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Chris Isaak – Wicked game (Juego perverso)

2016 febrero 1

El mayor éxito del norteamericano Christopher Joseph Isaak llegó en 1989 de la mano de la canción ‘Wicked game’, el sencillo más aceptado de su carrera gracias a sus millonarias ventas y al reconocimiento de las listas de los hit parade estadounidenses y europeas.

Ante todo nos encontramos con una gran canción de amor, de amor tóxico, de una trama de seducción y obsesión que nació al abrigo de la noche, escenario ideal para su desarrollo. Isaak la compuso a altas horas de la madrugada, según ha asegurado siempre. Sólo entonces, sin la cordura que garantiza el sol, afloraron sentimientos irracionales que desembocaron en un himno a la locura insomne.

En su letra el estadounidense nos describe varios estados de ánimo, diferentes sensaciones que van desde el enfado a la intensidad, pasando por la tensión. Pero todo sin olvidar nunca esa sensualidad húmeda que busca la luz como una liberación, como una redención.

Es un viaje evocador al infierno, con el alba como límite, que viene a asegurar que todo el mundo quiere amar a alguien. Que todos, como mínimo, soñamos con ese amor que hace que todo lo que venga después pierda interés. Eres consciente de que te romperá el corazón, de que es una gran mentira, de que serás utilizado… No obstante, te entregas a él, como un suicida romántico dispuesto a ser sacrificado por las llamas de algo que sabes efímero… Y, sin embargo, tan intenso.

Será el mensaje, será la música, quizá la sensación de ingravidez que provoca, pero lo cierto es que la voz de Chris Isaak te hace soñar, perder la racionalidad y sumirte en un nirvana en el que el amor, aunque no sea real, domina tu mente.

Incluso los más cerebrales son víctimas de este tipo de sentimientos hacia personas vampiro a las que ofrecemos nuestro cuello para ser mordido. Saltamos al vacío de forma voluntaria, sólo a cambio del placer del momento. Nuestro lado animal neutraliza el sentido común.

“Recuerdo que me llamó una chica y dijo ‘quiero ir y hablar contigo hasta que no puedas refrenarte’. Al colgar, supe que me había metido en problemas, que la palabra ‘hablar’ era un mero eufemismo y que ‘moriría’ esa noche. Pero no me negué. Mientras ella llegaba, escribí la canción. Cuando finalmente apareció en mi casa, se decepcionó porque me vio más excitado por haber compuesto el tema que por verla», relató el autor hace unos años.

Erotismo y romanticismo a partes iguales para decorar una historia de amor no correspondido contada sin igual mediante esta obra mayúscula, un tema magnético que evoca el fuego de la pasión, del deseo, de la furia, de la lujuria desatada…

El soporte melódico de ‘Wicked game’ descansa sobre una buena intro acústica que desemboca sobre una red de acordes repetitivos engarzados por el productor Eric Jacobsen. El místico solo de la Fender Stratocaster, interpretado por James Calvin Wilsey, logró un efecto sugestivo gracias a un tono sombrío que remarca la desgarradora letra y dibuja el escenario de desamor que preside este tema que ha marcado la carrera del norteamericano.

Esas notas metálicas y agudas de guitarra son inolvidables, como inconfundibles resultan también los graves del bajo y el respaldo de la batería, todos sampleados de grabaciones anteriores y luego enlazados en bucle. Todos ellos constituyen el escenario armónico que acoge la voz susurrante que desde la garganta de Isaak nos traslada su lamento.

LETRA

El mundo ardía y nadie
podría salvarme salvo tú
es extraño lo que el deseo
puede hacer a la gente estúpida

Nunca soñé que conocería
a alguien como tú
y nunca soñé que perdería
a alguien como tú

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

Contigo, contigo

Qué juego perverso juegas
para hacerme sentir así
qué cosa infame haces
para hacer que sueñe contigo
qué juego perverso
qué cosa infame haces
para que sueñe contigo

No deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)
no, deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)

Nadie, ama a nadie.

VÍDEO

El éxito de ‘Wicked game’ no vino sólo de la mano de su gran calidad artística. En él influyó mucho sus puestas en escena audiovisuales. El videoclip oficial contribuyó en gran medida, sobre todo por la presencia en él de la top model Helena Christensen. Isaak y la danesa firmaron una de las grabaciones musicales más sexys de todos los tiempos. Inolvidables las imágenes en las que los protagonistas de esta historia se intercambian cariño en la playa.

Fue rodado en blanco y negro en Hawaii por el fotógrafo Herb Ritts, quien consiguió un clima profundamente sensual y artístico sin caer en el escándalo. Fue, sin duda, un gran trabajo, tanto a nivel de composición como visual. Logró una atmósfera hipnótica poco habitual en el género.

Por todo ello, en la edición de los premios de la cadena de televisión musical MTV de 1991 se llevó los galardones al mejor vídeo de un cantante masculino, a la mejor obra cinematográfica musical y al mejor vídeo de una banda sonora.

Existe una segunda versión del videoclip, menos conocida, dirigida por David Lynch, que incluía escenas extraídas de la película ‘Corazón salvaje’, de la que hablaremos a continuación.

CINE

‘Wicked game’ salió al mercado en 1989, pero su romanticismo rockero no logró meterse al público en el bolsillo hasta un año más tarde. Ocurrió cuando una versión instrumental del tema fue incluida por David Lynch en la banda sonora de su filme ‘Corazón salvaje’.

Lee Chesnut, director de una cadena de radio de Atlanta que estaba obsesionado con la obra del cineasta de Montana, comenzó a emitir ‘Wicked game’ de forma repetida hasta que consiguió que alcanzara el top 10 estadounidense en enero de 1991. Finalmente se quedó en el puesto número seis de la lista Billboard Hot 100.

El tema compuesto por Isaak también llegó a la gran pantalla en la producción de Brett Ratner ‘Hombre de familia’ (2000) y en la película de Ridley Scott ‘Los impostores’ (2003), ambas protagonizadas por Nicolas Cage. En el mundo de la televisión apareció en dos episodios de la serie juvenil ‘Sensación de vivir’ y también uno de ‘Melrose place’ y en otro de ‘Friends’.

Recientemente la afamada película ‘Cincuenta sombras de Grey’ también recurrió a este tema, aunque en la versión de Carolina Wallace.

VERSIONES

‘Wicked game’ ha inspirado a un sinfín de artistas de distintos géneros que se han atrevido a dar su visión.

Fue muy difundido el cóver firmado por la banda seudogótica finlandesa HIM (His Infernal Majesty). Puro metal progresivo que convirtió la obra original en algo totalmente nuevo.

Más comercial, y con mayor dosis de azúcar, es la revisión realizada por IL DIVO. La retitularon ‘Melanconia’ (Melancolía).

