás de la verdad,
y sabré lo que es al fin la libertad

Con su amor por bandera se marchó
cantando una canción
marchaba tan feliz que no escuchó
la voz que le llamó.

Y tendido en el suelo se quedó,
sonriendo y sin hablar;
sobre su pecho, flores carmesí
brotaban sin cesar

VERSIONES

MARTA SÁNCHEZ cantó el tema al que hoy nos referimos en un disco de homenaje a Nino Bravo publicado en diciembre de 2009. La madrileña, como siempre, lo bordó.

En 1995 el maestro JUAN CARLOS CALDERÓN, que había trabajado con Nino Bravo, utilizó los avances tecnológicos para regrabar los temas del valenciano como duetos, mezclando interpretaciones originales con otras realizadas por artistas del momento. ‘Libre’ fue cantada por nuestro protagonista junto a su paisano FRANCISCO.

Cuatro años más tarde EL CHAVAL DE LA PECA se atrevió con la canción. Los resultados fueron… Bueno, juzguen ustedes.

En 2009 pasó por los teatros españoles un musical dedicado a la vida artística de la voz levantina. El joven valor que le encarnó fue JOSÉ VALHONDO.

El mundo de la PUBLICIDAD siempre fue consciente de potencial movilizador del tema compuesto por Armenteros y Herreros. Se hizo muy famoso un anuncio de la empresa telefónica Amena.

NINO BRAVO (3 de agosto de 1944) fue bautizado en el pequeño pueblo valenciano de Aielo de Malferit como Luis Manuel Ferri Llopis. Sin embargo, su vida artística la desarrolló con el nombre con el que siempre le hemos conocido.

Desde muy temprana edad –con su familia ya instalada en Valencia– cantó en tunas, rondallas y grupos como Los Hispánicos o Los Superson’s. En 1964, tras regresar del servicio militar, adoptó su nombre artístico tras contactar con un mánager que le convence de ello.

 

Un éxito relativo en el Teatro Principal de la capital del Turia, con motivo de las Fallas, le abre las puertas de la casa discográfica Fonogram. Publica canciones de Manuel Alejandro que no consiguen repercusión, pero que sí le hacen salir del anonimato y comenzar a cantar en otras ciudades.

En el verano de 1970, Augusto Algueró le ofrece interpretar ‘Te quiero, te quiero’, su primer gran éxito. A partir de ahí comienza una carrera imparable con temas como ‘Noelia’, ‘Perdona’, ‘Mi gran amor’, ‘Ésa será mi casa’, ‘Mi querida mamá’ o ‘Voy buscando’. Y sobre todo ‘Un beso y una flor’, ‘Mi tierra’, ‘Libre’ y ‘América, América’.

Su fama traspasó las fronteras españolas y cosechó éxitos importantes en la mayoría de los países sudamericanos. Sólo el destino evitó que Nino se consagrara como el cantante pop por excelencia de la música española. El 16 de abril de 1973 un accidente de tráfico acabó con su vida.

En tan sólo cuatro años de carrera musical fue capaz de crear un legado y una leyenda.

Danza Invisible – Sabor de amor

2014 mayo 19

Si preguntas a cualquier persona con mas de 30 años por Danza Invisible inevitablemente la respuesta es ‘Sabor de amor’. Como es también mi caso, esta canción de 1988 será la elegida del conjunto malagueño por este blog. El tema supuso un antes y un después en la trayectoria del grupo malagueño. «Multiplicamos nuestro público de la noche a la mañana. De pronto comenzaron a aparecer quinceañeras que se habían enganchado a ‘Sabor de amor’ y nosotros flipábamos. En ningún momento hubiésemos imaginado que iba a tener éxito alguno. Había chicas gritándonos en el camerino tras los conciertos y toda la parafernalia ésa de las fans», explicaba en una entrevista pretérita Javier Ojeda, líder de la banda. Leer más

Richard Cocciante – Bella sin alma

2014 abril 25

Nos topamos con una de las mejores canciones de amor, o desamor, de los años setenta del pasado siglo. Pero ‘Bella sin alma’, originariamente ‘Bella senza anima’ en italiano, ha evolucionado con el paso del tiempo para convertirse en un tema eterno y universal, tanto por la intensidad y la pasión de su interpretación como por su mensaje desgarrador.

La inigualable voz de Richard Cocciante desde 1974 emite gritos de dolor por la inminente pérdida de la amada tras una traición, una situación en la que hemos podido vernos reflejados todos. Porque siempre habrá bellos y bellas sin alma cuando se ama con ceguera y no se percibe, o tal vez se malinterpreta, el engaño. Quien no ha sufrido de la manera que lo expresa esta composición es que en realidad nunca ha amado. Leer más

Sam Brown – Stop (Para)

2014 abril 14

‘Stop’ no consiguió inscribirse en la lista de grandes baladas de la historia nada más dar sus primeros pasos en el universo musical de aquel 1988. Tuvo que esperar un año. Fue en 1989 cuando el single obtuvo un reconocimiento mundial, materializado en la venta de más de dos millones y medio de copias, cifra impensable para una artista novel y desconocida como Sam Brown, que hasta entonces no contaba con ninguna obra en el mercado.

