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The Art Company – Susanna

2017 octubre 9

Pocos nombres femeninos son musicalmente tan sugestivos como el de Susana. Así lo han entendido multitud de compositores, con Leonard Cohen a la cabeza. Sin embargo,fue el grupo holandés The Art Company el que logró darle altavoz a mediados de la década de los ochenta del pasado siglo y colocar a la mujer que protagoniza la letra a la cabeza de todos los hit parade europeos.

‘Susanna’ llegó a nuestras tiendas de discos en 1984, aunque en los Países Bajos se popularizó ya un año antes. Basados en un sonido reggae pop, los 4:41 minutos de esta obra compuesta por Caroline Bogman, Ferdi Lancee y Mark Foggo, con la producción del francés Pierre Geoffroy Chateau. permitieron a la multinacional CBS recaudar millones.

El tema había nacido en 1983 como ‘Suzanne’, pero se rebautizó como ‘Susanna’ al comprobar el éxito -fue número uno nada más salir al mercado- que había cosechado en su propio país interpretado por la banda VOF de Kunst. Los directivos de la discográfica le vieron un potencial internacional que también llevó al grupo a convertirse en ‘The Art Company’.

Y acertaron porque la ‘Susana’ anglosajonizada vendió más de veintidós millones de discos alrededor del mundo, amparada en una fórmula de interpretación que asemeja un directo que por las mismas fechas ya le valió al grupo austríaco Opus un aldabonazo similar con ‘Live es Life’. Ambos temas han quedado grabados a fuego en la generación contemporánea de su devenir. La fuerza de las intervenciones del falso público lograron incrementar la sonoridad.

La canción, sin lugar a ninguna duda, y nadie podrá negarlo, es muy pegadiza. También el vídeo sobre el que se asentó el tema, aunque el tiempo ha hecho mella en él, sigue siendo divertido por la forma en la que describe una escena de seducción. Todo iba bien con la chica hasta que los amigos de él entraron en escena. Fue rodado en clave de comedia, recordando un episodio que más de uno pudimos vivir durante nuestra adolescencia. Soñamos con la primera parte de la canción, nos despertamos con la segunda.

LETRA

Nos sentamos juntos en el sofá
con la música muy bajita
he esperado tanto tiempo este momento
que es difícil pensar que ya está aquí
la puerta está cerrada, no hay nadie en casa
han salido todos, estamos completamente solos

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura

Pongo el brazo sobre su hombro
paso los dedos por su pelo
es un sueño, no puedo creerlo
ha tardado tanto que justo
entonces el teléfono empieza a sonar
y una voz de un extraño al otro lado de la línea
dice oh, me he equivocado, perdón por malgastar tu tiempo
y pienso, por qué ahora, por qué yo, por qué…

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura
Susanna, Susanna,
Susanna, él te quiere con locura

De nuevo, me siento junto a ella
intento coger su mano con la mía
el momento ha pasado, el sentimiento ha terminado
ella mira a su alrededor para conseguir tiempo
y luego dice que podríamos solo sentarnos y charlar
y pienso, bueno, hasta aquí hemos llegado

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura

Y seguimos sentados en el sofá
con el estéreo a tope
la magia ha desaparecido, es un desastre
no hay manera de empezar de nuevo
ella dice “creo que es mejor que me vaya”
dice adiós y yo digo… ¡No!

Susanna, Susanna
Susanna te quiero con locura
Susanna, Susanna,
Susanna, él te quiere con locura
te quiero tanto, con locura

VERSIONES

El veterano cantante italiano ADRIANO CELENTANO durante los últimos años de su carrera, ya con escasa creatividad propia, se ha resignado a interpretar canciones de otros artistas. Ocurrió con ‘Susanna’, el mismo año 1984, si bien tuvo la delicadeza de cambiarle el texto. Lo incluyó en el LP ‘Mis americanos’, dedicado a éxitos del otro lado del Atlántico. Todavía no entiendo la lógica de la relación. De cualquier manera, el éxito que cosechó fue importante.

Fue mayor la repercusión que obtuvo el puertoriqueño RICKY MARTIN ocho años más tarde al interpretar el tema en castellano para su álbum de debut.

También el colombiano Luis Javier Piedrahita Gaviria, conocido artísticamente como FAUSTO, se fijó en ‘Susanna’ para incorporarla a su repertorio en 1986. Su cóver fue bien recibido en su país y en gran parte de Latinoamérica.

El exotismo llegó por la inclusión del tema, interpretado en idioma tamil, en la banda sonora de la película ‘VAALI’, que llegó a la gran pantalla en 1999. De ‘Susanna’ pasó a ‘Oh Sona’. Pura creación de Bollywood.

Además se grabaron versiones en alemán, estilo merengue o bachata, algunas ciertamente peculiares.

GRUPO

THE ART COMPANY nació como VOF de Kunst, un grupo que difícilmente hubiera traspasado las fronteras de Holanda si no hubiera topado con ‘Susanna’. El tema tuvo tal éxito que la discográfica lo lanzó al mercado internacional. VOF de Kunst no era un nombre exportable y por ello llegó el cambio de denominación.

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Antes, la banda de Tilburg había tenido un recorrido limitado, aunque con cierta repercusión en las listas nacionales. Sus años fueron 1983 y 1984, cuando su canción franquicia le permitió realizar una gira por Países Bajos, Reino Unido, Alemania, Austria, Suiza, Noruega, Suecia, Portugal, España y Brasil.

Lo volvieron a intentar con ‘Get it out of your head’, pero este nuevo single editado en inglés no tuvo repercusión alguna. Todo quedó ahí y la formación liderada por Nol Havens tuvo que volver a recluirse en el territorio holandés para cantar temas navideños dirigidos a los niños, sólo exportables a la región flamenca de Bélgica, y producir a jóvenes valores locales, generalmente fuera de la escena pop.

Desde entonces, sólo han abandonado su feudo para algunas concentraciones de nostálgicos de los ochenta, tan valoradas en Centroeuropa.

Jarabe de palo – Depende

2017 mayo 13

No sé si mis hombros podrán soportar la responsabilidad que me genera escribir sobre ‘Depende’. El análisis de esta canción de Jarabe de Palo me lo sugirió una persona que no conozco, a la que quizá jamás vea, pero que el intercambio de varios emails me retrata con segura certeza. Sus palabras bastan para descubrir una sensibilidad innata, un sentimiento que seguro ha extraído en gran medida de la música. Por lo tanto, ya tenemos mucho en común.

