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Immaculate Fools – Immaculate fools (Locos inmaculados)

2015 mayo 25

Los logros parciales no se disfrutan como si de victorias se tratara. En muchos casos apenas provocan ansiedades y hasta generan dudas. Algo parecido ocurrió en 1985 con la canción ‘Immaculate fools’ del grupo homónimo inglés, sin duda uno de los más infravalorados de la historia reciente de la música.

La banda británica llegó sigilosamente, dio la campanada y se fue como vino, sin hacer ruido. Pero el año al que nos referimos provocó un terremoto en el panorama musical de los ambientes más restringidos del rock europeo. Algo menos en el americano. En España se reconoció más que en ningún otro sitio la calidad de ‘Immaculate fools’ y de sus autores. Ahora nadie sabe de ellos. Se diluyeron como si fueran víctimas de una maldición.

Sin embargo, nos dejaron su obra en forma de pocos, pero excelentes, temas. ‘Immaculate fools’ es mi favorito. Mi elección se sustenta en simples y egoístas criterios personales. Nada empírico. Llega hoy a este blog porque una emisora de radio la rescató del limbo de mi memoria musical mientras conducía.

Al escucharla –creo que varias décadas después de hacerlo por última vez– rememoré que se trataba de una obra atípica, adjetivo con el que también podría calificarse al propio grupo pop-rock de Kent. La mirada hacia atrás asimismo me sirvió para comprobar que ‘Immaculate fools’ ha resistido bien el paso de los años. Podría ser la novedad de cualquier formación alternativa actual. Su sonoridad sigue siendo contemporánea.

La voz grave, raspante y melancólica de Kevin Weatherill no parece que saliera de su garganta hace exactamente treinta años. Se asemeja a algo actual, de hoy mismo. Incluso, las notas recuperan en mi mente la imagen de la escuálida figura del cantante, siempre vestido de negro y dotado de sus personales gafas de sol. Las guitarras se escuchan aún cristalinas.

No obstante, también he de reconocer que ‘Immaculate fools’ no es un tema fácil ni contagioso. Siempre ha marcado distancias, siendo capaz de ser amado y odiado al mismo tiempo. La innegable influencia del folk británico se combinó con la línea aperturista de los ochenta, materializada en un pop derivado del post-punk. La correcta y académica producción de Colin Thurston cuidó con esmero su sonido, a la vez intimista, oscuro y desencantado. A veces, hasta deprimente. Era la seña de identidad, el estilo peculiar de Immaculate Fools. Cualquier dulzura la aderezaba con un toque amargo.

La letra de Weatherill caminaba por la misma espinosa vereda. Complejidad a la vuelta de cada curva para describir esas promesas contaminadas del desamor. Comprobadlo vosotros mismos en este magnífico vídeo, con estética cinematográfica y bañado por un barniz de tristeza insuperable.

Hablamos de cambios
hablamos de muchas cosas
cuando hay tristeza…

Cambiamos de sueño
esas promesas sucias
se desvanecen y mueren
nos olvidamos tan fácilmente….
del amor latente

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos

Miré por la ventana
creí oírte venir
miré mi reflejo
para ver lo que había hecho
fe, esperanza y caridad
pasaron ante ti

Llámalas ahora que no pueden negarse
pilladas, una junto a la otra

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
tontos inmaculados
tontos inmaculados

La hermosa melodía ha terminado
depende de nosotros de nuevo
todas las cosas que no necesito
siempre parecen seguirme

Todos los días son fiesta
nadar o hundirse
riendo cuando el barco se hunde
reviviremos

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
tontos inmaculados
tontos inmaculados

VERSIONES

La interpretación ACÚSTICA de nuestro tema de hoy que realiza el grupo inglés es muy recomendable.

La banda británica tenía un gran DIRECTO, como lo demostró con su canción franquicia.

La dificultad que entrañaba la interpretación de ‘Immaculate fools’ ha dado lugar a que pocos se hayan atrevido a realizar algún cóver. La banda tributo RADIO KAOS nos hizo disfrutar al versionar este histórico himno en el Black Note Club de Valencia.

Los escasos pasos exitosos dados por IMMACULATE FOOLS en el mundo de la música partieron de Kent allá por 1984. Dos parejas de hermanos –Kevin (voz, guitarra, armónica, mandolina) y Paul Weatherill (bajo, voz), por un lado, y Andy (guitarra) y Peter Ross (batería), por otro– pusieron en marcha un proyecto musical tan arriesgado que pasó del cielo al infierno en tan sólo dos años.

Su mayor repercusión tuvo lugar entre 1985 y 1987 con el sencillo que hoy destacamos, ‘Save it’ y ‘Heart of fortuna’, otra canción más que destacable. Durante ese bienio realizaron muchas giras por Europa, con especial atención a España, donde llegaron a residir durante un tiempo y llegaron a grabar en un estudio de Vigo.

Cogieron la ola del éxito para cruzar el Atlántico y enrolarse en una aventura americana. Fracasaron a pesar de que fueron teloneros de artistas de la talla de Iggy Pop, Bob Dylan o los Rolling Stones.

Tras el disco homónimo de debut, el segundo, pese a estar dotado de gran calidad, no consiguió la repercusión inicial. ‘Dumb poet’ (1987), dedicado a Federico García Lorca, tuvo críticas muy positivas, pero sólo el tema ‘Tragic comedy’ fue apreciado por el público.

La crisis provocó cambios en la formación. Los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin. Lo intentaron todo –metieron violines, gaitas y acordeones en un intento de hacer folk-pop que desbarató el sonido que portaba su seña de identidad– hasta que en 1997 arrojaron la toalla después de publicar media docena de LP’s.

En sus últimas formaciones también participaron Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería) hasta que desaparecieron de repente, sin dejar apenas rastro. Reaparecen de vez en cuando con giras que realizan por España, su Eldorado. De hecho, a principios de mes han actuado en Barcelona y Madrid.

Además de las composiciones señaladas con anterioridad también dejaron para la historia otras como ‘Nothing means nothing’, ‘Searching for sparks’, ‘Wish you were here’, ‘Girl’, ‘Sad’, ‘What about me’, ‘Counting you’, ‘Day by day’, ‘Never give less than everything’, ‘The prince’, ‘Stand down’, ‘Rain’ o ‘Ready for me’.

Pantxoa eta Peio – Itziarren semea (El hijo de Itziar)

2015 mayo 16

Las limitaciones que impone expresar una idea en un idioma tan minoritario como el euskera han impedido que este alegato contra la tortura se extendiera como merecía su mensaje. La canción más conocida de Pantxoa eta Peio llegó a nosotros en 1969 y desde entonces, dejando al margen su utilización política, ha servido para agitar la sensibilidad de quienes siempre hemos creído que ningún exceso de la fuerza es justificable y menos proviniendo de manos de quien, por principios del sistema, debería precisamente impedirlo.

La letra de Telesforo Monzón nos cuenta la historia del ondarrutarra Andoni Arrizabalaga, protagonista de una serie de encontronazos con las fuerzas de seguridad franquistas. Fue arrestado en tres ocasiones y en todas fue víctima de los habituales excesos que se registraban por aquella época en las comisarías policiales y en los cuarteles de la Guardia Civil.