La británica utilizó su voz fantástica, semirota y muy personal para contarnos una historia de engaños y mentiras dentro de una pareja. Es igual que el protagonista del amor roto fuera hombre o mujer. No importa el género del traicionado. Duele igual cuando se ha dado todo y te fracturan el corazón.

Un mensaje que San Brown sustentó sobre un gran acompañamiento musical e interpretó con una garganta dolida y enrabiada, con convencimiento cercano al dramatismo. La canción transita a través de una vereda ornamentada con un preludio de cuerdas de los violines, una tranquila batería y un piano soul apenas perceptible pero constante. A la postre, un conjunto tan simple como efectista que derivó en una obra elegante, de sensibilidad extrema, resolutiva, universal… Leer más

Manolo Tena – Sangre española

2014 abril 9

‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha. Leer más

Lorenzo Santamaría – Para que no me olvides

2014 abril 1

Nunca hay que olvidar a las personas que amas, aunque a veces se nos olvida que jamás deberíamos olvidarlas. Pero para sacarnos de nuestro error reaparece cada cierto tiempo Lorenzo Santamaría con su ‘Para que no me olvides’, canción romántica a más no poder publicada en 1976 –hace por tanto casi cuatro décadas–, pero que se ha convertido en un clásico inolvidable del pop hispano. De hecho, será el estandarte de una gira recopilatoria de sus mejores composiciones que el cantante protagoniza por estas fechas en Latinoamérica.

Hablamos de un tema que insistentemente piden al veterano cantante mallorquín en todos sus conciertos. ‘Para que no me olvides’ fue, junto a ‘Si tú fueras mi mujer’, la composición que le dio gran fama y éxito como baladista. Este single marcó un antes y un después en la carrera del intérprete. Su repercusión fue tal –con el ineludible número uno del momento– que pocos serán los amantes de la música de mediana edad que no la conozcan. Leer más

Prince – Raspberry beret (Boina frambuesa)

2014 marzo 26

‘Raspberry beret’ es pura magia colorista. La magia está en manos de los magos y Prince lo es. Sobre todo en la producción, faceta por la que destaca este tema de 1985, que hizo que el norteamericano ganara adeptos incluso en ese sector del público que en sus primeros años le calificó de «negro, sucio y degenerado». Sin embargo, la canción se tuvo que conformar con el número dos de la lista de éxitos norteamericana.

Su alegre melodía y la incorporación de los violines bastaron para encandilar a los aficionados al pop de todo el mundo. Hubo incluso quien quiso ver en la composición del de Mineápolis ciertos tintes de la estética musical de los propios Beatles. Para ello se olvidó de su querencia a las exhibiciones de guitarra y redujo los punteos al mínimo. Leer más

Navajita Plateá – Noches de bohemia

2014 marzo 19

Cerrar los ojos y escuchar ‘Noches de bohemia’ puede derivarnos a uno de los momentos más placenteros o dolorosos, según nuestra situación emocional. Llegaremos a la primera estadio si jamás hemos sido víctimas de una situación de desamor o si la hemos superado ya y la vemos como un recuerdo borrado de nuestra memoria. Estaremos en la segunda circunstancia si aún nos quedan heridas por cicatrizar de una relación que no fue lo que se esperaba y que además nos deparó una sensación de traición.

Y una tercera opción es, si nuestro pasado nos permite mantenernos distantes del mensaje de su letra, disfrutar sin condicionamientos de un gran tema, dotado de introducción, música, acordes sencillos y letra de gran calidad. Esta rumba flamenca de ritmo lento estremece al describir un romance fallido. Cuántas sensaciones transmite, cuánto llanto, cuánto recuerdo… El que no llegue a sentir algo parecido a lo largo de su vida morirá incompleto. ‘Noches de bohemia’, tan amada como odiada, está destinada sólo a gente con sensibilidad a flor de piel. Leer más

Bill Medley y Jennifer Warnes – (I’ve had) The time of my life (He vivido el mejor momento de mi vida)

2014 marzo 13

‘(I’ve had) The time of my life’ está indisolublemente unida a la película ‘Dirty dancing’. Desde 1987 nada más escuchar sus primeras notas nuestra mente se encamina al filme protagonizado por Patrick Swayze y Jennifer Grey. Ese año esta canción consiguió un éxito sin igual, cosechando un Grammy, un Globo de Oro y un Óscar. Ni que decir que fue número uno en medio mundo.

