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Manolo García – Pájaros de barro (instrumental)

2017 marzo 12

Manolo García está considerado, también por mí, como uno de los inmaculados poetas de la canción española. Hay quien estima que sus letras son espejos del alma o naturalezas muertas, hasta deliciosas mezclas que fluyen del interior de su alma al mundo y que regresan a su mente para convertirse en nuevas creaciones. Nadie parece dudarlo, pero paradójicamente me quedo con una versión instrumental de una de su obras.

Cuando conocí esta variedad de ‘Pájaros de barro’ no sabía de la existencia de la original, la cantada. Tiempo más tarde oí ambas y pude comparar. La primera me emociona cada vez que la oigo, la segunda me deja indiferente. Es más, creo que la voz, en esta ocasión, estropea la música.

Siempre me he imaginado esta obra interpretada en un escenario en principio totalmente a oscuras y que luego, paulatinamente y por partes, se va iluminado de forma paralela a que se incorporan los distintos instrumentos.

Pero es evidente que mucha gente no estará de acuerdo conmigo e incluso aludirá a mi demencia. Para ellos está la VERSIÓN CANTADA. ‘Pajaros de barro’ aparece en el álbum ‘Arena en los bolsillos’.

LETRA

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy cierro yo el libro

de las horas muertas

Hago pájaros de barro

Hago pájaros de barro y los echo a volar

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy rechazo la bajeza

del abandono y la pena

ni una página en blanco más

Siento el asombro de un transeúnte solitario

wn los mapas me pierdo

por sus hojas navego

Ahora sopla el viento,

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

Ya no subo la cuesta

que me lleva a tu casa

ya no duerme mi perro junto a tu candela

En los vértices del tiempo anidan los sentimientos

hoy son pájaros de barro que quieren volar

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo.

Ahora sopla el viento

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

cuando no tengo barca, remos ni guitarra

cuando ya no canta el ruiseñor de la mañana

Ahora sopla el viento.

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo

MANOLO GARCÍA pasa por ser catalán y muchas de sus biografías dicen que nació en el Poble Nou barcelonés, pero realmente donde vio por primera vez la luz fue en el pueblo albaceteño de Férez. Es por tanto, como el mismo reconoce, un charnego. Creció en Cataluña, donde su primera pasión se la produjo la pintura, disciplina que aún labra, aunque con menos éxito que la música.

Comenzó tocando la batería en un grupo de su barrio. Pero cuando realmente dio el salto fue cuando, en 1982, conoció a Quimi Portet, guitarrista de Los Rápidos. De esa fusión de talentos alumbró Los Burros, el germen de lo que finalmente sería El Último de la Fila, con el que Manolo cosecha sus mayores éxitos con discos como ‘Como la cabeza al sombrero’, ‘Astronomía razonable’ y varios más’.

En 1998 deciden separarse y continuar sus caminares en solitario. Ese mismo año, Manolo García anuncia la publicación de su primer álbum en solitario ‘Arena en los bolsillos’, que obtuvo un rotundo éxito de ventas y propició una gran gira por toda España. Allí empezó una carrera bien dirigida, pausada, que con calma sólo ofrece al público lo que el realmente el artista cree tiene calidad suficiente.

Eleanor McEvoy – Only a woman’s heart

2017 febrero 6
por Anje Ribera

Qué difícil se nos hace a los hombres entender los sentimientos de las mujeres. Es nuestro defecto histórico. Generación tras generación somos incapaces de ponernos a la altura necesaria para poder descifrar su sensibilidad. Incapaces de entender la tristeza que viven los corazones femeninos cuando no consiguen ser comprendidos y queridos. Imposibilitados para leer lo que el corazón de una mujer puede albergar.

Pero, aunque somos distintos, también los hombres podemos saber de heridas que cuestan cicatrizar. Esta canción debería estremecer hasta al más rudo de los corazones masculinos. Unos y otras debemos aprender a sobrevivir a los problemas que genera la vida, pensar que ello nos dará la fortaleza y el aprendizaje para alcanzar la felicidad futura.

La cantante irlandesa Eleanor McEvoy convirtió en 1992 la balada ‘Only a woman’s heart’ en un himno al desamor y el disco que lo contenía en el más vendido de la historia de su país, eclipsando incluso las producciones de legendarios artistas irlandeses como Van Morrison o U2.

