Eurythmics – There must be an angel (Playing with my heart) (Debe haber un ángel jugando con mi corazón)
‘There must be an angel’ significó en 1985 el primer número uno del dúo technopop británico Eurythmics. Mediante ritmos repetitivos y arreglos vocales operísticos, Annie Lennox y Dave Stewart consiguieron alumbrar aquel verano un tema sublime que inmediatamente se hizo dueño de las emisoras de frecuencia modulada gracias a un pop perfecto.
Todo ello a pesar de que Lennox se recuperaba de unos nódulos en las cuerdas vocales que le impidieron emprender una gira e incluso participar en el multitudinario concierto de Live Aid. La fórmula de la comercialidad quizá se debió a que redujeron su uso habitual de sintetizadores, incorporaron ciertas gotas de blues y se apoyaron en instrumentos tradicionales como las guitarras, la trompeta o el saxo.
Inicialmente Eurythmics, también compositores de la canción, tenían destinado el tema al cantante invidente norteamericano Stevie Wonder, pero finalmente tuvieron que conformarse con que la estrella de la Motown colaborara tocando un solo de armónica que rivalizó con las cualidades vocales de Annie.
El fondo de la trama de ‘There must be an angel’ no es sencillo. Versa sobre la búsqueda personal y espiritual en los momentos en que nos encontramos sentimentalmente más débiles. En apenas un puñado de párrafos, su ánimo es intentar subir la moral y la autoestima de quienes la escuchan en esos días malos que todos tenemos de vez en cuando.
La protagonista se siente sola, pero se cree bendecida por un ángel, por multitud de ángeles que reavivan su corazón y establecen una conexión celestial con quien ella ama. Pese a la profundidad del intento se convirtió en uno de los éxitos más comerciales de la carrera de Eurythmics. De esos que provocan sonrisas inmediatas.
El videoclip se hizo muy popular. En él Dave Stewart interpreta a Luis XIV y Annie Lennox a una cantante que ha sido llevada ante el Rey Sol para entretenerle con una melodía tan bien construida.
Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón
Entro en una habitación vacía
y de repente mi corazón retumba
es una orquesta de ángeles
y están tocando con mi corazón
debo estar hablando a un ángel
Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón
Y cuando creo que estoy sola
parece que hay alguien más en casa
es una multitud de ángeles
y están tocando con mi corazón
Debo estar teniendo alucinaciones
viendo a los ángeles de fiesta
podría ser esto estar reactivando
dislocando mis sentimientos?
Debe ser una desconocida ilusión
por intervención celestial
dejándome el recuerdo
de tu celestial conexión.
VERSIONES
Annie Lennox, ya roto el dúo con Stewart, firmó una revisión de corte RHYTHM & BLUES. La interpretó en directo en Londres en 2009. Sin igual.
El quinteto de rock alemán NO ANGELS supo aprovechar también la comercialidad de ‘There must be an angel (Playing with my heart)’. Llevó el tema al número uno en su país y en Austria en 2001.
KYLIE MINOGUE la canta en sus giras.
Como rareza esta interpretación que realizó el difunto tenor PAVAROTTI con Eurythmics.
La banda CELTIC WOMAN nos ha hecho llegar una versión preciosa.
Por último reseñar que en 1999 Eurythmics se reunió para cantar con el gran STEVIE WONDER.
La escocesa Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (guitarrista y compositor) comenzaron su andadura musical en la vía del punk londinense a mediados de los 70. Pero evolucionaron con facilidad hacia el technopop con su primer grupo, Tourists, banda que rompieron en 1980 para fundar el dúo EURYTHMICS. Eligieron el nombre inspirándose en la palabra latina Eurythmia, cuyas raíces provienen del griego Eu (Bien o bueno) y Rythmes (ritmo),
El éxito llegó en 1983 con ‘Sweet dreams’, disco de oro, y siguió con ‘Who’s that girl?’, ‘Are made of this’, ‘Would I lie to you?’ o ‘Here comes the rain again’. Aunque fue en 1985 cuando tocaron la gloria con ‘There must be an angel’. El tema al que hoy nos referimos marcó un punto de inflexión en su carrera pasado a un estilo new wave que levemente incluso se encaminó hacia el rhythm and blues.
Toda una cadena de temas con gran repercusión les colocó frente a la década de los noventa, cuando decidieron separarse para emprender carreras en solitario. Stewart se centró en la producción, mientras que Lennox cosechó numerosos éxitos discográficos y acentuó su faceta activista solidaria.
Intermitentemente se reunieron para grabar dos discos en 1999 y 2001, y siempre corre el rumor de que resucitarán el dúo.
Eurythmics llegó a vender unos 75 millones de discos en todo el mundo. Además cosechó cuatro Grammys, dos Globos de Oro e incluso un Oscar.
Siempre me he identificado con el inefable cantautor italiano Franco Battiato porque yo, como él, me mantengo en la permanente búsqueda de «un centro de gravedad permanente que no varíe lo que ahora pienso de las cosas, de la gente», aunque también abierto a una evolución y contrario a la costumbre de marcar fronteras.
‘Centro de gravedad permanente’ constituyó el impulso definitivo para el siciliano, hasta entonces circunscrito a un público minoritario, básicamente de su propio país. Aunque hay quien piensa que sus letras se confeccionan como las listas de la compra y que realmente tras ellas no hay mensaje, otros descubrimos una poética espiritual, con referencias a la ciencia, a la aldea global… Es decir, una intelectualidad ecléctica de difícil compresión para las masas. Una entelequia, al fin y al cabo.
Para acceder a cierta dimensión de su obra hay que comprender previamente su personalidad. La canción de la que hablamos hoy puede hablarnos de ella. Se trata de un grito de desesperación del propio Battiato en su búsqueda de la normativa que rige su propio universo.
Este himno de los himnos del veterano transalpino se editó en 1981 y pronto fue reconocido como una pequeña gran joya en la que recupera algo de su etapa de experimentación sonora o de la de beligerancia humanística, derivando hacía un rock progresivo y experimental con influencia de la ópera. Vendió más de un millón de copias.
Trata de dejarnos claro que mantenerse vivo después de vivir es muy complicado y que ser feliz tampoco es fácil tras una existencia tan dolorosa como la de los humanos, muñecos con el centro de gravedad por debajo del centro geométrico. Minimalismo existencial, sin duda, el de Battiato. Siempre en la búsqueda de la integridad y el equilibrio.
Los centros de gravedad permanentes son, según el italiano, personales. Se basan en cosas como la familia o la ideología pasando por la pasión o la religión. Proporcionan un equilibrio mental, emocional y social. Tal vez trasladan el deseo de que nada te aliene el pensamiento.