Fue muy bien recibida por Chris Isaak. «Estoy muy satisfecho, es una versión fantástica. Mi madre, que aprendió a hablar italiano antes que inglés y los adora, me regaló una copia», afirmó en una entrevista.

La neoyorquina LANA DEL REY dio su toque a ‘Wicked game’.

El desaparecido conjunto R.E.M. también incorporó el tema a su repertorio en directo.

Hay también versiones en alemán, sueco, suomi… y de grupos y artistas como Tangerine Dream, Blonde Addiction, Nine Lives, Pipilotti Rist, Nat Simmons, Three Days Grace, London Grammar, Corey Taylor, Paal Flaata, Final Djs o La Ley, entre muchos otros.

BIOGRAFÍA

El californiano CHRIS ISAACK (Stockton, 1956) dio sus primeros pasos profesionales en 1984 gracias a un contrato con la multinacional WEA. Su primer larga duración, que llegó al año siguiente, sirvió para que comenzara su idilio con el público, después de que dos de los temas que incluía -’Gone ridin’ y ‘Livin’ for your lover’- llamaron la atención de David Lynch, que los incorporó a la banda sonora de su película de culto ‘Blue velvet’.

Isaak estaba condenado a entrar en el séptimo arte. Había soñado con el cine desde su infancia. De hecho, quiso ser actor hasta que se cruzó con un disco de Elvis Presley. Luego descubrió también a Jerry Lee Lewis y, definitivamente, se pasó a la música.

Pero no por ello abandonó su afición a la gran pantalla y ha sabido moverse con acierto en ambos campos. Incluso su producción musical ha sonado siempre a rock clásico, del que salía en las películas antiguas.

Casi todas sus producciones han aportado algún tema al mundo del cine y la televisión. ‘Detective privado’, la mencionada ‘Corazón salvaje’, ‘El silencio de los corderos’, ‘El pequeño Buda’, ‘Deseando libertad’, ‘Twin peaks’, ‘Friends’, ‘De la tierra a la luna’, ‘Eyes wide shut’, ‘The late late show with Craig Kilborn’, ‘Amor a quemarropa’… le han incorporado a sus créditos, bien como autor de alguna de las canciones de sus bandas sonoras o como integrante de su plantel de actores.

Y así, disco a disco, filme a filme, Isaak ha esculpido una trayectoria de calidad innegable, que le ha llevado a ser considerado un clásico del rock y del celuloide. Con más de una docena de LP’s en su bagaje encontramos, además de ‘Wicked game’, canciones imprescindibles como ‘Blue hotel’, ‘San Francisco days’, ‘Baby did a bad bad thing’ o ‘Think of tomorrow’. Actualmente sigue en activo y aún continúa diversificando su carrera.

Black – Wonderful Life (Maravillosa vida)

2016 enero 26
por Anje Ribera

Colin Vearncombe, que popularizó bajo el pseudónimo Black el tema ‘Wonderful Life’, murió ayer a los 53 años tras sufrir un accidente tráfico en Irlanda hace dos semanas. Es momento quizás de recordar su gran éxito.

Todos fuimos imbuidos por pensamientos positivos, como recomendaba Peter Pan, cuando llegó ‘Wonderful Life’, allá por 1987. Constituyó un ejemplo adecuado para representar la cínica bondad que siempre impregnan las fechas que reciente y afortunadamente hemos dejado atrás.

Pero, imposiciones comerciales y convencionalismos al margen, sí, la vida es maravillosa, como nos lo cantaron los integrantes del conjunto británico Black en los estertores de los ochenta con una entonación de garganta negra en sus juveniles cuerpos blancos. Consiguieron que este tema se convirtiera en perenne, de esos que llegan a nuestras vidas por casualidad, pero que luego se quedan para siempre. ‘Wonderful Life’ se ha hecho con un sitio en la historia musical del último cuarto del pasado siglo. Fue un superéxito en su momento y es una obra genial casi tres décadas después. Leer más

Ultravox – Vienna

2016 enero 22

Ultravox – Vienna

‘Vienna’ constituyó el mayor éxito discográfico de Ultravox, coincidiendo con el período en el que la banda británica recorría el sendero musical de los ochenta de la mano del cantante y guitarrista escocés Midge Ure, que reemplazó a John Foxx en el liderato. Esta canción, publicada en otoño de 1980, fue la punta del iceberg de su popularidad europea a lo largo de toda una década, en la que derramó su influencia en las corrientes electrónicas de base sintética.

Comenzó entonces el despegue hacia la fama que se le había negado al quinteto con anterioridad. Por fin abandonó los círculos underground para llegar a un público masivo y emprender años de reconocimiento. El carácter sentimental y épico de ‘Vienna’, que surgió en pleno reinado de los nuevos románticos, amparado también en una estética barroca que recuerda al siglo XIX, se creó en un estudio de Colonia, donde Ultravox supo plasmar su creatividad en un sonido nuevo, gracias a sintetizadores más modernos y experimentales. Sin embargo, no pudo impedir la influencia del rock germanófilo que comenzaba a traspasar las fronteras de la todavía Alemania Federal.

Bajo la producción de Conny Plank, los británicos combinaron el vanguardismo con una corriente pseudoclásica, mediante la utilización experimental de piano, violín, batería y guitarra, instrumentos supeditados siempre a la poderosa voz de Midge Ure. ’Vienna’ exhibe en poco más de cuatro minutos y medio unos cambios de ritmo precisos y la dicotomía que flotaba en el panorama musical europeo. Existía un debate igualado entre los viejo y lo nuevo, como ocurría también en la propia sociedad del Viejo Continente, aún contenedora de los bloques antagónicos de la Guerra Fría.

La idea de esta obra sobre la macabra noche y el despertar llegó a las mentes de los componentes de Ultravox tras visionar la película ‘El tercer hombre’, una genial historia dirigida y protagonizada por Orson Welles en la capital austriaca, la ciudad imperial por excelencia, en los años inmediatos a la Segunda Guerra Mundial. También el videoclip que sirvió de soporte a la canción siguió el estilo de Welles, siendo cuidadosamente rodado en blanco y negro por el también cineasta Russell Mulcahy. La otra gran aportación cromática se plasmó en la portada del fotógrafo holandés Anton Corbijn.

Han pasado treinta y cinco años desde entonces. Nada es igual. Todo aquello parece arcaico, todo menos ‘Vienna’, una balada que aún suena fresca, tan heroica como entonces. De pocos temas de principios de los ochenta se puede afirmar lo mismo. Casi ninguno ha alcanzado el estatus de icono atmosférico del synthpop, dominando en la esfera de los discos que envenenan por su grandilocuencia y su aire sinfónico. Sus acordes y su poder estremecedor están vigentes.

