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Radio Futura – Veneno en la piel

2016 noviembre 28

Lo confieso. Me ha costado una barbaridad elegir una canción de Radio Futura. Lo que siempre tenía claro es que sería de su segunda época, la de finales de los ochenta, pero atesoraba serias dudas sobre cuál de esos temas debía incorporar al blog. Al final, he optado por ‘Veneno en la piel’ porque era el último que he oído.

Concretamente ‘Veneno en la piel’ vio la luz en marzo de 1990 y supuso un cambio en la trayectoria del trío madrileño, que se alejó un poco de los teclados y otorgó más protagonismo a los sonidos acústicos, apostando por la percusión de un ritmo limpio y claro. «Buscando una sónica sencilla y tratando de recuperar el magnetismo de las grabaciones originales de los sesenta, con planteamientos artesanales del sonido eléctrico. Tal vez no haya riesgos de trapecio, pero sí un propósito de sencillez. Lo sencillo es lo más difícil», dijo por aquel entonces el gran maestro del periodismo musical Diego Manrique.

«Hemos estado reestudiando todo el soul, el reggae y toda la aportación del Bob Dylan músico. Estos tres elementos son los pivotes fundamentales sobre los que descansa ‘Veneno en la piel’, independientemente, claro, de la influencia de la música latina», dijo, por su parte, el líder del grupo, Santiago Auserón, en la presentación del disco.

‘Veneno en la piel’ fue el primer single del long play de idéntico nombre y alcanzó de inmediato en número uno en las listas de ventas españolas gracias a algunos rasgos comerciales que los hermanos Auserón permitieron que incorporara la discográfica -la multinacional Ariola-BMG- y que, aunque en un principio fueron objeto de crítica, siempre resultaron aceptados por la audiencia.

Dicen que tienes veneno en la piel
y es que estás hecha de plástico fino.
Dicen que tienes un tacto divino
y quien te toca se queda con él.

Y si esta noche quieres ir a bailar
vete poniendote el disfraz de pecadora,
pero tendrás que estar lista en media hora
por que si no yo no te paso a buscar.

Pero primero quieres ir a cenar
y me sugieres que te lleve a un sitio caro
a ver si aceptan la cartilla del paro,
porque si no lo tenemos que robar.

Yo voy haciéndome la cuenta de cabeza
y tú prodigas tu sonrisa con esmero
y te dedicas a insultar al camarero
y me salpicas con espuma de cerveza.

Y aquí te espero en la barra del bar,
mientras que tú vas haciendo discoteca.
Como te pases, te lo advierto, muñeca,
que yo esta vez no te voy a rescatar.

Te crees que eres una bruja consumada
y lo que pasa es que estás intoxicada;
y eso que dices que ya no tomas nada,
pero me dicen por ahí: «Que sí, que sí,
que sí, que sí», y dicen, dicen…

Dicen que tienes veneno en la piel
y es que estás hecha de plástico fino.
Dicen que tienes un tacto divino
y quien te toca se queda con él.

Dices que yo no soy tu hombre ideal
mientras hojeas con soltura una revista
y me pregunto si tendrás alguna pista
o alguna foto de tu «tal para cual».

Te crees que eres una bruja consumada
y lo que pasa es que estás intoxicada;
y eso que dices que ya no tomas nada,
pero me dicen por ahí: «Que sí, que sí,
que sí, que sí», y dicen, dicen…

Versión JUAN CALAMARO

Peculiar cóver realizado por EDITH MÁRQUEZ

RADIO FUTURA fue un conjunto musical adelantado a su tiempo que durante los ochenta y los noventa consiguió ser incluido en la lista de los mejores grupos españoles de todos los tiempos. Comenzó a andar en 1979 y ya en su primer disco de un año más tarde repartió talento. Enmarcado en la movida madrileña por geografía y contemporaneidad, realmente funcionó por libre.

Aquellos temas iniciales encabezados por ‘La estatua del jardín botánico’ y ‘Enamorados de la moda musical’, rompieron moldes, pero los que finalmente conquistaron al público fueron los discos de mediados y finales de los ochenta. Canciones como ‘Semilla negra’, ‘Con la negra flor’, ‘El tonto Simón’, ‘Corazón de tiza’ o la referida ‘Veneno en la piel’ son hoy aún conocidas por los amantes de la buena música desde sus primeros acordes.

Si los trabajos iniciales del conjunto liderado por Santiago Auserón -el único doctor en Filosofía que hizo rock- ahondaron en diversas influencias presentes en la música europea contemporánea, especialmente la anglosajona, los siguientes buscaron inspiración en las estructuras musicales latinas. Obras de arte se sucedieron hasta su disolución en 1992.

Luis Miguel – Por debajo de la mesa

2016 octubre 31

Luis Miguel y los boleros viven encadenados desde que en la década de los noventa el artista mexicano penetrara en este estilo musical y descubriera que ealmente ése era su verdadero hábitat natural.

‘Por debajo de la mesa”, original de Armando Manzanero, es, tal vez, la canción que mejor refleja el idilio entre ambos astros mexicanos. Convertido en menos de veinte años en un clásico del género que nunca pasará de moda y en uno de los temas imprescindibles de Micky, el single llegó al mercado discográfico en 1997, como avance del exitoso álbum ‘Romances’, que Warner Music distribuyó y publicitó mundialmente.

Si tuviera que elegir un adjetivo para calificar ‘Por debajo de la mesa’ quizás optaría por sensual. Despierta la imagen de lo que nos imaginanos pero no conocemos. Puro deseo al son de los violines y de una impecable ejecución del oboe en la introducción.

Los arreglos en la orquestación y la dirección musical a cargo del desaparecido Bebu Silvetti, junto con la garganta y la elegancia interpretativa de Luis Miguel, dieron el brillo que precisaba esta genial composición de Manzanero, construida sobre un romanticismo a flor de piel. De cualquier forma, ‘Por debajo de la mesa’ es una obra que prueba empíricamente que el instrumento musical mas preciado es la voz.

La salida al mercado de ‘Por debajo de la mesa’ topó inicialmente con las críticas negativas de la prensa musical, pero no opinó así el público y los seguidores de Luis Miguel, que se lanzaron en avalancha a las tiendas de discos para comprarlo.

Finalmente, obtuvo también numerosos galardones. Además fue nominada a canción pop del año en Estados Unidos, donde alcanzó el número uno en la lista latina de la prestigiosa revista Billboard.

No podría ser de otro modo. La combinación garantizaba el éxito. Un gran compositor, la mejor voz de los últimos tiempos que ha dado México; y un bolero único, de esos que jamás pasará de moda, aseguraban un producto excepcional. Y así fue. Nació ‘Por debajo de la mesa’, ejemplo evidente de que las baladas servivirán mientran haya dos personas enamoradas. Poco más de tres minutos bastan para hacer sufrir y soñar al mismo tiempo.

Manzanero, como autor, cosechó el premio anual Lo Nuestro y el Premio América gracias a este poema con música de fondo. Perfección desde la letra hasta el arreglo. Manos, roces, pies traviesos… son las imágenes que nos evoca nuestra mente cuando escuchamos su melodía. ¿Quién no quisiera vivir una historia así? El amor es un arte y Manzanero lo domina. El maestro lo considera su creación favorita, como confesó en varias ocasiones.

Definitivamente, se tiene que amar para poder sentir plenamente esta canción.

VÍDEO

Filmado en blanco y negro, tiene como escenario un famoso restaurante neoyorquino que retrocede varias décadas para retratar el ambiente de los locales de los años cuarenta. Pareja guapa, cantante atractivo, música encandiladora… Ingredientes que garantizan el cielo.

Pero el trasfondo es otro. Generemos polémica. ¿No es ‘Por debajo de la mesa’ un himno a la infidelidad? ¿Un relato de un amor prohibido? De esos que se viven con intensidad, pero que nunca tienen final feliz. Placer y sufrimiento en igual medida.

Vean las imágenes. Las miradas cómplices y sutiles de Luis Miguel con la mujer de la mesa. Ella intercambia un mensaje con el artista solamente escrito con los ojos. Él le corresponde. Deseo expresado con elegancia. Ella parece dispuesta a dar un paso más, pero, por contra, no permite que su pareja se insinúe a la camarera. Los celos duelen, pero no nos damos cuenta de que también dañan cuando el perjudicado es otro.

LETRA

Cada frase de ‘Por debajo de la mesa’ transmite un sentimiento profundo y cargado de sentimientos. Nuestra alma sufre un movimiento telúrico con cada expresión, escrita por Manzanero con una sutilidad tan sensual como carnal.

Por debajo de la mesa acaricio tu rodilla
y bebo sorbo a sorbo tu mirada angelical
y respiro de tu boca esa flor de maravilla
las alondras del deseo
cantan, vuelan, vienen, van

Y me muero por llevarte
al rincón de mi guarida
en donde escondo un beso
con matiz de una ilusión
se nos va acabando el trago
sin saber, qué es lo que hago
si contengo mis instintos

Oh! Jamás te dejo ir

Y es que no sabes lo que tú me haces sentir
si tu pudieras, un minuto estar en mi
tal vez te fundirías
a esta hoguera de mi sangre
y vivirías aquí, y yo abrazado a ti

Y es que no sabes lo que tú me haces sentir
que no hay momento, que yo pueda estar sin ti
me absorbes el espacio
y despacio me haces tuyo
muere el orgullo en mí
y es que no puedo estar sin ti

VERSIONES

Obligado es escuchar ‘Por debajo de la mesa’ en la voz de su propio autor. En esta grabación podemos escuchar a MANZANERO directo. Su escasa voz es, por contra, pura dulzura.