LETRA

Mi corazón está triste, mi corazón está tan triste

como sólo el corazón de una mujer puede estar

como sólo el corazón de una mujer puede saber

Las lágrimas de mis ojos perplejos

tienen el sabor agridulce de un romance

todavía sigues en mis pensamientos

todavía estás en mi mente

aunque me las arreglo sola

Cuando mis ojos inquietos

revelan que mi alma esta turbada

y los recuerdos inundan mi corazón cansado

lloro por mi sueños

lloro por mi amor perdido

ELEANOR MCEVOY (1967) es una de las cantautoras más populares de Irlanda. Su primer contacto con la música lo tuvo a los 4 años, cuando participó en un concurso como cantante solista en la banda de su hermana. Con 8 empezó a tocar el violín y a recibir clases de piano en la Escuela de Música de Dublín. Más tarde se matriculó en Universidad Trinity, donde cursó Música de día. Por la noche trabajaba en orquestas. Se graduó con matrícula de honor y fue aceptada en la Orquesta Sinfónica Nacional de Irlanda, con la que trabajó durante cinco años hasta que finalmente se decidió a dejar la música clásica de lado y pasarse a la composición. Luego llegó el éxito de sus discos. Su carrera es imparable.

Guardabarranco – Dale una luz

2017 enero 30

Descubrimos la existencia de la música nicaragüense por el éxito que tuvieron Carlos Mejía Godoy y los de Palacagüina con canciones como ‘Son tus perjúmenes mujer’ o ‘Clodomiro el Najo’. Poco después volvimos a oír hablar de este pequeño país centroamericano con la guerra civil provocada por el levantamiento de los sandinistas contra el régimen de Somoza. Y luego olvidamos. Olvidamos que caído el dictador llegaron los comandantes revolucionarios que, una vez liberado el pueblo, lo volvieron a oprimir con su propio estilo. Pero Nicaragua ha sido siempre fuerte, resurge de sus cenizas cuan Ave Fénix. Ni la guerra ni los terremotos ni los huracanes han logrado doblegar a los nicas, sumidos en una perenne pobreza pero con el sentimiento nacional indomable de los piñoleros, pobladores de una tierra de lagos y volcanes.

«Dale una luz a este pueblo que ha buscado su libertad contra el cielo y contra humanos» cantan los hermanos Katya y Salvador Cardenal, que conforman el dúo Guardabarranco. ‘Dale una luz’, un conglomerado de notas musicales y versos que derrochan sentimiento, se ha convertido en el segundo himno de Nicaragua, el de los emigrantes que han tenido que abandonar su tierra. Algunos lo hicieron para huir de la dictadura y otros para escapar de los sandinistas. ‘Dale una luz’ es una de las propuestas más frescas y poéticas en el escenario de la canción popular latinoamericana.

LETRA

En un lugar llora el cielo de ternura
en un lugar todo el verde esta de fiesta
y en altamar no muy lejos de Corn Island y el Bluff
un hombre niño pesca un saco en el mar

En un lugar quema el cielo las estrellas
en un lugar que me vio jugar de niño
tuve amistad un amigo que no jugará más
pero, la calle, hoy se llama como él

En un lugar llueve tanto que se apaga el sol
y el lodazal besa siempre tus rodillas
un viejo esta aprendiendo sus primeras letras
no tiene anteojos pero sabrá leer

En un lugar donde el agua es a volcanes
y el tiburón hizo nido en agua dulce
el huracán pone un bosque en reverencia mortal
tiembla la tierra, tiembla el mar de este lugar.

Dale una luz a la gente que ha buscado
su libertad contra el cielo y contra humanos
dale una luz a este pueblo que ama tanto vivir
en Nicaragua…

GUARDABARRANCO, nombre del ave nacional nicaragüense, estuvo conformado por Salvador Cardenal (1960-2010) y Katya Cardenal, un dúo fraternal fundado en 1979, en los primeros años del triunfo de la Revolución Popular Sandinista, de la que luego renegaron.

Las poéticas letras de él y la sublime voz y la apasionada interpretación de ella han ofrecido al mundo de la música obras cargadas de amor, fraternidad y búsqueda de la unidad perdida con la naturaleza. Sus creaciones proponen una manera trascendente de sentir la realidad que se opone a la manera pragmática con que el discurso del utilitarismo contemporáneo le impone a los seres humanos relacionarse entre sí y con el entorno. Ofrecen una visión del mundo es que el ser humano está escindido de los otros seres humanos y de la naturaleza por el desamor, el egoísmo y el consumismo desenfrenado.

