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Francis Cabrel – La quiero a morir

2016 mayo 6

‘La quiero a morir’ es sinónimo de belleza lírica. No estoy seguro de que hoy vayamos a hablar de música poetizada o de poesía musicalizada, pero sí convencido de que su intensidad sentimental afectará a piel, sangre y huesos. Nos referimos a una de esas baladas que han pasado a la historia de los melómanos francófonos, en su versión original, y de los castellanohablantes, en la interpretación que barrió en los mercados de España y Latinoamérica a finales de la década de los setenta.

Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente.

Por último, la desaparecida actriz mexicana María Félix se atribuyó también ser la fuente de la inspiración de ‘La quiero a morir’. En una entrevista para la televisión azteca aseguró que el tema fue escrito por un joven amante de la época en la que vivió en París. Según la diva del séptimo arte, el autor, debido a las penurias económicas que pasaba, se vio obligado a venderlo a Francis Cabrel. Existen serias dudas sobre la veracidad de esta afirmación.

Sea cual sea la verdad –el cantante siempre ha guardado silencio, aumentando así el halo de misterio y la ambigüedad de la letra facilita diferentes interpretaciones–, lo cierto es que cada vez que se confecciona una lista de las canciones de amor más festejadas del continente europeo, ‘La quiero a morir’ forma parte de ella. Porque su poesía es interpretada por cada uno de nosotros con nuestras propias variantes. Ése es el secreto de ‘La quiero a morir’, composición abierta y subjetiva.

Pero, como somos unos románticos, quedémonos con la literalidad de la letra. Con ese amor hacia la persona que lo constituye todo para nosotros, que hace que cada mañana acumulemos fuerzas para abandonar la cama, la que nos invita a movernos, la que se ha convertido en diosa de nuestro Olimpo personal. Ella todo lo puede, es la propietaria de nuestro espacio y de nuestro tiempo. Somos esclavos consentidos de su tiranía y su belleza, de su sabiduría y de su carácter.

Nos gustan su mirada, sus palabras y sus silencios, sus reposos y sus movimientos, su risa y su llanto. Nos gusta hasta cuando nos miente. Cómo se cae y, sobre todo, cómo se levanta. Es que la vida es mejor desde que ella forma parte de nuestra existencia. Todos los días son luminosos aunque llueva. ‘La quiero a morir’ es una declaración de amor capaz de ablandar al corazón más pétreo, un desgarrador ejercicio de confesión.

No importan los obstáculos, porque ella conseguirá que todos sean sorteados gracias a un amor que atrapa. A la vez fuerte y delicado. Nuestro propio reflejo en sus ojos hace que alcancemos la eternidad, aunque el reloj sólo recoja el transcurrir de unos segundos. Un momento que queremos no acabe jamás, que no queremos que se consuma. No estamos completos sin ella. La queremos a morir.

Éxito internacional

‘Je l’aime à mourir’ lógicamente vio la luz en el mercado de nuestro país vecino del norte. Allí encandiló de Hendaya a Nomandía gracias a una letra sin igual y a los arreglos y la dirección orquestal de Glen Spreen y la realización de Jean-Jacques Souplet. En 1979 –el año de su lanzamiento– el single que incluía la canción en su cara A llegó a vender 600.000 copias en Francia, obteniendo el galardón de disco de platino. Las estadísticas se elevaron considerablemente con las adquisiciones que realizaron los admiradores del resto del mundo. Por supuesto, fue el tema con mayor repercusión en la carrera de Cabrel. Su magia, desde entonces, es universal.

Dos minutos y cuarenta y dos segundos de obra de arte bastaron para encabezar el hit parade francés durante cinco semanas consecutivas. En España la estancia en la cima de los éxitos se prolongó catorce días. Quizá fue por la sonoridad de ese bajo que secunda con fervor la guitarra o quizá por esos violines que se apoderan de la melodía a medida que avanza para convertirse finalmente en protagonistas absolutos de esta genialidad. En ella el artista genera sensaciones nada tangibles. No quiere revelarnos todo lo que esconde su mente. Nos da la oportunidad de que nosotros rellenemos los puntos suspensivos con nuestras propias sensaciones, que pongamos parte de nosotros. Una canción para dedicar a alguien con nombre y apellidos.

LETRA

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

Ella borra las horas de cada reloj
me enseña a pintar transparente el dolor
con su sonrisa

Y levanta una torre desde el cielo hasta aquí
y me cose unas alas y me ayuda a subir
a toda prisa, a toda prisa
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Me dibuja un paisaje y me lo hace vivir
en un bosque de lápices se apodera de mí
La quiero a morir

Y me atrapa en un lazo que no aprieta jamás
como un hilo de seda que no puedo soltar
no quiero soltar, no quiero soltar
La quiero a morir

Cuando trepo a sus ojos me enfrento al mar
dos espejos de agua encerrada en cristal
La quiero a morir

Sólo puedo sentarme, solo puedo charlar
sólo puedo enredarme, solo puedo aceptar
ser sólo suyo, sólo suyo
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

VERSIONES

La obra original, bajo el título ‘JE L’AIME À MOURIR’, es, a mi entender, mejor que la que Francis Cabrel grabó en castellano. Además, su letra se corresponde en escasa medida con la difundida para el público hispanoparlante.

SHAKIRA actualizó el tema en 2011, volviéndo a elevarlo hasta el número uno de las listas de éxitos galas. Permaneció en la cima durante siete semanas, superando al original de Cabrel. La colombina ofreció una versión bilingüe –castellano y francés– en sus conciertos en ciudades de habla gala –Francia y Suiza– dentro de la gira que realizó aquel año por Europa.