Pero regresemos a 1980. Ya entonces el tema franquicia de Ultravox fue galardonado como la mejor canción del año por los Brit Awards, los premios anuales a la industria fonográfica británica, que supo reconocer aquellos incipientes pasos del tecno-rock basado en el sonido que surgía de los sintetizadores de Billie Currie y en las programaciones informáticas de Warren Cann, a modo de una orquestación. De fuentes parecidas bebieron de forma paralela Soft Cell, Depeche Mode u Orchestral Maneouvres in the Dark (OMD).

El sonido futurista de ‘Vienna’, refinado y sofisticado –y oscuro y extraño al mismo tiempo–, supo equilibrar el carácter pegadizo de su melodía con un entramado creativo exigente, logrando llegar al público. Las estadísticas certificaron el éxito de una obra tan apabullante como imperecedera. Sólo en Reino Unido se vendieron 300.000 copias del single, que permaneció cuatro semanas consecutivas en las listas, con el número dos como escalón más alto de su ascensión. Únicamente John Lennon –quien había sido asesinado unas pocas semanas antes– y su ‘Woman’ impidieron que este tema hermosamente misterioso y melancólico, incluso abrupto, encabezara el hit parade.

LETRA

Caminamos en el aire frío
un aliento congelado en el cristal de la ventana
la mentira y la espera

Un hombre en la oscuridad en un marco de fotos
por lo tanto, místico y conmovedor
una voz que extiende la mano en un grito desgarrador
hasta que se queda contigo

El sentimiento se ha ido, sólo tú y yo
no significa nada para mí
esto no significa nada para mí
Oh, Viena.

La música está tejiendo
notas inquietantes, las cuerdas en punteo
el ritmo está llamando
sólo en la noche mientras llega la luz del día

Un silencio vacío, frío,
el calor de su mano y un cielo gris, frío
se desvanece con la distancia.

La imagen se ha ido, sólo tú y yo;
no significa nada para mí
esto no significa nada para mí
Oh, Viena.

Esto no significa nada para mí.
esto no significa nada para mí
Oh, Viena

VERSIONES

La banda austriaca KONEA RA realizó en 2014 una interpretación muy personal del éxito de Ultravox.

El oscuro grupo italiano KIRLIAN CAMERA recurrió en 1991 a este éxito para su disco ‘Todesengel. The fall of life’.

La revisión de EUGENE no desmereció al original.

El comediante inglés VIC REEVES recurrió en 1992 a una letra diferente para confeccionar un cóver satírico.

El productor norteamericano GLENN KENNEDY dio su punto de vista en 2009.

Los primeros pasos de ULTRAVOX se remontan a 1974. El cantante Dennis Leigh –que tómo el nombre de John Foxx– y el guitarrista Steve Shears decidieron formar un grupo en la ciudad inglesa de Chorley, imitando a New York Dolls y Roxy Music. Para completar la banda optaron por poner un anuncio en la revista ‘Melody Maker’. Respondieron el bajista Chris Cross y el batería Warren Cann. Así nació Tiger Lily, precursora del conjunto al que nos referimos hoy. Dos meses más tarde, una vez que el cuarteto ya había debutado en el mítico Marquee, llegó el teclista y violinista Billy Currie.

Su primer single no obtuvo ninguna repercusión, por lo que decidieron cambiar de nombre. Nació Ultravox, inmediatamente contratada por la discográfica Island, abducida por sus innovaciones electrónicas al estilo alemán de Kraftwerk. Llegaron rápido sus primeros vinilos. ‘Ultravox’ (1977), producido por Brian Eno y Steve Lillywhite, y ‘Ha! Ha! Ha!’ (1977), pasaron bastante inadvertidos pese a su calidad. Eran atípicos para la época.

La falta de éxito provocó la marcha de Shears, que fue sustituido por Robin Simon. La nueva formación registró ‘Systems of fomance’ (1978), que contaba con la producción de Conrad Plank, el legendario técnico del kraut-rock y productor de Kraftwerk. El disco tampoco fue recibido con los brazos abiertos y se produjo la descomposición de Ultravox tras la salidas de Foxx y Simon.

Pero el proyecto, que ya parecía historia, se reconstituyó con la llegada del cantante y guitarrista escocés Midge Ure. Abrazaron el techno-pop y cambiaron al sello Chrysalis, con el que por fin alcanzaron el éxito al sacar al mercado ‘Vienna’ (1980).

‘Rage In Eden’ (1981) puso fin a la colaboración con Conrad Plank. Para el siguiente trabajo –’Quartet’ (1982)– la producción corrió a cargo de George Martin, el mago que trabajó con The Beatles. Bajo su dirección grabaron, asimismo, ‘Lament’ (1984). Ambos discos fueron muy pretenciosos, pero inferiores a ‘Vienna’.

Para registrar ‘U-Vox’ (1986) Cann cedió las baquetas a Mark Brzezicki. Los malos resultados del álbum provocaron la marcha de Midge Ure. Su ausencia fue cubierta por Sam Blue, bajo cuyo liderato el grupo regresó al mercado con los mediocres ‘Revelation’ (1993) e ‘Ingenuity’ (1996) .

Para muchos Ultravox no fue nada antes de la llegada de Midge Ure y volvió a la nada después de su salida. El escocés retornó al grupo para grabar ‘Brilliant’ (2012), el epitafio de la banda.

The Eagles – Hotel California

2016 enero 19
por Anje Ribera

Glenn Frey, alma matter de The Eagles, ha muerto por complicaciones con una artritis reumatoidea, agravada por una colitis ulcerosa y neumonía. Guitarrista y miembro fundador de la banda “Era el motor, el planificador. Tenía un conocimiento enciclopédico de la música popular y una ética de trabajo que nunca abandonó”, aseguró ayer su compañero Don Henley.

Sirva como homenaje la historia de la canción más popular de la banda, que contamos hace algún tiempo. Hablamos, claro, de ‘Hotel California’.

Que es una de las grandes canciones del rock de todos los tiempos no lo pone en duda nadie. Que su éxito fue inmenso tampoco. Lo certifican los dieciséis millones de copias que vendió su single, que fue considerado el mejor de 1976 -cuando se escribió- y de los dos años siguientes. Tres décadas después asimismo ha protagonizado ya más de otro millón de descargas digitales.

Pero lo números jamás han servido para certificar leyendas y esta canción no sólo es una leyenda sino que convirtió en leyendas a los integrantes de Eagles. Una obra redonda, una composición perfecta que pervive al paso de los años sin perder su frescura. Un clásico atemporal, multiversionado por todo tipo de artistas, que ha cincelado su título en la historia de la música moderna.