El videoclip que ilustró la canción tampoco tienen desperdicio. En él podemos observar a Battiato deasafiando la fuerza gravitatoria, o sea buscando su centro de gravedad muy ochentero. Histriónico en su autoparodia se ríe de sí mismo y de todos los que le ven.
Una vieja de Madrid con un sombrero,
un paraguas de papel de arroz y caña de bambú.
capitanes valerosos,
listos contrabandistas noctámbulos.
jesuitas en acción
vestidos como unos bonzos
en antiguas cortes con emperadores
de la dinastía Ming
Busco un centro de gravedad permanente
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again
En las calles era mayo y caminábamos juntos
contando entre bromas manojos de ortigas
no soporto ciertas modas,
la falsa música rock, la new wave española,
el free jazz, punkie inglés,
ni la monserga africana.
Busco un centro de gravedad permanente,
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again
VERSIONES
La interpretación original EN ITALIANO es conveniente verla también.
El grupo LOS CARAMELOS, liderado por Charlie Mysterio, editó en 2002 un ‘Centro de gravedad permanente’ muy particular.
LA MONJA ENANA firmó asimismo una original y fresca revisión.
FRANCO BATTIATO lleva en el mundo de la música cerca de cincuenta años, en los que nos ha ofrecido más de treinta discos de estilos tan diversos como su propia personalidad. Aunque su mayor éxito lo obtuvo en la década de los ochenta del pasado siglo con canciones como ‘Cuccurucucu’, ‘Yo quiero verte danzar’, ‘Bandera blanca’, ‘’La vía lactea’, ‘La estación de los amores’ o la analizada ‘Centro de gravedad permanente’, sus originales letras han pervivido hasta la actualidad.
Extraño e inclasificable, el siciliano ha conseguido encaramarse a una posición que le describe como uno de los músicos europeos y mundiales más conocidos y respetados por sus seguidores, poseedores de un fervor cuasirreligioso. Battiato, que vive refugiado en la casa de su madre en Catania, a los pies del Etna y lejos de la industria discográfica, ha sabido tejer a su alrededor una leyenda de amor y odio en torno a sus inquietudes y maneras de concebir la música.
Su pop cercano al techno ha sido perfectamente radiable y quizás en eso radica su éxito, a pesar de la dificultad de sus creaciones sobre el cosmos o la inmensidad de cosas, que no podemos comprender.
Su creatividad ha sabido también trasladarse de la música al cine y la pintura, con varias películas y exposiciones de su obra por todo el mundo.
Muchísimos de nosotros descubrimos ‘Amor de verano’ en el último capítulo de la archiconocida serie ‘Verano azul’. Algunos incluso lloraron con aquella despedida sin saber que el tema que le ponía banda sonora pertenecía al Dúo Dinámico. Ya porque no era uno de los más conocidas de Manolo de la Calva y Ramón Arcusa, ya porque pertenecía a una generación anterior.
El final del verano siempre nos ha producido traumas. Bien porque en nuestra juventud se nos acababan las largas vacaciones escolares, como les ocurrió a los protagonistas de la serie, o bien porque ahora se agota el descanso estival en nuestra etapa laboral. Quedábamos o quedamos sumidos en la sensación de que nada volverá a ser igual.
‘Verano azul’ propulsó al Dúo Dinámico. Cuando ya habían pasado sus mejores años y la música disco restringía su campo de popularidad a los aficionados a la música que comenzaban a acercarse a su madurez, el invento de Antonio Mercero les presentó al público más joven en España, cerca de veinte años después de que ‘Amor de verano’ fuera publicado en 1963.
La canción fue diseñada con un ritmo machacón sobre el que, según algunos críticos, sus intérpretes rezan más que cantan para construir una preciosa balada que denota un cierto fervor religioso en su tratamiento, encomendando el único solo instrumental del tema a un saxo alto.
En el trasfondo, como dice el título, un amor de verano, de esos que nunca se materializan pero que dejan recuerdos agradables que perduran durante toda una vida. De los que nunca nos arrepentimos, porque de lo hecho por amor nunca hay que arrepentirse. Son amores imposibles, bonitos porque duran poco y no dan tiempo a que afloren nuestros lados oscuros. Por eso se rememoran como algo puro.
El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás
Pero sé, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré
Dime, dime, dime amor
Dime dime que es verdad
Lo que sientes en tu corazón
Es amor en realidad
Nunca, nunca, nunca más
Sentiré tanta emoción
Como cuando a ti te conocí
Y el verano nos unió
El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás
Pero se, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré.
VERSIONES
‘Amor de verano’ en el mítico epílogo de ‘VERANO AZUL’. A llorar toca.
El Dúo Dinámico cantó esta canción con CARLOS BAUTE para un programa de televisión.
VÍCTOR NARANJO versionó en directo esta obra de Manolo y Ramón durante una actuación que protagonizó en Hospitalet en 2008.
El éxito de la segunda etapa de ‘Amor de verano’ fue de tal dimensión que el mundo de la PUBLICIDAD recurrió a esta canción con profusión. Por ejemplo,Telefónica lo utilizó para lanzar una campaña de captación de clientes al final de un estío.
DÚO DINÁMICO tienen el honor de ser los primeros ídolos juveniles de la música pop española y el mérito de seguir en activo casi sesenta años después. Constituyeron un fenómeno social que nunca ha sido valorado en su justa medida y que incluso debería ser objeto de un estudio universitario.
Hay que remontarse hasta 1956 para relatar cómo Manuel de la Calva y Ramón Arcusa coincidieron en su primer empleo en una fábrica de motores de aviación de Barcelona, su ciudad natal. En la fiesta de Navidad de la empresa de 1958 ambos cantaron juntos algunas canciones y sus compañeros les alentaron a intentar rentabilizar su talento.
Así, comenzaron a actuar en clubes. Pero es una interpretación que realizaron en Radio Barcelona con el nombre de Dinamic Boys la que les promocionó. Sin embargo, el locutor, muy afecto al régimen imperante en aquella época, odiaba todo lo que no era español y les cambió el nombre por el de Dúo Dinámico.
Un año después consiguieron su primer contrato discográfico, abandonaron sus puestos en la fábrica y se lanzaron a la música profesional con gran acogida del público, que los aceptó como una de las principales atracciones juveniles del país. Su buena imagen, un repertorio acertado y versiones de temas anglosajones e italianos hicieron el resto en una época de despegue económico.
Llegaron asimismo algunas películas y aparecieron sus grandes éxitos. Tales como ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Quisiera ser’, ‘Esos ojitos negros’, ‘Como ayer’ o ‘Somos jóvenes’, que se vendieron a miles en España y Sudamérica. Consiguieron incluso tener hasta su propia revista.