Los españoles TAMARA Y MONCHO conformaron pareja para dotar a este bolero de un toque flamenco. Disparidad de estilos, disparidad de edades. El resultado, peculiar en este homenaje al género realizado en 2012.

SUSANA ZABALETA revisó en 2006 el tema de Mazanero, quien le acompañó al piano y compartió su voz con la soprano y actriz mexicana.

El joven DANIEL LAZO, ganador de la primera temporada de La Voz Perú, basó gran parte de su triunfo en la interpretación de esta canción.

BERTÍN OSBORNE, de actualidad televisiva, incluyó la composición de Manzanero en una recopilación de 2007.

BIOGRAFÍA

Sin duda, la comparación es arriesgada, pero hay muchos que consideran a LUIS MIGUEL como el Frank Sinatra de habla hispana. Lo cierto, es que el mexicano ha trabajado mucho para labrarse un prestigio en el mundo de la canción.

Ahora, cuando ya han pasado algunos años desde que aquel joven adolescente diera sus primeros pasos dentro de la canción, el Sol de México, con ya 46 años (Puerto Rico, 1970), es con todo merecimiento unos de los cantantes latinoamericanos más populares de la historia.

Micky, nacionalizado mexicano desde su niñez, podría ser calificado como un tenor que interpreta música popular. Poseedor de una técnica vocal envidiable, rentabiliza como nadie el diafragma y el pulmón para extraer notas musicales inverosímiles.

Lleva sobre los escenarios desde los 10 años y desde entonces no ha hecho salvo desarrollar su talento.

Harry Nilsson – Without you (Sin ti)

2016 octubre 5

La desgarradora revisión de la canción ‘Without you’, del grupo británico Badfinger, que firmó en 1972 Harry Nilsson bajo la producción de Richard Perry, habitual colaborador de Art Garfunkel y Diana Ross, mejora con el paso del tiempo. La maestría del cantante, escritor, pianista y guitarrista norteamericano de ascendencia sueca con los covers le valió un Grammy y escalar al número uno en ambos lados del Atlántico.

En ‘Without you’ Nilsson demuestra estar en posesión de una gran voz y su compromiso por todo lo que hacía, alterando totalmente el original, compuesto dos años antes por Pete Ham y Tom Evans, y producido por Geoff Emerick. El cambio resultó muy fructífero, porque Nilsson vendió todos los discos posibles y convirtió la balada en inmortal, en una de las mejores de todos los tiempos, mientras que Badfinger no logró ni dar a conocer este gran tema al imaginario popular.

‘Without you’ es tan lenta como efectista, gracias a unas simples escalas musicales que trasladan gran dramatismo. Nos recuerda que la vida de un miembro de una pareja no tendrá sentido sin la otra mitad. El amor se ha terminado y ya sólo queda un profundo lamento en forma de canción sencilla y envolvente. El dolor de las despedidas, que a veces es necesario e inevitable para emprender un camino nuevo, no puede describirse mejor.

Sin embargo, hay también quien cree que el mensaje va más allá de una relación de pareja, alcanzando al amor por un ser querido, un amigo, un padre, un hermano, un familiar… tras su fallecimiento.

LETRA

No, no podré olvidar aquella tarde de penuria
ni tu cara mientras te estabas marchando
Pero me pregunto si la historia estaba
escrita así o qué fue lo que pasó

Siempre sonreías pero por tus ojos
tu dolor se dejaba ver
Sí, era inevitable

Nunca podré olvidar aquella mañana
Cuando pensé en todos mis pesares
Cuando te tuve allí cerca de mí
pero permití que te arrancaran de mi lado.

Y ahora estoy en todo mi derecho
de dejar que sepa todo el mundo
lo que seguramente tú debiste de saber:
No puedo vivir si la vida es sin ti
se me va la fuerza, no puedo seguir ya más
¡No puedo vivir si me haces falta aquí
no puedo seguir, no puedo continuar ya no!

No, jamás podré olvidar esta pesadilla
ni tu cara mientras te estabas despidiendo.
Pero me pregunto si estaba esto escrito así o
fue el destino el que simplemente se equivocó.

Siempre voy con una sonrisa a la vida pero esta
vez el dolor se apoderó completamente de mi.
No puede ser
¡No puedo vivir si la vida no es contigo
siento que muero, no puedo seguir ya más!
¡Me falta el aire si me dejas solo en esta vida
no quiero vivir, no puedo levantarme ya no!

Nooo!!!!
No, así no puedo vivir
No me quedan ganas de seguir
No, ya no
No, no, no, no puedo
Siento que muero
Ya no puedo luchar más

Si la vida no es contigo
Para qué continuar
No puedo vivir, no puedo dar ya más
Se me va la vida también
No, ya nada importa
No quiero vivir de esta manera

VERSIONES

El propio Nilsson grabó ‘Without you’ EN CASTELLANO para el mercado hispano. No me atrevo a calificarla.

Para comparar nada mejor que la interpretación original de BADFINGER.

MARIAH CAREY aumentó la popularidad del tema en 1994, justo algo después del fallecimiento de Nilsson.

‘Without You’ fue también incorporado a su repertorio por otros artistas como la cantante Shirley Bassey, Cilla Black, la banda de rock americana Herat, Air Supply, Tito Nieves –en versión salsa– o Ronnie Aldrich with The London Festival Orchestra.

BIOGRAFÍA

HARRY NILSSON era natural de Brooklyn, donde nació en 1941. Tuvo una infancia dura porque se crió con la media hermana de su madre, que tenía problemas con el alcohol y económicos. Cuando tenía diez años se trasladó a California, donde vivió con su familia en un pequeño remolque, hasta que su madre fue encarcelada por firmar cheques sin fondoss.

Se tuvo que poner a trabajar en el Teatro Paramount, donde tuvo su primer contacto con la música gracias a los cantantes y grupos que allí actuaban. Conoció a John Marascalco y Phil Spector, para quienes escribió canciones siguiendo la influencia del rhythm and blues de artistas como Ray Charles y The Everly Brothers.

Su cita con el éxito se produjo con la canción ‘Everybody’s talkin’, tema central de la película ‘Cowboy de medianoche’.

Luego llegó ‘Without you’, que le reafirmó como gran promesa del pop estadounidense del momento. Su fama creció cuando los componentes de The Beatles dijeron que era su cantante favorito. John Lennon, incluso, le produjo un álbum en el que también participó Ringo Starr.

Pero Nilsson optó por permanecer en la sombra, quizá por el pánico a actuar en público que mantuvo toda su vida pese a ser un compositor e intérprete mayúsculos.

En los noventa su salud se deterioró y sufrió un ataque cardíaco en 1993. Un año más tarde murió por insuficiencia cardíaca en su casa de Agoura Hills, en California.

Earth, Wind & Fire – September

2016 septiembre 5

‘September’ constituye una mezcla perfecta de la ebullición creativa de Maurice White y de la filosofía positivista que siempre acompañó a Earth, Wind & Fire durante su caminar musical. El fruto de esa combinación es un tema sólido, dotado de arreglos impredecibles, con combinaciones inteligentes y estructurado en torno a una simbiosis casi metafísica de los instrumentos. En resumen, impecable.

No sé si hablamos de una canción soul o si la podemos encasillar en el sonido disco funk. Pero, qué más da. Sus magníficos coros y trompetas superan cualquier catalogación. Llegó a nosotros en el último tramo de 1978 y sus 3,37 minutos nos encandilaron de inmediato. El idilio pervive casi cuatro décadas después.

Los arreglos de Horn, Strings y White siguen creando en nuestra actualidad digital la misma magia que a finales de los setenta, en plena erupción del sonido disco, provocaron las agujas que pincharon los miles de vinilos que se vendieron con su single.

El paso del tiempo ha convertido a ‘September’ en una de las piezas musicales mas populares del pop del pasado siglo. Nadie puede negar que la obra que compusieron Maurice White, Al McKay y la letrista Allee Willis, que debutaba en la lídes de la creación, ha marcado a varias generaciones.

Aunque sólo llegó al octavo puesto de la lista de éxitos estadounidense Billboard Hot 100, ‘September’ vendió más de un millón de copias en su propio país. En Europa el éxito fue mayor, siendo número tres en Gran Bretaña, donde también recibió un disco de oro. En el resto del mundo también se erigió en una canción muy popular, con gran repercusión en los mercados.

En España la canción enganchó rápidamente, amparada en el hecho de que Televisión Española la eligió como sintonía de sus retransmisiones de Vuelta Ciclista a España de 1979, que paradójicamente por aquel entonces no se celebraba en septiembre, como ahora, sino en mayo.