‘Hotel California’ fue compuesta en un establecimiento hostelero del mismo nombre radicado en el pequeño pueblo de Todos Santos, en el sur de Baja California, donde su autor, Don Henley, pasaba unos días. Allí conoció una leyenda local que aseguraba que el fantasma de una chica llamada Mercedes invitaba a tragos todas las noches a los parroquianos del bar del hotel. Henley cuenta cómo llegó al lugar cansado, buscando un remanso donde recuperar fuerzas. Allí encontró su paraíso.

Le recibió una chica, que portando sólo una vela le mostró su habitación. «¡Bienvenido al Hotel California, donde siempre tenemos la misma estación anual!”, dijo la joven antes de entregarle las llaves. La lenguas del lugar dicen que ella también le prometió que pronto volvería con una botella de vino. Pero nunca regresó y en la recepción le aseguraron que entre el servicio no había ninguna chica.

No obstante, la explicación oficial de The Eagles sostiene que la canción es una metáfora al mundo de la drogas y en especial a la cocaína y a la marihuana. Otra teoría es que el ‘Hotel California’ en realidad era un centro de salud mental donde habitaba un grupo de vidas frustradas. Y aún existe una tercera hipótesis que defiende que el tema se refiere a una antigua iglesia cristiana convertida en un lugar de culto satánico.

La leyenda que acompaña a esta canción también incluye una denuncia por parte de Ian Anderson, compositor de Jethro Tull, que repetidas veces sostuvo que ‘Hotel California’ es similar a su canción ‘We used to know’.

En un oscuro camino del desierto,
viento frío en mi pelo
cálido olor de flores,
elevándose en el aire
Adelante, en la distancia,
vi una luz trémula

Mi cabeza se puso pesada,
y mi vista se oscureció
Tenía que parar por la noche
Ella estaba allí en la puerta de entrada
Yo escuché la campana de la misión,
y pensaba para mi

Esto debe ser el cielo o el infierno
Entonces ella encendió una vela
y me mostró el camino
Había voces bajo el corredor
Me pareció escucharlas decir…
Bienvenido al Hotel California
Un lugar tan adorable,
un lugar tan adorable

Lleno de habitaciones
el Hotel California
En cualquier momento del año,
lo puedes encontrar aquí
Su mente está perturbada por las alhajas
Ella tiene el Mercedes Benz
Ella tiene muchos chicos lindos
Que llama amigos
Como bailaban en el patio,
dulce sudor de verano

Algunos bailes para recordar,
algunos bailes para olvidar
Entonces yo llamé al dueño,
Por favor, deme mi vino, y él dijo
No hemos tenido ese espíritu aquí desde 1969
Y aún aquellas voces están llamando desde lejos
Te despiertan a la media noche
Solo para escucharlas decir…
Bienvenido al Hotel California
Un lugar tan adorable,
un lugar tan adorable

Ellos disfrutan la vida en el Hotel California
Que linda sorpresa, trae tus excusas
Espejos en el techo,
el champagne rosado en hielo
Y ella dijo, aquí somos todos prisioneros
de nuestra propia invención
Y en la recámara del dueño
Ellos se reunieron para la fiesta
Ellos la apuñalan con sus cuchillos acerados
Pero no pueden matar a la bestia
Lo último que recuerdo

Es que estaba corriendo hacia la puerta
Yo tenía que encontrar el pasaje que me llevara
al lugar donde estaba antes
Relájate, dijo el hombre de la noche
Estamos preparados para recibirte
Tu puedes reservar
en cualquier momento que quieras
Pero nunca puedes irte!


Eagles se formó en Los Ángeles en 1971 cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y Don Henley (batería y cantante) se unieron a la banda que acompañaba a la cantante Linda Ronstadt. Una experiencia de aprendizaje que duró dos años, tras los cuales decidieron apostar por un grupo propio con la colaboración Bernie Leadon (guitarra, banjo, mandolina), Randy Meisner (bajo), Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).

Pronto se vieron premiados con el éxito, pero su conversión en dioses la llevó a cabo ‘Hotel California’ a mediados de los años setenta. Desde entonces no han descendido del Olimpo. Con cinco sencillos y seis álbumes números uno se separaron en 1980 para volverse a reunir catorce años más tarde y centrar su carrera en actuaciones en directo que priman sobre sus producciones en estudio.

Antton Valverde – Maitasunez hil (Morir de amor)

2016 enero 15

Aunque los científicos nos dicen que es imposible, hay quien muere de amor. Además es una muerte dolorosa. Tu corazón ha dejado de latir desde aquel día en que ella (o él) se marchó. Pero tu cuerpo vegeta en esta vida, torturado por una mente que no deja de pensar en ella (o él), sabiéndola (sabiéndolo) en otros brazos. Mueres en vida, día a día.

Y lo seguirás haciendo el resto de tu existencia, o sea de tu agonía. Vives cuando realmente quieres morir, mientras el recuerdo te desgarra el alma. Pasa un día, pasa otro y sigues solo (sola), sin ella (sin él). Sin embargo, todavía sientes en tu piel las caricias que nunca más volverás a recibir de aquellas manos. ¡Qué mentira creer que volverán!

La realidad siempre te desmiente en forma de ansiedad, depresión y tristeza que se adueñan de ti. Y desdice también a quienes aseguran que el amor es sólo un cóctel de reacciones químicas que nos mantiene emocionalmente unidos a otra persona. El desamor, desgraciadamente, provoca tanto dolor como placer pueda generar el amor. El síndrome del corazón roto es real, provocado por una decepción amorosa, por un estrés emocional o por un afligimiento desmedido fruto de un rechazo.

Torturador es también que no te quiera quien tú adoras. Cuánta tristeza genera el amor en una sola dirección. Es otra forma de perecer, víctima de lo imposible. De él hablamos hoy, o mejor dicho, de él hablaron Xabier Lete y Antton Valverde en 1975. Dos genios combinados –el poeta de Oiartzun puso la letra y el cantante y pianista de Donosti se encargó de musicarla e intrepretarla– para ofrecernos un tema que describe de forma inmejorable lo que significa la negativa eterna de la mujer a la que amas.

Te gustó cuando era niña, te apasionó cuando se convirtió en mujer, la adoraste aunque ya era de otro y todavía la idolatras ahora que, pasados sus mejores años, se resigna a la llegada de la vejez sumida en una soledad autoelegida. Pero ella siempre dijo no. A veces quiso decir sí, pero no se atrevió. Ahora ya es demasiado tarde para ella. Para él nunca lo será.

Y todo ello en clave de humor. El sarcasmo de Lete adquiere en este tema uno de sus momentos más brillantes. Hablar de cosas serias con tintes cómicos siempre se le dio bien al gran cantautor guipuzcoano. Sólo él supo tratar con tanta maestría y cotidianidad cuestiones tan escabrosas como el desamor.