Además el dúo Guardabarranco ha sido pionero en el trabajo de concenciación de su público para que tome acciones de preservación del ambiente. Sus canciones perciben la naturaleza como el Edén perdido, pero un paraíso, un jardín, que no está en el cielo sino que está en la tierra y que debemos restaurar los seres humanos. En este sentido la naturaleza es el estado de plenitud perdida por el odio y el egoísmo. El regreso a una relación armoniosa con la naturaleza implica cambiar espiritualmente el odio por el amor y el egoísmo por la fraternidad. Todo un llamamiento a la conciencia social y ecológica del ser humano. Para ello, además, crearon una fundación que defendiera iniciativas ecológicas.

El dúo dio fin a su andadura cuando Salvador Cardenal falleció en la primavera de 2010. Dejó un gran legado, como antes lo hizo el poeta Rubén Dario. Este guerrero de amor a la naturaleza, a la música y a la pintura fue víctima de una extraña enfermedad relacionada con la sangre denominada crioglobulinemia. Tenía 50 años cuando dejó de luchar.

Roy Orbison – Pretty woman

2017 enero 27

Pues sí, la canción existía antes de la película, aunque algunos no se lo crean. Está comprobado. ‘Oh pretty woman’ fue compuesta por Roy Orbison y Bill Dees en 1964, veintiséis años antes de que los guapos oficiales de Hollywood por aquella época Julia Roberts y Richard Gere se convirtieran en la pareja que envidiaron muchas otras.

Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

Joan Isaac – A Margalida

2017 enero 25

‘A Margalida’ está inspirada en la ejecución en 1974 dentro de la cárcel Modelo de Barcelona del joven anarquista catalán Salvador Puig Antich, militante del MIL (Movimiento di Liberación Ibérico). La canción recuerda uno de los crímenes de estado más dramáticos de la historia reciente de Europa, allá por el 2 de marzo de 1974, cuando Puig fue ajusticiado por el franquismo con sólo 25 años, después de ser sometido a un consejo de guerra plagado de irregularidades y tras desoír miles de peticiones de clemencia que llegaron de todo el mundo. Partidos políticos, colectivos de derechos humanos y mandatarios extranjeros, como el Vaticano o el canciller alemán Willy Brandt, pidieron su indulto. Sin éxito.

Puig Antich fue acusado del asesinato en Barcelona del subinspector de la Brigada Político Social Francisco Anguas Barragán, muerto en el tiroteo que se desencadenó durante la captura del joven activista. Durante cincuenta años en España hubo muchos Salvadores. No podemos olvidarlos. Nunca.

Salvador Puig Antich mantuvo activa su lucha contra el franquismo durante la década de los sesenta y comienzos de la de los setenta. Hijo de una familia trabajadora, era el tercero de seis hermanos. Su padre, Joaquín Puig, había sido militante de Acció Catalana durante la República. Exiliado en Francia en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, fue condenado a muerte cuando volvió a España e indultado en el último momento.

El joven Salvador a partir de los dieciséis años compaginó el trabajo en una oficina con los estudios nocturnos del bachillerato en el instituto Maragall, donde hizo amistad con Javier Garriga y los hermanos Solé Sugranyes (Oriol e Ignacio), todos ellos futuros compañeros del Movimiento Ibérico de Liberación (MIL). Los episodios del ‘Mayo francés’ de 1968 y la muerte del estudiante Enrique Ruano en la Dirección General de Seguridad en 1969 fueron decisivos para que Puig Antich decidiera implicarse activamente en la lucha contra la dictadura franquista.

El tema fue compuesto por el cantautor Joan Isaac en 1976 y publicado por primera vez en 1977. Isaac es conocedor de la historia en primera persona dada su proximidad a la familia Puig durante la época en que se desarrolló el suceso. Trata la cuestión personalizándola no en el protagonista de la historia sino en su compañera sentimental, concretamente en la última carta que él envío a ella.

Por su belleza y sensibilidad se ha convertido en una obra popular que forma parte de la memoria colectiva en Cataluña, llegando a representar todo un himno contra la pena de muerte.