Una de las interpretaciones más sentimentales fue la que realizó el difunto MANZANITA. A diferencia de la original, su tono es creciente. La voz y la entonación del malagueño es impactante, aunque ya para entonces su salud comenzaba a ser endeble.

El crooner catalán SERGIO DALMA, especializado en reinterpretar clásicos del pop, no desaprovechó la oportunidad de ofrecer su visión de ‘La quiero a morir’. Lo hizo en 2005 con dudoso éxito, en mi opinión.

SERGIO VARGAS acercó ‘La quiero a morir’ al merengue dominicano

Para los que quieran conocer otras revisiones pueden recurrir a las que realizaron Jackito, Alliage, Carole Ferederiks, Marc Antoine, Muchachito, Camilo Sesto, Daniel Betancourt, Quentin Mosimann, Dark Latin Groove (DLG), Giselle, Raphael, Niña Pastori, Jarabe de Palo y Alejandro Sanz, María Carrasco, Nicola di Bari, Joaquín Sabina, Manu Chao, Don Tetto, Conchita, Forraje, Puchero del Hortelano, Gustavo Botero, Pelaos con Salsa o Lenka Filipová-Zamilovaná.

BIOGRAFÍA

FRANCIS CABREL es un baladista, un romántico, un lírico y en esa esfera ha trazado toda su carrera. Nació el 23 de noviembre de 1953 en Astaffort, en el sur de Francia, en el seno de una familia originaria de Italia. Aunque comenzó a componer a los dieciséis años, cuando estaba en el instituto, su debut profesional llegó cuando contaba con dieciocho. Sin embargo, por aquella época tuvo que compaginar la música con otros oficios, como el de dependiente de una zapatería.

Dejó los estudios obnubilado por Bob Dylan, Neil Young y Leonard Cohen, sus tres grandes ídolos. Sus primeros escenarios fueron bares y pubs, por donde dio tumbos como guitarrista del grupo Ray Frank et les Jazzmen, que más tarde pasó a llamarse Les Gaulois.

Transcurrieron varios años hasta que logró emprender una trayectoria en solitario tras presentar varias composiciones de matiz político a un concurso de cantautores celebrado en Toulousse. Allí fue descubierto por un cazatalentos, que se lo llevó a París y lo convirtió en un autor romántico.

Su trabajo discográfico inicial apareció en 1977, titulado ‘Petite Marie’. Pero su primer impacto en las listas llegó en 1979, con la canción ‘Les chemins de traverse’. A continuación publicó ‘Je l’aime à mourir’ y ya nada fue igual. El disco de platino que premió sus ventas cambió su vida. Desde entonces su caminar artístico ha girado en torno a este tema, aunque después compuso otras grandes obras.

The Power Station – Get it on (Entrégate)

2016 abril 25

Cuando un grupo que está en la cumbre de su fama (en este caso Duran Duran) decide tomarse un descanso para tratar de difuminar los roces internos, sus miembros suelen aprovechar el parón bien para lanzar proyectos en solitario o bien constituir alguna banda alternativa. Esto ocurrió en 1985, cuando el bajista John Taylor y el guitarrista Andy Taylor decidieron oxigenarse fuera de la disciplina del líder de la banda Simon LeBon. Se unieron con el exitoso cantante Robert Palmer, el batería Tony Thompson y el también bajo Bernard Edwards (ambos exChic) para protagonizar un experimento creativo que respondió al nombre de The Power Station.

Su nueva aventura discográfica debía, obligatoriamente, estar condecorada con un éxito de ventas. El historial de sus componentes no podía permitir algo distinto a un top ten. El quinteto se encerró en los estudios Avatar de Nueva York con el objetivo de emprender un camino alejado de la electrónica. Su apuesta por las raíces del rock del pasado les llevó al puesto noveno de la listas de éxitos norteamericana Billboard, la Biblia música de aquellos lares.

Lo lograron gracias a clásicos. Así, entre otros hits del pasado, optaron por rejuvenecer el famoso ‘Get it on (Bang a gong)’ de Tyrannosaurus Rex (T. Rex), al que en 1971 el fallecido cantante glam inglés Marc Bolan puso la voz inicial tras componerla.

En ‘Get it on (Bang a gong)’ Palmer pudo rentabilizar su potente voz y crear un tema que pronto destacó por su musicalidad. Además, este tema caliente estuvo a la altura de la inmensa calidad que atesoraban los miembros de la superbanda The Power Station y también de sus querencias rockeras. La versión fue tan fresca y sensual como la original, pura dosis de fuerza descomunal para plasmar una lírica llena de metáforas y significados oscuros que habla, con doble sentido, sobre sexo.

La guitarra de Andy Taylor y su estilo ‘in your face’, junto con el bajo metálico de John Taylor, rodean la erótica voz de Robert Palmer mientras Tony Thompson, también con el bajo, aporta el estruendo que adorna la composición. Destaca sobretodo la poderosa instrumentación del tema. El poder visceral de la versión de 1985 supera el espíritu ligero y sensual de la original, a su vez inspirada en su parte instrumental en ‘Little Queenie’ de Chuck Berry.

La obra estaba inicialmente destinada a convertirse en un homenaje a la modelo Bebe Buell (la madre de Liv Tyler), quien por aquel entonces era pareja de John Taylor. Pero al romperse esta relación, esta idea se abandonó. También estaba previsto que Bebe Buell fuera miembro del grupo, aunque finalmente fue sustituida por Robert Palmer.