La historia, no obstante, parece que tiene como referente un fracaso amoroso de Valverde, no de Lete. Ocurrió durante la juventud del donostiarra, según explicó Lete en un concierto que ofrecieron juntos en Oiartzun. Pero podría ser también que el protagonista de nuestra historia fuera el propio Lete. Con él nunca se sabía dónde estaba la comedia y dónde la realidad. Valverde, calló entonces. Y calla todavía.

En esos casos de desamor, decía asimismo Lete, hay dos opciones: optar por el suicidio y escribir una canción. Ellos decidieron abordar el segundo camino.

LETRA
Hamairu urte nituanean,
oraindik galtza motxetan,
bere atzetik ibiltzen nintzen
herriko kale hotzetan
prinzesa hura behar bezela
kortejatzeko lotsetan
bere etxera lagundu nahirik
eskolatik arratsetan

Cuando tenía trece años,
todavía con pantalones cortos,
iba detrás de ella
por las frías calles del pueblo
con vergüenza trataba de cortejar
a aquella princesa como se merecía,
queriendo acompañarla a su casa
al salir del colegio por las tardes

«Oh, ez !», esaten zuen,
oraindik ez, gaztetxo naiz
«Oh, ez !, inolaz ez,
etxera joan behar dut garaiz»

«¡Oh, no!», decía,
todavía no, soy jovencita
«¡Oh, no!, de ninguna manera,
tengo que ir a casa a la hora»

Hemezortzira ailegatuta
romantizismoz beterik
etzan posible eromen hura
bazter batera uzterik;
aingeru harek ez zidan sortzen
sufrimentua besterik,
sekulan ere ez nuen lortu
bi besoetan hartzerik

Llegado a los dieciocho
y lleno de romanticismo
no era posible apartar aquella locura
aquel ángel no me generaba
más que sufrimiento,
jamás logré tomarla entre mis dos brazos

«Oh ez!», esaten zidan,
«maitemintzeko gaztea naiz.
Oh, ez! , oraindik ez
lotsa ematen dit ta ez dut nahi»

«¡Oh, no!», me decía,
soy joven para enamorarme
«¡Oh, no!», todavía no,
me da vergüenza y no quiero»

Lotsaren lotsez pasa ta gero
dozenerdi bat eskutik,
pentsatu zuen komeni zela
sartzea bide hestutik;
eta nik nola oraindik ere
jarraitzen nuen gertutik,
ezkondutzia eskatu nion
ez bazitzaion inportik

Después de pasar gran vergüenza
con una docena de fracasos
pensé que había llegado
de hacer una apuesta fuerte
y, como todavía seguía
de cerca sus pasos,
le pedí que nos casáramos

«Oh, ez!», erantzun zidan,
«aspertzen nauzu, zoaz apaiz.
oh, ez!, inolaz ez,
beste batekin ezkontzen naiz»

«¡Oh, no!», me respondió,
me aburres, hazte cura.
«¡oh, no!», de ninguna manera,
me caso con otro»

Festa batean ikusi nuen
handik zortzi bat urtera,
ta hotz-hotzean ausartu nintzen
sagar helduen hartzera,
irrifar doble makur batekin
izkutatu zen atzera:
ez zen ausartzen bere zezena
adarrez adornatzera

La vi en una fiesta
al cabo de ocho años,
y con sangre fría me atreví
a coger la manzana madura,
pero con sonrisa vergonzosa retrocedió:
no se atrevía a adornar
con cuernos a su toro

«Oh, ez!, ez da posible,
horrelakorik ez nuke nahi.
Oh, ez! , inolaz ez,
ni etxekoandre jator bat naiz»

«¡Oh, no!», es imposible,
no querría nada de eso
¡Oh, no!», de ninguna manera,
soy una honrada ama de casa»

Mutilzartuta bizi nintzela
laugarren piso batian,
behin uste gabe topatu nuen
gure etxeko atian …
bere onenak gastatutako
alarguna zen artian,
eta honela erantzun zidan,
oraingoz bion kaltian

«Oh, ez! , orain ia ez,
nahiz eta zutaz pentsatu maiz.
Oh, ez!, inolaz ez,
oheratzeko zahartu naiz»

Viviendo como un solterón
en un cuarto piso,
me la encontré de repente
en el portal de casa…
era ya viuda y ya habían
pasado sus mejores años,
pero todavía así me respondió,
para desgracia de ambos:

«¡Oh, no!», ahora ya no,
aunque pienso en ti a menudo
«¡Oh, no!, de ninguna manera,
estoy vieja para asuntos de cama»

VERSIONES

El grupo FURUNDA, liderado por el acordeonista Aitor Furundarena, publicó una actualización veintiún años después del disco de Valverde. Merece la pena escuchar esta mezcla de una composición tradicional vasca con elementos pop-rock.

Peculiar el cóver acústico de EDORTA ETA BOTI.

‘Maitasunez hil’ ha sido utilizado también como banda sonora en diferentes manifestaciones culturales. En este caso se combina con la euskal dantza en un espectáculo que tuvo lugar hace dos años en BAKIO.

El donostiarra ANTTON VALVERDE (1943) casi siempre ha sacrificado su carrera en beneficio de otros. Aunque su andadura en solitario es más brillante que reconocida, ha sido siempre valorado por sus aportaciones a otros artistas. De hecho, entre sus obras más admiradas están aquellas en las que compartió cartelera con Xabier Lete o Julen Lekuona, y hasta en el seno de Oskarbi. En su producción encontramos creaciones propias, pero también abundante musicalización de poemas pretéritos de Xabier Lizardi, Lauaxeta o el mencionado Xabier Lete, entre otros.

Aunque el pan de cada día se lo ha ganado con el taller de artes gráficas familiar tras cursar estudios de perito, siempre ha estado vinculado a la música, campo del que nunca pudo ser profesional aunque se formó a conciencia para ello, con clases de solfeo, armonía, composición y piano.

Es este instrumento el que siempre ha estado unido a su caminar, aunque en el vídeo de la canción a la que hoy nos referimos le veamos con una guitarra entre manos. La teclas de su instrumento han sido las encargadas de musicar los poemas gracias una sensibilidad que heredó de su padre, el pintor Antonio Valverde Ayalde.

Comenzó su andadura artística hace más de cinco décadas y aún sigue hay. Quizá porque ha sabido dosificar sus apariciones en público y sus producciones discográficas. No obstante, ahí quedan su discos, algunos productos milagrosos en una época como la dictadura de Franco en la que cantar en euskera estaba prohibido o, cuanto menos, extraordinariamente dificultado.

David Bowie – Tonight

2016 enero 11
por Anje Ribera

La reedición de esta entrada antigua pretender ser un modesto homenaje al genio que se nos ha marchado.