Fue en 1964 cuando vivió la terrible experiencia por vez primera. Detenido y acusado de ser el autor de unas pintadas, permaneció cruelmente confinado en un cuartel de Bilbao durante tres días, en los cuales su resistencia física fue probada con todo tipo de vejaciones y malos tratos. Acabó encerrado en la desaparecida cárcel de Larrinaga de la capital vizcaína durante otras veintidós jornadas.

Cuatro años después vivió un suplicio que se prolongó durante otros ocho días, primero en el cuartel de la Benemérita de Ondarroa y luego en las instalaciones del instituto armado en Zarautz. Fue allí donde su experiencia adquirió el mayor grado de dramatismo a manos de un capitán que, cincuenta años después, paradójicamente ha sido imputado por la jueza argentina María Servini, que investiga crímenes del franquismo.

Luego fue conducido a San Sebastián, donde permaneció incomunicado otros catorce días y noches bajo la licencia que el estado de excepción decretado en Gipuzkoa otorgaba a los agentes. A este último periplo está, precisamente, dedicada la canción que hoy analizamos.

El tercer arresto llegó en 1969. El ‘modus operandi’ se repitió, aunque esta vez los escenarios de las torturas fueron los cuarteles de Eibar y San Sebastián. Cinco días de interrogatorios y golpes de todo tipo lo condujeron definitivamente a la prisión donostiarra de Martutene, acusado de un atentado que se produjo cuando Arrizabalaga ya se encontraba en los calabozos.

Tras ser sometido a un juicio sumarísimo, fue condenado a muerte. Pero las protestas que se repitieron en todo Euskadi lograron detener la ejecución y que la pena capital fuera conmutada por una larga estancia en los centros penitenciarios de Puerto de Santa María, en dos ocasiones, y de Segovia.

Andoni Arrizabalaga recuperó la libertad en 1977, una vez llegada la democracia. Sin embargo, la fortuna siempre le fue esquiva y en 1984 perdió la vida en los Alpes, practicando montañismo, su gran pasión. Fue víctima de una avalancha.

La historia llegó a los oídos de Monzón, ministro del Gobierno vasco en el exilio, de manos de Miren Basterretxea, madre de Andoni. Monzón residía en Donibane-Lohitzun y allí se entrevistó con un grupo de madres de presos que se dirigían a Roma para ser recibidas por el papa Pablo VI después de gestiones diplomáticas realizadas por la iglesia.

Monzón escribió en verso la desgarradora experiencia de Arrizabalaga, para que, algo más tarde, fueran los cantantes de Iparralde Pantxoa Carrere y Peio Ospital quienes le pusieran voz y música. Desde entonces, ‘Itziarren semea’ se ha erigido en un icono contra la tortura y un himno popular que pocos vascos desconocen.

Itziarren semeak ez du laguna salatzen…
eta zakurren aurrean tinko ta ixilik egoiten…
Itziarren semea hori duk mutila!
iñor salatu baino nahiago du hila
harro egon liteke Maji neskatila,
espetxetik jali ta joanen zaio bila!

El hijo de Itziar no delata a sus compañeros
y ante los perros (los agentes) se mantiene firme y en silencio…
Menudo muchacho es el hijo de Itziar
prefiere la muerte antes de delatar a nadie
la joven Maji puede sentirse muy orgullosa de él
y cuando salga de la cárcel irá a buscarle

Haurra zer egin haute holan agertzeko?
Ama, jo egin naute mintza arazteko
izenik eman al duk? Esantzak egia!
ez ama, ez dut eman! Jali naiz garbia!
Jali haiz garbia?
Bai ama, egia!
ta amak eskeini zion klabelin gorria

Hijo, ¿qué te han hecho para que estés así?
Madre me han pegado para que hable
¿Y has dado algún nombre?, dime la verdad
No madre, no les he dado ni un sólo nombre
He quedado limpio.
¿Has quedado limpio?
Sí madre, de verdad.
Y su madre le ofreció un clavel rojo

Zazpi gizon nituen joka inguruan,
makilaz hartu naute ostikoz lurrean,
baina nik ez dut eman lagunen izenik,
ta hantxe gelditu dira fitsik jakin barik.

Siete hombres me han rodeado
y no han parado de golpearme,
me han machacado en el suelo a patadas y a porrazos,
pero yo no les he dado nombres de compañeros
y allí se han quedado sin saber nada

Lau aldiz sartu naute urean burua
zangotik euki naute zintzilikatua
bainan nik ez dut eman lagunen izenik,
ta hantxen gelditu dira filxik jakin barik!
Zangotik zintzilik, ni beti ixilik!
ta hantxe gelditu dira fitxik jakin barik!

Cuatro veces me han sumergido la cabeza
me han tenido colgado de los pies,
pero yo no les he dado nombres de compañeros
y allí se han quedado sin saber nada
colgado de los pies pero en silencio,
y allí se han quedado sin saber nada

Izerdia ta odola burutik behera…
ezpainak urratu ta azazkalak atera,
baina nik ez dut eman lagunen izenik,
ta hantxe gelditu dira fitsik jakin barik!
odolez beterik, ni beti ixilik!
ta hantxe gelditu dira fitsik jakin barik!

He estado sudando y sangrando de arriba a abajo
me han desgarrado los labios y arrancado las uñas
pero yo no les he dado nombres de compañeros
y allí se han quedado sin saber nada
ensangrentado pero siempre en silencio
y allí se han quedado sin saber nada

Itziarren semeak
ez du laguna salatzen
eta zakurren aurrean
tinko ta isilik egoiten…

El hijo de Itziar
no delata a sus compañeros
y ante los perros (agentes) se
mantiene firme y en silencio

Espetxerat igorri dute
amak ez du ezagutu
ta Majik, pulliki pulliki
eman diozka bi musu.

Le han enviado a la cárcel
su madre ni le ha reconocido.
y Maji, muy suavemente,
le ha dado dos besos

VERSIONES

El vizcaíno GONTZAL MENDIBIL ofreció su profunda voz para modernizar este tema eterno.

El compositor guipuzcoano JUAN CARLOS IRIZAR realizó su visión instrumental de la canción que hoy analizamos para su disco de 2004 ‘Oroimenaren lorratzak’.

PANTXOA ETA PEIO, que junto a Benito Lertxundi son ya decanos de la Euskal kanta berria, dieron sus primeros pasos a la sombra de Telesforo Monzón, que no sólo es el autor de ‘Itziarren semea’ sino también de otras canciones emblemáticas del dúo vasco francés como ‘Lepoan hartu ta segi aurrera’, ‘Ikastoletako ereserkia’ o ‘Batasuna’. El vínculo entre el autor y los intérpretes lo constituía el grupo cultural Amaia.

Su complicidad nació en la infancia, cuando compartieron colegio. Desde entonces han pasado casi siete décadas y ellos siguen juntos, después de escribir muchas páginas de la memoria cultural del País Vasco. Su estilo personal ha extendido la música popular del otro lado de la frontera a todo el territorio de Euskal Herria, tanto al norte como al sur del Bidasoa.