El videoclip promocional, realizado por Terence Donovan, reafirmaba la imagen de Palmer como un hombre con poder sobre las mujeres. El vocalista británico, vestido con traje y corbata, una estética poco rockera, se presentaba al frente de un batallón de modelos enamoradas de él. Una visión un tanto machista.

LETRA

Bueno eres obscena y dulce
vestida de negro, no mires hacia atrás y te amo
eres obscena y dulce, oh sí
Bienm eres delgada y eres débil
tienes los dientes de la hydra sobre ti

Eres obscena dulce y eres mi chica

Entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate

Bien estás construida como un coche
tienes tapacubos (pezones) de aureola de diamante estelar
estás construida como un coche, oh sí

Bien tú eres una joven indomable
ésa es la verdad, con tu capa llena de águilas
eres obscena dulce y eres mi chica

Entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate

Bueno eres como el viento salvaje
tienes el blues en tus zapatos y tus medias

Bien estás construida como un coche
tienes tapacubos (pezones) de aureola de diamante estelar
estás construida como un coche, oh sí

Eres obscena dulce y eres mi chica

Entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate

Bueno eres obscena y dulce
vestida de negro, no mires hacia atrás y te amo
eres obscena y dulce, oh sí

Bien bailas cuando andas
así que vamos a bailar, arriésgate, entiéndeme
eres obscena dulce y eres mi chica

Entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate

Entrégate, excítate, entrégate
entrégate, excítate, entrégate

Entrégate, excítate, entrégate
Entrégate, excítate, entrégate

Nena
elígeme, por un rato, todavía estoy pensando

VERSIONES

Obligado es comparar las interpretaciones de The Power Station y de TYRANNOSAURUS REX. He aquí la original del cuarteto británico encabezado por Bolan. Sin duda genial.

El genial guitarrista mexicano CARLOS SANTANA siempre se ha caracterizado por dar su punto de vista a temas fundamentales del rock. La voz la puso el británico Gavin Rossdale.

El grupo de pop de los 70-80 BLONDIE incorporó asimismo a su repertorio el tema que analizamos hoy. En esta versión en directo grabada en 1979 en Asbury Park, Nueva York, su líder Debbie Harris se llevó todo el protagonismo, aunque no fue una de sus mejores interpretaciones.

Más recientemente, en 2009, el conjuno alemán con influencias del estilo glam rock CINEMA BIZARRE quiso darle un toque personal a ‘Get it on’. En mi opinión, el resultado es dudoso.

WITCH QUEEN, el grupo de estudio ensamblado por Gino Soccio y producido por Peter Alves, optó por reconvertir el tema para destinarlo a las discotecas. Corría el año 1979.

THE POWER STATION surgió de forma casual en 1985, sin que sus integrantes se lo propusieran. Durante una reunión de amigos en la que participaron los dos Taylor, Thompson y Edwards decidieron realizar una maqueta con la versión de ‘Get it on’. Quedaron tan satisfechos de la conjunción de sus talentos que optaron por comercializar el tema.

El grupo había quedado constituido, pero faltaba un nombre. Inicialmente se barajó la posibilidad de llamarlo Big Brother, utilizando un cantante distinto para cada uno de los clásicos que incluiría el LP. Incluso llegaron a contactar con Mick Jagger o Billy Idol.

Robert Palmer fue el primer vocalista convocado. Tras autoofrecerse, interpretó ‘Get it on’ y la simbiosis que surgió con el resto de los miembros de la banda finalmente les convenció de que el británico debía ser el cantante fijo. Fue el nacimiento de The Power Station, finalmente integrado por Palmer, John Taylor (bajo), Andy Taylor (guitarra), Tony Thompson (batería) y Bernard Edwards (bajo).

El LP de debut, una mezcla de covers y canciones propias, fue lanzado con gran éxito en las listas de ventas. ‘Some like it hot’, el primer single, llegó al sexto lugar en Billboard. El segundo, ‘Get it on (Bang a gong)’, confirmó la buena acogida del público, al que también le gustaron otros temas como ‘Communication’ o ‘Go to zero’.

Pero, sorprendentemente, cuando ya se había planificado una gira mundial, Palmer decidió reemprender su carrera en solitario, aunque volvió al año siguiente para registrar un nuevo disco. Este trabajo, titulado ‘Living in fear’, no tuvo tanta repercusión y acabó la historia de The Power Station.

Esta macrobanda no hubiera sido posible sin la crisis que sufrió Duran Duran en 1984, cuando el conjunto liderado por Simon LeBon decidió tomarse un período de descanso para experimentar y desarrollar trabajos alternativos. En este tiempo surgieron de su seno dos bandas: The Power Station y Arcadia. La segunda elaboró música parecida a la de Duran Duran y estuvo integrada por LeBon, Nick Rhodes y Roger Taylor. Triunfó con el single ‘Election day’, incluido en su único LP ‘So red the rose’ (1985), en el que colaboraron grandes artistas como David Gilmour, Sting o Carlos Alomar.

La Bionda – One for you, one for me (Uno para ti, uno para mí)

2016 abril 12

Nos topamos hoy con la canción que abrió el movimiento italo dance. ‘One for you, one for me’, clásico entre los clásicos en las discotecas de finales de los setenta, se publicó en Italia en 1978, aunque su gran repercusión en el mundo hispanoparlante se produjo tanto en el verano de aquel año como en la siguiente temporada estival. Los hermanos La Bionda, Carmelo y Michelangelo, padres del género, consiguieron casi sin proponérselo un hit a nivel mundial que creció paralelo al circuito musical de las playas.