A finales de los sesenta Manolo y Ramón comenzaron a tener un pequeño bache porque los nuevos tiempos estaban presididos por conjuntos y solistas que dejaron un poco de lado al formato dúo. Por eso, se volcaron en la composición, naciendo temas como’ La, la, la’, inicialmente destinado a Joan Manuel Serrat y finalmente vencedor de Eurovisión en 1969 con la voz de Massiel. Por aquella época también aportaron temas a Miguel Gallardo, Manolo Otero, Víctor y Diego, Camilo Sexto, Julio Iglesias, Los Chunguitos o José Vélez.
El éxito discográfico del Dúo Dinámico declinó, pero no así sus galas, en las que todavía siguen inmersos – pese a algunas fases de descanso– en la actualidad, ya ancianos.
Los reconocimientos a su trabajo les han llevado a conseguir, entre otros galardones, la Medalla al Mérito en el Trabajo.
Hablamos de una pequeña obra maestra que nos cautivó desde que salió al mercado en 1988. La banda escocesa Fairground Attraction consiguió en ‘Perfect’ una fusión de estilos musicales que van desde el folk hasta el jazz pasando por el country o el cajun. El cóctel deriva en un pop genial, acústico, con un toque de romanticismo descriptivo.
La combinación del genio creativo de Mark E. Nevin y el interpretativo de Eddi Reader, dotada de una voz luminosa y angelical que nos impregna de paz emocional, nos enamoró desde sus primeras notas de sonido rockabilly. Para conseguir este beso en forma de canción colaboró en gran medida la producción de Kevin Moloney para la multinacional BMG/RCA. Ensambló música y letra con una estructura sencilla, basada en guitarra, bajo y batería.
‘Perfect’ fue número uno en todo el planeta a pesar de que contrastaba con los hits discotequeros y de ampulosas producciones que ocupaban la mayoría de los puestos de las listas. Fue el primer single de Fairground Attraction, el que convirtió su debut discográfico en éxito mundial.
Desgraciadamente es un genial ejemplo de ‘one hit wonder’ al tratarse del único tema de la banda que tuvo repercusión. Pero se llevó el Brit Award, uno de los premios más prestigiosos de la música pop británica.
Pero qué más da, porque sí consiguieron que ‘Perfect’ nos quedara grabada en el alma y en ella reverdece cada cierto tiempo, sin que nunca pase al limbo. Y cada vez que reaparece nos hace sonreír con el optimismo y vitalidad que desprende su melodía pegadiza y pizpireta. Su alegría es contagiosa.
Contrasta lo efímero de la existencia de Fairground Attraction –duró apenas dos años– con la perpetuidad de su canción. Esta joya serena, nostálgica y romántica siempre está presente.
El mensaje que nos lanza es que la vida es muy corta para jugar con ella de forma imbécil. Pero, como es una letra optimista, recuerda también a las personas que no viven su mejor momento que pronto todo les va a salir perfecto. Se acabaron los dramas y hay que disfrutar de una bocanada de aire fresco que nos invita a degustar las cosas más sencillas que sólo echamos en falta cuando ya no las tenemos.
Lo importante es tener la mente abierta porque la vida es demasiado corta para malgastarla lamentándose. En ‘Perfect’ se intuye la alegría serena de los que han alcanzado cierta paz espiritual y han dejado de estar presos de las pasiones.
Tiene que valer la pena, sí
demasiadas personas
elegí la segunda mejor
pero no voy a aceptar nada menos
Tiene que ser perfecto, sí.
tiene que ser sí vale la pena
tiene que ser perfecto
no quiero amores de medio corazón
necesito a alguien quien realmente le importe
La vida es demasiado corta para juegos tontos
me he prometido a mí mismo
que no voy a hacerlo de nuevo
tiene que ser perfecto
tiene que valer la pena, sí
Demasiadas personas
tome la segunda mejor
pero no voy a tomar nada menos
tiene que ser perfecto, sí
Los jóvenes que cometen este tipo de errores son tontos
están demasiado dispuestos a dar su amor a distancia
bien, he sido muchas veces tonto
ahora estoy decidido a hacerlo bien
Tiene que ser perfecto
tiene que valer la pena, sí.
demasiadas personas
elegí la segunda mejor
pero no voy a aceptar nada menos
Tiene que ser perfecto, sí
VERSIONES
La japonesa BONNIE PINK firmó una bonita revisión.
ANGELIQUE hizo lo propio.
‘Perfect’ ha sido recurrentemente utilizada por el mundo de la PUBLICIDAD, sobre todo en anuncios de perfumes.
FAIRGROUND ATTRACTION surgió en 1987 al juntarse en Glasgow Eddi Reader (vocalista), Mark Nevin (guitarra), Simon Edwards (guitarrón) y Roy Dodds (batería). Después de tocar en pubs de la capital escocesa y de Dublín, firmó un contrato con la compañía RCA para lanzar su primer single. Era ‘Perfect’ y bastó para que todos conociéramos a la banda.
Su primer LP –‘The first of a million kisses’– confirmó el apoyo del público y también las desavenencias entre los integrantes del cuarteto. En 1989 decidieron disolverlo por diversos problemas internos durante la gira promocional y la grabación de su segundo larga duración. Cuando en 1990 salió al mercado ‘Ay fond kiss’ la banda ya no existía. Este trabajo pasó bastante desapercibido.
En 2003 se puso a la venta un recopilatorio llamado ‘Fairground Attraction: Kawasaki’, con canciones grabadas en directo durante la gira japonesa que el grupo llevó a cabo en 1989. Luego llegaron los consabidos grandes éxitos.
Tras la breve trayectoria de Fairground Attraction, sus miembros han continuado vinculados al mundo de la música. Reader es a la que mejor le ha ido, con siete discos en el mercado y cierto prestigio en el ámbito del folk británico, aunque nunca ha alcanzado las mismas cotas de popularidad.
Nos encontramos ante un ejercicio de patriotismo puro, entorno al orgullo que sienten los italianos por su bandera y su patria a pesar de los habituales desacuerdos entre el norte y el sur de la península de la bota. Toto Cutugno se puso profundo en el festival de San Remo de 1983 con el intento de emocionar a sus compatriotas, de tocarles la fibra más íntima.
‘L’italiano’ no logró vencer en el histórico certamen de la canción transalpina –de hecho tuvo que conformarse con el quinto lugar tras ser eliminada en semifinales y la victoria fue para Tiziana Rivale con ‘Sarà quel che sarà’–, pero sí obtuvo un éxito inmediato en el mercado, donde su composición fue aceptada como un nuevo himno nacional. Prueba de ello es que este tema fue elegido para conmemorar la victoria de la selección de fútbol en el Mundial de 2006.