Gracias a ‘Depende’ mi amiga desconocida recuerda a seres queridos –unos presentes y otros desaparecidos– allá en su Mallorca natal. Sufre, pero al mismo tiempo disfruta con los pensamientos positivos que seguro precedieron a los negativos y que, además, los superaron en intensidad. Esos a los que ella recurrirá cuando quiera retrotraerse a lo que fue y ya no es. O sí lo es, porque la mente siempre inmortaliza las emociones que esculpieron mensajes perennes en nuestros corazones.

El camino fácil para emprender la tarea, quizá también el más periodístico, sería aquel que condujera a centrar este escrito en Pau Donés, líder de la banda autora de ‘Depende’, y su calvario. Sin embargo, poco puedo aportar si penetro en esa senda. Creo, además, que ni mi lectora ni el propio autor lo querrían. Me limitaré a señalar que las enfermedades también dependen de cómo se afrontan. Cambia la forma de ver las cosas y las cosas cambiarán de forma. Aunque parece que actualmente para la opinión pública el segundo apellido de Donés sea cáncer, ello no logra ocultar la grandiosa faceta artística del cantautor aragonés criado en Barcelona.

Decir la palabra ‘depende’ sin acordarse de esta canción es imposible y cualquier referencia a ‘Depende’ debe comenzar con una pregunta: ¿de qué depende? No tenemos la oportunidad de cuestionárselo al propio autor, pero su respuesta no se desviaría mucho de lo elemental. Siempre depende de cómo tú lo mires, del momento, de tu ánimo, de tu estado…

Creo que Donés pretende huir de las verdades absolutas y para ello escribe este himno a la relatividad, a la ambigüedad… y al mismo tiempo rinde culto a la actualidad, el factor que finalmente resulta determinante en cualquier faceta de la vida. Hasta los dogmas resultan cuestionables en una sociedad tan cambiante y tan voluble, siempre bajo del arbitrio del ser humano, por naturaleza inestable, aunque algunos de sus ejemplares traten de disfrazarse con un traje de firmeza que en el fondo no es sino un ropaje endeble.

Contra los absolutismos

‘Depende’ es un canto contra los absolutismos, contra las verdades incuestionables y contra la sordera de quienes imponen sus ideas sin pensar jamás que existen otras distintas y, por supuesto, sin escuchar lo que tienen que decir los demás. En el fondo, hablamos de un mensaje cargado de profundidad y trascendencia, pese a que el título de la canción sugiera cierta banalidad.

La importancia está en el punto de vista y, sobre todo, en la admisión de que existen diferentes enfoques y de cómo todo depende de ellos. Y ninguna palabra mejor que ‘depende’ a la hora de resumir estos axiomas. Es la especialidad de Donés, gran cultivador de las palabras con significado pleno que no precisan de la compañía de otras para componer un mensaje.

Porque él sí que ha aprendido a relativizar. La vida le ha obligado a ello. A mirar al futuro desde una clave positiva. A dibujar una sonrisa en cada faceta de la vida. A aprender de todas las experiencias, hasta de las malas, que ha vivido en demasía. A su cáncer le antecedió el suicidio de su madre cuando él era un adolescente de 16 años. Fue entonces cuando, según confesó en una entrevista, «el sentido de la vida cobró la importancia que en realidad tiene».

‘Depende’ también es todo un tratado de filosofía, la ley de la relatividad de Einstein hecha canción, y resuelve muchos de los interrogantes que los grandes pensadores se han hecho a lo largo de la historia de la humanidad. Todas las preguntas serían baldías si admitiéramos que todo depende de quién y cómo lo mira. Sería el fin de muchas discriminaciones y no habría una única verdad. Sino el entendimiento.

LETRA

Que el blanco sea blanco
y que el negro sea negro,
que uno y uno sean dos
porque exactos son los números… depende

Que aquí estamos de prestao,
que hoy el cielo está nublao,
que uno nace y luego muere,
y este cuento se ha acabao… depende

Depende, de qué depende,
de según como se mire todo depende

Qué bonito es el amor,
más que nunca en primavera,
que mañana sale el sol
porque estamos en agosto… depende

Que con el paso del tiempo
el vino se hace bueno,
que todo lo que sube baja
de abajo a arriba y de arriba a abajo… depende

Que no has conocido a nadie
que te bese como yo,
que no hay otro hombre en tu vida
que de ti se beneficie…….. depende

Que sí quiere decir sí
cada vez que abres la boca,
que te hace muy feliz
que hoy sea el día de tu boda… depende

VÍDEO

La sencillez de la canción se extiende también al videoclip que le dio soporte icónico. Tres cuartas partes de sus cuatro minutos y medio de duración se desarrollan en blanco y negro. El color solo se incorpora a la producción en el tramo final. Blanco y negro, tan opuestos como complementarios, en un intento de trasladar, según consideran algunos, la metáfora de la moneda, cara y cruz.

ANÉCDOTA

Pau Dones, al hablar de ‘Depende’, reveló que recibió una carta antes de un concierto en la que una chica le contaba que despertó del coma cuando escuchaba por primera vez el tema al que hoy dedicamos estas líneas.

La misiva narraba una historia de superación, aunque la autora se mantuvo en el anonimato. «No puso ni su número ni nada, porque no quería que le contactara, solo contármelo», relató el autor.

ÉXITO

Todas sus experiencias personales las volcó Donés en ‘Depende’, un tema redondo que en 1998 nos trasladó cabalgando sobre un ritmo beat de influencia latina tan acelerado como la tranquilidad del mensaje lo permitía. La combinación del dogma y la música desembocaron en una canción emblemática, feliz pero con trasfondo serio. Era muy complicado repetir el éxito de ‘La flaca’, pero Jarabe de Palo lo logró. Ambas canciones sustentaron su consagración artística.

Bajo la producción de Joe Dworniak, ‘Depende’ obtuvo de inmediato el reconocimiento del público, quizás porque era una composición distinta a las que se extendían por el panorama musical español de su época. También la crítica reconoció su verdadero capital artístico y la galardonó con el Premio Ondas al mejor vídeoclip del año, la nominó para los Grammy latinos y la concedió el reconocimiento Carlos Gardel argentino.

Su emulsión de tranquilidad, de calidez, atrajo no sólo a sus seguidores habituales, sino que generó muchos nuevos. El secreto estuvo en ofrecer una canción «directa, sencilla, sin mayores pretensiones. Música de medio tiempo y letras con mensaje, fruto de 31 años de sol y sombra», como el propio Donés confesó.

VERSIONES

La repercusión del tema traspasó las fronteras españolas y alcanzó el mercado ITALIANO con ‘Dipende’, que llegó en 2000.