Ziggy quiso demostrar que era el artista más grande que había nacido en este planeta y para hacerlo intentó dejar claro que ningún estilo se le resistía. En esta canción pretendió mostrar su destreza también en el reggae. Y qué bien lo hizo a pesar de que no contó con el beneplácito de la crítica. Sí el de quienes nos gusta todo tipo de música.

La canción la interpreta a dúo con Tina Turner, que en aquella época (1984) protagonizaba un resurgir de su carrera tras separarse definitivamente de su marido Ike Turner. ‘Tonight’ constituye una revisión de un tema que Bowie escribió para Iggy Pop, con un ritmo suave que bebe del clásico sonido jamaicano.

Resultó muy comercial gracias a su tono pegadizo y se benefició de la voz invitada la ‘reina del rock and roll’. El dúo de gargantas supone una combinación única, sobre todo en las actuaciones en directo dentro de la gira ‘Private dance tour’ que Bowie y Tina realizaron juntos a mediados de los ochenta.

‘Tonight’ originalmente –en 1977- versaba sobre la muerte de una chica por una sobredosis de heroína, pero este hecho fue eliminado en la versión de 1984. Bowie explicó entonces que pretendía evitar que Tina Turner cantase algo que no deseaba. La crítica no le creyó y argumentó que el cambio se debió a la búsqueda de mayor comercialidad.

Yo vi a mi bebé
Ella se estaba poniendo azul
Sabía que pronto
su corta vida se acababa

Y así me puse de rodillas
en su cama
Y estas son las palabras
que a ella le dije

Todo va a estar bien esta noche
Todo va a estar bien esta noche
Nadie se mueve
Nadie habla
Nadie piensa
Nadie camina esta noche
Esta noche
Todo el mundo estará bien esta noche
Todo el mundo estará bien esta noche
Nadie se mueve
Nadie habla
Nadie piensa
Nadie camina esta noche
Esta noche

Te amaré hasta el final
Te amaré hasta que llegue al final
Te amaré hasta que me muera
Te veré en el cielo
Esta noche

David Bowie (David Robert Jones) acaba de cumplir 65 años y parece que su carrera ha llegado ya a su fin porque hay rumores de que tiene problemas graves de salud. El grandioso cantante, con dedicación también importante al cine, deja atrás una trayectoria sin igual.

Su carácter camaleónico le ha llevado a cambiar constantemente de estilo y a beber de múltiples influencias, desde la psicodelia al punk pasando por el rock y hasta el glam power, jugando incluso con una dualidad sexual que le hizo adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino.

Un caminar artístico jalonado por discos míticos, éxito y polémica parece, sin embargo, que termina. Siempre nos quedará su obra.

David Bowie y Mick Jagger – Dancing in the street (Bailando en la calle)

2016 enero 11
por Anje Ribera

Hace tres años ya de esta entrada, pero sirva de homenaje para el mago que se nos ha ido hoy. ‘Dancing in the street’ salió al mercado en 1964 de mano del trío femenino estadounidense Martha and the Vandellas y desde entonces cumple años con inexorable puntualidad. Pero yo no descubrí esta canción hasta 1985, cuando dos monstruos de la música como David Bowie y Mick Jagger realizaron una estridente versión. De ella hablaremos hoy.

Los hoy ya abueletes del rock planearon esta revisión para interpretarla en los festivales del Live Aid organizado por Bob Geldoff para ayudar a África. Inicialmente tenían previsto cantarla en directo simultáneamente, Bowie desde el estadio de Wembley y Jagger desde el JFK de Filadelfia, pero problemas técnicos –el retardo de la conexión por satélite– lo impidieron. Se vieron obligados a grabar un vídeo que se proyectó al mismo tiempo en ambos lados del Atlántico.

La combinación fue exquisita y así lo reconocieron público y crítica pese a que las carreras de ambos no atravesaban sus mejores momentos, sumidos ya en cierta decadencia por su madurez y su endiosamiento al cincuenta por ciento. De cualquier manera, estos iconos del pop-rock reverdecieron el clásico escrito por Marvin Gaye, William Mickey Stevenson y Ivy Jo Hunter.

Su modernización del tema es muy buena, pero el videoclip es inconmensurable. Filmado en Londres bajo la dirección de David Mallet, merece la pena sólo por verles a los dos con enorme vitalidad a pesar de que ya para entonces eran bastante veteranos. Trataron de mostrarse jóvenes hasta en su indumentaria, Bowie con pijama de leopardo y bata de seda, y Jagger con camiseta verde fosforito con grandes bolsillos.

Sin hablar de la complicidad sexual que dejan entrever. Yo ni afirmo ni niego, pero ambos se han confesado siempre bisexuales. Las lenguas viperinas hablan incluso de un romance. De hecho, un nuevo libro sobre el líder de los Rolling Stones revela la impensada relación entre ambos.

Hablando con
América del Sur, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido, África 

Llamando a todo el mundo 
¿Estás preparado para un nuevo golpe?
El verano está aquí y es el momento adecuado 
Para bailar en las calles 

Están bailando en Chicago 
En Nueva Orleans 
En Nueva York 
Todo lo que necesitamos es la música, la música dulce 

Habrá música en todas partes 
Van a estar balanceándose, balanceándose
Bailando en la calle
 
No importa lo que usas, con tal de que estés ahí 
Así que vamos, todos los hombres, toma una niña, en todas partes, alrededor del mundo
Van a estar bailando, bailando en la calle 

Es una invitación a toda la nación,
una oportunidad para la gente dance
Van a estar riendo y cantando, música oscilante 

Bailando en la calle 
Philadelphia, PA 
Baltimore, en Washington, ahora
 
No te olvides de la ciudad del motor
En las calles de Brasil 
Back in the USSR 
No importa dónde estés

VERSIONES

La canción original de MARTHA & THE VANDELLAS comenzó el ciclo. Su calidad puso el listón muy alto.

Es extraño ver a los CARPENTERS interpretando un tema con tanto ritmo.

El 1977 la banda GRATEFUL DEAD nos ofreció su visión del clásico.

THE MAMAS & THE PAPAS la tocaban en muchos de sus conciertos.

Los rockeros de VAN HALEN también la incorporaron a su repertorio.

El guitarrista argentino FITO PÁEZ hizo una versión un poco triste con el título ‘Baila por ahí’.

Hablar de MICK JAGGER Y DAVID BOWIE es innecesario. Todos mis posibles lectores les conocen. Por ello me limitaré a señalar que la combinación de dos estrellas de la música moderna como ellos ya constituye en sí mismo un hecho a destacar, sea cual fuera la obra que surgiera de ese encuentro.

Sus respectivas carreras en The Rolling Stones, en el caso de Morritos, y en solitario, por Bowie, les respaldan y ‘Dancing in the streets’ fue un mero ejercicio de divertimento, en esta ocasión por la buena causa de colaborar con ‘Live Aid’.