Canciones que hablan de alegrías y ternuras, que alaban y critican, que lloran y ríen, pero siempre pegadas a la existencia, constituyen el legado de Pantxoa CarrEre (Azkain-1948) y Peio Ospital (Ezpeleta-1948). Nadie como ellos ha puesto voz a la exigencia de libertad, a la reivindicación del euskera y a la patria vasca. Más de docena y media de discos atestiguan su trabajo.

Sin duda, son propietarios des dos voces que parecen una sola, que constituyen el pasado y el presente de la canción vasca. El futuro también contará con ellos, sin duda.

Playing for change – Stand by me

2015 mayo 1
por Anje Ribera

Ben E. King, el genial cantante de soul y autor de ‘Stand by me’, una de las canciones más conocidas del pasado siglo, nos ha dejado a los 76 años. Cualquier homenaje sería insuficiente para agradecer su contribución a la música, pero desde aquí queremos rendirle tributo con una versión de la tema estrella realizada en el marco de un proyecto altruista.

Los norteamericanos Mark Johnson –un galardonado ingeniero de sonido y productor– y Jonathan Paredes crearon en 2005 ‘Playing For Change: Song Around the World’ (Canciones alrededor del mundo) con estética de documental finalmente reconvertido en una película de un concierto desarrollado de forma paralela en muchas partes del planeta. Inicialmente grabaron por pistas mediante un estudio móvil en las calles de Santa Mónica Nueva Orleans, Barcelona, Sudáfrica, Tíbet y en otros lugares versiones del ‘Stand by Me’ de Ben E. King y ‘One World’ de Bob Marley. Todo ello sin que ninguno de los distintos músicos que participaron se reunieran entre sí. Comenzó con la grabación del guitarrista y cantante estadounidense Roger Ridley en las calles de Santa Mónica.

El éxito del vídeo de ‘Stand By Me’, que valió a Johnson un Grammy y varios premios internacionales y que ha sido ya visto más de 35 millones de veces en Internet, amplió las interpretaciones a canciones como ‘War: No More Trouble’, de Bob Marley; ‘Don’t Worry’, de Pierre Minetti; o ‘Chanda Mama’, de Ananda Giri y Enzo Buono.

En abril de 2009 las compañías Timeless Music Media y Concord Records apoyaron la iniciativa con la publicación de un dvd que contenía los clips de las canciones, un tráiler del documental Peace through Music y un vídeo acerca de la Fundación Playing for Change, junto a un cd con diez canciones.

El objetivo del proyecto multimedia fue crear una fundación para ayudar a los pobres en las zonas visitadas gracias al factor de unificación de la música independientemente de las diferencias culturales. Fueron elegidos intérpretes sin renombre de todo el mundo, que unieron sus talentos para crear una canción como ésta.

Con el dinero recaudado la fundación Playing for Change se dedica a la construcción de escuelas de música en todo el planeta. En 2008 se creó la primera (Ntonga Music School) en el barrio de Gugulethu, en las afueras de Cape Town, en Sudáfrica. Luego surgieron siete centro más:
Bizung music and dance school, Tamale, Ghana
Ecole de musique de Kirina, Kirina, Mali
Tintale Village Teaching Center Tinatle, Nepal
Mitrata Nepal village Music Program, Kathmandu Nepal
The Hari Kul Music School, Kathmandu Nepal
Intore Culture and Music Center, Kigali, Rwanda

El último capitulo del movimiento Playing For Change ha sido el Playing For Change Band, que reúne a  músicos extraordinarios procedentes del mundo entero, músicos que han viajado miles de kilómetros para encontrarse en un escenario y cantar juntos, el poder unificador de la música no deja lugar a dudas.

La banda actuó este verano en España, concretamente en el Palau valenciano. Allí dieron muestras de su calidad y fortalecieron su apuesta por el poder de la música para eliminar fronteras y solventar diferencias. Integran la banda el talking drum Mohammed Alidu, la guitarra eléctrica de Llon Ba, los cantantes Clarence Bekker, Grandpa Elliott y Mermans Kenkosenki y Titi Tsira, que también se encargan de la armónica y la percusión; el batería Peter Brunetta, la guitarra steel de Roberto Luti y acústica de Jason Tamba y el bajista Reggie McBride.

STAND BY ME (QUEDATE CONMIGO)
Cuando la noche ha llegado
Y la tierra está oscura
Y la luna es la única luz que veremos
No, yo no tendré miedo
No, yo no tendré miedo
Mientras tu estés, estés conmigo
Y cariño, cariño, quédate conmigo
Oh, quédate conmigo
Oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo
Si el cielo que vemos arriba
Se derrumbara y cayera
O la montaña se desmoronase hacia el mar
No, yo no tendré miedo
No, yo no tendré miedo
Mientras tu estés, estés conmigo,
estés conmigo
Y cariño, cariño, quédate conmigo
Oh, quédate conmigo
Oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

Sin duda, es obligatorio ofrecer también el original ‘Stand by me’ de Ben E. King.

Dolly Parton – Nine to five (De nueve a cinco)

2015 abril 30

‘Nine to five’ es el tema estrella de una película de 1980 que en España se tituló ‘Cómo eliminar a su jefe’ y que nos describe la vida de tres mujeres que trabajaban en una oficina para un superior sexista y egoísta. Dolly Parton, que creó e interpretó la composición, Jane Fonda y Lily Tomlin las encarnaron en la gran pantalla. La historia es la adaptación cinematográfica de una obra literaria de la escritora Patricia Resnick.

Ahora debería continuar escribiendo de ‘Nine to five’ como canción, pero no puedo resistirme a introducir en este texto algunos asuntos candentes de nuestra sociedad en estos momentos y que vienen a cuento con la temática de esta obra musical.

Me refiero al empleo y a sus condiciones. ‘De nueve a cinco’ es el horario laboral habitual en Estados Unidos, impensable en nuestro entorno, donde se sabe cuándo empieza tu jornada, pero raras veces se conoce cuándo finaliza. Un título más español podría ser ‘De antes de las 9 a vete a saber cuándo’.

La crisis ha servido para acrecentar las tradicionales precarias condiciones del mercado laboral hispano y algunos empleadores –me niego a designarles como empresarios– se aprovechan de ello. Eso, por una parte. Por la otra, las mujeres siguen siendo las más damnificadas en este hábitat. Además de contar con peores remuneraciones, más de treinta años después de ‘Nine to five’, el sexismo sigue presente en su trabajo.

Para vencer esta situación desde 1973 en Estados Unidos funciona una organización también llamada ‘9 to 5’. Lucha por conseguir un mejor trato para la población femenina en el lugar de trabajo. Aquí esa idea ni siquiera ha sido planteada. Su germinación parece imposible en el actual escenario socioeconómico, donde tener un puesto de trabajo parece que te convierte en un afortunado y al mismo tiempo te invalida para reivindicaciones.

Satisfecha por hoy mi vena contestaria, volvamos a este tema musical, que, además de aparecer en la película a la que nos hemos referido, forma parte de un musical de teatro que obtuvo también gran éxito en Broadway casi tres décadas después. Su representación en ambas facetas artísticas fue muy taquillera. También la televisión acogió una serie basada en ‘De 9 a 5’.