En 2010 Jarabe de Palo regrabó ‘Depende’ en versión AFRICANA. Con el nuevo título de ‘A glonendo’ el grupo de Dones interpretó la canción en el idioma bambara junto a niños de Mali. El objetivo era recaudar fondos para la ONG Voces, que trabaja en el país africano y que por entonces pretendía construir una nueva escuela en Sangarebougou (Bamako).

Incluso el grupo transalpino MODÀ incorporó la pieza a su repertorio en 2013.

‘Depende’ formó parte de inmediato de la cultura popular y, como tal, se convirtió en un tema muy interpretado en los distintos concursos televisivos cazatalentos de ambos lados del Atlántico. En España fue Jaume Mas el encargado de cantar la composición junto con los propios integrantes de Jarabe de Palo en una emisión de ‘LA VOZ’.

BIOGRAFÍA

Aunque existía una trayectoria anterior con otras denominaciones, JARABE DE PALO comenzó a hacerse con un nombre después del verano de 1996. El éxito fue relativo hasta que, ya en 1997, un spot publicitario que eligió para su sintonía la canción ‘La flaca’ lanzó al estrellato al grupo de Pau Donés (voz y guitarra) –un aragonés residente en Barcelona amante de la música popular–, Toni Saigi (teclados), Alex Tenas (batería), Jordi Mena (guitarra), Mariá Roch (bajo) y Daniel Forcada (percusión).

Inicialmente su estilo recordó al de Juan Perro, alías de Santiago Auserón, antiguo líder de Radio Futura, pero pronto ‘La flaca’ y Jarabe de Palo tuvieron identidad propia. La cadencia y el ritmo de la canción dedicada a una cubana que el autor conoció en la isla del Caribe, con la que el grupo se dio a conocer, se hizo familiar y ya nadie puede olvidarla. Así llegó al número uno a ambos lados del Atlántico y se convirtió en un fenómeno de masas, cosechando numerosos premios. Quizá fue el tema de aquel verano, consiguiendo vender más de cinco millones de copias.

De inmediadto Jarabe de Palo fue reclamado desde todo el territorio español y Latinoamérica. Con un repertorio reducido dieron cientos de actuaciones, siempre sostenidos por ‘La Flaca’, la canción que todos querían oír.

Pero, poco a poco, con claras influencias de Bob Marley, Antonio Machín, los Beatles o The Rolling Stones, fueron llegando otros temas como ‘El lado oscuro’, ‘Desamor’, ‘Grita’, ‘Quiero ser poeta’ o ‘Vuela’, que demostraron que Jarabe de Palo era un corredor de fondo, no un sprinter veraniego, que había llegado para enraizar en la esencia irreverente del pop-rock.

Tras la repercusión de su trabajo de debut, Jarabe de Palo se empeñó en demostrar que no se trataba de una banda de un solo éxito. Con esa idea lanzó ‘Depende’, primero el single y luego el LP, en 1998. Recurrió para su producción a Joe Dworniak, bajo cuyas órdenes durante dos meses grabó los temas en los estudios Moody de Londres.

Fusiones

De nuevo su trabajo surgió de fusionar varios estilos musicales y, de nuevo también, llegaron los galardones y el premio del mercado con un disco de platino al vender más de 400.000 copias. Además de ‘Depende’ el CD contenía grandes productos como ‘Vive y deja vivir’, ‘Realidad o sueño’ o ‘Duerme conmigo’.

A finales de 2000 Jarabe de Palo vuelve a meterse en el estudio para que con el nuevo año llegara a las tiendas ‘De vuelta y vuelta’, más melódico y armónico pero con igual aceptación entre los seguidores de la banda. De esta obra destacan temas como ‘Completo incompleto’, ‘Tiempo’ o ‘De vuelta y vuelta’. La banda estaba en lo más alto de su esplendor. Incluso fue invitada por Luciano Pavarotti a una gala benéfica para obtener fondos para Afganistán.

Luego llegaron los recopilatorios y hasta 2004 la productividad del conjunto de Pau Donés no se plasmó en una nueva obra. ‘Bonito’ surgió con un sonido mas acústico y acompañado de melodías gitanas junto con ritmos de batucada. Fue presentado en Italia antes que en España, sobre todo por la aceptación que trabajos anteriores habían tenido en la península transalpina.

Por su parte, ‘Un metro cuadrado’ arribó en 2005, con letras más elaboradas y ritmos similares a los de sus inicios. Luego sigue una nueva recopilación, ‘Completo incompleto’, y dos años más tarde ‘Adelantando’, que compitió en los Grammy Latinos.

En 2008, ya con propia discográfica, Tronco Records, comenzó a circular por internet la producción ‘Rarezas’ y la banda refunde su nombre en Jarabedepalo para lanzar ‘Orquesta reciclando’ como el primer libro-disco de su carrera, que rápidamente se coloco en los puestos de cabeza de las listas de éxitos.

La nueva década se abrió con ‘¿Y ahora qué hacemos?, cargada de un humor muy poderoso y estridente, un proyecto más rockero en el que participaron invitados como Joaquín Sabina, Alejandro Sanz, Antonio Orozco o Carlos Tarque, de MClan. Fue muy bien recibido por sus seguidores, que llenaron todos los conciertos tanto en la península como en América hasta finales de 2012.

2013 lo dedicó Jarabedepalo a una gira bautizada como ‘Conciertos a piano y voz’, en la que ofrecían al público las canciones de amor más conocidas de su carrera interpretadas junto al pianista Jaime Burgos. Ese año el grupo de Donés se presentó por primera vez ante el público asiático, en Tokio, para terminar con otra gira por Latinoamérica.

Su noveno trabajo, ‘Somos’, arribó en 2014, mientras que el siguiente ejercicio la banda lo dedicó al ‘Tour Americano 2015’. A finales, Donés anunció que le habían operado de un cáncer de colon y canceló más de treinta conciertos.

Volvió a los escenarios hace unos meses con su nuevo proyecto ‘50 palos’, compuesto por un disco, un libro y una gira.

Manolo García – Pájaros de barro (instrumental)

2017 marzo 12

Manolo García está considerado, también por mí, como uno de los inmaculados poetas de la canción española. Hay quien estima que sus letras son espejos del alma o naturalezas muertas, hasta deliciosas mezclas que fluyen del interior de su alma al mundo y que regresan a su mente para convertirse en nuevas creaciones. Nadie parece dudarlo, pero paradójicamente me quedo con una versión instrumental de una de su obras.