Pregunta: ¿alguien conoce la canción de Rivale? Es un claro ejemplo de cómo en muchos de estos festivales la opinión del jurado suele estar lejos de los gustos del público. ‘L’italiano’ fue la canción que más repercusión obtuvo ese año en la venta de discos y en las listas de éxitos.
El cantante de Fosdinovo ya se había encaramado al primer lugar en San Remo en 1980 con ‘Solo noi’. Se llevó un galardón que ansiaba desde hace mucho y que también después le obsesionó presentándose en varias ediciones más. Es más, quedó segundo en cinco oportunidades durante la década de los ochenta.
Cutugno destacaba en su letra su condición de italiano convencido, el orgullo de haber nacido en aquel país. Quiso gritar a los cuatro vientos su nacionalidad, al tiempo que describir las costumbres de su tierra. Metafóricamente se refirió a un presidente partisano –Sandro Pertini luchó contra Mussolini con la guerrilla– y a la invasión estadounidense durante y tras la Segunda Guerra Mundial, cuando no estaba bien visto ser patriota porque se identificaba este término con los fascistas del dictador.
Cantar a la nación italiana ha sido una tendencia a la que han recurrido bastantes intérpretes del país unificado por Garibaldi. Por ejemplo, por este blog ya pasaron Adriano Celentano y ‘Azzurro’.
Déjenme cantar
con la guitarra en la mano
déjenme cantar,
Soy un italiano.
Buen día Italia los fideos al dente
un partisano como presidente
con el stéreo en la mano derecha
y un canario sobre la ventana.
Buen día Italia con tus artistas
con tropas sobre manifestantes
con las canciones hechas con amor y corazón,
con más mujeres y menos hermanas.
Buen día Italia, buen día María,
con los ojos llenos de melancolía
buen día Dios, sabes que soy inclusive yo
Déjenme cantar
con la guitarra en mano,
déjenme cantar,
una canción lenta
déjenme cantar
porque estoy orgulloso
soy un italiano.
soy un italiano, verdadero.
Buen día Italia, que no se espanta,
con la crema para barba a la menta
con traje grisáceo sobre azul
y la movida el domingo en la televisión
Buen día Italia con el café estrecho
los zapatos nuevos en el primer cajón
con la bandera en la tintorería
y un seiscientos más de carrocería
VERSIONES
Como buen cantante italiano, Cutugno no desperdició la oportunidad de grabar EN CASTELLANO para el mercado hispano.
En la gala de San Remo de este año, el artista interpretó el tema con los coros de la ARMADA RUSA.
La solista egipcia LARA SCANDAR realizó una revisión árabe de la canción.
DINAMITI DI STEFANI ha reinterpretado los grandes clásicos transalpinos y, por supuesto, se acordó de ‘L’Italiano’.
El veterano artista francés HERVÉ VILARD convirtió la composición de Cutugno en ‘Mediterranéenne’.
Los inefables personajes de ALVIN Y LAS ARDILLAS también recurrieron a la canción a la que hoy nos referimos.
Salvatore Cutugno, TOTO CUTUGNO, es mucho más que otro buen cantante italiano de voz rasgada. Es uno de los músicos más versátiles, trabajadores e insistentes de la península itálica, que además toca diferentes instrumentos como el saxo, el piano, la batería o la guitarra.
Nació en 1943 en la región de la Toscana, pero de muy joven tuvo que abandonar su casa en busca de un horizonte musical que le negaba su entorno. Se marchó a Escandinavia, a Finlandia, concretamente, donde dio sus primeros pasos profesionales en un género tan distinto al que ahora labra como el jazz, actuando en la orquesta de Guido Manusardi.
Regresó a su patria en los setenta del pasado siglo incrustado en el grupo de rock Albatros, para después introducirse en la canción romántica que invadió toda Europa con la lengua de Dante y Petrarca. Su mayor éxito lo cosechó en el festival de San Remo de 1980, que se adjudicó gracias a ‘Solo noi’. Luego siguieron otros como ‘Mia’, ‘Innamorati, innamorato, innamorata’, ‘Un’estate con te’ o la mencionada ‘L’italiano’, que le consolidaron en el mercado italiano y hispanoparlante.
Pero fue en 1990 cuando el festival de Eurovisión acogió su mayor triunfo con ‘Insieme 1992’, que le confirió trascendencia universal que le ha llevado a actuar en 36 países y a vender más de cien millones de discos.
Como compositor para otros artistas también es muy demandado, sobre todo después del éxito que logró en 1975 en Francia gracias a una versión de su tema ‘Africa’, editada por Joe Dassin con el titulo ‘L’été Indien’.
En la actualidad se dedica más a la televisión que a la música, mediante la faceta de presentador, sin desechar por supuesto su participación anual en el festival de San Remo.
Si habláramos de una película diríamos que está basada en hechos reales porque los protagonistas de ‘Sólo pienso en ti’ existieron y existen. Víctor Manuel se inspiró en las vivencias de Mari Luz y Antonio, dos internos de un centro para disminuidos psíquicos de la localidad cordobesa de Cabra, para ofrecernos en 1979 una de las mejores canciones españolas de la historia.
El cantautor asturiano nos hizo llegar un relato de amor distinto, protagonizado por dos personas diferentes pero capaces de aglutinar un romanticismo, si cabe, mayor que el que pudiéramos vivir los que nos consideramos normales. Bellísimo cuento real de dos seres que nacieron acompañados de la mala suerte, pero que la sortearon por medio de los sentimientos para demostrar que el amor es tan humano como universal, que no sabe de edad, diferencias sociales o impedimentos psíquicos o físicos.
En 1978 corrió la noticia sobre la boda de dos discapacitados psíquicos tras superar varios obstáculos, entre ellos los presentados por la iglesia católica. El caso llegó por medio de un periódico hasta Víctor Manuel, que escribió ‘Sólo pienso en ti’ como un himno a la determinación de dos jóvenes con problemas por defender su derecho a compartir una vida juntos.
Este tema materializa un modo de expresión en el que el amor aparece puro, sin pensamientos y quebraderos de cabeza, desconocedor de la oposición del resto a que dos personas con discapacidad se junten. Mari Luz y Antonio finalmente superaron todos los obstáculos legales y sociales, y contrajeron un matrimonio que les hizo felices. En la actualidad tienen tres hijos, uno de ellos universitario.
La Fundación literaria Crisálida organizó no hace mucho un encuentro de la pareja con el cantante. Indescriptible cúmulo de emociones. Víctor Manuel siempre ha asegurado que es la canción que más «dinero y alegrías» le ha dado, ya que es la que más ha perdurado en el tiempo.