A poco que su ritmo y su alegría nos contagien, comenzaremos este mes de reanudación laboral con ganas de celebrar cualquier acontecer, por nimio que pueda parecer. Hasta el regreso al trabajo tras las vacaciones se nos hará más llevadero. Satisfacción e ilusión nos impregnarán cada vez que escuchemos este tema dedicado al noveno mes del calendario juliano. Su espíritu positivo eclipsará cualquier temor a lo que se nos avecina, ahora que estamos a caballo entre dos estaciones astronómicas.

‘September’ no fue incluido en ningún álbum original de EW&F. Salió al mercado inicialmente como single y luego se incluyó en el disco recopilatorio ‘The best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1’. Sus derechos fueron cedidos a Unicef, que lo incorporó al LP ‘Music for Unicef concert: a gift of song’, lo que proporcionó millonarios ingresos a la organización a favor de la infancia.

LETRA

El proceso creativo de la parte literaria de ‘September’ tuvo como escenario los estudios en los que Earth, Wind & Fire grababan su álbum ‘I am’, álbum que, sorprendentemente, luego no recogíó este tema. No fue, por tanto, una composición largamente meditada, sino que surgió de un brote de inspiración.

La teoría oficial sostiene que en una de las jornadas de trabajo, una vez finalizada la sesión programada para ese día, White regaló a Willis un libro sobre filosofía oriental. Su lectura la adhirió a la tendencia que ya profesaba el líder de la banda y que recomienda afrontar la vida de manera positiva. Todo ello se plasmó en ‘September’, ejemplo palpable de cómo la música puede transmitir mensajes de paz y amor.

La letra de Willis era inicialmente un largo poema que finalmente hubo que recortar para adaptarlo al formato de una canción pop. «Había comenzado a escribir la introducción en el estudio y luego me retiré. Al llegar, me sorprendí porque mis compañeros ya habían arreglado la canción y dije ‘Oh Dios, ellos se interesaron por mi trabajo’. Estaba segura que sería un éxito» explicó Willis en una entrevista concedida a un periódico estadounidense.

Willis también aclaró que la referencia a la noche del 21 de septiembre se debió a que fue Maurice White «quien escribió esa primera estrofa. Cuando la escuché, me llamó la atención y le pregunté ¿por qué el 21?. Entonces él me respondió que era un perfeccionista y que le gustaba atar todos los cabos muy cuidadosamente, por lo que colocar el 21 marcaría al oyente, ya que se cuestionaría lo mismo». Por lo tanto, parece que esta fecha no tiene ningún significado real, simplemente encajaba con letra y métrica: «White tenía esa manía de escribir canciones con fechas o cosas que despertaran la curiosidad de los seguidores. Eso se convirtió en una característica muy particular de Earth, Wind & Fire», añadió Willis.

Asimismo, la inclusión de la expresión ‘Bada-ya’ tampoco tuvo un objetivo concreto. Simplemente lo que ocurrió fue que otras frases previamente pensadas no se ajustaban a esa parte melódica o sonaban «anticuadas», según Willis.

¿Recuerdas la noche del 21 de septiembre?
El amor cambiaba
las mentes de los pretendientes
mientras espantaba las nubes

Nuestros corazones resonaban
en la clave que nuestras almas cantaban
mientras bailábamos de noche

Recuerda cómo las estrellas
se robaron la noche, yeah yeah yeah
hey, hey, hey
ba de ya, dime, recuerdas
ba de ya, bailar en septiembre
ba de ya, nunca estuvo nublado

Ba duda, ba duda, ba duda, badu
ba duda, badu, ba duda, badu
ba duda, badu, ba duda

Mis pensamientos están contigo
tomándome de las manos
de tu corazón para verte
sólo charla y amor

Recuerda cómo supimos que
el amor había llegado para quedarse

Diciembre encontró el amor
que compartimos en septiembre
sólo charla y amor
recuerda, el amor verdadero
que hoy compartimos

Hey, hey
ba de ya, dime, recuerdas
ba de ya, bailar en septiembre
ba de ya, nunca estuvo nublado

Había un…
ba de ya, dime, recuerdas
ba de ya, bailar en septiembre
ba de ya, sueños de oro
eran días brillantes

La campana sonaba
nuestras almas cantaban
recuerdas cada día nublado

Había un…
ba de ya, dime, recuerdas
ba de ya, bailar en septiembre
ba de ya, nunca hubo un día nublado

Había un…
ba de ya, dime, recuerdas
ba de ya, bailar en septiembre
ba de ya, sueños de oro
eran días brillantes

Ba de ya de ya de ya
ba de ya de ya de ya
ba de ya de ya de ya de ya
ba de ya de ya de ya
ba de ya de ya de ya
ba de ya de ya de ya de ya

VERSIONES

El bajista y contrabajista estadounidense de jazz y jazz fusión BRIAN BROMBERG degustó durante veinte años ‘September’ y en 1998 nos ofreció una revisión, a mi entender, fabulosa.

Diez años más tarde su compatriota GORDON GOODWIN –pianista, saxofonista, compositor y arreglista–y la BIG PHAT BAND dotaron al tema de su propia personalidad. La voz la puso la también norteamericana PATTI AUSTIN.

Ya en Europa, en 2000, la joven estrella ucraniana ASSOL grabó la obra de Earth, Wind & Fire con el título ‘V sentjabre’. Su voz infantil parece insuficiente para semejante composición.

La propia banda de Maurice White convirtió ‘September’ en ‘December’ para uno de sus últimos discos. Algunos cambios en los coros, en la melodía y en la letra bastaron para volver a obtener el éxito

SISGO AND VITAMIN C interpretaron la composición para los créditos de película ‘Get over it’ (Así es el amor), de 2001.

BIOGRAFÍA

EARTH, WIND & FIRE surgió alrededor de Maurice White, un joven que allá por 1967 estudiaba en el conservatorio de Chicago y trabajaba al mismo tiempo como músico de sesión para el sello Chess y de acompañamiento en las giras de Ramsey Lewis. Dos años más tarde, cuando consideró que ya había adquirido la suficiente experiencia, decidió formar el grupo Sally Peppers, con el que logró pequeños éxitos en el entorno de Illinois acompañado del teclista Don Whitehead y el cantante Wade Flemons.

Llegados los setenta su fusión de música disco, fun, jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll llamó la atención de la multinacional discográfica CBS, para la que refundó la banda bajo la denominación con la que ha llegado hasta nuestros días, la trasladó a Los Ángeles y alcanzó una presencia casi constante en las lístas de éxitos estadounidenses. El nombre de Earth, Wind & Fire nació inspirado en los tres elementos de la carta astral de White.

La banda primitiva estaba compuesta por White, su hermano Verdine (bajo), Sherry Scott (voz), Michael Beal (guitarra), Chet Washington (saxofonista), Alex Thomas (tambores) y Yackov Ben Israel, (percusión), además de los originales Whitehead y Flemons. En años posteriores se produjeron numerosos cambios, entrando en distintas épocas la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws (saxo), Roland Bautista (guitarra), Larry Dunn (teclista), Ralph Johnston (percusión), Al McKay (guitarra) y Johnny Graham (guitarra), además del cantante Philip Bailey, que incluso llegó a discutir el liderazgo a Maurice White.

Discos de larga duración como ‘The last days and time’ (1972), ‘Head to the sky’ (1973), ‘Open our eyes’ (1974), ‘That’s the way of the world’ (1975), que fue su primer número uno; ‘Gratitude’ (1975), que también llegó a lo más alto de las listas; ‘Spirit’ (1976) o ‘All ’n’ all’ (1977) dieron continuidad a una producción siempre bien acogida por público y crítica. Pero el nivel más alto de fama lo alcanzaron a partir de 1978, cuando constituyeron su propio sello, ARC, y lanzaron ‘I am’ (1979).

Con la llegada de los ochenta comenzó el declive y en 1983 el vocalista Philip Bailey optó por iniciar una carrera en solitario. E,W&F sacó al mercado su trabajo ‘Touch’, que fue un fracaso y White decidió tomarse un descanso de cuatro años. Retornó en 1987, recuperando a Bailey, con grandes giras mundiales, llegando hasta 2005. Su prestigio nunca mermó, pero los grandes éxitos nunca volvieron a llegar.

Sin embargo, nos dejaron temas inolvidables como ‘ Mighty, mighty’ (1974), ‘Shining star’ (1975), ‘That’s the way of the world’ (1975), ‘Sing a song’ (1975), ‘Getaway’ (1976), ‘Serpentine fire’ (1977), ‘Get to get you into my life’ (1978), el analizado ‘September’ (1978), ‘Boogie wonderland’ (1979), ‘After the love has gone’ (1979) o ‘Let’s groove’ (1981). Con ellos consiguieron numerosos números uno y seis premios Grammy.

Maurice White, el motor de la versatilidad del conjunto, murió el pasado febrero debido a las consecuencias de la enfermedad de Parkinson.

Alex Ubago y Amaia Montero – Sin miedo a nada

2016 julio 22

Corro mucho riesgo al elegir esta canción, pero confieso que me gusta. Vaya obviedad, porque de lo contrario nunca hubiera llegado hasta este espacio. Sin duda seré centro de críticas, como en su día lo fue la propia obra de Alex Ubago y Amaia Montero. Sin embargo, el público y las ventas sustentaron esta balada que genera filias y fobias en cantidades semejantes desde el momento de su salida al mercado.