Con la colaboración del inglés Richard Palmer-James, la excelente producción y la brillante composición musical catapultaron a ‘One for you, one for me’ al número uno en todo el continente europeo y en gran parte de América del Sur. Se trataba realmente de un ritmo simple que fue creado por Michelangelo La Bionda cuando tan sólo contada con nueve años. Luego, algunos años después, regresó a su mente y adoptó el formato de las 45 revoluciones por minuto.

Un ritmo basado en un piano electrónico constituye la columna vertebral de una sintonía en la que también desempeña un papel primordial el coro femenino que acompaña a los hermanos La Bionda. El resultado es realmente espectacular, sobre todo por la cadencia hipnótica. Sin embargo, el valor de su letra es más bien escaso, testimonial diría yo. ‘One for you, one for me’ representa, por tanto, toda una lección de como rentabilizar el ritmo y la fuerza.

El vídeo, en el que salen varias señoritas ligeras de ropa, también incidió en el éxito de ‘One for you, one for me’. Llegó a España en una época en la que la democracia ya estaba restaurada, pero todavía eran abundantes los complejos que se arrastraban, muchos de ellos sexuales. De cualquier manera, lo cierto es que este tema hizo bailar a media Europa durante los veranos de los últimos años de los setenta. Paradójicamente, lo consiguió en el Viejo Continente aun siendo un tema que sonaba muy americano, muy californiano.

LETRA

Uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí

Por favor no te vayas
estoy listo y soy capaz
por favor no te vayas

Por favor no te vayas
hasta que llegue la semana
Por favor no te vayas
mientras quede vino sobre la mesa
Por favor no te vayas,
simplemente túmbate

No sé que haría si te levantas para marcharte
mi celoso corazón late en el interior y no a la vista
porque podría mostrar tal amor
y afecto a una chica como tú
no quiero darte ninguna charla,
pero no me dejas elección

Por favor no te vayas cariño,
cambia de opinión y quédate
el amor caliente está en camino,
cariño, déjame oírte decir sí, sí, sí

Uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí
uno para ti, uno para mí

VERSIONES

El gran éxito de ‘One for you, one for me’ hizo que la discográfica decidiera que para el mercado anglosajón grabara también esta canción el inglés JONATHAN KING, histórico productor discográfico de la banda Genesis. El vídeo no tiene desperdicio.

La heroína infantil de la televisión peruana YOLA POLASTRY convirtió en 1979 ‘One for you, one for me’ en ‘Haz el bien sin mirar a quién’. Exitosa adaptación del desaparecido maestro Roberto ‘Tito’ Chicoma.

El compositor y productor estadounidense MARK SPIRO también se fijó en el potencial de esta canción. Lo hizo en 1985.

En 1987 el grupo FUNKY SISTERS actualizó el tema.

La canción de La Bionda fue utilizada en el spot publicitario de un canal televisión digital del imperio BERLUSCONI.

Los sicilianos Carmelo (1949) y Michelangelo (1952) LA BIONDA son autores de algunas de las primeras obras de música disco europea. Aunque llevaban años trabajando en los estudios de música y en la experimentación de sonidos electrónicos, la popularidad no les llegó hasta finales de los setenta, concretamente en 1978, cuando lanzaron a las listas de éxitos ‘One for you, one for me’, para alcanzar rápidamente el número uno. Este éxito fue continuado con otros hits, aunque de menor alcance, como ‘Bandido’, ‘Disco roller’ o ‘I wanna be your lover’. Todos con la misma estructura: mucha música y pocas palabras.

Después de trasladarse a Milán, debutaron en 1970 mediante la colaboración con artistas ya consagrados como Mia Martini, Ricchi e Poveri o Bruno Lauzi. Su primera obra discográfica llegó ese mismo año mediante una incursión en el sonido acústico basado en el movimiento progresivo. Comenzó así una carrera que antes de la llegada de los ochenta ya les había permitido vender más de diez millones de discos grabando con distintas denominaciones. Para entonces su base de operaciones ya estaba en la ciudad alemana de Múnich, centro de la movida europea.

Al margen de su trayectoria como dúo, realizaron una labor inmensa en el mundo de la producción de bandas sonoras para cine y televisión, y en trabajos para otros artistas. Así, por ejemplo, ellos estuvieron detrás de Righeira y sus éxitos de 1983 ‘Vamos a la playa’ y ‘No tengo dinero’, además de lanzar a la explosiva Amanda Lear.

Una vez decayó el sonido disco europeo, los hermanos crearon en Milán los estudios Logic Studios, por donde pasaron para grabar artistas de la talla de Ray Charles, Robert Palmer, Paul Young o Depeche Mode.

Reaparecieron en España siguiendo la moda revisionista. Así, en junio de 2009, La Bionda participó en el programa ‘Los mejores años de nuestras vidas’ de Televisión Española, que reunió a los grupos que triunfaron en los veranos españoles del último medio siglo pasado.

Alicia Keys – This girl is on fire (Esta mujer está en llamas)

2016 abril 8

‘This girl is on fire’ es un precioso homenaje a las personas normales. A aquéllas que cada día se levantan con un horizonte que no va más allá que el de afrontar la vida con sencillez y armonía, de cuidar con cariño a las personas que quieren, de hacer con dignidad su trabajo y de asumir su rol con normalidad, pero que al mismo tiempo tienen un enorme fuego interior que les hace vibrar, les hace sentir coquetas y sexys, las reinas y reyes de su pequeño paraíso. Se quieren a sí mismos y sueñan.