La canción compuesta por Dolly Parton, y arreglada y producida por Gregg Perry, fue nominada sin éxito a los Oscar y a los Grammy, donde sí obtuvo los galardones al mejor tema country y a la mejor interpretación femenina. Sin embargo, donde cosechó verdadera repercusión fue entre el público y durante muchos años fue considerado el himno reivindicativo de quienes trabajaban en las miles de oficinas que asfaltan los rascacielos estadounidenses.

Fue número uno en su tierra y Dolly Parton se convirtió en la segunda americana que lo conseguía tras Jeannie C. Riley, que lo hizo en 1968. A este lado del Atlántico no tuvo tanto éxito, quizá porque reflejaba una visión muy americana del mundo laboral. Asimismo, ha sido incluida en la lista del centenar de temas fundamentales del cine confeccionada por el American Film Institute.

También el videoclip promocional de ‘9 to 5’ tenía mucho de cinematográfico, ya que al ritmo del tecleo de una máquina de escribir intercalaba imágenes de la película con otras de la interpretación que Parton y su banda realizaban del tema.

La canción a la que hoy nos referimos ha sido habitualmente confundida con otra que popularizó Sheena Easton. Inicialmente ambas se titularon ‘De nueve a cinco’, pero la cantante escocesa tuvo que renombrarla como ‘Morning train’ porque Parton poseía los derechos del título para el territorio norteamericano.

Mientras el tema que hoy analizamos habla de mujeres trabajadoras, ‘Tren de la mañana’ de Easton hace referencia a una chica enamorada que espera en casa todo el día el regreso del trabajo de su marido.

Me caigo de la cama y tropiezo hasta la cocina,
me sirvo una taza de ambición,
bostezo, me estiro e intento despertar a la vida

Salto a la ducha y la sangre comienza a circular,
fuera, en la calle, el tráfico empieza a rodar,
lleno de gente como yo,
en el trabajo, de nueve a cinco.

Trabajando de nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo, justo,
te cogen todo y te no dan nada

Usan tu mente,
y nunca te dan reconocimiento
suficiente para volverte loco si les dejas

De nueve a cinco, por servicio y lealtad,
Pienso que merezco una promoción justa
quiero seguir adelante,
pero el jefe no parece dispuesto a dejarme
algunas veces juraría que ese hombre me tiene manía

Te permiten soñar sólo para ver tus sueños hechos pedazos
estás a un solo peldaño en la carrera a ser jefe
pero tienes sueños que él nunca te va a quitar

En el mismo barco con un montón de amigos,
esperando al día en que tu barco zarpe,
y la marea se va a dar la vuelta,
y todo se va a poner de tu parte

De nueve a cinco,
te tienen donde quieren
hay una vida mejor,
y tu sueñas con ella, ¿no?

Es un juego de hombres ricos,
no importa cómo lo llamen,
y tú gastas tu vida metiendo el dinero en su cartera

De nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo justo,
te cogen todo y no te dan nada.

VERSIONES

La veterana cantante francesa RENÉE MARTEL ofreció la versión gala de la historia en 1981.

El mismo año la sueca KIKKI DANIELSSON, que formó parte del grupo eurovisivo Chips, también se fijó en este tema.

El tema de Dolly Parton recaló con éxito en tierras escandinavas, donde también la banda de punk sueca MILLENCOLIN se apropió de él.

En el cine, además de en la película ‘Como eliminar a su jefe’, de cuya banda sonora formó parte, ‘9 to 5’ apareció en las escenas iniciales de ‘The love guru’, de 2008, cantada por el personaje principal interpretado por MIKE MYERS acompañado por un sitar.

En la famosa serie ‘SESAME STREET’, ‘Los teleñecos’ en España, Polly Darton cantaba ‘One to five’.

DOLLY PARTON es un prodigio de la naturaleza musical que desde su Sevierville natal, en Tennesse, conquistó el panorama musical country estadounidense amparada por lapasión artística que heredó de su familia y que ejercitaba en la iglesia.

A los 12 años comenzó a interpretar algunos temas country en radio y televisión, y un año después ya grabó su primer disco y componía para otros artistas.

Vivió rodeada de pobreza hasta que se casó con Carl Dean, empresario del asfalto, quien impulsó su carrera. En los años siguientes llegaron los primeros éxitos, sobre todo ‘I will always love you’, tema por el que se interesó Elvis Presley, aunque el rey del rock nunca llegó a grabarlo porque no se alcanzó un acuerdo a la hora de repartir los derechos.

La fama mundial le llegó en la década de los ochenta del pasado siglo, cuando coqueteó con el pop por medio de canciones como la que hoy analizamos u otras como ‘Here you come again’, que vendió más de un millón de discos. Por entonces, también se especializó en fructíferos dúos y tríos musicales. Al mismo tiempo, compatibilizaba su carrera musical con intervenciones en películas.

Incansable, alcanzó el nuevo siglo cargada de energía y cosechó Grammys con su regreso al country con las canciones ‘The grass is blue’ y ‘Little sparrow’.

En la actualidad, con casi setenta años, sigue en los escenarios, en los platós y en la televisión. Aún le sobra fuerza.

Ren Woods – Aquarius (Acuario)

2015 abril 21

Esta composición de Galt MacDermot, Gerome Ragni y Jim Rado es el himno no reconocido del movimiento hippy. Como también la película ‘Hair’, a cuya banda sonora pertenece este ‘Aquarius’, constituye la expresión cinematográfica más conocida de la filosofía del ‘flower power’ de los sesenta. Sin embargo, ambas llegaron a nosotros en los años setenta, concretamente en 1979, cuando el hipismo comenzaba a decaer por el empuje de la música disco, que convirtió en templos lugares oscuros sólo iluminados por luces destelleantes y giratorias.

‘Aquarius’ fue elegido por la juventud contestaria de aquella época para reivindicar un cambio en un mundo en el que no se sentían a gusto. ‘Acuario deja pasar el sol’ cantaba Ren Woods. Reclamaba oxígeno, reclamaba luz, reclamaba libertad en una sociedad como la occidental que siempre se ha caracterizado por oprimir a las nuevas generaciones. La escena del vídeo con la Policía en Central Park puede ser una alegoría de esta filosofía.

Lo triste y desalentador es que hoy en día, cuatro décadas después, todo sigue igual o peor. Por ello, ‘Aquarius’ derrama sobre sus notas una filosofía que no pierde actualidad y que, por lo tanto, corre el riesgo –o tal vez ésa sea su virtud– de convertirse en eterna.

Este tema fue un éxito y de ello tuvieron gran culpa los arreglos de Galt MacDermot y Tom Pierson, pero muy pocos de los consumidores de su melodía profundizaron en el alegato de libertad que esparció sobre el planeta, apoyado en una música rebosante de energía y frescura. Su mensaje –que antes ya había surgido sobre las tablas de Broadway– conmovió al planeta hasta dejarlo sin aliento. ‘Hair’ fue uno de los musicales inolvidables que estarán siempre con nosotros, esculpidos en nuestras memorias.