‘Sin miedo a nada’, también conocida como ‘Me muero por conocerte’, no es una simple canción para abrir el baile en las bodas. La composición del donostiarra Álex Ubago nos llegó en 2002 y ese año ya fue declarada por los internautas de Los 40.com –la lista de éxitos española oficiosa– como la mejor canción de amor de la primera década del siglo XXI.

Habla de amor, pero ése no es su mérito. Sobre los afectos versan la mayoría de la creaciones musicales de la historia de la humanidad. Su valor radica en la forma de expresar los sentimientos, en las palabras elegidas para difundirlos. Básicamente su capital lo constituye una acalorada letra, que refleja con certeza la angustia que vive un enamorado mientras reúne el valor para comunicárselo a la persona objeto de su pasión. Interpretable sólo por enamorados, porque cuando se ama se conjuga todo en presente.

La letra tenía destinataria concreta. Según confesó en una entrevista, Ubago la compuso con 19 años, mientras cursaba estudios universitarios. La inspiración fue causada por una compañera. «Era lo que sentía en ese momento», reconoció. «Vi a esa chica en mi clase, pero yo no la conocía. La historia es bonita porque luego fue mi novia durante un tiempo y supo que existía esa canción y que estaba escrita para ella», señaló.

Aunque realmente está dedicada a todos aquellos que están locos por demostrar aquello que nunca tuvieron oportunidad de expresar, pero sí de sentir. La destinataria es siempre la persona que más amas, aunque sea a distancia. Siempre sueñas con tenerla entre tus brazos. Pocos temas transmiten mejor ese deseo de tener al ser amado por siempre a tu lado. Ideal para quienes no se atreven a expresar sus sentimientos a la persona que quieren.

Desgraciadamente, muchos descubren que ese amor soñado nunca llegará. Que por las noches tendremos que ser nosotros mismos los que nos arropemos, que cuando nos duela el alma la cura debe venir del propio interior, que las heridas debemos lamérnoslas solos…

De innegable inspiración italiana, el compositor de San Sebastián bebió de los creadores románticos transalpinos de los setenta y ochenta del siglo pasado. Nunca lo ocultó. «Tenía mucha obsesión con una canción que se llama Margarita, de Riccardo Cocciante, y está muy inspirada en ella», señaló en la citada entrevista. Lo cierto es que logró un poema acompañado de notas musicales. Por una vez el desamor no se impone al amor al convertir en melodía un puñado de anhelos y vivencias. Una historia tan intensa que lleva a perder la noción del tiempo. De esos temas que hacen que incluso quien nunca ha vivido una situación similar detecta cómo su corazón se llena de sentimientos incandescentes.

‘Sin miedo a nada’ fue grabada en 2001 por la discográfica Dro, con arreglos de Javier Losada, Marco Rasa, Víctor Reyes, Drunken Horn y Elio de Palma. En la sesión, Jesús N. Gómez estuvo al piano, Haru Mori al bajo eléctrico, Candi Avello al bajo acústico, Laura Galán al cello y los coros corrieron a cargo del Salazar Choir Ensemble integrado por Tabatha, Kate, Julia, Elio & Jesús. Todo bajo la producción de Jesús N. Gómez.

Desde entonces’ Sin miedo a nada’ ha dejado de ser propiedad de Ubago para formar parte del acerbo popular.

LETRA

Me muero por suplicarte, que no te vayas mi vida,
me muero por escucharte,
decir las cosas que nunca digas,
mas me callo y te marchas,
mantengo la esperanza de ser capaz algún día,
de no esconder la heridas que me duelen al pensar
que te voy queriendo cada día un poco más
¿cuánto tiempo vamos a esperar?

Me muero por abrazarte y que me abraces tan fuerte
me muero por divertirte,
y que me beses cuando despierte,
acomodado en tu pecho, hasta que el sol aparezca,
me voy perdiendo en tu aroma,
me voy perdiendo en tus labios que se acercan
susurrando palabras que llegan a este pobre corazón
voy sintiendo el fuego en mi interior

Me muero por conocerte,
saber que es lo que piensas,
abrir todas tus puertas,
y vencer esas tormentas que nos quieran abatir

Centrar en tus ojos mi mirada,
cantar contigo al alba,
besarnos hasta desgastarnos nuestros labios
y ver en tu rostro cada día, crecer esa semilla,
crear, soñar, dejar todo surgir,
aparcando el miedo a sufrir

Me muero por explicarte lo que pasa por mi mente,
me muero por intrigarte,
y seguir siendo capaz de sorprenderte,
sentir cada día ese flechazo al verte

¿Qué más dará lo que digan?
¿qué más dará lo que piensen?
si estoy loca es cosa mía
y ahora vuelvo a mirar, el mundo a mi favor,
vuelvo a ver brillar la luz del sol

Me muero por conocerte,
saber que es lo que piensas,
abrir todas tus puertas,
y vencer esas tormentas que nos quieran abatir

Centrar en tus ojos mi mirada,
cantar contigo al alba,
besarnos hasta desgastarnos nuestros labios
y ver en tu rostro cada día, crecer esa semilla,
crear, soñar, dejar todo surgir,
aparcando el miedo a sufrir

VERSIONES

Además del dúo con Amaia Montero, Ubago también cantó EN SOLITARIO el tema para el álbum de 2003 ‘21 meses, 1 semana y 2 días’. En mi opinión, pierde sin la presencia de la excantante de La oreja de Van Gogh. Fue ella quien optó por participar en esta canción. “Le propuse colaborar y ella la eligió. Amaia la llevó a otra dimensión”, según el cantautor. De acuerdo.

La grabación del videoclip promocional de ‘Sin miedo a nada’ tuvo lugar en Santander durante una jornada de bajas temperaturas. Alex Ubago aseguró, tiempo después, que aquel día apenas pudo mover un sólo músculo a la hora de interpretar este himno a la ausencia del ser amado. Romanticismo a cantidades industriales.

Los cantantes y actores mexicanos ERIKA DE LA ROSA Y VÍCTOR GARCÍA firmaron un cóver interpretado con profesionalidad.

También desde el país azteca YULIETH y REY CÁRDENAS optaron por el estilo salsa urbana para dar su visión de la canción de Ubago. Cuanto menos, peculiar.

El cantante y compositor argentino ULISES BUENO se fijó en el tema que hoy analizamos en 2003.

Los distintos concursos televisivos de talentos utilizaron en sus diferentes academias la obra de Ubago. En ‘La Voz Ecuador’, RICHARD OVIEDO cantó ‘Sin miedo a nada’ sobre estructura rap.

BIOGRAFÍA

ALEX UBAGO nació en Vitoria el 29 de enero de 1981, cuando fue bautizado como Alejandro Martínez de Ubago Rodríguez, según reza en su partida de nacimiento. Sin embargo, se siente donostiarra, porque sus padres se trasladaron a San Sebastián cuando sólo contaba con 4 años. Desde entonces, su residencia es fija en la capital guipuzcoana.

Allí, cuando sólo contaba con quince años, inició su carrera como compositor apoyado en una guitarra que le regalaron de niño. Cinco canciones conformaron su primera maqueta, inicialmente destinada a un regalo de cumpleaños para su novia, aunque finalmente acabó en manos de su actual manager, Íñigo Argomaniz. Éste le animó a seguir por la senda de la música y cuatro años después, en octubre de 2000, Ubago firmó un contrato con la discográfica Dro. El primer trabajo llegó en 2001, con Jesús N. Gómez como productor.

Debutó a finales de aquel verano con ‘¿Qué pides tú?’, que vendió más de un millón y medio de unidades en todo el mundo, debido, en gran parte, al bombazo de ‘Sin miedo a nada’. El éxito derivó en largas giras por España y Latinoamérica, y en más de una docena de discos de platino.

Su segundo disco, ‘Fantasía o realidad’, fue grabado en Londres y Madrid con la colaboración de la orquesta sinfónica de la capital británica. Las ventas también fueron millonarias y se consolidó la proyección internacional de Ubago. Entre 2002 y 2005 cosechó diferentes premios: el ASCAP de los autores americanos, el Billboard latino y el Ondas al mejor artista nacional, entre otros.

Luego, Álex Ubago emprendió un período de reflexión que desembocó en 2006 en un nuevo trabajo -’Aviones de cristal’-, muestra ya de una madurez profesional. Doce meses después llegó ‘Siempre en mi mente’, recopilación de sus grandes éxitos, rarezas y tributos destinada a Latinoamérica. ‘Calle ilusión’, grabado en Argentina con Cachorro López, se publicó en 2009.

En 2010 participó de un experimento llamado ‘Alex, Jorge y Lena’ junto a Jorge Villamizar y la cubana Lena Burke. De esta colaboración nació un único disco variado en matices.

La siguiente época acogió su presencia en bandas sonoras en producciones animadas y la salida al mercado en 2012 de ‘Mentiras sinceras’, tras lo que decidió tomarse un descanso coincidiendo con su boda con María Alkorta y el nacimiento de su hijo Pablo.