Por ejemplo, ¿a qué mujer no le gustaría ser una preciosa modelo, con un cuerpo estupendo, tener bonitas joyas y lujosos vestidos, asistir a fiestas maravillosas…? En fin, reinar en un mundo de cuento de hadas. ¿A qué hombre no le agradaría encarnarse en un gran deportista o en un profesional de prestigio, con un gran coche, y tener un éxito arrollador? Y viceversa, por supuesto. Es muy posible que a la mayoría.

Sin embargo, a estas alturas ya sabemos que la vida no va de eso, sino que es otra cosa muy distinta para el común de los mortales. La vida va de vivir el día a día, con sus quehaceres cotidianos, su rutina, sus problemas, sus más y sus menos. Y aquí estamos todos, aguantando el tipo. Tomándonos la vida como viene, con más o menos resignación, según nos pille. Y según empieza una nueva jornada nos damos cuenta de que no hay más fiesta a la que ir que a la que nos tenga preparada el destino. Y al final, cómo lo tomemos depende de cada uno.

Esto vale tanto para ellas que para ellos. ¡Qué más da! Porque al final, hombre o mujer, todos soñamos y todos sentimos un fuego interior que nos hace brillar, aunque más tarde o más temprano todos nos enfrentamos a nuestra propia realidad.

Pero en el fondo, lo más bonito de todo ello, y también lo más difícil, es intentar brillar a pesar de todo y sacar fuerzas de flaqueza, sea cual sea la circunstancia. Alicia Keys lo canta maravillosamente en esta canción. ¡This girl is on fire’ retrata a una mujer que lleva una vida sencilla, doméstica y rutinaria. Se trata de una chica hacendosa, amorosa y normal.

Sin embargo, siente un fuego abrumador en su interior, un fuego que le da una fuerza enorme para impulsar su día a día y que le hace sentirse poderosa. Se ve a sí misma como una diosa maravillosa y este sentimiento es tan fuerte que le hace irradiar belleza, armonía y serenidad. Todo ello lo consigue gracias a ese fuego interior que todos tenemos y que, por desgracia, muchas veces notamos apagado.

La vida nos zarandea a capricho y nos lleva por caminos tan impredecibles y por circunstancias tan injustas que se nos funden los plomos. A veces sufrimos de ‘apagón’ interior, de letargo emocional, de tristeza o aburrimiento, y se nos hace cuesta arriba avivar nuestro pequeño fuego. Sin embargo, ser capaces de hacerlo es vital porque al final la vida es para vivirla y disfrutarla con intensidad. Para brillar con toda la luz que seamos capaces de irradiar. Esto es precisamente lo que Alicia Keys trata de decirnos con esta canción.

‘This girl is on fire’, que fue lanzado en 2012, es un himno a las personas sencillas que tienen la suficiente sabiduría como para saber disfrutar de las pequeñas cosas y brillar con esplendor en cada cosa que hacen.

Es simplemente una chica y está que arde
más sexi que una fantasía
solitaria como una autopista
vive en un mundo que arde
lleno de catástrofes, pero ella sabe que puede irse volando

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Parece una niña, pero ella es una llama
tan brillante que puede quemar tus ojos
mejor mirar para otro lado
puedes intentarlo, pero nunca olvidarás su nombre
ella está en la cima del mundo
la más sexi de las sexis

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Todo el mundo para cuando ella pasa
porque pueden ver la llama que hay en sus ojos
la ven como si iluminase la noche
nadie sabe que es una chica solitaria
y es un mundo solitario
Pero la va a desar que se queme, cariño

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Oh, oh, oh …
es simplemente una chica y está que arde

VERSIONES

Maravillosa la revisión que hizo de la alemana NICOLE CROSS en 2013.

Más floja en mi opinión la visión que la norteamericana PINK llevó a cabo en vivo en 2012.

Sorprendente la interpretación de la también norteamericana TAYLOR SWIFT en 2013, otra artista muy galardonada en los premios Grammy, al igual que Alicia Keys.

Esta interpretación incluida en la serie de televisión ‘Glee’, de 2013, tampoco se queda atrás. La cantaba una actriz que responde al nombre de SANTANA. Evidentemente no tiene nada que ver con el genial guitarrista mexicano.

De esta preciosa canción se han hecho muchas revisiones en concursos de talento musical. He aquí una de las más llamativas. La firmó en 2014 ALEXA dentro del certamen ‘La Voz’ de Australia.

Alicia Augello Cook, conocida artísticamente como ALICIA KEYS, nació en Nueva York en 1981. Fue una alumna aventajada y ya a la edad de siete años comenzó a tocar el piano, iniciándose en el estudio de compositores como Beethoven, Mozart y Chopin. A los 12 se matriculó en la Professional Performing Arts School de Manhattan, donde destacó como corista y empezó a componer sus primeras canciones.

En 1994, Alicia conoció a Peter Edge, de Arista Records. Sobre sus primeras impresiones acerca de ella, Edge declararía más tarde: «Nunca antes había visto a una artista de su edad con tanto talento musical. Había mucha gente que participaba como coro en bucles o canciones, pero ella tenía la capacidad no sólo de adaptarse al hip-hop, sino de ir mucho más allá».

Alicia firmaría con Columbia Records poco después. Sin embargo conflictos de sus representantes con la discográfica llevarían finalmente al fin de su contrato. Alicia se puso entonces en contacto con Clive Davis, –el descubridor de Whitney Houston años atrás– y en 2001 lanzó ‘Songs in A minor’, con el que consiguió cinco premios Grammy.

En 2004, su dueto con el cantante Usher para el tema ‘My boo’ le valió ocho nominaciones a los premios Grammy 2005, ganando en tres temas por material del álbum y en una por ‘My boo’. Cabe destacar la nominación de ‘If I ain’t got you’ como canción del año y del álbum como disco del año, dos de las más importantes categorías de los galardones.