Cuando conocí esta variedad de ‘Pájaros de barro’ no sabía de la existencia de la original, la cantada. Tiempo más tarde oí ambas y pude comparar. La primera me emociona cada vez que la oigo, la segunda me deja indiferente. Es más, creo que la voz, en esta ocasión, estropea la música.

Siempre me he imaginado esta obra interpretada en un escenario en principio totalmente a oscuras y que luego, paulatinamente y por partes, se va iluminado de forma paralela a que se incorporan los distintos instrumentos.

Pero es evidente que mucha gente no estará de acuerdo conmigo e incluso aludirá a mi demencia. Para ellos está la VERSIÓN CANTADA. ‘Pajaros de barro’ aparece en el álbum ‘Arena en los bolsillos’.

LETRA

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy cierro yo el libro

de las horas muertas

Hago pájaros de barro

Hago pájaros de barro y los echo a volar

Por si el tiempo me arrastra

a playas desiertas,

hoy rechazo la bajeza

del abandono y la pena

ni una página en blanco más

Siento el asombro de un transeúnte solitario

wn los mapas me pierdo

por sus hojas navego

Ahora sopla el viento,

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

Ya no subo la cuesta

que me lleva a tu casa

ya no duerme mi perro junto a tu candela

En los vértices del tiempo anidan los sentimientos

hoy son pájaros de barro que quieren volar

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo.

Ahora sopla el viento

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

cuando no tengo barca, remos ni guitarra

cuando ya no canta el ruiseñor de la mañana

Ahora sopla el viento.

cuando el mar quedó lejos hace tiempo

en los valles me pierdo,

en las carreteras duermo

MANOLO GARCÍA pasa por ser catalán y muchas de sus biografías dicen que nació en el Poble Nou barcelonés, pero realmente donde vio por primera vez la luz fue en el pueblo albaceteño de Férez. Es por tanto, como el mismo reconoce, un charnego. Creció en Cataluña, donde su primera pasión se la produjo la pintura, disciplina que aún labra, aunque con menos éxito que la música.

Comenzó tocando la batería en un grupo de su barrio. Pero cuando realmente dio el salto fue cuando, en 1982, conoció a Quimi Portet, guitarrista de Los Rápidos. De esa fusión de talentos alumbró Los Burros, el germen de lo que finalmente sería El Último de la Fila, con el que Manolo cosecha sus mayores éxitos con discos como ‘Como la cabeza al sombrero’, ‘Astronomía razonable’ y varios más’.

En 1998 deciden separarse y continuar sus caminares en solitario. Ese mismo año, Manolo García anuncia la publicación de su primer álbum en solitario ‘Arena en los bolsillos’, que obtuvo un rotundo éxito de ventas y propició una gran gira por toda España. Allí empezó una carrera bien dirigida, pausada, que con calma sólo ofrece al público lo que el realmente el artista cree tiene calidad suficiente.

Eleanor McEvoy – Only a woman's heart

2017 febrero 6
por Anje Ribera

Qué difícil se nos hace a los hombres entender los sentimientos de las mujeres. Es nuestro defecto histórico. Generación tras generación somos incapaces de ponernos a la altura necesaria para poder descifrar su sensibilidad. Incapaces de entender la tristeza que viven los corazones femeninos cuando no consiguen ser comprendidos y queridos. Imposibilitados para leer lo que el corazón de una mujer puede albergar.

Pero, aunque somos distintos, también los hombres podemos saber de heridas que cuestan cicatrizar. Esta canción debería estremecer hasta al más rudo de los corazones masculinos. Unos y otras debemos aprender a sobrevivir a los problemas que genera la vida, pensar que ello nos dará la fortaleza y el aprendizaje para alcanzar la felicidad futura.

La cantante irlandesa Eleanor McEvoy convirtió en 1992 la balada ‘Only a woman’s heart’ en un himno al desamor y el disco que lo contenía en el más vendido de la historia de su país, eclipsando incluso las producciones de legendarios artistas irlandeses como Van Morrison o U2.

LETRA

Mi corazón está triste, mi corazón está tan triste

como sólo el corazón de una mujer puede estar

como sólo el corazón de una mujer puede saber

Las lágrimas de mis ojos perplejos

tienen el sabor agridulce de un romance

todavía sigues en mis pensamientos

todavía estás en mi mente

aunque me las arreglo sola

Cuando mis ojos inquietos

revelan que mi alma esta turbada

y los recuerdos inundan mi corazón cansado

lloro por mi sueños

lloro por mi amor perdido

ELEANOR MCEVOY (1967) es una de las cantautoras más populares de Irlanda. Su primer contacto con la música lo tuvo a los 4 años, cuando participó en un concurso como cantante solista en la banda de su hermana. Con 8 empezó a tocar el violín y a recibir clases de piano en la Escuela de Música de Dublín. Más tarde se matriculó en Universidad Trinity, donde cursó Música de día. Por la noche trabajaba en orquestas. Se graduó con matrícula de honor y fue aceptada en la Orquesta Sinfónica Nacional de Irlanda, con la que trabajó durante cinco años hasta que finalmente se decidió a dejar la música clásica de lado y pasarse a la composición. Luego llegó el éxito de sus discos. Su carrera es imparable.

Guardabarranco – Dale una luz

2017 enero 30

Descubrimos la existencia de la música nicaragüense por el éxito que tuvieron Carlos Mejía Godoy y los de Palacagüina con canciones como ‘Son tus perjúmenes mujer’ o ‘Clodomiro el Najo’. Poco después volvimos a oír hablar de este pequeño país centroamericano con la guerra civil provocada por el levantamiento de los sandinistas contra el régimen de Somoza. Y luego olvidamos. Olvidamos que caído el dictador llegaron los comandantes revolucionarios que, una vez liberado el pueblo, lo volvieron a oprimir con su propio estilo. Pero Nicaragua ha sido siempre fuerte, resurge de sus cenizas cuan Ave Fénix. Ni la guerra ni los terremotos ni los huracanes han logrado doblegar a los nicas, sumidos en una perenne pobreza pero con el sentimiento nacional indomable de los piñoleros, pobladores de una tierra de lagos y volcanes.

«Dale una luz a este pueblo que ha buscado su libertad contra el cielo y contra humanos» cantan los hermanos Katya y Salvador Cardenal, que conforman el dúo Guardabarranco. ‘Dale una luz’, un conglomerado de notas musicales y versos que derrochan sentimiento, se ha convertido en el segundo himno de Nicaragua, el de los emigrantes que han tenido que abandonar su tierra. Algunos lo hicieron para huir de la dictadura y otros para escapar de los sandinistas. ‘Dale una luz’ es una de las propuestas más frescas y poéticas en el escenario de la canción popular latinoamericana.