Recientemente, con motivo del decimoquinto aniversario de la grabación de ‘Sin miedo a nada’ a dúo con Amaya Montero, ambos artistas han vuelto a juntarse en ‘Los abrazos rotos’. Sus últimos pasos los realiza a base de conciertos acústicos.

Fläskkvartetten – Innocent

2016 julio 8

Creo que quien no se emocione al escuchar este tema, sencillamente, ya ha abandonado este mundo. Siguiendo esta premisa puedo afirmar que sigo vivo, porque oír ‘Innocent’ y temblar constituyen acciones sincronizadas en mi persona. Ocurre desde aquella primera vez que descubrí esta composición del conjunto de cuerda sueco Fläskkvartetten.

Era una noche de finales del invierno del pasado año en París. Concretamente en el Teatro de la Ópera, donde la Compañía Nacional de Danza española actuaba por primera vez bajo la dirección de José Carlos Martínez, el coreógrafo y exbailarín estrella de la compañía estatal francesa.

No soy amante del ballet. Es más, me confieso absolutamente ignorante sobre esa faceta artística. Sin embargo, el entorno y la belleza visual del espectáculo ‘Casi Casa’ me cautivaron. Mi éxtasis llegó cuando, en uno de los actos, de fondo sonó una melodía que entonces yo creí que salía de un violín, aunque luego descubrí que realmente era una viola. Desconocía el tema y también al autor. Sin embargo, tanto mi acompañante aquella noche como yo fuimos de inmediato absorbidos por aquella maravilla desconocida.

Lo primero que se me ocurrió fue recurrir a una aplicación telefónica para identificar el tema, pero el grandioso escenario me cohibió. Hubiera sido una grosería hacia el arte. Luego invoqué al departamento de prensa de la Compañía Nacional de Danza. Todavía sigo esperando su respuesta.

Finalmente, tuve que investigar por mi cuenta y al final acabé en la página web de la Compañía Nacional de Danza. No albergaba muchas esperanzas, pero en ella pude encontrar un pequeño fragmento de la interpretación con la canción desconocida como banda sonora. Entonces, ya sólo cómplice con mi ordenador, sí funcionó la aplicación telefónica. La melodía encandiladora era ‘Innocent’ y sus autores Fläskkvartetten.

El siguiente paso me llevó a Youtube y desde entonces he visitado la página de ‘Innocent’ cientos de veces. No puedo impedirlo. Soy adicto a esta composición, sobre todo en los momentos más taciturnos o solitarios.

No sabría cómo describir ‘Innocent’. Melancólica, seguro. Relajante, también. ¿Escandinava? Sin, duda. Pero su aparente frialdad transmite mucho calor, como la tundra en verano. Lo cierto, y triste en mi caso, es que esta composición lleva entre nosotros desde 1998 y la mayoría de los amantes de la música no la hemos descubierto hasta muchos años después. Tanto tiempo perdido sin disfrutar de una de las piezas musicales más hermosas que he conocido.

VERSIONES

En este espacio dedicado a la música hoy vamos a hablar mucho de danza. porque ‘Innocent’ ha sido, es y será utilizada hasta la saciedad en las grabaciones de videodanza.

Por ejemplo, la realizadora Julieta Rodríguez y los bailarines ABRIL GARAY y MATÍAS TELLO grabaron ‘Añoranza’ con la composición de Fläskkvartetten como parte musical.

‘Innocent’ se amolda incluso a un estilo de baile tan particular como el tango, como lo demostraron el pasado abril MURAT ERDEMSEL y SIGFRID VAN TILBEURGH en la ciudad siciliana de Catania.

RYAN CORDERO nos ofrece una interpretación acústica con guitarra

 

Aunque el nombre elegido sugiere que se trata de un cuarteto, FLÄSKKAVARTETTEN (Fleshquartet, en inglés) surgió como quinteto en la capital sueca, Estocolmo, a mediados de los años ochenta.

Mattias Helldén y Sebastian Öberg, con el cello; Örjan Högberg, con la viola; Jonas Lindgren, con el violín; y Christian Olsson, en la percusión; pronto se hicieron con un nombre en el panorama musical sueco. Sobre todo porque en 1987 una de sus composiciones fue elegida como sintonía de un informativo de la televisión. Ese año también comenzó su producción discográfica.

Sus obras han sido siempre bien recibidas por el público e incluso alcanzan la condición de muy populares gracias a que las han adornado con las voces de los principales cantantes del país. Además, no limitan su obra a composiciones clásicas, sino que también se introducen en el mundo del rock instrumental, dub, tecno y hasta los sonidos ambientales.

Pese a algunos cambios en la formación inicial, su carrera creció cada año y pronto traspasaron las fronteras de los países escandinavos, su inicial campo de expansión. Así, ya en los noventa se llevaron un premio Grammy, al tiempo que aportaron bandas sonoras a varias series de televisión y de cine.

En la actualidad, gracias a un prestigio mundial consolidado, Fläskkvartetten es reconocido por el público de todo el planeta y sostiene una sólida carrera.

Petula Clark – Downtown (Centro de la ciudad)

2016 junio 24

Toda la historia musical que recordamos, aunque no la hayamos vivido contemporáneamente, está llena de momentos especiales. Eso es innegable. Pero 1965 quizá fue el año de las canciones que se convirtieron en himnos. Ocurrió cuando en España se produjo la ‘invasión’ británica, la de aquellos temas e interpretes surgidos en Reino Unido unas temporadas antes y que, como siempre, a la península llegaban con algo de retraso. Los ‘hijos’ e ‘hijas’ de los Beatles nos trajeron la minifalda y aquel yeah, yeah del ‘She loves you’ que, por estos lares, convertimos en ye-ye.

Y entre ellos destacó Petula Clark, una de las reinas de la generación beat que lo mismo luchaba contra la guerra de Vietnam –a través de su única arma, la música– que trataba de transmitir –estrofa a estrofa- su espíritu de liberación. Cumplió al pie de la letra la frase de Ghandi que aseguraba: «Sé el cambio que quieres ver en el mundo».

La vocalista rubia aterrizó en España con el mayor hit de su historia, titulado ‘Downtown’ y cargado de mensajes subliminales. Inicialmente fue distribuido en formato EP (Extended play) –un single de cuatro canciones–, junto a los temas ‘Thank you’, ‘Baby it’s me’ y ‘True love’. Esta composición nos sedujo de inmediato, como ya había ocurrido el año anterior en Gran Bretaña –donde fue número uno–, el resto del continente y Estados Unidos. Aquí también alcanzó el puesto más alto en la lista de éxitos, para mantener ese liderato durante tres semanas y permanecer hasta treinta y una en el hit parade español.

Es que la obra del productor Tony Hatch era perfecta para aquel emergente mundo pop al que Petula Clark llegó algo talludita, ya con 32 años. ‘Downtown’ disponía de buenos arreglos, basados en la fórmula de las ‘murallas de sonido’, al tiempo que se erigía sobre crescendos sustentados por violines, trompetas y coros celestiales que construían una melodía penetrante. Sólo hacía falta una dulce voz que pusiera la guinda y la inglesa disponía de ella.

El flechazo ente ‘Downtown’ y Clark fue inmediato. Pero ocurrió cuando ya Hatch, que había trabajado con The Searchers y el propio David Bowie, estaba a punto de arrojar la toalla después de que la diva británica rechazara antes una treintena de sus composiciones. Sin embargo, el tema que hoy analizamos le encantó. El productor, por contra, estimaba que el tono de rhythm and blues de la canción tampoco sería aceptado. Era la última bala que tenía en la recámara y con ella dio en la diana.

‘Downtown’ fue grabada en cuatro idiomas en los estudios Pye, cerca del barrio londinense de Marble Arch, en octubre de 1964. En la sesión participaron Bobby Graham, batería de Big Jim Sullivan and the Breakaways, y los guitarristas Vic Flick y Jimmy Page. Hatch tocó el piano.

El resultado de ese trabajo desembocó en una creación que, si se presenta, seguro hubiera ganado de calle la Eurovision de aquellos tiempos, justo antes de la llegada de la música disco a mediados de los setenta. Goza de todas las condiciones necesarias para triunfar en los festivales, gracias a una receta que incluía dosis de pop suave, mucha aportación orquestal y toques de soul. Todo aderezado con la calidad vocal de Petula Clark.

Unas semanas después la canción salió al mercado y fue escuchada por el ejecutivo de Warner Bros, Joe Smith, a quien cautivó hasta el punto de que adquirió los derechos para Estados Unidos, donde Petula acabó vendiendo tres millones de copias y obtuvo un Grammy. En 2004, la británica fue incluida en el Grammy Hall of Fame.

LETRA

Sobre la letra cuenta Petula Clark que cuando llegó al estudio de grabación aún no estaba terminada, por lo que se improvisó a última hora. Por ello, finalmente se optó por buscar un tema recurrente, que fuera ambiguo y pudiera dar lugar a diferentes interpretaciones. En principio parece que hace referencia a la bondades que ofrece el centro de las grandes ciudades para adormecer los problemas personales.

Ya se sabe, dónde encontrarte más sólo que rodeado de gente. Allí todos caminan ensimismados y no detectan los problemas de los demás. Para el autor, la mejor forma de combatir la soledad y la tristeza es ir al centro de las ciudades, siempre rebosantes de luz, color y alegría.