En octubre de 2005 se lanzó a la venta el disco ‘Unplugged’, que debutó en el número 1 de ventas de Estados Unidos convirtiendo a Keys en la primera cantante femenina que consiguió llegar hasta lo más alto de las listas con tres álbumes consecutivos. Le valió. Además, cuatro nominaciones a los Grammy 2006.

Keys también grabó el dueto ‘Keep a child alive’ junto a Bono, de U2, para ayudar a la organización contra el sida, de la cual ella es portavoz mundial. El tema es una versión de ‘Don’t give up’, de Peter Gabriel, y fue rebautizado por Keys y Bono como ‘Don’t give up (África)’. Su siguiente disco, ‘As I am’, se publicó en 2007 y le otorgó el premio Billboard Pop 200.

En 2008 grabó la canción ‘Another way to die’ a dúo junto con Jack White para la película ‘Quantum of solace’, de la saga cinematográfica de James Bond. Este trabajo se vio envuelto en polémica porque fue elegido a costa de descartar una canción de Amy Whitehouse, quien anunció que publicaría su tema para demostrar que era superior al elegido.

Alicia Keys suma a la fecha veinticuatro nominaciones a los Grammy, doce de ellos ya los tiene bajo el brazo. Además, cuatro de sus álbumes han sido número uno en Estados Unidos desde su debut en el Billboard 200, honor que comparte con Britney Spears.

Manolo Tena – Sangre española

2016 abril 4

Hoy hemos perdido al gran Manolo Tena. Su obra nos lo recordará siempre. Basta recurrir a ‘Sangre española’. quizá su canción más conocida, para valorar la magnitud de su genio.

‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confesó repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesaba «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añadió más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sotuvo.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derramó arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofreció desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas y difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo volvió a protagonizar, pero el nivel de su obra no decreció hasta que un cáncer detuvo su carrera. Regresó hace poco con un nuevo trabajo. Fue su canto de cisne. Ayer se apagó su voz.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

Tino Casal – Embrujada

2016 marzo 26

Un genio asturiano de corta vida que respondía al nombre de Tino Casal creó en 1983 una de las numerosas joyas musicales que nos dejó tras su caminar por esta vida. Rodeado de los bajos Chapman Stick y Manolo Aguilar, el guitarrista Carlos G. Vaso, los teclistas Javier Losada y A. Quintano, y el batería Javier de Juan, consiguió el mayor aldabonazo de su carrera de la mano del productor Julián Ruiz y el ingeniero de sonido Luis Fernández Soria. Hablamos, como ya han descubierto los seguidores del genial cantante y compositor, de ‘Embrujada’.

Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo. Leer más

Lynyrd Skynyrd – Sweet home Alabama (Dulce hogar Alabama)

2016 marzo 14

Si quieres que ese momento traumático de abandonar la cama cada mañana sea, cuanto menos, un poco menos doloroso, te recomiendo que como sintonía de tu despertador programes la canción que hoy analizamos. ‘Sweet home Alabama’ tiene la capacidad de reactivar al ser humano hasta en sus momentos más bajos, ésos que normalmente coinciden con las primeras horas de la mañana, sobre todo los lunes. Este tema conseguirá ponerte de buen humor por muy amargo que sea tu amanecer y por grande que sea el daño que su sintonía haya producido en tu cerebro al arrancarte de los brazos de Morfeo.

Este himno del rock, tan clásico como la Quinta Sinfonía de Beethoven, también te transportará de inmediato a lo más profundo del sur estadounidense, a sus blancos campos de algodón, a su húmedo calor… Qué lejos estamos de la mítica Alabama y, sin embargo, que cerca nos sentimos de ella gracias a este tema. Icono imperecedero, nos ayuda a sentir ese área norteamericana. Quizá porque ‘Sweet home Alabama’ es una de esas composiciones ideales para viajar, de las que tienes que tener siempre en el equipo de música de tu coche cada vez que te enfrentas a la carretera. Leer más

Ricardo Arjona – Mujeres

2016 marzo 7

Felicidades a todas. O quizá debería decir gracias. Felicidades porque el 8 de marzo el mundo os homenajea con la celebración del Día Internacional de la Mujer y gracias por todo lo que nos habéis dado a lo largo de la historia de la humanidad.

Nunca de ninguna boca masculina saldrá una afirmación que realmente haga justicia o se acerque a saldar la gran deuda que los hombres tenemos con vosotras. Por supuesto, yo ni lo intento. Me confieso incapaz de trasladar a un folio en blanco la admiración que siento hacia la mujer. Bien sea pareja, abuela, madre, hermana, hija, compañera de trabajo, amiga, vecina… Siempre ellas han hecho más por nosotros que nosotros por ellas. Leer más

Celine Dion – My heart will go on (Mi corazón seguirá latiendo por ti) (Titanic)

2016 febrero 26

Creo que aún no ha pasado el tiempo suficiente como para realizar esa afirmación, pero son muchos los que creen que la música de ‘Titanic’ puede ser considera la más famosa y aclamada de la historia del cine. Y, por tanto, su canción estrella, ‘My heart will go on’, la balada más reconocida de la gran pantalla. Es mucho decir, sin duda.