LETRA

Te fuiste no sé dónde
ni las cumbres ni las aves
no te saben los pasos

Volaste sin decir nada
dejándonos solo
el canto de tu risa

No sé dónde estás, Margalida,
pero el canto te llega,
tómalo como un beso

Grita el nombre de tu amante,
bandera negra en el corazón
y tal vez no sabrás
que su cuerpo menudo
nos crece en las venas
al leer su gesto
escrito por paredes
que lloran la historia

Y con esta canción
renazca su grito
por campos, mares y bosques,
y que sea su nombre
como la sombra fiel
que es nuestra a todas horas

PELÍCULA

En 2001, el periodista catalán Francesc Escribano escribió el libro ‘Cuenta atrás. La historia de Salvador Puig Antich’, en el que cuenta los hechos que llevaron a la ejecución. En septiembre de 2006, con guion basado en el libro de Escribano, se estrenó la película española ‘Salvador’, protagonizada por Daniel Brühl y dirigida por Manuel Huerga.

Joan Isaac interpreta la canción ‘A Margalida’ en todas sus actuaciones, generalmente precedida por un texto recogido en el libro ‘Cuenta atrás’ de Francesc Escribano. Con ello este cantautor rinde un homenaje continuado a Salvador Puig Antich, contribuyendo así al mantenimiento de la memoria colectiva histórica.

La última versión publicada tiene la particularidad de que es cantada en parte en catalán y en parte en euskera, en compañía por el artista vasco GORKA KNÖRR.

JOAN ISAAC es el nombre artístico de Joan Vilaplana i Comín (Esplugas de Llobregat (Barcelona), 1953). Defensor de la canción de autor, ejerce su oficio imprimiéndole a sus composiciones una extraordinaria belleza y sensibilidad. En ellas se habla del amor, del desamor, de la vida, reflejando y denunciando, a la vez, la incomunicación y la soledad de las personas en una sociedad cada vez más deshumanizada.

Leonard Cohen – Suzanne

2017 enero 24

El maestro Leonard Cohen se ha ido, pero nos ha dejado su extenso legado. Todo él merece una atención pormenorizada, pero hoy vamos a dedicarnos a su primer gran éxito, ‘Suzanne’.

Un nombre tan sugerente, tan femenino como Susana se repite constantemente en el mundo de la música, pero a la hora de elegir una canción con ese título casi todos derivamos hacia la obra de Cohen, quien convirtió este tema en especial gracias a esa forma suya de interpretar que genera paz, mediante una voz acariciadora que nos traslada a una isla sólo poblada por la tranquilidad. Una terapia que debería estar cubierta por la Seguridad Social.

Somos muchos los seguidores del cantante canadiense los que recurrimos a esta composición cuando pretendemos desconectar del mundo que nos rodea y viajar a través de nuestra propia mente para quedar finalmente con la sensación de haber visitado lugares no recogidos por los mapas.

‘Suzanne’ es un himno, una canción que se utilizaba en las discotecas de los años sesenta y setenta para anunciar que comenzaban los bailes agarrados. Una obra maravillosa, pese a su extremada tristeza, tan bien recibida por los melancólicos

La dama medio loca que paseaba de la mano de Leonard Cohen por la orilla de un río vistiendo ropas viejas del Ejército de Salvación cumple cincuenta y un años de vida. Ella dio título a una de las canciones más traducidas del mundo, la primera de Cohen que atrajo la atención de público gracias a esa mezcla de amor lánguido y meditación religiosa, tan habitual durante su ya dilatada carrera.

Estandarte musical y poético, ‘Suzanne’ fue escrita en 1966 e inicialmente la popularizó Judy Collins. El tema se inspiró en Suzanne Verdal, la vieja esposa de un amigo íntimo del autor, el escultor de Montreal Armand Vaillancourt. «Suzanne me invitó a su casa cerca del río y me sirvió un té que estaba lleno de pedacitos de naranja. Esos elementos me dieron el rocío para soñar con la canción, pero sólo fueron el rocío», explicó Leonard Cohen en una entrevista.

LETRA

Suzanne te lleva abajo
a su sitio junto al río
tú puedes oír pasar los barcos,
puedes pasar la noche junto a ella
y sabes que ella está medio loca
pero eso es por lo que quieres estar allí
y ella te ofrece té y naranjas
que vinieron todo el camino desde China
y justo cuando tú quieres decirle
que no tienes amor que darle
ella te sintoniza en su longitud de onda
y deja que el río conteste
que tú siempre has sido su amante
y tú quieres viajar con ella
y tú quieres viajar ciego
y tú sabes que ella confiará en ti
porque tú has tocado su cuerpo perfecto con tu mente

Y Jesús fue un marinero
cuando caminaba sobre las aguas
y pasó mucho tiempo observando
desde su solitaria torre de madera
y cuándo supo seguro
que sólo los hombres ahogados podrían verle
dijo: «todos los hombres serán marineros entonces
hasta que el mar los libere»