LETRA

En un lugar llora el cielo de ternura
en un lugar todo el verde esta de fiesta
y en altamar no muy lejos de Corn Island y el Bluff
un hombre niño pesca un saco en el mar

En un lugar quema el cielo las estrellas
en un lugar que me vio jugar de niño
tuve amistad un amigo que no jugará más
pero, la calle, hoy se llama como él

En un lugar llueve tanto que se apaga el sol
y el lodazal besa siempre tus rodillas
un viejo esta aprendiendo sus primeras letras
no tiene anteojos pero sabrá leer

En un lugar donde el agua es a volcanes
y el tiburón hizo nido en agua dulce
el huracán pone un bosque en reverencia mortal
tiembla la tierra, tiembla el mar de este lugar.

Dale una luz a la gente que ha buscado
su libertad contra el cielo y contra humanos
dale una luz a este pueblo que ama tanto vivir
en Nicaragua…

GUARDABARRANCO, nombre del ave nacional nicaragüense, estuvo conformado por Salvador Cardenal (1960-2010) y Katya Cardenal, un dúo fraternal fundado en 1979, en los primeros años del triunfo de la Revolución Popular Sandinista, de la que luego renegaron.

Las poéticas letras de él y la sublime voz y la apasionada interpretación de ella han ofrecido al mundo de la música obras cargadas de amor, fraternidad y búsqueda de la unidad perdida con la naturaleza. Sus creaciones proponen una manera trascendente de sentir la realidad que se opone a la manera pragmática con que el discurso del utilitarismo contemporáneo le impone a los seres humanos relacionarse entre sí y con el entorno. Ofrecen una visión del mundo es que el ser humano está escindido de los otros seres humanos y de la naturaleza por el desamor, el egoísmo y el consumismo desenfrenado.

Además el dúo Guardabarranco ha sido pionero en el trabajo de concenciación de su público para que tome acciones de preservación del ambiente. Sus canciones perciben la naturaleza como el Edén perdido, pero un paraíso, un jardín, que no está en el cielo sino que está en la tierra y que debemos restaurar los seres humanos. En este sentido la naturaleza es el estado de plenitud perdida por el odio y el egoísmo. El regreso a una relación armoniosa con la naturaleza implica cambiar espiritualmente el odio por el amor y el egoísmo por la fraternidad. Todo un llamamiento a la conciencia social y ecológica del ser humano. Para ello, además, crearon una fundación que defendiera iniciativas ecológicas.

El dúo dio fin a su andadura cuando Salvador Cardenal falleció en la primavera de 2010. Dejó un gran legado, como antes lo hizo el poeta Rubén Dario. Este guerrero de amor a la naturaleza, a la música y a la pintura fue víctima de una extraña enfermedad relacionada con la sangre denominada crioglobulinemia. Tenía 50 años cuando dejó de luchar.

Roy Orbison – Pretty woman

2017 enero 27

Pues sí, la canción existía antes de la película, aunque algunos no se lo crean. Está comprobado. ‘Oh pretty woman’ fue compuesta por Roy Orbison y Bill Dees en 1964, veintiséis años antes de que los guapos oficiales de Hollywood por aquella época Julia Roberts y Richard Gere se convirtieran en la pareja que envidiaron muchas otras.

Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

Joan Isaac – A Margalida

2017 enero 25

‘A Margalida’ está inspirada en la ejecución en 1974 dentro de la cárcel Modelo de Barcelona del joven anarquista catalán Salvador Puig Antich, militante del MIL (Movimiento di Liberación Ibérico). La canción recuerda uno de los crímenes de estado más dramáticos de la historia reciente de Europa, allá por el 2 de marzo de 1974, cuando Puig fue ajusticiado por el franquismo con sólo 25 años, después de ser sometido a un consejo de guerra plagado de irregularidades y tras desoír miles de peticiones de clemencia que llegaron de todo el mundo. Partidos políticos, colectivos de derechos humanos y mandatarios extranjeros, como el Vaticano o el canciller alemán Willy Brandt, pidieron su indulto. Sin éxito.

Puig Antich fue acusado del asesinato en Barcelona del subinspector de la Brigada Político Social Francisco Anguas Barragán, muerto en el tiroteo que se desencadenó durante la captura del joven activista. Durante cincuenta años en España hubo muchos Salvadores. No podemos olvidarlos. Nunca.

Salvador Puig Antich mantuvo activa su lucha contra el franquismo durante la década de los sesenta y comienzos de la de los setenta. Hijo de una familia trabajadora, era el tercero de seis hermanos. Su padre, Joaquín Puig, había sido militante de Acció Catalana durante la República. Exiliado en Francia en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, fue condenado a muerte cuando volvió a España e indultado en el último momento.

El joven Salvador a partir de los dieciséis años compaginó el trabajo en una oficina con los estudios nocturnos del bachillerato en el instituto Maragall, donde hizo amistad con Javier Garriga y los hermanos Solé Sugranyes (Oriol e Ignacio), todos ellos futuros compañeros del Movimiento Ibérico de Liberación (MIL). Los episodios del ‘Mayo francés’ de 1968 y la muerte del estudiante Enrique Ruano en la Dirección General de Seguridad en 1969 fueron decisivos para que Puig Antich decidiera implicarse activamente en la lucha contra la dictadura franquista.

El tema fue compuesto por el cantautor Joan Isaac en 1976 y publicado por primera vez en 1977. Isaac es conocedor de la historia en primera persona dada su proximidad a la familia Puig durante la época en que se desarrolló el suceso. Trata la cuestión personalizándola no en el protagonista de la historia sino en su compañera sentimental, concretamente en la última carta que él envío a ella.

Por su belleza y sensibilidad se ha convertido en una obra popular que forma parte de la memoria colectiva en Cataluña, llegando a representar todo un himno contra la pena de muerte.

LETRA

Te fuiste no sé dónde
ni las cumbres ni las aves
no te saben los pasos

Volaste sin decir nada
dejándonos solo
el canto de tu risa

No sé dónde estás, Margalida,
pero el canto te llega,
tómalo como un beso

Grita el nombre de tu amante,
bandera negra en el corazón
y tal vez no sabrás
que su cuerpo menudo
nos crece en las venas
al leer su gesto
escrito por paredes
que lloran la historia

Y con esta canción
renazca su grito
por campos, mares y bosques,
y que sea su nombre
como la sombra fiel
que es nuestra a todas horas

PELÍCULA

En 2001, el periodista catalán Francesc Escribano escribió el libro ‘Cuenta atrás. La historia de Salvador Puig Antich’, en el que cuenta los hechos que llevaron a la ejecución. En septiembre de 2006, con guion basado en el libro de Escribano, se estrenó la película española ‘Salvador’, protagonizada por Daniel Brühl y dirigida por Manuel Huerga.