Además, contaba el músico que «todavía hoy» le siguen «agradeciendo haber dedicado un tema a la discapacidad», y añadía que es una canción con una gran «carga emotiva» para él. «Me ha dado muchísimas satisfacciones, también por lo que ha significado poner en primer plano algo que nadie ve hasta que no lo tiene en su familia, la discapacidad», señaló.
El 2010 la directora JUDITH COLLEL realizó un maravilloso documental sobre la historia de la canción.
Como anécdota decir que ‘Sólo pienso en ti’ permaneció muchos años prohibida en Argentina, años después incluso del fin de la dictadura de Videla. Por aquellas tierras el ‘rojo’ Víctor Manuel no era muy querido por los militares, que tampoco podrían ver amores diferentes.
En el comedor
les sientan separados a comer
si se miran bien
les corren mil hormigas por los pies
ella le regala alguna flor
y él le dibuja en un papel
algo parecido a un corazón
sólo pienso en ti
Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti
Ella fue a nacer
en una fría sala de hospital
cuando vio la luz
su frente se quebró como el cristal
porque entre sus dedos a su padre
como un pez se le escurrió
hace un mes cumplió los veintiséis
sólo pienso en ti
Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti
Él nació de pie
le fueron a parir entre algodón
su padre pensó
que aquello era un castigo del señor
le buscó un lugar para olvidarlo
y siendo niño le internó
pronto cumplirá los treinta y tres
sólo pienso en ti
Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti
En el comedor
les sientan separados a comer
si se miran bien
les corren mil hormigas por los pies
ella le regala alguna flor
y él le dibuja en un papel
algo parecido a un corazón
sólo pienso en ti
Hey, sólo pienso en ti
juntos de la mano, se les ve por el jardín
no puede haber nadie en este mundo tan feliz
sólo pienso en ti
VERSIONES
La canción original de Víctor Manuel ha sido también utilizada para enseñar el lenguaje de SIGNOS PARA SORDOS.
VÍctor Manuel y PABLO MILANÉS rizaron el rizo en este bonito dueto.
La excantante de Mecano ANA TORROJA interpretó la canción para el programa de televisión que sirvió para elegir la canción de la vida.
El programa de jóvenes talentos de la televisión mexicana ‘La academia’ lanzó a ESTRELLA con ‘Sólo pienso en ti’.
El asimismo asturiano MELENDI actualizó el tema.
En 1996 fue reeditada por el cantante puertorriqueño CHAYANNE.
VÍCTOR MANUEL es asturiano y ejerce de ello. Nació en Mieres y en su entorno tuvo los primeros contactos con la música, participando en festivales locales con canciones con temática folclórica. Al quedársele pequeño el círculo regional optó por marcharse a Madrid para estudiar piano y canto.
En la capital contactó con el mundo del nuevo pop español emergente gracias a la ligera apertura cultural que se daba en el franquismo. Comenzaron a llegar sus primeros éxitos. Tales como ‘La romería’ , ‘Asturias’, ‘La planta 14’, ‘El portalín de piedra’ o ‘El Abuelo Víctor», que todavía olían mucho a su tierra y a
minería.
Ese éxito le permitió comenzar también una carrera cinematográfica con las películas ‘Morbo’ y ‘Al diablo con amor’, en la que conoció a la actriz y cantante Ana Belén, con la que se casó constituyendo el matrimonio más estable del mundo de la música española.
Ambos tuteaban por aquella época con el Partido Comunista y sus discos comenzaron a tener problemas de censura. Sin embargo, con la llegada de la democracia se convirtieron en mitos de la canción ofreciéndonos lo mejor de su producción. Entonces llegó ‘Sólo pienso en ti’.
Racha de irlandeses. Tras The Boomtown Rats llega Gilbert O’Sullivan, cultivador de una música muy distanciada de la ofrecida por la banda de Bob Geldof. ‘Alone again (Naturally)’ emergió en 1972 y constituyó el éxito histórico del cantautor, sustentado en una bonita melodía, una maravillosa instrumentación y una letra llena de mensajes capaces de conmover y provocar todo tipo de sentimientos.
O’Sullivan se especializó en baladas y hoy analizamos la más popular de las que lanzó al mercado. Su repercusión fue tal que encabezó las listas estadounidenses durante seis semanas no consecutivas. Una composición tierna para contarnos la historia amarga de un aspirante a esposo al que dejan al pie del altar sin lograr consumar su nuevo estado civil.
El protagonista nos hace partícipe de su decisión de optar por el suicidio tras haber perdido a la mujer que amaba y a sus padres. En una de las primeras canciones que incita de manera evidente a quitarse la vida. ‘Alone again (Naturally)’ se convierte así en un réquiem.
Lo más fácil es optar por la hipótesis de una canción autobiográfica, pero el irlandés lo desmintió, aunque admitió que su padre sí había muerto a temprana edad. Siempre ha defendido que la historia es sólo fruto de su mente y no está inspirada en ningún hecho real.
‘Alone again (Naturaly)’ recientemente ha vuelto a la actualidad en un pleito judicial tras un plagio realizado por el rapero estadounidense Biz Markie, que utilizó parte de su melodía sin pedir permiso. La sentencia dijo que se violaron los derechos de O’Sullivan.
Con el tesón del que sabe que es una gran obra, el irlandés justificó su demanda porque «la música significa mucho para mucha gente. No voy a permitir que sea usada para karaoke o fines comerciales. Iré hasta mi tumba para defender la canción y asegurar que nunca se vea en un escenario cómico, lo cual es ofensivo para aquellas personas que la compraron por las razones correctas».
Dentro de un tiempo
si continúo igual de amargado
me prometo a mí mismo tratarme,
visitar la torre mas cercana
y, una vez arriba, tirarme al vacío
en un esfuerzo para que ‘alguien’ se entere
cómo se siente uno cuando está destrozado,
abandonado, dando tumbos
en una iglesia mientras la gente dice,
«eso sí que es duro, lo dejó plantado”
Dijeron «no hay motivo para que nos quedemos
así que debemos irnos a casa también»
como yo mismo hice,
solo otra vez, naturalmente
Y pensar que hasta ayer
yo era alguien alegre, brillante y feliz
mirando hacia adelante
sin saber aún el papel que estaba a punto de desempeñar
Pero para dejarme noqueado
la realidad llegó y sin hacer demasiado,
con un simple roce, me cortó en pedazos
me dejó sin fe, hablando de Dios
y su misericordia, si el realmente existe
¿por que me abandonó cuando realmente la necesitaba?
ahora realmente estoy, por supuesto,
solo otra vez, naturalmente
Me parece a mí que hay más corazones
rotos en el mundo que pueden ser arreglados,
abandonados ¿qué vamos a hacer?