Pero él mismo fue roto
mucho antes de que el cielo se abriera
abandonado, casi humano,
se hundió bajo tú sabiduría como una piedra
y tú quieres viajar con él
y tú quieres viajar ciego
y piensas que quizás confíes en él
porque el ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente

Ahora Suzanne te toma de la mano
y te conduce al río
ella lleva ropas viejas y adornos
de los estantes del Ejercito de Salvación
y el sol se derrama como miel
sobre nuestra señora del puerto
y ella te enseña dónde mirar
entre la basura y las flores

Hay héroes entre las algas
hay niños en la mañana
ellos se asoman buscando amor
y lo harán así para siempre
mientras Suzanne sostenga el espejo
y tú quieres viajar con ella
y tú quieres viajar ciego
y tú sabes que puedes confiar en ella
porque ella ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente

LEONARD COHEN fue el gran poeta de la canción anglosajona. Nació en Montreal en 1934 en el seno de una familia judía de clase media y ascendencia lituana. Tras aventuras con más o menos éxito en el mundo del country-western, se lanzó a la poesía, más como escritor que como cantante. En ello influyó los viajes que realizó por Europa, donde se vio influenciado por canciones francesas de cabaret de entreguerras.

Su primer contacto con el mundo discográfico tuvo lugar en 1967, cuando grabó tenas como la mencionada ‘Suzanne’ y otras joyas como ‘The stranger song’, ‘Sisters of mercy’ o ‘So long, Marianne’. Desde entonces toda su carrera ha seguido un mismo camino, sustentado por un estilo minimalista, sólo variado ligeramente en los ochenta con la experimentación con instrumentos más modernos que la tradicional guitarra con la que cabalgó durante décadas entre la lírica y la poesía.

Un caminar, sin embargo, interrumpido por largos períodos de silencio trascendental por su interés por la filosofía zen. De hecho, Cohen estuvo retirado en un monasterio, donde fue ordenado monje con el nombre de Dharma de Jikan, el silencioso. La concesión del Premio Príncipe de Asturias de las letras de 2011 le recuperó de su Shangri-La. Nos ha dejado definitivamente. Le echaremos de menos.

Playing for change – Stand by me (Quédate conmigo)

2017 enero 20

Los norteamericanos Mark Johnson –un galardonado ingeniero de sonido y productor– y Jonathan Paredes crearon en 2005 ‘Playing For Change: Song Around the World’ (Canciones alrededor del mundo) con estética de documental finalmente reconvertido en una película de un concierto desarrollado de forma paralela en muchas partes del planeta. Inicialmente grabaron por pistas mediante un estudio móvil en las calles de Santa Mónica, Nueva Orleans, Barcelona, Sudáfrica, Tíbet y en otros lugares versiones del ‘Stand by Me’ de Ben E. King y ‘One World’ de Bob Marley. Todo ello sin que ninguno de los distintos músicos que participaron se reunieran entre sí. Comenzó con la grabación del guitarrista y cantante estadounidense Roger Ridley en las calles de Santa Mónica.

LETRA

Cuando la noche ha llegado
y la tierra está oscura
y la luna es la única luz que veremos
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

Si el cielo que vemos arriba
se derrumbara y cayera
o la montaña se desmoronase hacia el mar
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo,
estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

El éxito del vídeo de ‘Stand by me’, que valió a Johnson un Grammy y varios premios internacionales y que ha sido ya visto casi cien millones de veces en internet, hizo que se ampliara el repertorio con canciones como ‘War: No more trouble’, de Bob Marley; ‘Don’t worry’, de Pierre Minetti; o ‘Chanda mama’, de Ananda Giri y Enzo Buono.

En abril de 2009 las compañías Timeless Music Media y Concord Records apoyaron la iniciativa con la publicación de un dvd que contenía los clips de las canciones, un tráiler del documental Peace through Music y un vídeo acerca de la Fundación Playing for Change, junto a un cd con diez canciones.

El objetivo del proyecto multimedia fue crear una fundación para ayudar a los pobres en las zonas visitadas gracias al factor de unificación de la música independientemente de las diferencias culturales. Fueron elegidos intérpretes sin renombre de todo el mundo, que unieron sus talentos para crear una canción como ésta.