Eso en la versión original, porque en las distintas grabaciones realizadas en alemán, francés o italiano el mensaje deriva dependiendo de las necesidades dialécticas y métricas del correspondiente idioma, pasando a hablar del reencuentro con un amor pasado, la amistad… o cualquier otra reformulación.

Cuando estés solo
y la vida te haga sentirte solitario,
siempre puedes ir al centro de la ciudad,
cuando tengas preocupaciones,
todo el ruido y las prisas
parecen remediarse, lo sé, en el centro

Tan sólo escucha la música
del tráfico en la ciudad,
quédate un rato en la acera
donde los letreros de neón son bonitos
¿cómo te lo puedes perder?

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
las cosas serán geniales cuando estés
en el centro,
no hay lugar mejor, seguro,
el centro,
todo te está esperando

El centro

No te quedes a las puertas
y permitas que tus problemas te rodeen,
hay películas en el centro,
tal vez tú conozcas
algunos pequeños lugares para ir donde
nunca cierran en el centro

Tan sólo escucha el ritmo
de una suave bossanova,
estarás bailando con ellos, también,
antes de que termine la noche,
feliz de nuevo

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
donde todas las luces son brillantes,
el centro,
te está esperando esta noche,
el centro,
vas a estar bien ahora

El centro,
el centro,
el centro,
el centro

Y tal vez encuentres a alguien estupendo
que te ayude y te comprenda,
alguien como tú
y que necesite una mano tierna
que lo guíe en el camino

Así que, tal vez te vea allí,
podemos olvidarnos de todos nuestros problemas,
olvidar todas nuestras responsabilidades e irnos
al centro,
todo será genial cuando estés
en el centro,
no esperes un minuto más,
el centro,
todo te está esperando

El centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro)…

VERSIONES

El impacto de esta canción fue de tal tamaño que casi todos los grandes intérpretes la incorporaron a sus respectivos repertorios. El gran FRANK SINATRA, ‘La voz’, como siempre, la bordó.

Una legión de yeyés, masculinos y femeninos, devoraron esta canción. Entre ellos Los Mustang, Lita Torelló, Francisco Heredero, Dyango, Michel, Magda, Los Waldos, Los Cisnes Rojos, Jorge, Los Tres Sudamericanos, Las Hermanas Benítez, Los Pájaros Locos, Los Pekes, Renata, Los Sirex y GELU. Esta última fue quizá la que más rédito obtuvo en las listas con su remake, bajo el título ‘Chao chao’ y con una letra diametralmente distinta que habla de playa, mar y amor, los tres componentes ineludibles en un tema destinado a ser consumido en verano.

Los británicos B-52 sorprendentemente incluyeron ‘Downtown’, aunque como relleno, en su álbum de debut. Corría el año 1979 cuando, en mi opinión, machacaron la obra. Loquísimos. Sin palabras.

Por supuesto, la televisión vio pronto el potencial de ‘Downtown’. Son muchas las series que la han incorporado a sus bandas sonoras. En la tercera temporada de la popular ‘PERDIDOS’ suena cuando Juliet se quema haciendo unas magdalenas.

En el cine, entre otras muchas películas, aparece en la producción ‘INOCENCIA INTERRUMPIDA’, cantada por Winona Ryder y Angelina Jolie.

CÓMIC

La canción ‘Downtown’ da también título al primer cómic protagonizado por niños con síndrome de Down, una obra de Noël Lang y Rodrigo García publicada en 2012 y enfocada a las más de 34.000 personas que sufren esta discapacidad intelectual en España.

Blo, uno de los protagonistas junto a Miguelote, Bibi, Ruth y Benjamín, tiene como obsesión llevar siempre consigo el vinilo del ‘Downtown’ de Petula Clark.

BIOGRAFÍA

PETULA CLARK no sustentó su éxito en ese nombre tan peculiar. No. La artista británica más prolífica –de hecho lo certifica el libro Guinness– caminó siempre amparada por su calidad vocal y esa forma tan particular de interpretar temas que destacaron dentro de la ‘ola inglesa’, como el mencionado ‘Downtown’ o ‘My love’, piezas que contribuyeron a cambiar la música pop.

Sally Olwen Clark, como fue bautizada, llegó a este mundo el 15 de noviembre de 1932 en Epsom, dentro del condado inglés de Surrey. Nació en el seno de una familia de artistas y ello ineludiblemente le condujo muy joven hacia el teatro, participando en diferentes producciones. En octubre de 1942, con 9 años y en plena Segunda Guerra Mundial, debutó en la radio mientras asistía a un programa de la BBC con su padre, con la intención de enviar un mensaje a un tío destinado en el extranjero.

La emisión se retrasó por un ataque aéreo y durante el impasse el productor pidió que alguien entretuviera al público asustado. Petula se ofreció y dio una representación muy aplaudida. A partir de ahí, repitió su actuación más de quinientas veces para la audiencia de la BBC, en programas diseñados para entretener a las tropas.

Al mismo tiempo, recorrió el país con otra niña, Julie Andrews, llegando a actuar ante el rey George VI y Winston Churchill. Por aquel entonces fue denominada la Shirley Temple inglesa y, ya con 13 años, se pasó al cine, para atesorar una larga filmografía.

No fue hasta los 28 años cuando se afianzó su brillante carrera musical. ‘Sailor’ (1960) le dio su primer número uno en una década en la que encadenó un éxito tras otro. Por esta época dio también el salto al continente tras varios recitales en París, donde conoció a Claude Wolf, directivo de la discográfica Vogue. Se casó con él en el pueblo de Bourg La Reine –en lenguaje coloquial algo así como ‘cepíllate a la reina’– y decide afincarse en Francia, plataforma de su lanzamiento europeo e internacional, con constantes apariciones en famosos programas de variedades estadounidenses como ‘Ed Sullivan Show’ o ‘Dean Martin Show’.

Incluso, en 1968, la NBC invitó a Clark a protagonizar su propio especial, donde, en plena guerra de Vietnam, interpretó un tema pacifista a duo con Harry Belafonte. Tuvo ofertas de otras cadenas para establecerse en Los Ángeles pero optó por criar a sus hijos en Europa, aunque viajó constantemente a Estados Unidos para realizar conciertos, siempre con el cartel de completo.

Fue entonces cuando comenzó a cantar en francés y a componer sus propios temas, sobre todo para bandas sonoras cinematográficas.

La carrera de Petula Clark se ha extendido siete décadas, en las que ha vendido más de 70 millones de discos en todo el mundo. Su nombre ha quedado grabado para siempre en la memoria del pop femenino de los sesenta.

No se retirará nunca. Con 83 años sigue grabando, con una voz que, lejos de sonar a la de una anciana, es aún fresca.

Arctic Monkeys – Crying lightning

2016 junio 6

Para muchos ‘Crying lightning’ es la canción fetiche de Arctic Monkeys. Para otros, una de las más flojas. Es más, gran parte de sus seguidores se sintieron decepcionados al escucharla como primer single de su esperadísimo tercer álbum, ‘Humbug’.

Con este tema de 2009 la banda rompía con el sonido al que nos tenía acostumbrados. Se atrevió con una composición para muchos oscura y densa, con slides de guitarra y bajo galopante, que podría pasar por cara B. Sin embargo, lo lanzaron como tema de presentación al parecer como parte de una estrategia de los ‘monos’ para que no se les viese el plumero comercial. ‘Humbug’, de hecho, se convirtió en el disco de la madurez definitiva del conjunto.

De cualquier forma, a estas alturas de la película Arctic Monkeys ya nos tenía acostumbrados, de forma puntual, a cambios de sonido radical. Para muestra, otro botón. Entre las rarezas musicales de Arctic Monkeys, encontramos ‘Brianstorm’, que carece de estribillo.

‘Crying lightning’ es una canción que crece cuanto más se escucha y puede llegar a engancharte. Es conocida por la gran cantidad de ocasiones en que ha sido utilizada en anuncios publicitarios.

Mensaje escondido

En cuanto a su contenido, es difícil saber exactamente a qué se refieren los británicos con esta canción. ‘Crying lightning’ es complicada a la hora de ser leída, en el sentido literal del significado, o interpretada, a nivel figurativo. Las apreciaciones sobre su mensaje pueden ser muy variadas. A saber, relámpago llorón, lloviendo rayos, llanto relámpago o sin explicación son algunas de las traducciones más habituales. Quizás en esta ambigüedad resida parte de su magia.

Pero, ¿qué querían contarnos exactamente Alex Turner y los suyos? Si te guías por el texto literal, hablan de una persona que de forma histérica rompe a llorar repentinamente, en un intento premeditado de llamar la atención.

No obstante, si vamos más allá, y en sentido un tanto figurativo, parece que Alex Turner rememorara la relación rota con su expareja Alexa Chung. Pudiera ser la estrategia que ella utilizaba para llamar su atención. Este tipo de comportamiento, lejos de ser del agrado, Alex lo comparaba con el de una niña a la que le encantan las golosinas –refiriéndose en realidad a que le gustaba marear al personal–.