De hecho, Jagger se especializó por aquella época en los duetos, obteniendo mucho éxito con la canción ‘State of shock’, a medias con Michael Jackson en 1984.

Jackie Wilson – Reet petite (Tan hermosa)

2015 diciembre 30

Esta canción fue el primer pilar sobre el que se asentó el famoso sonido Motown. Corría el año 1957 cuando el joven compositor y productor Berry Gordy Jr. buscaba un hueco en el mundo de la música. Lo tenía difícil porque su piel era negra y en aquella época en Estados Unidos, todavía con un gran racismo reinante, eso suponía como mínimo un impedimento, si no una barrera infranqueable. Los éxitos de los artistas de color estaban prácticamente limitados al mercado de esa raza y sólo conseguían introducirse en las listas de éxitos marginales.

Sin embargo, ‘Reet petite’ sorteó todos los obstáculos gracias a la voz de Jackie Wilson. No sólo fue un éxito en el mercado destinado a los estadounidenses afroamericanos, sino que también llegó a entrar en los hit parade nacionales. Los blancos comenzaban a comprar discos inicialmente destinados a los negros. Hasta entonces las creaciones de origen negro, por muy buenas que fueran, sólo trascendían de su ámbito si un interprete anglosajón las versionaba. Leer más

La oreja de Van Gogh – Noche de paz

2015 diciembre 20
por Anje Ribera

Aunque es una vía a la que todos los artistas se niegan en sus comienzos, lo cierto es que, al final, casi todos caen en la tentación de grabar un villancico. Muchos porque la fórmula garantiza grandes ventas en unas fechas especialmente propicias para el consumismo, otros obligados por los afanes recaudatorios de sus respectivas discográficas e incluso los hay que utilizan este género porque permite un fácil acercamiento al público.

Ninguno de éstos es el caso de La oreja de Van Gogh, que simplemente grabó una simpática versión, escasamente instrumentada, de ‘Noche de paz’ en 2008 para felicitar a sus seguidores. Su forma de ver un clásico atemporal, uno de los villancicos más populares en todo el mundo, fue sencillamente peculiar. Original, divertida y nada pretenciosa. Leer más

Ana Torroja – A contratiempo

2015 diciembre 14

Corría el año 1997 cuando Ana Torroja comenzó a caminar en solitario después de que Mecano consumiera su última dosis de vida. La soledad a la hora de encaminar nuevos proyectos siempre da vértigo a un artista, sobre todo después de que hasta entonces la vereda musical había sido enfrentada en buena compañía y al abrigo del éxito.

Por lo tanto, el primer paso como solista debía ser firme. Habían pasado cinco años de barbecho y era preciso comenzar con fuerza. Para ello se necesitaba dar el aldabonazo desde la primera canción. La madrileña eligió para esa apuesta ‘A contratiempo’, que precisamente trata sobre la soledad. Con ella se encaramó hasta el primer puesto de las listas en España y México, colándose incluso en el Billboard estadounidense. Las enormes expectativas creadas se cumplieron en ventas y crítica. Leer más

Frank Sinatra – My way (A mi manera)

2015 diciembre 12
por Anje Ribera

Vivimos en un mundo en el que parece que sólo són válidos los números redondos: los planes son quinquenales, el turista un millón, víctimas de terremotos contabilizadas en múltiplos de mil… Da igual que se recuerde el nacimiento o la muerte de alguien, pero cien es el número redondo. En muchos casos hay que esperar cien años para ser recordado. No es el caso de Frank Sinatra, cuya valía siempre ha sido reconocida. Pero, ahora que se cumple precisamente un siglo desde que vio la luz, es buen momento para recordar su canción más conocida.

De cualquier manera siempre es buen momento para rendir el homenaje que se debía a Frank Sinatra. Lo haremos apoyados en la canción ‘My Way’, quizás la que está unida con mayor solidez a su extraordinaria carrera. El genial estadounidense la grabó en 1968 y consiguió dotarla de la popularidad que su creador, el francés Claude François, no consiguió un año antes bajo el título ‘Comme d’abitude’. Leer más

Sinead O’Connor – Nothing compares to you (Nada es comparable a ti)

2015 diciembre 1

El presunto intento de suicidio de la cantante irlandesa Sinead O’Connor y su rescate por parte de la Policía gracias a que lo anunció por Facebook puede ser una buena escusa para recuperar una entrada pretérita sobre su canción estrella, la única que ha soportado el paso del tiempo.

Preciosa balada, sin duda. Grandiosamente interpretado por la increíble paleta de colores de la voz de Sinead O’Connor, este tema escrito por el polifacético artista norteamericano Prince llegó al número uno en medio mundo allá por 1989.

Vendió millones de copias y recibió varios discos de platino, además de sumar cuatro nominaciones a los Grammy, ganando el de mejor álbum de música alternativa. Sin embargo, Sinead se negó a aceptar el premio argumentando que le fue concedido por su éxito material. «Los Grammy se dan al disco que más ha vendido, pero no al mejor artísticamente hablando. No me interesan. No quiero tomar parte en nada que anime a la gente a creer que el éxito material es importante, especialmente si eso representa que te has de sacrificar personalmente para obtenerlo», dijo. Leer más

AC/DC – Highway to hell (Autopista al infierno)

2015 noviembre 26

Si el ‘regreso al futuro’ de Marty McFly hubiera tenido como destino 1979 y no mediados de los años cincuenta, para definir el rock los guionistas de la película no habrían utilizado ‘Johnny B. Goode’ de Chuck Berry, sino ‘Highway to hell’ de AC/DC. Porque hablar de rock a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta era mencionar a la banda australiana y a su emblemática canción.

Poco más de tres minutos y medio de paso por el infierno bastan para disfrutar del cielo musical gracias a este satánico éxito, quizá el mejor tema de los ‘eléctricos’ liderados por los hermanos Young. La guitarra Gibson SG de Angus, el menor de los genios llegados al país continente desde Glasgow, ve como son los dedos del diablo los que rasgan sus cuerdas en uno sus riffs más populares del género, no por su complicación –sólo tres acordes–, sí por su capacidad de contagio. Leer más

The Doobie Brothers – Long train running (Tren de largo recorrido)

2015 noviembre 12

‘Long train running’ constituye una inyección de energía que nos llegó sobre raíles en 1973. La legendaria banda californiana The Doobie Brothers consiguió con este tema el gran hit de su carrera, toda ella cargada de éxitos pinchados con una dependencia casi similar a la de la drogadicción por todas las emisoras de radio mundiales en las décadas del pasado siglo que empezaron por siete y ocho.