Con el dinero recaudado la fundación Playing for Change se dedica a la construcción de escuelas de música en todo el planeta. En 2008 se creó la primera (Ntonga Music School) en el barrio de Gugulethu, en las afueras de Cape Town, en Sudáfrica.

Luego surgieron siete centros más:
Bizung music and dance school, Tamale, Ghana
Ecole de musique de Kirina, Kirina, Mali
Tintale Village Teaching Center Tinatle, Nepal
Mitrata Nepal village Music Program, Kathmandu Nepal
The Hari Kul Music School, Kathmandu Nepal
Intore Culture and Music Center, Kigali, Rwanda

El penúltimo capítulo del movimiento Playing For Change ha sido el Playing For Change Band, que reúne a músicos extraordinarios procedentes del mundo entero, músicos que han viajado miles de kilómetros para encontrarse en un escenario y cantar juntos, el poder unificador de la música no deja lugar a dudas.

PLAYING FOR CHANGE actuó a principios de esta década en España, concretamente en el Palau valenciano. Allí dio muestras de su calidad y fortaleció su apuesta por el poder de la música para eliminar fronteras y solventar diferencias. Entonces integran la banda el talking drum Mohammed Alidu, la guitarra eléctrica de Llon Ba, los cantantes Clarence Bekker, Grandpa Elliott -ya fallecido- y Mermans Kenkosenki y Titi Tsira, que también se encargaban de la armónica y la percusión; el batería Peter Brunetta, la guitarra steel de Roberto Luti y el la guitarra acústica de Jason Tamba, además del bajista Reggie McBride.

Sin duda, es obligatorio ofrecer también el original ‘Stand by me’ de BEN E. KING.

Bruce Springsteen – The river (El río)

2017 enero 18
por Anje Ribera

Hasta para los que somos ateos hablar de Dios siempre impone. Dentro de mi politeísmo musical Bruce Springsteen está en el Olimpo y la canción ‘The river’ podría perfectamente salir de las arpas y los laúdes míticos. Aunque elegir una de las obras del Boss significa una traición al resto de sus creaciones inmejorables, opto por esta por ese sonido roto de armónica, el que siempre me ha robado el corazón en los casi cuarenta años de vida de sus notas.

‘The river’ siempre me hace pensar y me sume en una tristeza placentera. Una de las joyas indiscutibles de la historia de la música. No temblar ante el sonido de la voz áspera de Bruce es imposible. La compuso para su hermana y nos narra la cruda historia de la pérdida de la adolescencia de forma prematura por presión de valores y normas establecidas, así como también por los errores cometidos por inexperiencia. Leer más

Radio Futura – Veneno en la piel

2016 noviembre 28

Lo confieso. Me ha costado una barbaridad elegir una canción de Radio Futura. Lo que siempre tenía claro es que sería de su segunda época, la de finales de los ochenta, pero atesoraba serias dudas sobre cuál de esos temas debía incorporar al blog. Al final, he optado por ‘Veneno en la piel’ porque era el último que he oído.

Concretamente ‘Veneno en la piel’ vio la luz en marzo de 1990 y supuso un cambio en la trayectoria del trío madrileño, que se alejó un poco de los teclados y otorgó más protagonismo a los sonidos acústicos, apostando por la percusión de un ritmo limpio y claro. «Buscando una sónica sencilla y tratando de recuperar el magnetismo de las grabaciones originales de los sesenta, con planteamientos artesanales del sonido eléctrico. Tal vez no haya riesgos de trapecio, pero sí un propósito de sencillez. Lo sencillo es lo más difícil», dijo por aquel entonces el gran maestro del periodismo musical Diego Manrique. Leer más

Luis Miguel – Por debajo de la mesa

2016 octubre 31

Luis Miguel y los boleros viven encadenados desde que en la década de los noventa el artista mexicano penetrara en este estilo musical y descubriera que ealmente ése era su verdadero hábitat natural.

‘Por debajo de la mesa”, original de Armando Manzanero, es, tal vez, la canción que mejor refleja el idilio entre ambos astros mexicanos. Convertido en menos de veinte años en un clásico del género que nunca pasará de moda y en uno de los temas imprescindibles de Micky, el single llegó al mercado discográfico en 1997, como avance del exitoso álbum ‘Romances’, que Warner Music distribuyó y publicitó mundialmente.