Nos encontramos ante un tema de encargo. El productor Jimmy Ienner solicitó al compositor Franke Previte que escribiera un obra que tenía que durar sobre unos siete minutos y contar con un contenido rítmico creciente. Además, todas estas condiciones deberían plasmarse en estilo mambo. Inicialmente la invitación fue rechazada, pero Ienner consiguió finalmente convencer a Previte con una sola frase: «Esta canción va a cambiar tu vida». Y así fue. El devenir de Previte, de John de Nicola y de Donald Markowitz, que colaboraron en el proceso de creación, nunca fue el mismo desde el estreno de ‘Dirty dancing’. Leer más

Camilo Sesto – Vivir así es morir de amor

2014 marzo 7

Corría el año 1978 cuando se manifestaron los primeros síntomas de mi melomanía. Estaba en plena adolescencia. Aunque ya escuchaba música con anterioridad, no fue hasta entonces cuando me descubrí adicto. Gran culpa de ello tuvo un radiocassette en formato maletín que llegó a mí de manos de un primo que navegaba y que lo compró en Holanda. Tenía la herramienta, pero me faltaba el material. Carecía de cintas, porque hasta entonces en mi casa el equipamiento sonoro lo integraba en solitario un tocadiscos traído por mi padre de una de sus travesías en la marina mercante. Junto a él malvivían unos pocos singles.

Por eso comencé a hacerme con algunos cassettes abandonando los habituales pedidos de libros en Círculo de Lectores y sustituyéndolos por cassettes. Uno de mis primeras adquisiciones fue el álbum ‘Sentimientos’, de Camilo Sesto, entre cuyas diez canciones estaba ‘Vivir así es morir de amor’, el tema más vendido de su discografía. Por supuesto, fue número uno en España y en numerosos países latinoamericanos. Leer más

Avicii – Levels (Niveles)

2014 febrero 11

 

Hoy toca describir cómo es la vida de muchas personas que a lo largo de tantos años –ahora hasta los 67 gracias a nuestros gobernantes– vamos y venimos, con las mismas rutinas, cada uno de los días de todos esos años. Deambulamos por la vida con una sintonía sistemática que se repite hasta la saciedad y que es siempre igual.

Caemos en la monotonía, nos dejamos llevar, todos los días son peligrosamente iguales, pasan como un anuncio de televisión, como el hojear de un periódico, como un programa de radio al que no prestamos atención por mero aburrimiento, como el piloto automático por el que te dejas llevar. La rutina de la vida cae como una losa triste y repetitiva de la que deseas escapar rabiosamente, pero no puedes y no debes, y menos aún tal y como anda el panorama. Es un lujo que no nos podemos permitir. Leer más

The Weather Girls – It’s Raining Men (Están lloviendo hombres)

2014 febrero 9

La historia de esta canción es similar a la de aquellas películas que grandes actores rechazan protagonizar y que luego se convierten en grandes éxitos de taquilla. Los protagonistas del error de elección se pasan el resto de su vida tirándose de los pelos. ‘It’s Raining Men’ ‘puso en peligro los cabellos de Donna Summer, Grace Jones, Diana Ross, Cher, Chaka Khan, Aretha Franklin, Teena Marie, Gloria Gaynor o Barbara Streisand, que rechazaron incorporar este tema a sus repertorios.

Fue escrito por Paul Jabara y Paul Shaffer en 1979 y las únicas que se avinieron a interpretarlo fueron Izora Armstead y Martha Wash, conocidas desde entonces como The Weather Girls (Las chicas del tiempo). Lo hicieron en 1983 y lo integraron en su premonitorio álbum ‘Success’ (Éxito). Leer más

Coz – Las chicas son guerreras

2014 febrero 7

‘Las chicas son guerreras’ nació unida a la polémica. Esta buena canción de Coz fue objeto de numerosas críticas por parte de los movimientos feministas, que entendían ofrecía una imagen de la mujer totalmente machista y servilista. Además, los puristas del rock acusaron a los integrantes de la banda madrileña de vender su talento heavy a la discográfica CBS, en un intento de convertirse en los Bon Jovi o Europe nacionales, primando la comercialidad sobre la autenticidad defendida, por ejemplo, por agrupaciones como Leño.

Incluso, tres décadas después, Coz volvió a cohabitar con el escándalo cuando el autor de ‘Las chicas son guerreras’, el bajista y cantante Juan Márquez, fue expedientado por la SGAE por prácticas fraudulentas en la producción de música de fondo para televisión y para pequeños videoclips de rock que proveen de contenido a los espacios de madrugada de las cadenas. «Es una música que nace muerta y acaba normalmente en esa casi clandestina explotación», se quejaba la sociedad de derechos de autor en su comunicado hace no mucho tiempo. Leer más

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