Este tema funk rock escrito por el guitarrista, vocalista y fundador del grupo Tom Johnston es un ejemplo perfecto del sonido característico de los Doobies, basado en armonías vocales, guitarras y percusiones trepidantes. La introducción corre a cargo de una guitarra inconfundible, que ya te hace presagiar que lo que viene a continuación merecerá la pena. Leer más

Ramones – Do you remember rock ‘n’ roll radio? (¿Te acuerdas de las radios rock?)

2015 noviembre 1

¿Qué pueden tener en común los Ramones con Phil Spector? En principio, nada, ya que sus coincidencias musicales parecen imposibles. Pero, aunque resulte inverosímil, compartieron la canción ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’, quizás el mayor éxito de la banda de punk-rock estadounidense. Pues sí, fue producida en 1980 por el mago de la orquestación, paridor de los arreglos de clásicos como ‘ Doo ron ron’, para The Crystals; ‘Be my baby’, de The Ronettes; ‘You’ve lost that lovin’ feelin’ o ‘Unchained melody’ que popularizaron The Righteous Brothers; ‘River deep, mountain high’, de Ike and Tina Turner; ‘Instant karma (We all shine on)’, de John Lennon; ‘The long and winding road / For you blue’, de The Beatles; o ‘My sweet lord’, de George Harrison; entre otros cientos de temas de éxito.

‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’–o simplemente, ‘Rock ‘n’ roll radio’– constituye un homenaje al sonido de los años cincuenta, década en la que Spector asentó su popularidad. El productor obtuvo absoluta libertad para alterar la dinámica en la que se movían hasta entonces Ramones. Para ello añadió instrumentos ajenos al universo de los neoyorquinos como el saxofón, la trompeta o el piano, que supieron convivir con la guitarra, la batería y el bajo, tradicionales armas del cuarteto. Leer más

Rick Astley – Never gonna give you up (Nunca te abandonaré)

2015 octubre 16

Rick Astley despierta tantos amores como odios, pero nadie le puede negar que ha estado presente en las listas de éxitos inglesas en toda la última década del pasado siglo. Cuando, con sólo 21 años, irrumpió como un huracán en el mundo del pop europeo casi nadie pensó que se trataba de un artista sólido. Parecía un cantante de un solo tema. Flor de un día. De esos que arrasan un año y luego desaparecen. Pero todos nos equivocamos.

Su segundo single, ‘Never gonna give you up’, le catapultó en 1987 a la condición de estrella, alcanzando el número uno en Gran Bretaña y en otros dieciséis países europeos. Algo inhabitual. Pero, durante los siguientes años confirmó su idilio con el público, conquistando éxito tras éxito. Hoy incluso, casi treinta años después de su llegada al mundo músical, aún mantiene el récord de haber sido el único solista masculino que ha colocado sus primeros ocho singles en el top ten de Reino Unido. Leer más

Claudia Mori – Non succederà più (No sucederá más)

2015 septiembre 20

Decía Pablo Milanés en ‘Yolanda’ que más que una canción «quisiera fuera una declaración de amor». La italiana Claudia Mori con ‘Non succederà più’ también trató de trascender del concepto de obra musical para lanzar una advertencia a su esposo, el famoso intérprete Adriano Celentano. Ella se quejaba a 45 revoluciones por minuto de la falta de atención de su marido y de ausencias que repercutían en el matrimonio, lo deterioraban y lo colocaban al borde del abismo.

No iba suceder de nuevo, aseguraba ella, mientras él, con su espectacular voz, reconocía sus errores y, con escasa verosimilitud, se mostraba dispuesto a cambiar. Ella le decía que era la última ocasión en que iba a despertar sola. Su paciencia, que ha sido tan inmensa como su amor, se había agotado ya. Era hora de ser egoísta, de pensar en sí misma. Leer más

Lana del Rey – Born to die (Nacimos para morir) *

2015 julio 19

* Colaboración de Susana Fernández Esteban

Últimamente hemos estado hablando de artistas con un gran bagaje en el mundo de la música, algunos de ellos, leyendas, dada su dilatada carrera musical; otros, artistas efímeros que con su one hit wonder se comieron el mundo por una sola vez, pero les sirvió para que les recordemos siempre.

Hoy, sin embargo, vamos a hablar de una joven intérprete y compositora que poco a poco, sin armar grandes revuelos pero con paso firme y enorme talento, se ha hecho un hueco en el panorama musical. Nos referimos a Lana del Rey, una novel cantante norteamericana que sorprende por su suave pero potente creatividad, interpretación y puesta en escena.

Sí, ella lo hace prácticamente todo. Compone sus temas, los arregla musicalmente, los interpreta y los promociona vía redes sociales. Casi nada… Es una de esas intérpretes que no necesita armar un escándalo para salir en los medios, sino que pone la discreción y elegancia a la altura de las grandes divas. Si sigue por este camino, llegará a serlo y no faltando mucho. Leer más

Europe – The final countdown (La última cuenta atrás)

2015 julio 13

Este grupo y esta canción cobran actualidad esta semana con la crisis griega. El nombre de la banda sueca y el título de su obra más conocida nos dan los ingredientes esenciales para formular la pregunta más diabólica: ¿Afronta Europa su cuenta atrás?. El futuro del continente puede decidirse en los próximos días, tanto a nivel político como económico.

El conjunto escandinavo de soft-hard-rock ya nos avisó de esta situación hace casi treinta años. Quizás es mucho decir. Sin embargo, aventuraba que las cosas volverían a ser igual que antes, cuando el viejo continente no estaba tan unido y había que buscar alguien a quien culpar de los errores.

Pero centrémonos en la música. Europe se dio a conocer en 1986 con el single ‘The final countdown’, que vendió más de veinte millones de discos en todo el mundo y fue número uno en veinticinco países. Su expansión fue tal que hoy podemos considerar que este tema está demasiado trillado porque lo hemos escuchado en exceso. Se ha convertido en verbenero, caricaturesco. Ello no impide que sea reconocido como uno de los hitos del rock continental, generador permanente de saltos y gritos. Son datos comprobables en cada uno de los conciertos de Europe. Leer más

La Compañía – El soldadito

2015 julio 1

Este grupo y esta canción pueden considerarse los primeros productos de laboratorio musical que surgieron en España. Ocurrió en los primeros meses de 1970, cuando la multinacional discográfica CBS se instaló definitivamente en nuestro país. El productor Rafael Pérez-Botija, responsable artístico del sello, fue el encargado de crear las primeras obras ‘made in Spain’ para completar un catálogo hasta ahora compuesto por trabajos llegados desde el extranjero.

Pérez-Botija eligió a Cecilia como solista estrella y creó La Compañía para hacerse con el mercado de las bandas vocales mediante adaptaciones de temas clásicos y zarzuelas a ritmo de pop, un terreno que ya había labrado con éxito Miguel Ríos con el ‘Himno de la alegría’, basado en la ‘Novena sinfonía’ de Beethoven. Leer más

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