Si tuviera que elegir un adjetivo para calificar ‘Por debajo de la mesa’ quizás optaría por sensual. Despierta la imagen de lo que nos imaginanos pero no conocemos. Puro deseo al son de los violines y de una impecable ejecución del oboe en la introducción. Leer más

Harry Nilsson – Without you (Sin ti)

2016 octubre 5

La desgarradora revisión de la canción ‘Without you’, del grupo británico Badfinger, que firmó en 1972 Harry Nilsson bajo la producción de Richard Perry, habitual colaborador de Art Garfunkel y Diana Ross, mejora con el paso del tiempo. La maestría del cantante, escritor, pianista y guitarrista norteamericano de ascendencia sueca con los covers le valió un Grammy y escalar al número uno en ambos lados del Atlántico.

En ‘Without you’ Nilsson demuestra estar en posesión de una gran voz y su compromiso por todo lo que hacía, alterando totalmente el original, compuesto dos años antes por Pete Ham y Tom Evans, y producido por Geoff Emerick. El cambio resultó muy fructífero, porque Nilsson vendió todos los discos posibles y convirtió la balada en inmortal, en una de las mejores de todos los tiempos, mientras que Badfinger no logró ni dar a conocer este gran tema al imaginario popular. Leer más

Earth, Wind & Fire – September

2016 septiembre 5

‘September’ constituye una mezcla perfecta de la ebullición creativa de Maurice White y de la filosofía positivista que siempre acompañó a Earth, Wind & Fire durante su caminar musical. El fruto de esa combinación es un tema sólido, dotado de arreglos impredecibles, con combinaciones inteligentes y estructurado en torno a una simbiosis casi metafísica de los instrumentos. En resumen, impecable.

No sé si hablamos de una canción soul o si la podemos encasillar en el sonido disco funk. Pero, qué más da. Sus magníficos coros y trompetas superan cualquier catalogación. Llegó a nosotros en el último tramo de 1978 y sus 3,37 minutos nos encandilaron de inmediato. El idilio pervive casi cuatro décadas después. Leer más

Alex Ubago y Amaia Montero – Sin miedo a nada

2016 julio 22

Corro mucho riesgo al elegir esta canción, pero confieso que me gusta. Vaya obviedad, porque de lo contrario nunca hubiera llegado hasta este espacio. Sin duda seré centro de críticas, como en su día lo fue la propia obra de Alex Ubago y Amaia Montero. Sin embargo, el público y las ventas sustentaron esta balada que genera filias y fobias en cantidades semejantes desde el momento de su salida al mercado.

‘Sin miedo a nada’, también conocida como ‘Me muero por conocerte’, no es una simple canción para abrir el baile en las bodas. La composición del donostiarra Álex Ubago nos llegó en 2002 y ese año ya fue declarada por los internautas de Los 40.com –la lista de éxitos española oficiosa– como la mejor canción de amor de la primera década del siglo XXI. Leer más

Fläskkvartetten – Innocent

2016 julio 8

Creo que quien no se emocione al escuchar este tema, sencillamente, ya ha abandonado este mundo. Siguiendo esta premisa puedo afirmar que sigo vivo, porque oír ‘Innocent’ y temblar constituyen acciones sincronizadas en mi persona. Ocurre desde aquella primera vez que descubrí esta composición del conjunto de cuerda sueco Fläskkvartetten.

Era una noche de finales del invierno del pasado año en París. Concretamente en el Teatro de la Ópera, donde la Compañía Nacional de Danza española actuaba por primera vez bajo la dirección de José Carlos Martínez, el coreógrafo y exbailarín estrella de la compañía estatal francesa. Leer más

Petula Clark – Downtown (Centro de la ciudad)

2016 junio 24

Toda la historia musical que recordamos, aunque no la hayamos vivido contemporáneamente, está llena de momentos especiales. Eso es innegable. Pero 1965 quizá fue el año de las canciones que se convirtieron en himnos. Ocurrió cuando en España se produjo la ‘invasión’ británica, la de aquellos temas e interpretes surgidos en Reino Unido unas temporadas antes y que, como siempre, a la península llegaban con algo de retraso. Los ‘hijos’ e ‘hijas’ de los Beatles nos trajeron la minifalda y aquel yeah, yeah del ‘She loves you’ que, por estos lares, convertimos en ye-ye.

Y entre ellos destacó Petula Clark, una de las reinas de la generación beat que lo mismo luchaba contra la guerra de Vietnam –a través de su única arma, la música– que trataba de transmitir –estrofa a estrofa- su espíritu de liberación. Cumplió al pie de la letra la frase de Ghandi que aseguraba: «Sé el cambio que quieres ver en el mundo». Leer más

Arctic Monkeys – Crying lightning

2016 junio 6

Para muchos ‘Crying lightning’ es la canción fetiche de Arctic Monkeys. Para otros, una de las más flojas. Es más, gran parte de sus seguidores se sintieron decepcionados al escucharla como primer single de su esperadísimo tercer álbum, ‘Humbug’.