Otra interpretación podría llevar a pensar que la amiga de Alex Turner usaba esta estratagema –llorar de forma repentina e histérica– como un pequeño truco para tenerle controlado a su conveniencia. Cuando Alex cedía, ella tenía la frialdad de pasar de él, hasta que el músico se dio cuenta de que todo era una trampa y le dijo que iba a romper con ella –«hablabas y masticabas tu última golosina…»–.

Poco a poco el protagonista intenta estar menos involucrado con la chica –«…pensando en excusas para posponerlo»–, hasta que al final la deja. Sin embargo, aquí aparece también la ambigüedad, Alex Turner confiesa al principio de la canción que este jueguecito le encanta, aunque luego dice que lo odia. Puede ser una forma de afirmar que esta manera de actuar de algunas chicas para tenerlo todo controlado puede llegar a herir los sentimientos de su pareja. Y para rematar, le manda un mensaje nada sutil: «Con pinta de complicada, pero no tan imposible como todo el mundo asume que eres».

Otras teorías dicen que el significado de esta obra no tiene nada que ver con lo anterior, sino que en realidad estaba dedicada a un fan que el cuarteto conoció en Asia. Al parecer, el seguidor en un principio era encantador, pero terminó por amargarles la existencia.

Debut radiofónico

‘Crying Lightning’ fue interpretada por primera vez en el show de Zane Lowe, en BBC Radio, en julio de 2009. El día 12 de ese mismo mes el sencillo debutó en las listas británicas en el puesto 12, únicamente mediante descargas.

El videoclip oficial fue presentado el 24 de julio de 2009 en la cadena Channel 4. Para dirigirlo, el grupo de Sheffield contó con Richard Ayoade, que ya había trabajado en el DVD ‘At the Apollo’ y en el audiovisual de ‘Fluorescent adolescent’, y que más tarde también se encargaría la producción de ‘Cornerstone’.

La grabación, curiosamente, no refleja ninguna de las historias comentadas y, en cambio, muestra a los Arctic Monkeys interpretando la canción sobre un pequeño bote a la deriva. De repente, al comenzar el solo de guitarra, surge desde el fondo del mar la enorme figura del líder de la banda, Alex Turner, que cae sobre sus rodillas. A continuación, aparece el resto de miembros, cual enormes monstruos marinos.

LETRA

Fuera de la cafetería al lado de la fábrica de galletas
estabas practicando un truco de magia
y mis pensamientos se embrutecieron mientras hablabas
y masticabas la última de tus golosinas

Tú dijiste ‘te equivocas si crees que no me han llamado fría antes’
mientras comías tu último regaliz de fresa
entonces me ofreciste tu atención en forma de chicle de bola
es todo lo que te quedaba y estaba siendo desperdiciado

Tus pasatiempos consistían en lo extraño, y retorcido y perturbado
y me encantaba ese pequeño juego al que llamaste ‘relámpago de lágrimas’
y como te gustaba putear al hombre de los helados en las tardes lluviosas

La siguiente vez que vi mi propio reflejo fue de camino a verte,
pensando en excusas para posponer
nunca pareciste ser tú misma desde el lado que tu perfil no podía ocultar

El hecho de que sabías que estaba llegando a tu trono
con brazos cruzados te quedaste en el banquillo como un dolor de muelas
te quedaste y resoplaste como si nunca hubieras perdido una guerra
aunque intenté tanto no sufrir la indignidad de una reacción
no había grietas a las que aferrarse o huecos a los que agarrarse

Tus pasatiempos consistían en lo extraño, y retorcido y perturbado
y odio ese pequeño juego al que llamaste ‘relámpago de lágrimas’
y como te gusta putear al hombre de los helados en las tardes de lluvia
con pinta de complicada, pero no tan imposible como todo el mundo asume que eres

VERSIONES

El grupo británico interpretó el tema que analizamos EN DIRECTO en el programa de MTV ‘Revolution live sessions’.

Mucho más tranquila la modalidad ACÚSTICA. Se puede encontrar en el álbum no oficial ‘Straighten the rudder’.

El italiano DIEGO BARBORINI, también en acústico, reinterpretó un fiel reflejo de la original.

Más transalpinos intentándolo. Y parece que no se les da mal al conjunto DAMAISTE.

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Y una sorprendente versión de los tailandeses SOMKIAT.

‘Crying Litghning’ se presta también a una interpretación mucho más radical, como la de los polacos FUMEZ.

Los norteamericanos THE OUTLAND la bordan.

ARCTIC MONKEYS proceden de High Green, un barrio de Sheffield, en Inglaterra. Son un claro ejemplo de una nueva generación de músicos que irrumpe en las listas de éxitos gracias a las redes sociales, sin tener siquiera que editar un primer disco.

Sus orígenes se remontan a 2002, cuando Alex Turner y Jaime Cook reciben con apenas 20 años sendas guitarras como regalo navideño. Tras aprender a tocar con un libro de partituras del disco ‘Be here now’, de Oasis, a ellos pronto se les unió el resto de la banda, dos compañeros de clase de Turner, Andy Nicholson y Matt Helders, bajo y batería, respectivamente. Por aquel entonces, se hacían llamar Bang Bang, pero cambiaron a Arctic Monkeys por puro capricho de Cook, quien siempre quiso tocar en una banda con este nombre.

La formación, devota del indie rock, bebe directamente de ídolos como The Jam, The Clash o The Smiths, cuya influencia se deja notar en su repertorio.

Dada la falta de medios, decidieron colgar una maqueta en la red, consiguiendo una respuesta masiva e inesperada por parte de los internautas, así como por la prensa británica, que se volcó en ellos en su afán por encontrar la nueva sensación del momento. En junio de 2003 dieron su primer concierto en un local llamado The Grapes, en el centro de Sheffield.

Tras unos cuantas actuaciones más, a los ‘monos’ se les ocurrió grabar sus demos en cd’s que regalaban en sus conciertos. Pronto la gente empezó a pasar las canciones a sus ordenadores y éstas fueron extendiéndose. Según los miembros de la banda «nunca lo hicimos para hacer dinero o lo que sea. Las repartíamos gratis y eso era la mejor manera para que la gente las escuchara. Eso hizo mejores los conciertos ya que el público se sabía las letras y las cantaban».

Poco después, comenzaron a triunfar con temas como ‘Fake tales of San Francisco’ y ‘I bet you look good on the dancefloor’. Tal fue su éxito que la discográfica Domino les fichó por una jugoso contrato, aunque en un principio la banda se negó a firmar, en parte porque sus miembros no estaban dispuestos a cambiar sus canciones para adaptarlas a los gustos de la industria

Con este sello discográfico editaron en 2005 ‘Whatever people say I am that’s what i’m not’, que se convirtió en el álbum de debut más rápidamente vendido en la historia de Reino Unido, tras distribuir 363.735 copias en su primera semana. Fue lanzado un mes más tarde en Estados Unidos y vendió 34.000 en una semana, convirtiéndose en el segundo disco indie de inicio más comercial y estrenándose en el puesto 24 de la lista de álbumes de Billboard.

Este trabajo les llevó a ganar el premio Mercury en septiembre de 2006, galardón que nació en 2002 para recompensar la innovación y creatividad en la música británica. Algunos artistas distinguidos en anteriores ediciones fueron Primal Scream (1992), Suede (1993), Pulp (1996) o Franz Ferdinand (2004).

Después vinieron otros álbumes como ‘Who the vuck are Arctic Monkeys’, en 2006; ‘Favourite worst nightmare’, en 2007; ‘Humbug’, en 2009; ‘Suck it and see¡’, en 2011; y ‘AM’, en 2012.

Los ‘monos’ han recogido multitud de reconocimientos a lo largo de su carrera, como por ejemplo, al mejor artista nuevo en los estadounidenses PLUG Independent Awards, el premio al mejor álbum en Japón, Irlanda y Estados Unidos, y como mejor banda y mejor álbum británicos en los Brit Awards de 2007.

El 27 de julio de 2012 participaron en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres, versionando ‘Come together’ de los Beatles y su primer éxito ‘I bet you look good on the dancefloor’.

En febrero de 2014 vuelven a asistir a la ceremonia de los Brit Awards, donde son nominados al mejor grupo y al mejor álbum del año, llevándose los dos galardones. Alex Turner, en su discurso de agradecimiento, rindió homenaje al rock & roll diciendo que «nunca moriré y no podéis hacer nada para evitarlo».

Desde entonces mantienen silencio sólo roto por proyectos personales. Seguro que protagonizan una fase creativa cuyo fruto pronto conoceremos.

Kortatu – Sarri, Sarri

2016 mayo 20

Resulta curioso que un grupo del rock radical vasco recurriera a ritmos jamaicanos para relatar en forma de canción la fuga carcelaria de dos presos de ETA. Pero así ocurrió en 1985, cuando Kortatu publicó ‘Sarri, Sarri’, sin duda uno de sus temas más populares y quizá también con el que la banda de Irun logró traspasar las fronteras de Euskadi y hacerse con un nombre en el rock que emergía en toda la península en la década de los ochenta, en contraposición a la movida madrileña.