¿qué vamos a hacer?
solo otra vez, naturalmente
Ahora, recordando los años pasados
y algún otro momento que se me aparece,
recuerdo que lloré cuando mi padre murió
nunca quise ocultar mis lagrimas,
y a la edad de 65 años mi madre,
«Dios la tenga en su gloria»,
No podía entender por qué la única mujer
a la que él había amado se la habían arrancado
dejándole (para empezar) con el corazón tan roto
que aparte de mis palabras de aliento
no se volvió a decir ninguna palabra
y cuando ella murió lloré y lloré todo el día
solo otra vez, naturalmente
solo otra vez, naturalmente
VERSIONES
La grabaron en castellano LOS TRES TRISTES TIGRES.
El mexicano CHAO ofreció su visión en ‘Sólo soy para ti’.
ALBERTO FONT hizo lo propio.
Buena es asimismo la revisión que firmaron MANOLITA DOMÍNGUEZ Y LOS CONTINUADOS.
La diva del jazz SARAH VAUGHAN incorporó la canción a su discografía. Genial.
Especial es la moderna versión de VONDA SHEPARD. Está incluida en la banda sonora de la serie ‘Ally McBeal’.
El 1 de diciembre de 1946 vio la luz en la localidad irlandesa de Waterford uno de los baladistas más importantes del pasado siglo: RAYMOND EDWARD O’SULLIVAN. Sin sucumbir al desaliento y sin menospreciar ninguna influencia, desde su más tierna infancia apostó por el mundo de la música.
Para luchar por ello se trasladó a Londres a finales de los sesenta. En la capital británica dio inicio a su andadura como compositor y cantante, llamando la atención de la multinacional CBS, que le permitió grabar sus primeros discos, pero que no le renovó el contrato tras sus fracasos iniciales.
El sello MAM y su alma matter Gordon Mills, por entonces mánager de Tom Jones, lo redescubren y lo llevaron al éxito con temas como ‘Nothing rhymed’. Su repercusión aumentó con algunas apariciones televisivas, en las lució una extravagante estética basada en pantalones cortos, jerseys con la letra G estampada y un peinado peculiar.
Su particular estilo pop, lleno de arreglos orquestales y melodías sin complicaciones mezcladas con hermosísimas letras, se plasmó ya en los setenta en excepcionales baladas con buen resultado comercial. Son los casos de ‘We will”, ‘No matter how I try’, ‘Underneath the blanket go’, ‘Matrimony’ y, sobre todo, ‘Alone again (Naturally)’, al que siguió otro número uno mundial como ‘Claire’. Fue su mejor momento.
Conflictos con Mills acabaron con su relación profesional con su productor y le llevaron en los ochenta de nuevo a CBS, casa con la que en 1980 grabó ‘What’s in a kiss’, con la que resucitó su pretérita gloria comercial.
Pronto volvió a perder el interés de los mercados y se centró en actuaciones en vivo. Actualmente, pese a seguir en activo, navega por el olvido.
Esa afirmación la suscribimos todos. Y más si realmente llegamos al trasfondo de ‘I don’t like mondays’. Cada vez nos llegan más noticias de matanzas –casi siempre en Estados Unidos– que tienen como protagonistas a adolescentes teóricamente normales que un buen día cruzan la frontera de la cotidianidad para alcanzar un sangriento protagonismo.
La canción escrita por Bob Geldof, líder de The Boomtown Rats, nos recuerda el caso de una joven californiana de 16 años llamada Brenda Ann Spencer, que en 1979 durante veinte minutos disparó desde la ventana de su casa a su escuela con el rifle que su padre le regaló por Navidad en vez del radiocassette que ella reclamaba.
Tras más de cincuenta tiros asesinó al director y al guarda, e hirió a otras nueve personas, entre niños y policías. Cuando se le acabó la munición fue detenida. Al ser preguntada por los motivos de la masacre se limitó a decir. «No me gustan los lunes. Sólo lo hice para animarme el día. No tengo ninguna razón más, sólo fue por divertirme».
La banda irlandesa la grabó el mismo año de la tragedia, con gran éxito en Europa, donde fue número uno en varios países. No ocurrió lo mismo en el país de las barras y las estrellas. Allí las emisoras de radio en un principio boicotearon la canción para evitar hablar de la tragedia. Geldof explicó que se enteró de la noticia del tiroteo mientras le realizaban una entrevista en una radio de Atlanta. A su lado se encontraba un telex y por él salió la información del crimen.
En el camino de vuelta a su hotel decidió que debía dedicar un tema a esa estúpida atrocidad. Primero iba a tener un ritmo reggae, pero cuando la banda regresó a Irlanda se optó por una onda new wave con el maravilloso piano de Johnny Fingers como instrumentro estrella.
De cualquier manera han sido abundantes los temas dedicados al día más duro de la semana, aunque he oído hablar de gente que también piensa que los lunes abren una gran posibilidad de comenzar algo nuevo, una esperanza. He de reconocer que yo no conozco a nadir de esa opinión.
Así de rebote, recuerdo a The Bangles y su composición de los ochenta ‘Maniac Monday’ o a The Mamas & The Papas con ‘Monday Monday’, en los setenta. Sin olvidar ‘Lunes por la madrugada’, de Abuelos de la Nada, o ‘Lunes otra vez’, de Sui Generis.
Todos comparten la misma teoría. El lunes es siempre un motivo de congoja, porque te recuerda que tienes por delante una dura semana. El tiempo ha vuelto a jugárnosla en su terror circular, el eterno retorno al odiado día del madrugón. Es difícil escapar de esa rutina.
Se le fundió el chip de silicona de su cerebro
y nadie irá a la escuela hoy
Ella va a hacer que se queden en casa
Y papá no logra entenderlo
Él siempre dijo que ella era tan buena como el oro
y el no consigue entrar en razón
porque no hay ninguna razón
¿Qué razones necesitas que te muestren?
Dime por qué no me gustan los lunes
Quiero pasarme el día entero disparando
La máquina de teletipo se mantiene limpia
mientras le teclea a un mundo en espera
Y mamá se siente tan conmocionada
el mundo de papá se desmorona
y sus pensamientos giran hacia su pequeña hija
Dulces 16, no es un lamento tan fácil
No, no es fácil admitir la derrota
Ellos no pueden ver las razones
porque no hay razones
Todo el mundo dejó de jugar en el patio
ella quiere jugar con sus juguetes un rato
Y la escuela termina temprano
y pronto estaremos aprendiendo
que la lección de hoy es cómo morir
Y le megáfono cruje, y el capitán cruje
con los problemas y los cómos y los porqués
Y él no puede ver ninguna razón
porque no hay ninguna razón
VERSIONES
La pianista y cantautora estadounidense TORI AMOS nos ofreció en 2001 una revisión mucho más suave. Su versión fue utilizada en la obra de teatro ‘Romeo and Juliet’.