‘Aquarius’ es, simplemente, el sonido de una revolución que tuvo como fecha emblemática aquel mayo de 1968, cuando se luchó por un cambio social, cultural y político, que no llegó, y que ahora, en otro siglo, movimientos más actuales también reivindican. Todavía parece que necesitamos modificar nuestro escenarioy expresar insurgencia e inconformismo. En definitiva, una revolución.

Música, pasión y libertad se combinan para realmente remover conciencias sobre temas tabú como la libertad sexual, el antimilitarismo, los derechos civiles y el consumo de drogas, claves fundamentales de la contracultura hippy y demonios de los poderes establecidos. Todos estos ingredientes los encontramos en ‘Hair’ y en ‘Aquarius’, la canción más emblemática de una herramienta de protesta en forma de obra teatral, primero, y cinematográfica, después. 4,42 minutos irrepetibles que trascendieron ya de su hábitat y se incorporaron a los clásicos de las bandas sonoras.

Cuando la Luna esté en la séptima casa
y Júpiter se alinee con Marte,
entonces la paz guiará a los planetas
y el amor conducirá a las estrellas

Es el amanecer de la era de Acuario…
la era de Acuario
¡Acuario!
¡Acuario!

Abundarán la armonía y la comprensión,
la simpatía y la confianza,
no habrá más engaños ni más burlas,
una vida dorada, sueños de visiones,
una revelación mística cristalina,
y la auténtica liberación de la mente
¡Acuario!
¡Acuario!

Cuando la Luna esté en la séptima casa
y Júpiter se alinee con Marte,
entonces la paz guiará a los planetas
y el amor conducirá a las estrellas

Es el amanecer de la era de Acuario…
la era de Acuario
¡Acuario!
¡Acuario!

VERSIONES

Nuestro eterno RAPHAEL, en mi opinión, maltrató ‘Aquarius’. Sus seguidores me odiarán por esta afirmación.

Como todo gran éxito, esta canción tuvo versiones orquestales. Por ejemplo, la que realizó FAUSTO PAPETTI con su saxo.

Ni siquiera la diva DIANA ROSS, acompañada de sus SUPREMES, se resistió a ofrecer una visión personal de ‘Aquarius’.

EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO incorporó su tradicional estilo salta al tema que hoy analizamos. Poder latino.

Y hasta el mítico crooner ANDY WILLIAMS realizó un medley con ‘Let the sun shine in’, el otro tema estrella de ‘Hair’, y ‘Aquarius’. Le acompañaron los Osmonds.

Una marca de bebidas tonificantes, homónima a la canción, lo tuvo fácil para promocionarse con campañas de PUBLICIDAD.

REN WOODS (Portland, 1958) fue una niña prodigio que no consiguió trasladar ese éxito a su madurez profesional. Con sólo diez años ya participó en un programa de la cadena de televisión NBC dedicado al soul y esa repercusión le permitió incorporarse a un grupo vocal preadolescente llamado Soul Five, que más tarde se convirtió en Sunday’s Child y que lanzó un álbum homónimo en 1970.

Su carrera en los escenarios le llevó también a formar parte del elenco que realizó la gira nacional estadounidense de la mítica obra teatral ‘The wiz’. Y así, paso a paso, llegó hasta 1979, año en que logró su mayor cota de popularidad gracias a la canción que hoy hemos analizado.

La explosión de ‘Hair’ y de ‘Aquarius’ le posibilitó grabar un álbum en solitario producido por Al McKay, miembro de Earth, Wind & Fire. Un segundo LP llegó en 1982, pero ninguno de los dos fue reconocido por el mercado.

Su estrella se fue apagando a pesar de que participó en varios musicales e interpretó asimismo algunas películas, siempre con papeles secundarios o como acompañamiento musical de las estrellas de la época. Hoy vive en el olvido.

Celtas Cortos – 20 de abril

2015 abril 20
por Anje Ribera

La más conocida y pegadiza de las canciones de Celtas Cortos nos llegó en los noventa en forma de fecha, aunque no es la de hoy, que hubiera sido lo más lógico. ‘20 de abril’ salió al mercado en 1991 con un éxito inmediato, vendiendo más de 300.000 discos y llegando a lo más alto de todas las listas. Su popularidad radicó –según explicó Jesús Cifuentes, líder de la banda vallisoletana, en una entrevista– en que hay mucha gente a la que «le han pasado cosas ese día y se ha visto reflejada en ella».

‘20 de abril’ fue concebida en la mente del músico varios años antes. «Estaba destinado como trabajador social en el instituto Claudio Sánchez-Albornoz de la localidad abulense de El Tiemblo. «En ese año que pase allí extraditado me beneficié de ciertos entornos melancólicos y de ahí salió la canción», recordó. El tema, presentado como una carta a un antiguo amor, «relata una situación ficticia que posteriormente se ha convertido como quien dice en una pesadilla», añadió.

Sin embargo, por aquella época corrió el rumor de que se trataba de una historia real referida al propio ‘Cifu’ y unos días de vacaciones con unos amigos en los Pirineos, donde se encuentra la famosa Cabaña de Turmo.

El autor sabe que su misiva nunca será contestada y que el mensaje que pretende trasladar será ignorado, pero aún así lo lanza por una necesidad interna de trasladar sentimientos, aunque sea mediante una epístola. Es difícil dejar atrás a personas que alguna vez significaron algo en tu vida. Es fácil, por el contrario, caer en la nostalgia y preguntarte cómo estarán, qué les pasará o si se acordarán de ti.

El aroma del pasado impregna ‘20 de abril’ dos décadas después de su salida al mercado y cuando los tiempos han cambiado mucho y los contactos se pierden a mayor velocidad salvo que estés inmerso en una red social donde puedas desvelar tus secretos y poner tu vida privada a disposición de los demás. La obra nos hace rememorar retazos de nuestra propia vida.

La letra de Cifuentes, con la sencillez que la ocasión precisaba, recoge esa sensación de angustia y opresión que sentimos cuando realmente somos conscientes del paso del tiempo y de la caducidad de unos recuerdos que jamás volverán a plasmarse y que están destinados a residir sólo en la memoria hasta que el alzheimer los devore.

De cualquier manera lo mejor de los recuerdos es haberlos vivido antes. Nos fuera como nos fuera. Y sobre todo, lo correcto es luchar para que el presente genere un recuerdo imborrable para el futuro.

20 de abril del 90
hola chata, ¿cómo estás?
¿Te sorprende que te escriba?
Tanto tiempo, es normal

Pues es que estaba aquí solo
me había puesto a recordar
me entró la melancolía
y te tenía que hablar

¿Recuerdas aquella noche
en la cabaña del Turmo?
Las risas que nos hacíamos
antes todos juntos
hoy no queda casi nadie
de los de antes
y los que hay han cambiado,
han cambiado, sí!