Lo cierto es que la película dirigida por James Cameron sí ha sido la más taquillera de la historia del cine, siendo premiada con once Oscar por la Academia de Hollywood. Su tema musical estrella logró una popularidad similar. Leer más

Jeanette – Soy rebelde

2016 febrero 12

«Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así». A quién no le suena esta frase o, es más, quién no ha llegado a utilizarla en alguna ocasión. El paso del tiempo la ha convertido en parte del acerbo popular y en hasta manida expresión sine die, pero realmente su génesis tuvo lugar en 1971 en la mente creativa del compositor y arreglista Manuel Alejandro.

El maestro de Jerez de la Frontera se alió aquel año con el director de orquesta hispanoargentino Waldo de los Ríos y el productor italiano Rafael Trabucchelli para regalar a Jeanette su canción franquicia, aquella que la hizo popular en un país que trataba de alejarse del inmovilismo del franquismo mediante tímidas ráfagas de aire importadas del extranjero. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, funciona. Leer más

Chris Isaak – Wicked game (Juego perverso)

2016 febrero 1

El mayor éxito del norteamericano Christopher Joseph Isaak llegó en 1989 de la mano de la canción ‘Wicked game’, el sencillo más aceptado de su carrera gracias a sus millonarias ventas y al reconocimiento de las listas de los hit parade estadounidenses y europeas.

Ante todo nos encontramos con una gran canción de amor, de amor tóxico, de una trama de seducción y obsesión que nació al abrigo de la noche, escenario ideal para su desarrollo. Isaak la compuso a altas horas de la madrugada, según ha asegurado siempre. Sólo entonces, sin la cordura que garantiza el sol, afloraron sentimientos irracionales que desembocaron en un himno a la locura insomne. Leer más

Black – Wonderful Life (Maravillosa vida)

2016 enero 26
por Anje Ribera

Colin Vearncombe, que popularizó bajo el pseudónimo Black el tema ‘Wonderful Life’, murió ayer a los 53 años tras sufrir un accidente tráfico en Irlanda hace dos semanas. Es momento quizás de recordar su gran éxito.

Todos fuimos imbuidos por pensamientos positivos, como recomendaba Peter Pan, cuando llegó ‘Wonderful Life’, allá por 1987. Constituyó un ejemplo adecuado para representar la cínica bondad que siempre impregnan las fechas que reciente y afortunadamente hemos dejado atrás.

Pero, imposiciones comerciales y convencionalismos al margen, sí, la vida es maravillosa, como nos lo cantaron los integrantes del conjunto británico Black en los estertores de los ochenta con una entonación de garganta negra en sus juveniles cuerpos blancos. Consiguieron que este tema se convirtiera en perenne, de esos que llegan a nuestras vidas por casualidad, pero que luego se quedan para siempre. ‘Wonderful Life’ se ha hecho con un sitio en la historia musical del último cuarto del pasado siglo. Fue un superéxito en su momento y es una obra genial casi tres décadas después. Leer más

Ultravox – Vienna

2016 enero 22

Ultravox – Vienna

‘Vienna’ constituyó el mayor éxito discográfico de Ultravox, coincidiendo con el período en el que la banda británica recorría el sendero musical de los ochenta de la mano del cantante y guitarrista escocés Midge Ure, que reemplazó a John Foxx en el liderato. Esta canción, publicada en otoño de 1980, fue la punta del iceberg de su popularidad europea a lo largo de toda una década, en la que derramó su influencia en las corrientes electrónicas de base sintética.

Comenzó entonces el despegue hacia la fama que se le había negado al quinteto con anterioridad. Por fin abandonó los círculos underground para llegar a un público masivo y emprender años de reconocimiento. El carácter sentimental y épico de ‘Vienna’, que surgió en pleno reinado de los nuevos románticos, amparado también en una estética barroca que recuerda al siglo XIX, se creó en un estudio de Colonia, donde Ultravox supo plasmar su creatividad en un sonido nuevo, gracias a sintetizadores más modernos y experimentales. Sin embargo, no pudo impedir la influencia del rock germanófilo que comenzaba a traspasar las fronteras de la todavía Alemania Federal. Leer más

The Eagles – Hotel California

2016 enero 19
por Anje Ribera

Glenn Frey, alma matter de The Eagles, ha muerto por complicaciones con una artritis reumatoidea, agravada por una colitis ulcerosa y neumonía. Guitarrista y miembro fundador de la banda “Era el motor, el planificador. Tenía un conocimiento enciclopédico de la música popular y una ética de trabajo que nunca abandonó”, aseguró ayer su compañero Don Henley.

Sirva como homenaje la historia de la canción más popular de la banda, que contamos hace algún tiempo. Hablamos, claro, de ‘Hotel California’.

Que es una de las grandes canciones del rock de todos los tiempos no lo pone en duda nadie. Que su éxito fue inmenso tampoco. Lo certifican los dieciséis millones de copias que vendió su single, que fue considerado el mejor de 1976 -cuando se escribió- y de los dos años siguientes. Tres décadas después asimismo ha protagonizado ya más de otro millón de descargas digitales.

Pero lo números jamás han servido para certificar leyendas y esta canción no sólo es una leyenda sino que convirtió en leyendas a los integrantes de Eagles. Una obra redonda, una composición perfecta que pervive al paso de los años sin perder su frescura. Un clásico atemporal, multiversionado por todo tipo de artistas, que ha cincelado su título en la historia de la música moderna. Leer más

Antton Valverde – Maitasunez hil (Morir de amor)

2016 enero 15

Aunque los científicos nos dicen que es imposible, hay quien muere de amor. Además es una muerte dolorosa. Tu corazón ha dejado de latir desde aquel día en que ella (o él) se marchó. Pero tu cuerpo vegeta en esta vida, torturado por una mente que no deja de pensar en ella (o él), sabiéndola (sabiéndolo) en otros brazos. Mueres en vida, día a día.