Con este tema de 2009 la banda rompía con el sonido al que nos tenía acostumbrados. Se atrevió con una composición para muchos oscura y densa, con slides de guitarra y bajo galopante, que podría pasar por cara B. Sin embargo, lo lanzaron como tema de presentación al parecer como parte de una estrategia de los ‘monos’ para que no se les viese el plumero comercial. ‘Humbug’, de hecho, se convirtió en el disco de la madurez definitiva del conjunto. Leer más

Kortatu – Sarri, Sarri

2016 mayo 20

Resulta curioso que un grupo del rock radical vasco recurriera a ritmos jamaicanos para relatar en forma de canción la fuga carcelaria de dos presos de ETA. Pero así ocurrió en 1985, cuando Kortatu publicó ‘Sarri, Sarri’, sin duda uno de sus temas más populares y quizá también con el que la banda de Irun logró traspasar las fronteras de Euskadi y hacerse con un nombre en el rock que emergía en toda la península en la década de los ochenta, en contraposición a la movida madrileña.

El grupo liderado por Fermín Muguruza utilizó la canción ‘Chatty, chatty’, compuesta en 1980 por Frederick Toots Hibbert para su conjunto Toots & The Maytalsek, como estructura musical para contar una historia por la que hoy, con la actual legislación, podría enfrentarse a una condena por apología del terrorismo. Leer más

Francis Cabrel – La quiero a morir

2016 mayo 6

‘La quiero a morir’ es sinónimo de belleza lírica. No estoy seguro de que hoy vayamos a hablar de música poetizada o de poesía musicalizada, pero sí convencido de que su intensidad sentimental afectará a piel, sangre y huesos. Nos referimos a una de esas baladas que han pasado a la historia de los melómanos francófonos, en su versión original, y de los castellanohablantes, en la interpretación que barrió en los mercados de España y Latinoamérica a finales de la década de los setenta.

Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente. Leer más

The Power Station – Get it on (Entrégate)

2016 abril 25

Cuando un grupo que está en la cumbre de su fama (en este caso Duran Duran) decide tomarse un descanso para tratar de difuminar los roces internos, sus miembros suelen aprovechar el parón bien para lanzar proyectos en solitario o bien constituir alguna banda alternativa. Esto ocurrió en 1985, cuando el bajista John Taylor y el guitarrista Andy Taylor decidieron oxigenarse fuera de la disciplina del líder de la banda Simon LeBon. Se unieron con el exitoso cantante Robert Palmer, el batería Tony Thompson y el también bajo Bernard Edwards (ambos exChic) para protagonizar un experimento creativo que respondió al nombre de The Power Station.

Su nueva aventura discográfica debía, obligatoriamente, estar condecorada con un éxito de ventas. El historial de sus componentes no podía permitir algo distinto a un top ten. El quinteto se encerró en los estudios Avatar de Nueva York con el objetivo de emprender un camino alejado de la electrónica. Su apuesta por las raíces del rock del pasado les llevó al puesto noveno de la listas de éxitos norteamericana Billboard, la Biblia música de aquellos lares. Leer más

La Bionda – One for you, one for me (Uno para ti, uno para mí)

2016 abril 12

Nos topamos hoy con la canción que abrió el movimiento italo dance. ‘One for you, one for me’, clásico entre los clásicos en las discotecas de finales de los setenta, se publicó en Italia en 1978, aunque su gran repercusión en el mundo hispanoparlante se produjo tanto en el verano de aquel año como en la siguiente temporada estival. Los hermanos La Bionda, Carmelo y Michelangelo, padres del género, consiguieron casi sin proponérselo un hit a nivel mundial que creció paralelo al circuito musical de las playas.

Con la colaboración del inglés Richard Palmer-James, la excelente producción y la brillante composición musical catapultaron a ‘One for you, one for me’ al número uno en todo el continente europeo y en gran parte de América del Sur. Se trataba realmente de un ritmo simple que fue creado por Michelangelo La Bionda cuando tan sólo contada con nueve años. Luego, algunos años después, regresó a su mente y adoptó el formato de las 45 revoluciones por minuto. Leer más

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