Pero bueno, ¿tú que tal? di,
lo mismo hasta tienes críos
Qué tal te va con el tío ese?
espero sea divertido

Yo la verdad, como siempre
sigo currando en lo mismo
la música no me cansa
pero me encuentro vacío

Bueno pues ya me despido
si te mola me contestas,
espero que mis palabras,
desordenen tu conciencia

Pues nada chica, lo dicho
hasta pronto si nos vemos
yo sigo con mis canciones
y tú sigues con tus sueños

VERSIONES

Celtas Cortos y SEGURIDAD SOCIAL colaboraron para cantar esta canción en un concierto celebrado en el estadio Vicente Calderón de Madrid.

También AMARAL se unió al grupo castellano para interpretar este tema. Eva le dio su propio toque.

Los rockeros de MOSKEO hicieron una revisión más fuerte.

COVERS la cantó en las fiestas de Sant Andreu de 2007.

NOMADI la grabó en italiano.

Jesús Cifuentes (voz y guitarras), Carlos Soto (flauta travesera, flautín, mandolina, charango, pito midi, flauta alta, saxo alto, whistle y gaita irlandesa), Nacho Castro (batería), Alberto García (violín y trombón), Óscar García (bajo), Goyo Yeves (saxo y whistle), César Cuenca (guitarra eléctrica, acústica y banjo), Nacho Martín (teclados y acordeón), Fernándo Gómez (teclados) y Luis María Tejada (violín) conforman los inicios y los primeros pasos profesionales de CELTAS CORTOS, nombre en honor a la popular marca de tabaco sin filtro.

Su germen fue un grupo de alumnos del Instituto Delicias de Valladolid, allá por 1984. Decidieron presentarse a un concurso de una discoteca local con piezas tradicionales bretonas, jigas irlandesas, jotas castellanas y un par de versiones de Gwendal.

Consiguieron el triunfo y les animó a competir de nuevo en otro certamen que como premio tenía la grabación de un disco, un vinilo promocional que compartieron con los otros dos finalistas: Yedra y Ágora.

En busca de una compañía con la que editar nuevos trabajos enviaron maquetas a todo tipo de casas discográficas, pero sólo recibieron respuesta de Twins, con quien sacaron al mercado sus dos primeros álbumes, cosechando un éxito inesperado.

La absorción de Twins por DRO-Gasa impulsó su carrera, que evolucionó con la inclusión de voces y letras de alto contenido social, además de influencias new age, rap o reggae. El cóctel les llevó a los primeros puestos de las radiofórmulas.

La consagración de la banda llegó a 1991 con el LP ‘Cuéntame un cuento’, que incluía la mencionada ‘20 de abril’ y la canción que da título al disco. Este trabajo les valió el Premio Ondas al grupo revelación de ese año y batió todos los récords de ventas.

La tendencia se confirmó en 1993 con ‘Tranquilo majete’ y la compra por parte de la multinacional WEA de DRO, que supuso una mayor promoción del grupo. Fue su máximo pico de popularidad.

Con más de quince álbumes y pese a diversas alteraciones en su composición, el grupo sigue en lo más alto del panorama musical español con un folk electrificado al que últimamente ha añadido algo de reggae o electrónica. El legado de Celtas Cortos es increíble y todavía perdura en su seno el sentido de su música inicial.

Franco Simone – Solo se mi vuoi (Sólo si me quieres)

2015 abril 2

Esta canción será familiar para muy pocos lectores. Probablemente para casi ninguno, salvo que tengamos la suerte de contar entre nuestros seguidores a algún italiano. Entonces, ¿por qué ha llegado a este sitio? Simplemente porque en cierta ocasión penetró en mis oídos por casualidad y me enamoré de ella.

Esta dinámica no es nada habitual en este blog. Como tampoco es normal destacar una versión y no el original. Con ‘Solo se mi vuoi’ también se da esta circunstancia. La obra original, titulada ‘Hello’, fue creada por el genial cantautor estadounidense Lionel Richie, quien, tras abandonar su banda The Commodores, nos ofreció una serie de baladas irrepetibles.

Este tema se extendió por el mundo en 1984 de la mano de Richie. Dos décadas después, concretamente en 2003, llegó Simone para, a mi entender, mejorarlo. Quiso agrandar la sensibilidad de esta canción al interpretarla en un idioma tan romántico como el italiano. Sin duda lo consiguió al ofrecer una interpretación hermosa, únicamente adornada por un piano. Su voz hizo el resto.

Las dos versiones son maravillosas y la duda estriba en elegir una. He de confesar que en mi fuero interno me quedo con la de Franco Simone. Es una plasmación sinceramente perfecta de unos sentimientos. La melodía, dotada de arreglos delicados, es la misma que la de Richie, pero hasta suena diferente cuando nace en la garganta del cantautor transalpino. Más que palabras, de ella surge el sonido del alma.

Su letra también emana dulzura infinita. Es la evocación perfecta de un amor deseado, pero aún inalcanzable, sólo consumado en la mente. De un amor secreto y en la distancia, que hace que idolatre la imagen que tiene de ella. Pero ¿llegará ella a quererle? No lo sabremos nunca. Sin embargo, sospechamos que no. La canciones de desamor tradicionalmente acaban mal. Las conquistas de mujeres divinizadas siempre fracasan.

Esta balada, tan sencilla como efectiva, retrata como ninguna otra emociones y heridas a la vez. Sobre las alas de la sinceridad se deja la piel para transmitir una entrega absoluta. «Yo sólo existo si tú me quieres».

En Italia esta canción es ya un mito, incluso habitual en los coros religiosos, lógicamente con una letra litúrgica.

Estás siempre en mis pensamientos
y en mis sueños, miles de veces

Te beso, ¿sabes?
te veo por las calles, ¿a dónde vas?
a mí… ¿Es a mí a quién buscarás?

¡Lo que daría por un sí!
por una sonrisa de las tuyas
entre estos brazos vacíos
no quisiera otra cosa

Tú sabes siempre lo que dices,
y sabes siempre lo que haces…
mientras que yo sólo existo…
si tú me quieres…

Veo otra vez el sol entre tus cabellos,
un rayo los atravesaba…
y eran bellos

Si sientes latir mi corazón más fuerte,
a mí… ven a contármelo a mí
y me pregunto dónde estás…
me pregunto qué haces

¿Sabes lo que es la soledad o ya perteneces a otro?
Pídeme la Luna y las estrellas,
y te juro las tendrás
porque yo sólo existo…
si tú me quieres…

Si me quieres, sólo si me quieres…

VERSIONES

Para comparar conviene escuchar a Lionel Richie.

El veterano intérprete PINO SCAVO, también italiano, se atrevió asimismo con ‘Solo se mi vuoi’. Su puesta en escena se parece más a la de Richie. Para mí, sensiblemente inferior a la obra de Simone.

Su compatriota PAOLO FRANCESCO MARUCCI recorrió un camino más particular. Quizá le falta algo de voz.

ROSARIO CAPPELLO derrochó voluntad.

A MINO no le faltó sensibilidad. Su declinar es dulce.

FRANCO SIMONE nació cerca del mar, en el sur de Italia. Surgió romántico, como las olas, y pronto comprobó que el ingeniero en que sus padres querían que se convirtiera no era compatible con su alma sensible. Pero no se atrevió a dejar sus estudios y sus composiciones, en un principio, sólo tuvieron el objetivo de buscar un alivio a la presión de la Universidad de Roma, donde cursaba la carrera. Es en aquella época cuando ya fue bautizado como el ‘poeta con la guitarra’.