Y lo seguirás haciendo el resto de tu existencia, o sea de tu agonía. Vives cuando realmente quieres morir, mientras el recuerdo te desgarra el alma. Pasa un día, pasa otro y sigues solo (sola), sin ella (sin él). Sin embargo, todavía sientes en tu piel las caricias que nunca más volverás a recibir de aquellas manos. ¡Qué mentira creer que volverán! Leer más

David Bowie – Tonight

2016 enero 11
por Anje Ribera

La reedición de esta entrada antigua pretender ser un modesto homenaje al genio que se nos ha marchado.

Ziggy quiso demostrar que era el artista más grande que había nacido en este planeta y para hacerlo intentó dejar claro que ningún estilo se le resistía. En esta canción pretendió mostrar su destreza también en el reggae. Y qué bien lo hizo a pesar de que no contó con el beneplácito de la crítica. Sí el de quienes nos gusta todo tipo de música.

La canción la interpreta a dúo con Tina Turner, que en aquella época (1984) protagonizaba un resurgir de su carrera tras separarse definitivamente de su marido Ike Turner. ‘Tonight’ constituye una revisión de un tema que Bowie escribió para Iggy Pop, con un ritmo suave que bebe del clásico sonido jamaicano. Leer más

David Bowie y Mick Jagger – Dancing in the street (Bailando en la calle)

2016 enero 11
por Anje Ribera

Hace tres años ya de esta entrada, pero sirva de homenaje para el mago que se nos ha ido hoy. ‘Dancing in the street’ salió al mercado en 1964 de mano del trío femenino estadounidense Martha and the Vandellas y desde entonces cumple años con inexorable puntualidad. Pero yo no descubrí esta canción hasta 1985, cuando dos monstruos de la música como David Bowie y Mick Jagger realizaron una estridente versión. De ella hablaremos hoy.

Los hoy ya abueletes del rock planearon esta revisión para interpretarla en los festivales del Live Aid organizado por Bob Geldoff para ayudar a África. Inicialmente tenían previsto cantarla en directo simultáneamente, Bowie desde el estadio de Wembley y Jagger desde el JFK de Filadelfia, pero problemas técnicos –el retardo de la conexión por satélite– lo impidieron. Se vieron obligados a grabar un vídeo que se proyectó al mismo tiempo en ambos lados del Atlántico.

La combinación fue exquisita y así lo reconocieron público y crítica pese a que las carreras de ambos no atravesaban sus mejores momentos, sumidos ya en cierta decadencia por su madurez y su endiosamiento al cincuenta por ciento. De cualquier manera, estos iconos del pop-rock reverdecieron el clásico escrito por Marvin Gaye, William Mickey Stevenson y Ivy Jo Hunter. Leer más

Jackie Wilson – Reet petite (Tan hermosa)

2015 diciembre 30

Esta canción fue el primer pilar sobre el que se asentó el famoso sonido Motown. Corría el año 1957 cuando el joven compositor y productor Berry Gordy Jr. buscaba un hueco en el mundo de la música. Lo tenía difícil porque su piel era negra y en aquella época en Estados Unidos, todavía con un gran racismo reinante, eso suponía como mínimo un impedimento, si no una barrera infranqueable. Los éxitos de los artistas de color estaban prácticamente limitados al mercado de esa raza y sólo conseguían introducirse en las listas de éxitos marginales.

Sin embargo, ‘Reet petite’ sorteó todos los obstáculos gracias a la voz de Jackie Wilson. No sólo fue un éxito en el mercado destinado a los estadounidenses afroamericanos, sino que también llegó a entrar en los hit parade nacionales. Los blancos comenzaban a comprar discos inicialmente destinados a los negros. Hasta entonces las creaciones de origen negro, por muy buenas que fueran, sólo trascendían de su ámbito si un interprete anglosajón las versionaba. Leer más

La oreja de Van Gogh – Noche de paz

2015 diciembre 20
por Anje Ribera

Aunque es una vía a la que todos los artistas se niegan en sus comienzos, lo cierto es que, al final, casi todos caen en la tentación de grabar un villancico. Muchos porque la fórmula garantiza grandes ventas en unas fechas especialmente propicias para el consumismo, otros obligados por los afanes recaudatorios de sus respectivas discográficas e incluso los hay que utilizan este género porque permite un fácil acercamiento al público.

Ninguno de éstos es el caso de La oreja de Van Gogh, que simplemente grabó una simpática versión, escasamente instrumentada, de ‘Noche de paz’ en 2008 para felicitar a sus seguidores. Su forma de ver un clásico atemporal, uno de los villancicos más populares en todo el mundo, fue sencillamente peculiar. Original, divertida y nada pretenciosa. Leer más

Ana Torroja – A contratiempo

2015 diciembre 14

Corría el año 1997 cuando Ana Torroja comenzó a caminar en solitario después de que Mecano consumiera su última dosis de vida. La soledad a la hora de encaminar nuevos proyectos siempre da vértigo a un artista, sobre todo después de que hasta entonces la vereda musical había sido enfrentada en buena compañía y al abrigo del éxito.

Por lo tanto, el primer paso como solista debía ser firme. Habían pasado cinco años de barbecho y era preciso comenzar con fuerza. Para ello se necesitaba dar el aldabonazo desde la primera canción. La madrileña eligió para esa apuesta ‘A contratiempo’, que precisamente trata sobre la soledad. Con ella se encaramó hasta el primer puesto de las listas en España y México, colándose incluso en el Billboard estadounidense. Las enormes expectativas creadas se cumplieron en ventas y crítica. Leer más

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