El grupo liderado por Fermín Muguruza utilizó la canción ‘Chatty, chatty’, compuesta en 1980 por Frederick Toots Hibbert para su conjunto Toots & The Maytalsek, como estructura musical para contar una historia por la que hoy, con la actual legislación, podría enfrentarse a una condena por apología del terrorismo. Leer más

Francis Cabrel – La quiero a morir

2016 mayo 6

‘La quiero a morir’ es sinónimo de belleza lírica. No estoy seguro de que hoy vayamos a hablar de música poetizada o de poesía musicalizada, pero sí convencido de que su intensidad sentimental afectará a piel, sangre y huesos. Nos referimos a una de esas baladas que han pasado a la historia de los melómanos francófonos, en su versión original, y de los castellanohablantes, en la interpretación que barrió en los mercados de España y Latinoamérica a finales de la década de los setenta.

Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente. Leer más

The Power Station – Get it on (Entrégate)

2016 abril 25

Cuando un grupo que está en la cumbre de su fama (en este caso Duran Duran) decide tomarse un descanso para tratar de difuminar los roces internos, sus miembros suelen aprovechar el parón bien para lanzar proyectos en solitario o bien constituir alguna banda alternativa. Esto ocurrió en 1985, cuando el bajista John Taylor y el guitarrista Andy Taylor decidieron oxigenarse fuera de la disciplina del líder de la banda Simon LeBon. Se unieron con el exitoso cantante Robert Palmer, el batería Tony Thompson y el también bajo Bernard Edwards (ambos exChic) para protagonizar un experimento creativo que respondió al nombre de The Power Station.

Su nueva aventura discográfica debía, obligatoriamente, estar condecorada con un éxito de ventas. El historial de sus componentes no podía permitir algo distinto a un top ten. El quinteto se encerró en los estudios Avatar de Nueva York con el objetivo de emprender un camino alejado de la electrónica. Su apuesta por las raíces del rock del pasado les llevó al puesto noveno de la listas de éxitos norteamericana Billboard, la Biblia música de aquellos lares. Leer más

La Bionda – One for you, one for me (Uno para ti, uno para mí)

2016 abril 12

Nos topamos hoy con la canción que abrió el movimiento italo dance. ‘One for you, one for me’, clásico entre los clásicos en las discotecas de finales de los setenta, se publicó en Italia en 1978, aunque su gran repercusión en el mundo hispanoparlante se produjo tanto en el verano de aquel año como en la siguiente temporada estival. Los hermanos La Bionda, Carmelo y Michelangelo, padres del género, consiguieron casi sin proponérselo un hit a nivel mundial que creció paralelo al circuito musical de las playas.

Con la colaboración del inglés Richard Palmer-James, la excelente producción y la brillante composición musical catapultaron a ‘One for you, one for me’ al número uno en todo el continente europeo y en gran parte de América del Sur. Se trataba realmente de un ritmo simple que fue creado por Michelangelo La Bionda cuando tan sólo contada con nueve años. Luego, algunos años después, regresó a su mente y adoptó el formato de las 45 revoluciones por minuto. Leer más

Alicia Keys – This girl is on fire (Esta mujer está en llamas)

2016 abril 8

‘This girl is on fire’ es un precioso homenaje a las personas normales. A aquéllas que cada día se levantan con un horizonte que no va más allá que el de afrontar la vida con sencillez y armonía, de cuidar con cariño a las personas que quieren, de hacer con dignidad su trabajo y de asumir su rol con normalidad, pero que al mismo tiempo tienen un enorme fuego interior que les hace vibrar, les hace sentir coquetas y sexys, las reinas y reyes de su pequeño paraíso. Se quieren a sí mismos y sueñan.

Por ejemplo, ¿a qué mujer no le gustaría ser una preciosa modelo, con un cuerpo estupendo, tener bonitas joyas y lujosos vestidos, asistir a fiestas maravillosas…? En fin, reinar en un mundo de cuento de hadas. ¿A qué hombre no le agradaría encarnarse en un gran deportista o en un profesional de prestigio, con un gran coche, y tener un éxito arrollador? Y viceversa, por supuesto. Es muy posible que a la mayoría. Leer más

Manolo Tena – Sangre española

2016 abril 4

Hoy hemos perdido al gran Manolo Tena. Su obra nos lo recordará siempre. Basta recurrir a ‘Sangre española’. quizá su canción más conocida, para valorar la magnitud de su genio.

‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.

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Tino Casal – Embrujada

2016 marzo 26

Un genio asturiano de corta vida que respondía al nombre de Tino Casal creó en 1983 una de las numerosas joyas musicales que nos dejó tras su caminar por esta vida. Rodeado de los bajos Chapman Stick y Manolo Aguilar, el guitarrista Carlos G. Vaso, los teclistas Javier Losada y A. Quintano, y el batería Javier de Juan, consiguió el mayor aldabonazo de su carrera de la mano del productor Julián Ruiz y el ingeniero de sonido Luis Fernández Soria. Hablamos, como ya han descubierto los seguidores del genial cantante y compositor, de ‘Embrujada’.

Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo. Leer más

Lynyrd Skynyrd – Sweet home Alabama (Dulce hogar Alabama)

2016 marzo 14

Si quieres que ese momento traumático de abandonar la cama cada mañana sea, cuanto menos, un poco menos doloroso, te recomiendo que como sintonía de tu despertador programes la canción que hoy analizamos. ‘Sweet home Alabama’ tiene la capacidad de reactivar al ser humano hasta en sus momentos más bajos, ésos que normalmente coinciden con las primeras horas de la mañana, sobre todo los lunes. Este tema conseguirá ponerte de buen humor por muy amargo que sea tu amanecer y por grande que sea el daño que su sintonía haya producido en tu cerebro al arrancarte de los brazos de Morfeo.

Este himno del rock, tan clásico como la Quinta Sinfonía de Beethoven, también te transportará de inmediato a lo más profundo del sur estadounidense, a sus blancos campos de algodón, a su húmedo calor… Qué lejos estamos de la mítica Alabama y, sin embargo, que cerca nos sentimos de ella gracias a este tema. Icono imperecedero, nos ayuda a sentir ese área norteamericana. Quizá porque ‘Sweet home Alabama’ es una de esas composiciones ideales para viajar, de las que tienes que tener siempre en el equipo de música de tu coche cada vez que te enfrentas a la carretera. Leer más

Ricardo Arjona – Mujeres

2016 marzo 7

Felicidades a todas. O quizá debería decir gracias. Felicidades porque el 8 de marzo el mundo os homenajea con la celebración del Día Internacional de la Mujer y gracias por todo lo que nos habéis dado a lo largo de la historia de la humanidad.

Nunca de ninguna boca masculina saldrá una afirmación que realmente haga justicia o se acerque a saldar la gran deuda que los hombres tenemos con vosotras. Por supuesto, yo ni lo intento. Me confieso incapaz de trasladar a un folio en blanco la admiración que siento hacia la mujer. Bien sea pareja, abuela, madre, hermana, hija, compañera de trabajo, amiga, vecina… Siempre ellas han hecho más por nosotros que nosotros por ellas. Leer más

Celine Dion – My heart will go on (Mi corazón seguirá latiendo por ti) (Titanic)

2016 febrero 26

Creo que aún no ha pasado el tiempo suficiente como para realizar esa afirmación, pero son muchos los que creen que la música de ‘Titanic’ puede ser considera la más famosa y aclamada de la historia del cine. Y, por tanto, su canción estrella, ‘My heart will go on’, la balada más reconocida de la gran pantalla. Es mucho decir, sin duda.

Lo cierto es que la película dirigida por James Cameron sí ha sido la más taquillera de la historia del cine, siendo premiada con once Oscar por la Academia de Hollywood. Su tema musical estrella logró una popularidad similar. Leer más

Jeanette – Soy rebelde

2016 febrero 12

«Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así». A quién no le suena esta frase o, es más, quién no ha llegado a utilizarla en alguna ocasión. El paso del tiempo la ha convertido en parte del acerbo popular y en hasta manida expresión sine die, pero realmente su génesis tuvo lugar en 1971 en la mente creativa del compositor y arreglista Manuel Alejandro.

El maestro de Jerez de la Frontera se alió aquel año con el director de orquesta hispanoargentino Waldo de los Ríos y el productor italiano Rafael Trabucchelli para regalar a Jeanette su canción franquicia, aquella que la hizo popular en un país que trataba de alejarse del inmovilismo del franquismo mediante tímidas ráfagas de aire importadas del extranjero. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, funciona. Leer más

Chris Isaak – Wicked game (Juego perverso)

2016 febrero 1

El mayor éxito del norteamericano Christopher Joseph Isaak llegó en 1989 de la mano de la canción ‘Wicked game’, el sencillo más aceptado de su carrera gracias a sus millonarias ventas y al reconocimiento de las listas de los hit parade estadounidenses y europeas.

Ante todo nos encontramos con una gran canción de amor, de amor tóxico, de una trama de seducción y obsesión que nació al abrigo de la noche, escenario ideal para su desarrollo. Isaak la compuso a altas horas de la madrugada, según ha asegurado siempre. Sólo entonces, sin la cordura que garantiza el sol, afloraron sentimientos irracionales que desembocaron en un himno a la locura insomne. Leer más

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