Joan Isaac interpreta la canción ‘A Margalida’ en todas sus actuaciones, generalmente precedida por un texto recogido en el libro ‘Cuenta atrás’ de Francesc Escribano. Con ello este cantautor rinde un homenaje continuado a Salvador Puig Antich, contribuyendo así al mantenimiento de la memoria colectiva histórica.

La última versión publicada tiene la particularidad de que es cantada en parte en catalán y en parte en euskera, en compañía por el artista vasco GORKA KNÖRR.

JOAN ISAAC es el nombre artístico de Joan Vilaplana i Comín (Esplugas de Llobregat (Barcelona), 1953). Defensor de la canción de autor, ejerce su oficio imprimiéndole a sus composiciones una extraordinaria belleza y sensibilidad. En ellas se habla del amor, del desamor, de la vida, reflejando y denunciando, a la vez, la incomunicación y la soledad de las personas en una sociedad cada vez más deshumanizada.

Leonard Cohen – Suzanne

2017 enero 24

El maestro Leonard Cohen se ha ido, pero nos ha dejado su extenso legado. Todo él merece una atención pormenorizada, pero hoy vamos a dedicarnos a su primer gran éxito, ‘Suzanne’.

Un nombre tan sugerente, tan femenino como Susana se repite constantemente en el mundo de la música, pero a la hora de elegir una canción con ese título casi todos derivamos hacia la obra de Cohen, quien convirtió este tema en especial gracias a esa forma suya de interpretar que genera paz, mediante una voz acariciadora que nos traslada a una isla sólo poblada por la tranquilidad. Una terapia que debería estar cubierta por la Seguridad Social.

Somos muchos los seguidores del cantante canadiense los que recurrimos a esta composición cuando pretendemos desconectar del mundo que nos rodea y viajar a través de nuestra propia mente para quedar finalmente con la sensación de haber visitado lugares no recogidos por los mapas.

‘Suzanne’ es un himno, una canción que se utilizaba en las discotecas de los años sesenta y setenta para anunciar que comenzaban los bailes agarrados. Una obra maravillosa, pese a su extremada tristeza, tan bien recibida por los melancólicos

La dama medio loca que paseaba de la mano de Leonard Cohen por la orilla de un río vistiendo ropas viejas del Ejército de Salvación cumple cincuenta y un años de vida. Ella dio título a una de las canciones más traducidas del mundo, la primera de Cohen que atrajo la atención de público gracias a esa mezcla de amor lánguido y meditación religiosa, tan habitual durante su ya dilatada carrera.

Estandarte musical y poético, ‘Suzanne’ fue escrita en 1966 e inicialmente la popularizó Judy Collins. El tema se inspiró en Suzanne Verdal, la vieja esposa de un amigo íntimo del autor, el escultor de Montreal Armand Vaillancourt. «Suzanne me invitó a su casa cerca del río y me sirvió un té que estaba lleno de pedacitos de naranja. Esos elementos me dieron el rocío para soñar con la canción, pero sólo fueron el rocío», explicó Leonard Cohen en una entrevista.

LETRA

Suzanne te lleva abajo
a su sitio junto al río
tú puedes oír pasar los barcos,
puedes pasar la noche junto a ella
y sabes que ella está medio loca
pero eso es por lo que quieres estar allí
y ella te ofrece té y naranjas
que vinieron todo el camino desde China
y justo cuando tú quieres decirle
que no tienes amor que darle
ella te sintoniza en su longitud de onda
y deja que el río conteste
que tú siempre has sido su amante
y tú quieres viajar con ella
y tú quieres viajar ciego
y tú sabes que ella confiará en ti
porque tú has tocado su cuerpo perfecto con tu mente

Y Jesús fue un marinero
cuando caminaba sobre las aguas
y pasó mucho tiempo observando
desde su solitaria torre de madera
y cuándo supo seguro
que sólo los hombres ahogados podrían verle
dijo: «todos los hombres serán marineros entonces
hasta que el mar los libere»

Pero él mismo fue roto
mucho antes de que el cielo se abriera
abandonado, casi humano,
se hundió bajo tú sabiduría como una piedra
y tú quieres viajar con él
y tú quieres viajar ciego
y piensas que quizás confíes en él
porque el ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente

Ahora Suzanne te toma de la mano
y te conduce al río
ella lleva ropas viejas y adornos
de los estantes del Ejercito de Salvación
y el sol se derrama como miel
sobre nuestra señora del puerto
y ella te enseña dónde mirar
entre la basura y las flores

Hay héroes entre las algas
hay niños en la mañana
ellos se asoman buscando amor
y lo harán así para siempre
mientras Suzanne sostenga el espejo
y tú quieres viajar con ella
y tú quieres viajar ciego
y tú sabes que puedes confiar en ella
porque ella ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente

LEONARD COHEN fue el gran poeta de la canción anglosajona. Nació en Montreal en 1934 en el seno de una familia judía de clase media y ascendencia lituana. Tras aventuras con más o menos éxito en el mundo del country-western, se lanzó a la poesía, más como escritor que como cantante. En ello influyó los viajes que realizó por Europa, donde se vio influenciado por canciones francesas de cabaret de entreguerras.

Su primer contacto con el mundo discográfico tuvo lugar en 1967, cuando grabó tenas como la mencionada ‘Suzanne’ y otras joyas como ‘The stranger song’, ‘Sisters of mercy’ o ‘So long, Marianne’. Desde entonces toda su carrera ha seguido un mismo camino, sustentado por un estilo minimalista, sólo variado ligeramente en los ochenta con la experimentación con instrumentos más modernos que la tradicional guitarra con la que cabalgó durante décadas entre la lírica y la poesía.

Un caminar, sin embargo, interrumpido por largos períodos de silencio trascendental por su interés por la filosofía zen. De hecho, Cohen estuvo retirado en un monasterio, donde fue ordenado monje con el nombre de Dharma de Jikan, el silencioso. La concesión del Premio Príncipe de Asturias de las letras de 2011 le recuperó de su Shangri-La. Nos ha dejado definitivamente. Le echaremos de menos.