En 1995 BON JOVI y el propio Bon Geldof actuaron juntos en directo.
A TERRY WHITNEY le bastó el piano y su voz para firmar su propia interpretación.
El cuarteto británico G4 la incorporó a uno de sus trabajos discográficos en 2006.
Los punkies estadounidenses THE GROOVIE GHOULIES le metieron ritmo al tema.
‘I don’t like mondays’ apareció en la serie de televisión ‘HOUSE’, cuando el protagonista, interpretado por Hugh Laurie, la tocó al piano para un paciente con problemas cerebrales.
El grupo THE BOOMTOWN RATS estaba compuesto por el vocalista Bob Geldof, Johnnie Fingers, Gerry Cott, Garry Roberts, Pete Briquette y Simon Crowe, todos irlandeses. Su andadura se prolongó desde 1975 a 1986 dejándonos como herencia seis discos y una canción sin igual: ‘I don’t like mondays’.
Sin duda fue su tema franquicia y uno de los pocos que recordamos del quinteto, que es considerado un One hit wonder, grupo con un sólo éxito. En 2006, durante la presentación de los Premios NME, Russell Brand hizo una broma al respecto y señaló que Geldof, activista involucrado en la lucha contra el hambre en África, lleva cenando treinta años gracias a esta canción.
Pero no es del todo cierto porque The Boomtown Rats antes que ‘I don’t like mondays’ ya habían conseguido un número uno en 1978 con ‘Rat trap’ y más tarde también lograron un gran éxito con ‘Looking after no. 1’.
Gelfof fue asimismo protagonista de la película ‘The wall’, sobre la obra de Pink Floyd, pero lo que en realidad le dio la fama fue su activismo por el desarrollo de los países africanos. Incluso le llevó a ser nominado al premio Novel de la Paz. Su vocación nació cuando en su casa veía un programa especial de la BBC sobre la hambruna de Etiopía.
Entre las numerosas actividades benéficas que ha organizado en el mundo del rock está el mundialmente famoso concierto ‘Live Aid’, que se desarrolló en 1985 simultáneamente en Londres y Filadelfia.
Siempre me ha gustado la música country y ‘Un velero llamado libertad’ me ha recordado a ella cada vez que la he escuchado. No sé por qué. Como todas las composiciones de José Luis Perales es un verdadero poema que ha derivado en uno de esos clásicos que siempre agrada escuchar.
Es toda una balada romántica de oro que está junto a nosotros desde 1979, aportando de forma constante dosis de un romanticismo siempre actual. Se ha conformado en un tema que jamás podrá pasar desapercibido gracias a la magia musical del cantautor castellanomanchego.
‘Un velero llamado libertad’ llegó rodeado de otras grandes composiciones dentro del LP ‘Tiempo de otoño’, octavo disco grande del conquense para la discográfica Hispavox, más tarde absorbida por la multinacional EMI. Esta canción fue producida por Rafael Trabucchelli y Danilo Vaona, los genios de la firma.
Supuso la apertura de una nueva etapa creativa más cercana al pop y mejor recibida por el público por hablar de temática más urbana y abandonar la denuncia de la realidad desnuda de un presente intolerable que realizó en trabajos anteriores. Las ventas le llevaron a alcanzar el doble disco de platino.
Con el respeto de un escolar que llega por primera vez al colegio, Perales nos cuenta en ‘Un velero llamado libertad’ la historia de alguien que se va, que abandona su entorno para huir de los grilletes de la cotidianidad, de los que están más próximos. O de alguien que se marcha de este mundo, dejando rotos a quienes les querían.
Existe una teoría que afirma que ‘Un velero llamado libertad’ estaba dedicado a un joven que se había ahogado en el pantano de Entrepeñas. Pero Perales lo desmintió. Sí escribió una canción para el chico que sufrió el accidente, pero ésta era ‘Pequeño marinero’.
Como en todas sus obras, en ésta también nos encontramos con un momento en el que se detiene el ritmo, como si el tiempo dejara de caminar para realizar una reflexión. Pero la melodía continúa hasta un último suspiro para acabar con un verso a modo de moraleja.
Perales confesó en una entrevista que utilizó la metáfora del velero porque él es de secano. Sin embargo, tiene una casa de campo en la orilla de un embalse artificial, donde tiene anclado su barco, llamado ‘Libertad’, por supuesto.
Ayer se fue, tomó sus cosas y se puso a navegar
una camisa, un pantalón vaquero y una canción
Dónde irá, dónde irá
Se despidió, y decidió batirse en duelo con el mar
y recorrer el mundo en su velero
y navegar, nai na na navegar
Y se marchó, y a su barco le llamó libertad
y en el cielo descubrió gaviotas
y pintó estelas en el mar
Su corazón, buscó una forma diferente de vivir
pero las olas le gritaron vete
con los demás, nai na na, los demás
Y se durmió y la noche le gritó dÓnde vas
y en sus sueños dibujó gaviotas,
y pensó hoy debo regresar
Y regresó, y una voz le preguntó ¿cómo estás?
y al mirarla descubrió unos ojos
nai na na azules como el mar
VERSIONES
El conjunto de cumbia de Santa Fe LOS LEALES la cantó con otro ritmo.
El grupo de pop gallego HEREDEIROS DA CRUS le dio totalmente la vuelta. Decidid vosotros.
También la banda VOLSTEAD aceleró este tema.
Los divertidos miembros de LOS PETERSELLERS no defraudaron.
El grupo conquense TRANCE homenajeó a su paisano.
JOSÉ LUIS PERALES es de Cuenca, como se ha encargado de remarcar cada vez que ha tenido oportunidad. Nació en la localidad de Castejón hace 58 años y dicen que ya antes de cumplir su primer aniversario se le notaba su predilección por la música. De hecho comenzó a aprender solfeo y a tocar el laúd a los seis. Sin embargo, le costó introducirse en el mundillo artístico.
Una beca para estudiar maestría industrial, especialidad de electricidad, en la Universidad Laboral de Sevilla le alejó de casa. En la ciudad hispalense se apuntó a la tuna, aprendió a tocar la guitarra y compuso sus primeros temas.
Completó su educación en Madrid con un peritaje pagado de su propio bolsillo con trabajos como electricista y compositor. En la capital fue descubierto por el director de una discográfica que le ofreció grabar y que fue rechazada porque le daban pánico los escenarios.