Fueron sus compañeros de residencia los que en 1972 le convencieron para que se presentara al festival de nuevos talentos que se celebraba en Castrocaro. Ganó. Entonces comenzó su carrera musical y se acabó la universitaria. Los premios se sucedieron y su presencia en San Remo, la cita anual de la canción italiana, era inevitable. Ocurrió en 1973, donde se proclamó vencedor moral con ‘Fiume grande’, que vendió miles y miles de copias en todas partes del mundo tras ser cantada en italiano, francés y castellano.

Los éxitos siguieron en cascada con ‘Tu… e così sia’, ‘Tentazione’, ‘Il cielo in una stanza’, ‘Il vecchio del carrozzone’, y, sobre todo, con ‘Respiro’, reconocida como una de las mejores canciones italianas de todos los tiempos pese a tocar el crudo tema de la droga.

Con una carrera que se extiende durante cuatro décadas y una discografía riquísima compuesta con canciones frescas y originales, Franco ha sabido navegar entre las borrascas que en la música melódica ha provocado siempre la llegada de nuevas tendencias. Y, por ello, aún hoy se mueve en una dimensión que le ha abierto nuevas e inesperadas perspectivas como la música clásica. Sobrevive más allá de las estaciones y de las modas, incluso interpretando en latín, inglés, francés o español. Y hasta en los dialectos sicilianos y salentinos. No hay duda de que seguirá. Siempre encontrará nuevas formas expresivas.

Demis Roussos – Velvet mornings (Mañanas de terciopelo)

2015 marzo 31

A nivel internacional tal vez las canciones de Demis Roussos que más se unieron al éxito fueron ‘Forever and ever’ y ‘Goodbye, my love, goodbye’, pero en España, y creo que también en el mundo latinoamericano, conocimos al barbudo grecoegipcio por el famoso ‘triki triki’. Realmente la canción a la que hoy nos referimos se titula ‘Velvet mornings’, pero nosotros siempre nos referimos a ella por ese sonido pseudoonomatopéyico que contenía su estribillo. Fue su composición más célebre por estos lares.

Es más, en unos tiempos en los que el inglés era enemigo de todos los españoles –desgraciadamente para los hispanoparlantes–, incluso convertimos aquel aterciopelado y francés ‘Triki, triki, mon amour’ en un manchego ‘triki triki mamabú’. Daba igual. Desconocíamos el significado tanto de una como de otra expresión. Pero a nosotros nos encantaban aquellas imágenes que nos ofrecía en blanco y negro nuestra única televisión de entonces, concretamente de 1973. El éxtasis llegaba cuando Demis Roussos coreografiaba, brazos en alto, como si fuera el inicio de un sirtaki. Leer más

Silver Pozzoli – Around my dream (Alrededor de mi sueño)

2015 marzo 25

Si tuviera que describir ‘Around my dream’ con una sola palabra diría que es pegadiza. Ésa es quizá su mayor virtud. Quizá también la única. Sin embargo, un producto tan endeble como éste ha conseguido, tanto cuando se dio a conocer en 1985 como en su devenir en los treinta años que han pasado desde aquella fecha, hacerse con el favor del público. Ése es su gran mérito. Ha logrado pasar a la historia de la música pop-disco europea y todos los de aquella época la recordamos.

Ejemplo claro de la música eurodance que surgió de Italia, ‘Around my dream’ fue el primer disco de Silver Pozzoli y con él se hizo con un renombre continental. La repercusión del tema fue tal que, de inmediato, hubo que editar un remix. El verdadero nivel de su bombazo, que rompió las listas de ventas, lo dio su inclusión en la biblia de los megamixes, el archiconocido ‘Max Mix 2’, que salió al mercado también en 1985. Leer más

Leo Sayer – More than I can say (Más de lo que puedo decir)

2015 marzo 9

Sonny Curtis y Jerry Allison, miembros de The Crickets, la banda de acompañamiento del mítico Buddy Holly, escribieron ‘ More than I can say’ a finales de la década de los cincuenta. No fue una canción bien acogida por su discográfica. Se grabó en 1959, pero se desechó desde el principio y pasó a reposar en el fondo de un cajón.

La muerte de Holly en un accidente de aviación dejó huérfanos a The Crickets, que se vieron obligados a seguir en solitario su carrera. Fue entonces cuando recuperaron la canción que hoy analizamos. Salió al mercado en 1960, sin mayor éxito. Ni siquiera consiguió clasificarse entre las primeras cuarenta plazas del hit parade estadounidense. Leer más

Peaches and Herb – Reunited (Reunidos)

2015 febrero 24

Tiene el honor de estar incluida entre las mejores canciones de amor de la historia elegidas por los usuarios de Spotify. Hablamos de ‘Reunited’, una balada soul a la que su, quizás, excesivo endulzamiento no ha impedido que se pueda apreciar su gran calidad creativa. Corría 1978 -a España llegó un año más tarde- cuando este dúo estadounidense que respondía al nombre de Peaches & Herb alcanzó el número uno en medio mundo occidental gracias a este espectacular tema, incluido en su excelente álbum ’2 Hot’, que en nuestra tierra publicó Polydor.

‘Reunited’ podría ser incluida en cualquer catálogo de música para gourmets. Y, sin duda, habrá sido integrante de las numerosas listas y recopilaciones editadas o confeccionadas para el reciente día de San Valentín. Porque más de treinta años después de su salida al mercado aún mantiene el frescor de su génesis. Leer más

Korrontzi – Akerrak adarrak okerrak (El macho cabrío tiene los cuernos torcidos)

2015 febrero 7

Agus Barandiaran trasmite sencillez desde el primer contacto. Incluso, traslada una imagen inequívoca de naturalidad a quienes, como yo, no tienen la suerte de conocerle. Pero, en el fondo, la mente del líder de Korrontzi es tan alambicada como transparente. Combina complejidad e inocencia en idénticas dosis. Sólo de esa manera se puede explicar que en ella haya nacido ‘Akerrak adarrak okerrak’, una de las composiciones más logradas del actual panorama musical euskaldun.

El creador de Maruri ha conseguido resolver en poco más de cinco minutos un rompecabezas sónico para compartirlo con un público menos formado que él en el territorio de los pentagramas. De cualquier manera, sus seguidores disfrutan de un resultado final que, por otro lado, está al alcance de cualquier amante de ese placer sensual que trasmiten los instrumentos musicales de viento, en este caso la trikitixa –el clericalmente perseguido ‘infernuko hauspoa’ (fuelle infernal)–, que maneja hábilmente con sus manos. Leer más

Akelarre – Eperra (Perdiz)

2015 enero 14

Una canción mítica del folklore vasco como ‘Eperra’ lógicamente ha sido incorporada a los repertorios de más de medio centenar de artistas de Euskal Herria, a ambos lados de la frontera. Sin embargo, a mi entender, fue el grupo Akelarre quién ha ofrecido, hasta ahora, la mejor versión de esta joya, de este incunable de la euskal kanta berria. Menos racial, pero de más calidad.