Playing for change – Stand by me (Quédate conmigo)

2017 enero 20

Los norteamericanos Mark Johnson –un galardonado ingeniero de sonido y productor– y Jonathan Paredes crearon en 2005 ‘Playing For Change: Song Around the World’ (Canciones alrededor del mundo) con estética de documental finalmente reconvertido en una película de un concierto desarrollado de forma paralela en muchas partes del planeta. Inicialmente grabaron por pistas mediante un estudio móvil en las calles de Santa Mónica, Nueva Orleans, Barcelona, Sudáfrica, Tíbet y en otros lugares versiones del ‘Stand by Me’ de Ben E. King y ‘One World’ de Bob Marley. Todo ello sin que ninguno de los distintos músicos que participaron se reunieran entre sí. Comenzó con la grabación del guitarrista y cantante estadounidense Roger Ridley en las calles de Santa Mónica.

LETRA

Cuando la noche ha llegado
y la tierra está oscura
y la luna es la única luz que veremos
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

Si el cielo que vemos arriba
se derrumbara y cayera
o la montaña se desmoronase hacia el mar
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo,
estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

El éxito del vídeo de ‘Stand by me’, que valió a Johnson un Grammy y varios premios internacionales y que ha sido ya visto casi cien millones de veces en internet, hizo que se ampliara el repertorio con canciones como ‘War: No more trouble’, de Bob Marley; ‘Don’t worry’, de Pierre Minetti; o ‘Chanda mama’, de Ananda Giri y Enzo Buono.

En abril de 2009 las compañías Timeless Music Media y Concord Records apoyaron la iniciativa con la publicación de un dvd que contenía los clips de las canciones, un tráiler del documental Peace through Music y un vídeo acerca de la Fundación Playing for Change, junto a un cd con diez canciones.

El objetivo del proyecto multimedia fue crear una fundación para ayudar a los pobres en las zonas visitadas gracias al factor de unificación de la música independientemente de las diferencias culturales. Fueron elegidos intérpretes sin renombre de todo el mundo, que unieron sus talentos para crear una canción como ésta.

Con el dinero recaudado la fundación Playing for Change se dedica a la construcción de escuelas de música en todo el planeta. En 2008 se creó la primera (Ntonga Music School) en el barrio de Gugulethu, en las afueras de Cape Town, en Sudáfrica.

Luego surgieron siete centros más:
Bizung music and dance school, Tamale, Ghana
Ecole de musique de Kirina, Kirina, Mali
Tintale Village Teaching Center Tinatle, Nepal
Mitrata Nepal village Music Program, Kathmandu Nepal
The Hari Kul Music School, Kathmandu Nepal
Intore Culture and Music Center, Kigali, Rwanda

El penúltimo capítulo del movimiento Playing For Change ha sido el Playing For Change Band, que reúne a músicos extraordinarios procedentes del mundo entero, músicos que han viajado miles de kilómetros para encontrarse en un escenario y cantar juntos, el poder unificador de la música no deja lugar a dudas.

PLAYING FOR CHANGE actuó a principios de esta década en España, concretamente en el Palau valenciano. Allí dio muestras de su calidad y fortaleció su apuesta por el poder de la música para eliminar fronteras y solventar diferencias. Entonces integran la banda el talking drum Mohammed Alidu, la guitarra eléctrica de Llon Ba, los cantantes Clarence Bekker, Grandpa Elliott -ya fallecido- y Mermans Kenkosenki y Titi Tsira, que también se encargaban de la armónica y la percusión; el batería Peter Brunetta, la guitarra steel de Roberto Luti y el la guitarra acústica de Jason Tamba, además del bajista Reggie McBride.

Sin duda, es obligatorio ofrecer también el original ‘Stand by me’ de BEN E. KING.

Bruce Springsteen – The river (El río)

2017 enero 18
por Anje Ribera

Hasta para los que somos ateos hablar de Dios siempre impone. Dentro de mi politeísmo musical Bruce Springsteen está en el Olimpo y la canción ‘The river’ podría perfectamente salir de las arpas y los laúdes míticos. Aunque elegir una de las obras del Boss significa una traición al resto de sus creaciones inmejorables, opto por esta por ese sonido roto de armónica, el que siempre me ha robado el corazón en los casi cuarenta años de vida de sus notas.

‘The river’ siempre me hace pensar y me sume en una tristeza placentera. Una de las joyas indiscutibles de la historia de la música. No temblar ante el sonido de la voz áspera de Bruce es imposible. La compuso para su hermana y nos narra la cruda historia de la pérdida de la adolescencia de forma prematura por presión de valores y normas establecidas, así como también por los errores cometidos por inexperiencia. Leer más

Radio Futura – Veneno en la piel

2016 noviembre 28

Lo confieso. Me ha costado una barbaridad elegir una canción de Radio Futura. Lo que siempre tenía claro es que sería de su segunda época, la de finales de los ochenta, pero atesoraba serias dudas sobre cuál de esos temas debía incorporar al blog. Al final, he optado por ‘Veneno en la piel’ porque era el último que he oído.

Concretamente ‘Veneno en la piel’ vio la luz en marzo de 1990 y supuso un cambio en la trayectoria del trío madrileño, que se alejó un poco de los teclados y otorgó más protagonismo a los sonidos acústicos, apostando por la percusión de un ritmo limpio y claro. «Buscando una sónica sencilla y tratando de recuperar el magnetismo de las grabaciones originales de los sesenta, con planteamientos artesanales del sonido eléctrico. Tal vez no haya riesgos de trapecio, pero sí un propósito de sencillez. Lo sencillo es lo más difícil», dijo por aquel entonces el gran maestro del periodismo musical Diego Manrique. Leer más

Luis Miguel – Por debajo de la mesa

2016 octubre 31

Luis Miguel y los boleros viven encadenados desde que en la década de los noventa el artista mexicano penetrara en este estilo musical y descubriera que ealmente ése era su verdadero hábitat natural.

‘Por debajo de la mesa”, original de Armando Manzanero, es, tal vez, la canción que mejor refleja el idilio entre ambos astros mexicanos. Convertido en menos de veinte años en un clásico del género que nunca pasará de moda y en uno de los temas imprescindibles de Micky, el single llegó al mercado discográfico en 1997, como avance del exitoso álbum ‘Romances’, que Warner Music distribuyó y publicitó mundialmente.

Si tuviera que elegir un adjetivo para calificar ‘Por debajo de la mesa’ quizás optaría por sensual. Despierta la imagen de lo que nos imaginanos pero no conocemos. Puro deseo al son de los violines y de una impecable ejecución del oboe en la introducción. Leer más

Harry Nilsson – Without you (Sin ti)

2016 octubre 5

La desgarradora revisión de la canción ‘Without you’, del grupo británico Badfinger, que firmó en 1972 Harry Nilsson bajo la producción de Richard Perry, habitual colaborador de Art Garfunkel y Diana Ross, mejora con el paso del tiempo. La maestría del cantante, escritor, pianista y guitarrista norteamericano de ascendencia sueca con los covers le valió un Grammy y escalar al número uno en ambos lados del Atlántico.

En ‘Without you’ Nilsson demuestra estar en posesión de una gran voz y su compromiso por todo lo que hacía, alterando totalmente el original, compuesto dos años antes por Pete Ham y Tom Evans, y producido por Geoff Emerick. El cambio resultó muy fructífero, porque Nilsson vendió todos los discos posibles y convirtió la balada en inmortal, en una de las mejores de todos los tiempos, mientras que Badfinger no logró ni dar a conocer este gran tema al imaginario popular. Leer más

Earth, Wind & Fire – September

2016 septiembre 5

‘September’ constituye una mezcla perfecta de la ebullición creativa de Maurice White y de la filosofía positivista que siempre acompañó a Earth, Wind & Fire durante su caminar musical. El fruto de esa combinación es un tema sólido, dotado de arreglos impredecibles, con combinaciones inteligentes y estructurado en torno a una simbiosis casi metafísica de los instrumentos. En resumen, impecable.

No sé si hablamos de una canción soul o si la podemos encasillar en el sonido disco funk. Pero, qué más da. Sus magníficos coros y trompetas superan cualquier catalogación. Llegó a nosotros en el último tramo de 1978 y sus 3,37 minutos nos encandilaron de inmediato. El idilio pervive casi cuatro décadas después. Leer más

Alex Ubago y Amaia Montero – Sin miedo a nada

2016 julio 22

Corro mucho riesgo al elegir esta canción, pero confieso que me gusta. Vaya obviedad, porque de lo contrario nunca hubiera llegado hasta este espacio. Sin duda seré centro de críticas, como en su día lo fue la propia obra de Alex Ubago y Amaia Montero. Sin embargo, el público y las ventas sustentaron esta balada que genera filias y fobias en cantidades semejantes desde el momento de su salida al mercado.

‘Sin miedo a nada’, también conocida como ‘Me muero por conocerte’, no es una simple canción para abrir el baile en las bodas. La composición del donostiarra Álex Ubago nos llegó en 2002 y ese año ya fue declarada por los internautas de Los 40.com –la lista de éxitos española oficiosa– como la mejor canción de amor de la primera década del siglo XXI. Leer más

Fläskkvartetten – Innocent

2016 julio 8

Creo que quien no se emocione al escuchar este tema, sencillamente, ya ha abandonado este mundo. Siguiendo esta premisa puedo afirmar que sigo vivo, porque oír ‘Innocent’ y temblar constituyen acciones sincronizadas en mi persona. Ocurre desde aquella primera vez que descubrí esta composición del conjunto de cuerda sueco Fläskkvartetten.

Era una noche de finales del invierno del pasado año en París. Concretamente en el Teatro de la Ópera, donde la Compañía Nacional de Danza española actuaba por primera vez bajo la dirección de José Carlos Martínez, el coreógrafo y exbailarín estrella de la compañía estatal francesa. Leer más

Petula Clark – Downtown (Centro de la ciudad)

2016 junio 24

Toda la historia musical que recordamos, aunque no la hayamos vivido contemporáneamente, está llena de momentos especiales. Eso es innegable. Pero 1965 quizá fue el año de las canciones que se convirtieron en himnos. Ocurrió cuando en España se produjo la ‘invasión’ británica, la de aquellos temas e interpretes surgidos en Reino Unido unas temporadas antes y que, como siempre, a la península llegaban con algo de retraso. Los ‘hijos’ e ‘hijas’ de los Beatles nos trajeron la minifalda y aquel yeah, yeah del ‘She loves you’ que, por estos lares, convertimos en ye-ye.

Y entre ellos destacó Petula Clark, una de las reinas de la generación beat que lo mismo luchaba contra la guerra de Vietnam –a través de su única arma, la música– que trataba de transmitir –estrofa a estrofa- su espíritu de liberación. Cumplió al pie de la letra la frase de Ghandi que aseguraba: «Sé el cambio que quieres ver en el mundo». Leer más

Arctic Monkeys – Crying lightning

2016 junio 6

Para muchos ‘Crying lightning’ es la canción fetiche de Arctic Monkeys. Para otros, una de las más flojas. Es más, gran parte de sus seguidores se sintieron decepcionados al escucharla como primer single de su esperadísimo tercer álbum, ‘Humbug’.

Con este tema de 2009 la banda rompía con el sonido al que nos tenía acostumbrados. Se atrevió con una composición para muchos oscura y densa, con slides de guitarra y bajo galopante, que podría pasar por cara B. Sin embargo, lo lanzaron como tema de presentación al parecer como parte de una estrategia de los ‘monos’ para que no se les viese el plumero comercial. ‘Humbug’, de hecho, se convirtió en el disco de la madurez definitiva del conjunto. Leer más

Kortatu – Sarri, Sarri

2016 mayo 20

Resulta curioso que un grupo del rock radical vasco recurriera a ritmos jamaicanos para relatar en forma de canción la fuga carcelaria de dos presos de ETA. Pero así ocurrió en 1985, cuando Kortatu publicó ‘Sarri, Sarri’, sin duda uno de sus temas más populares y quizá también con el que la banda de Irun logró traspasar las fronteras de Euskadi y hacerse con un nombre en el rock que emergía en toda la península en la década de los ochenta, en contraposición a la movida madrileña.

El grupo liderado por Fermín Muguruza utilizó la canción ‘Chatty, chatty’, compuesta en 1980 por Frederick Toots Hibbert para su conjunto Toots & The Maytalsek, como estructura musical para contar una historia por la que hoy, con la actual legislación, podría enfrentarse a una condena por apología del terrorismo. Leer más

Francis Cabrel – La quiero a morir

2016 mayo 6

‘La quiero a morir’ es sinónimo de belleza lírica. No estoy seguro de que hoy vayamos a hablar de música poetizada o de poesía musicalizada, pero sí convencido de que su intensidad sentimental afectará a piel, sangre y huesos. Nos referimos a una de esas baladas que han pasado a la historia de los melómanos francófonos, en su versión original, y de los castellanohablantes, en la interpretación que barrió en los mercados de España y Latinoamérica a finales de la década de los setenta.

Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente. Leer más

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