‘Eperra’, que garantiza el éxito a cualquier artista que la interprete, es una obra surgida del acerbo popular de Iparralde, concretamente de Zuberoa. Su éxito fue inmediato desde que llegó al gran público en la versión que firmó Niko Etxart en 1979, dentro de su primer disco de larga duración, publicado por Movieplay. Fue un hit sin igual dentro de nuestro pequeño territorio. Leer más

Kid Creole and The Coconuts – Annie, I’m Not Your Daddy (Anita, no soy tu padre)

2014 diciembre 30

La colorista y genuina banda estadounidense Kid Creole and The Coconuts llegó hasta nosotros en 1982 con ‘Annie, I’m Not Your Daddy’ bajo el brazo. Es la versión musical de una prueba de paternidad que sirve para sacar de su error a la protagonista de la historia, llamada Anita, a la que se deja bien claro que su información sobre la filiación entre ambos es equivocada.

Como prueba de cargo se emplea el desnivel estético entre ambos personajes de este acontecer. «Si yo estuviera en su sangre, no sería tan feo», sostiene quien se niega como progenitor. Un piropo y una afirmación al mismo tiempo. Por todo ello, tendríamos que clasificar a ‘Annie, I’m Not Your Daddy’ en el casillero de las canciones sobre relaciones familiares. Leer más

Ottawan – D.I.S.C.O.

2014 noviembre 30

Cinco minutos de sonido trepidante reinaron en 1979 en todas las salas de baile europeas bajo el enigmático título de ‘D.I.S.C.O.’. La canción la presentó un dúo francés que respondía al nombre de Ottawan, en referencia a la capital canadiense.

Se trataba de un producto musical que nació para caminar por la vereda abierta por Boney M. Es decir, agrupar a una serie de cantantes, preferentemente procedentes de las colonias del Caribe, y convertirlos en grupo para cantar temas nacidos en los cerebros de conocidos compositores galos. Leer más

Simon & Garfunkel – The boxer (El boxeador)

2014 noviembre 24

Las letras surgidas del almacén creativo de un poeta como Paul Simon constituyen obras de arte literario que luego toman forma de canción. ‘The boxer’ puede ser, quizás, el ejemplo más evidente de ello. La mitad de Simon & Garfunkel hizo, además, un ejercicio de predicción con este tema. Como excelente visionario, ya adelantó que la precariedad laboral y la soledad son los mayores males del ser humano en la sociedad urbana, donde el hecho de estar rodeado de gente no impide convertirse en invisible y malvivir sin que las miles de personas que transitan por tu lado se percaten de ello. Es la realidad de los hombres y las mujeres actuales.

Aunque la composición data de 1969, la incomunicación humana que narra ‘The boxer’, y que también podemos encontrar de forma habitual en casi todas las creaciones del dúo estadounidense, está cargada de actualidad. Al igual que aquel púgil derrotado en el cuadrilátero y aplastado por la vida que caminaba solitario por las calles sumido en su soledad y superado por el terror, ¿cuántos hoy en día sufren este síndrome de la modernidad? Leer más

Patrick Hernández – Born to be alive (Nacido para vivir)

2014 octubre 22

Corría el otoño de 1978 cuando un cantante con un poutpourri de orígenes en su pasaporte, pero con apellido español, llegó a nosotros con una canción peculiar sobre los hombros. Patrick Hernández, oficialmente francés, aportó al mundo ‘Born to be alive’ y el mundo lo aceptó como si de un hijo pródigo se tratara. Elevó el tema discotequero al número uno en casi cada uno de los países del planeta a lo largo del año siguiente, en el que consiguió vender casi 1.500.000 copias del single y cosechó 52 discos de oro.

Ni que decir tiene que es una de las composiciones que más ha hecho bailar a distintas generaciones, gracias a un imponente y característico estilo que, por su innovación, logró sorprender y encandilar al mismo tiempo. Han pasado tres décadas y media desde entonces, pero ‘Born to be alive’ todavía sigue presente en el acerbo de la música disco, en cuyos estertores participó con gran influencia en posteriores propuestas. Cuando ese género, conocido como Euro-Disco, consumía ya sus últimas fuerzas llegó Hernández y, como el ave Fénix, las pistas de baile resurgieron de sus cenizas. Leer más

Sandro Giacobbe – Il giardino proibito (El jardín prohibido)

2014 octubre 19

Sólo la mítica frase que incluye su letra y que ya forma parte del acerbo del lenguaje popular justifica la existencia de ‘El jardín prohibido’, canción que nos ha acompañado desde que Sandro Giacobbe la publicó en 1975. ¿Quién no ha oído o hasta pronunciado alguna vez aquello de ‘Lo siento mucho, la vida es así, no la he inventado yo’? Esta expresión, ya casi lapidaria, se ha convertido en mítica, al margen del magnífico tema que popularizó en medio mundo el intérprete italiano. Queda para la historia.

‘Il giardino proibito’ obtuvo un éxito arrollador tanto en la península transalpina como en el mundo latino, ya que de inmediato se realizó una versión en castellano. Aprovechando el auge que por aquella época protagonizó la música romántica azzurra, Giacobbe dio en el clavo con una composición creada junto a los letristas Daniele Pace y Oscar Avogadro. Pocos que vivieron aquellos tiempos la habrán olvidado. De hecho, la obra fue interpretada en más de diez idiomas y machacada por todas las emisoras de radio. Leer más

Paul Young – Every time you go away (Cada vez que te vas)

2014 octubre 16

Hablar de música romántica de los ochenta deriva inevitablemente en Paul Young y, para el gran público, también en ‘Every time you go away’. Todos nos enamoramos en 1985 de esta canción, que entonces se hizo con un lugar en nuestros corazones y aún pervive en nuestros recuerdos.

La fama y las loas se las llevó el soulman británico, pero el tema fue compuesto por Darryl Hall, miembro del dúo Hall and Oates. No quiero con ello obviar el mérito de Young, que supo darle una visión particular, más cercana de los postulados que regían durante la década en el mercado discográfico. Hall reivindica su paternidad en cada uno de los conciertos que realiza, pero la versión que él publicó en 1980 es, a mi entender, inferior a la que hoy analizamos. Young le supera en intensidad y emoción interpretativa, alcanzando la condición de clásico. Leer más

Vangelis – Chariots of fire (Carros de fuego)

2014 octubre 13

El tema central de ‘Chariots of fire’ transmite energía, tiene un poder vigorizante, como ‘Gonna fly now’ escrito por Bill Conti para ‘Rocky’ o ‘Eye of the tiger’, de Survivor, para una entrega posterior de la película protagonizada por Silvester Stallone. De hecho, la composición de Vangelis es la canción más escuchada por los atletas en sus entrenamientos y se ha convertido en obligatoria en los grandes eventos deportivos.

Por extensión, esta oda a la sangre, al sudor y a las lágrimas de la competición se ha trasladado a la lucha íntima de cualquier persona que trata de superarse día a día, que afronta los retos, se fija metas y nunca se da por vencida. O sea, en resumen, a seres humanos intentando alcanzar un sueño, esos héroes anónimos que nos rodean y a los que nunca valoramos. Leer más

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