Trabuchelli le convenció finalmente y comenzó a cantar a finales de 1973. ‘Celos de mi guitarra’ fue su tema de presentación, con gran éxito en España e Hispanoamérica. Desde entonces ha vendido más de cincuenta millones de discos gracias a un estilo romántico tradicional y a su facilidad para hablar de temas cotidianos de forma intimista. A veces, con un tono ligeramente contestatario. Sin olvidar su faceta solidaria, donando, por ejemplo, los derechos de ‘Que canten los niños’ a Aldeas Infantiles.
Ha escrito más de 450 canciones, muchas de las cuales han sido interpretadas por artistas como Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, Mocedades, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Jeanette o Paloma San Basilio, entre otros. En su carrera personal como intérprete ha recibido más de cien discos de oro y platino.
Nacieron por un murmullo que ellos mismos generaron. ¿Dónde? En las calles, por supuesto, como bien deja claro el nombre que eligieron. Street Boys sugieron bajo tierra, eran subterraneos hasta que fueron rescatados de las galerías del metro de París. Sin embargo, son británicos.
Se dieron a conocer con ‘Some folks’, un pop acústico y desenfadado que nos llegó en 1982 y desde entonces esta canción resurge periódicamente a lo largo de las tres décadas que han pasado desde entonces.
Alcanzó con rapidez el número uno en casi todos los países de la Europa occidental. En España ocurrió allá por marzo. El verano anterior ya se presentaron en su propio país.
Rompieron la tendencia musical reinante en esa época con un sonido alegre, desenfadado, sin contemplaciones, nacido de instrumentos acústicos. La carencia de virtuosismo en los miembros de Street Boys y la ausencia de sintetizadores, algo impensable por entonces, sirvió para insuflar aire fresco al movimiento pop europeo. Alcanzaron un éxito importante con ‘Some folks’ y recorrieron todo el Viejo Continente mediante conciertos acústicos. En sus directos lograron gran empatia con el publico.
Se trataba de una cancion sin pretensiones, que se mecía entre su simpleza, en las antípodas de el italo-disco que invadió el panorama musical comunitario, y una instrumentación no usual basada en guitarra acústica, acordeón, doble bajo y clarinete. Constituyó una pequeña gamberrada musical, tan desenfrenada como fresca, que obtuvo una respuesta entusiasta entre el público.
‘Some folks’, claro ejemplo de vaudeville pop, induce a una sonrisa constante. De hecho, su bondad expesiva fue utilizada por la publicidad, concretamente para promocionar una marca de aceite.
Señoras y señores, para el placer de sus oídos
¿Qué es? No lo sé
Llega el gran momento
¿Es éste?
Los Street Boys. ¿Street boys? Sí, Street Boys
Sí…
‘Some folks’ (la canción), píllala en las películas
‘Some folks’ (la canción), píllala subido a un árbol
Éste, la pillas en tus ojos azules
Venga dame, venga dame tu amor (Uhmmmm)
Venga dame, venga dame tu amor
Uh
‘Some folks’ (la canción), píllala en el futuro (ay ay ay)
‘Some folks’ (la canción), píllala en el pasado
Éste, tú la pillas con tu presencia
Ohhh Venga dame, venga dame, dame tu amor
Uhooo Venga dame, venga dame, dame tu amor…
Cuando el viento frío está esperando
Cuando la luna ha salido
Cuando tu corazón está renqueando
Como un pájaro con problemas
que apenas puede alzar sus alas
Uhoooo
‘Some folks’ (la canción), píllala en el espejo (ay ay ay)
‘Some folks’ (la canción), comiendo
Éste, la pillas cuando la pilles
Ohhh Venga dame, venga dame, dame tu amor
Uhooo Venga dame, venga dame, dame tu amor…
Un polluelo, un boom
Ohhh Venga dame, venga dame, dame tu amor
Uhooo Venga dame, venga dame – qué – dame tu amor…
Oh y ‘Some folks’ (la canción),
la pillan cuando está ardiendo
‘Some folks’ (la canción),
la pillan cuando está… helado!
Éste, la pillas cuando le tocas
Ohhh Venga dame, venga dame, dame tu amor
Uhooo Venga dame, venga dame – qué – dame tu amor…
Cuando el viento frío está esperando
¿Cuándo la luna ha salido?
Cuando tu corazón está renqueando
Como un pájaro con problemas,
que apenas puede alzar sus alas
Uhoooo
Algunos amigos (ay ay ay)
Algunos amigos…
Sí y Algunos… amigos…
Ohhh Venga dame, venga dame, dame tu amor
Uhooo Venga dame, venga dame tu amor a mí
Sí Sí Sí
¡Venga dame, venga dame tu amor a mí!
VERSIONES
Treinta y dos años después de publicar la canción dos de sus componentes realizaron una versión minimalista EN DIRECTO.
El grupo gallegó SOMBRAS DE FRAC efectuó una revisión de ‘Some folks’ en 1982 con el título ‘Gentes’.
El cuarteto británico STREET BOYS pasó en apenas unos meses de tocar en las calles y pequeños locales de París a obtener un éxito en toda Europa. Pero la ebullición sólo duró dos temporadas. hasta que murió su efimera gloria musical.
Sebastian Walton (guitarra acústica y voz, además de líder y autor de las canciones), Peter Dimier (acordeón y voz), Simon Murley (clarinete y voz) y Michel Blakey (contrabajo y voz) destacaron por su innovación sónica al tocar con instrumentos poco usuales en el pop. Durante sus actuaciones en España estuvieron acompañados por Luis Farnox, posteriormente alma mater de bandas como Vº Congreso o El mecánico del swing.
Fueron descubiertos profesionalmente en Cannes durante el prestigioso festival cinematográfico que se realiza anualmente en la ciudad de la riviera gala.
Se limitaron a sacar dos discos grandes. ‘Some folk’, de 1982, fue muy vendido en todo el continente, mientras que el segundo, ‘Street Boys II apostó por nuevas expectativas sónicas dentro de su estilo sin que tuviera ningún éxito. Resultó muy inferior al primero. Tras este trabajo se disolvieron en el olvido.
Labraron un pop fresco, sin aspiraciones que transmitía alegría a su público, convirtiendo cada concierto en un fiesta. En la actualidad su trabajo de aquella época es muy valorado y sus discos se han convertido en piezas de coleccionista muy dificiles de encontrar.
Nos encontramos ante una promesa en forma de canción, de las que miles de personas han realizado a la persona amada. En ‘Te amaré, te amo y te querré’ Mari Trini derrama sobre los versos calidad, memoria y melancolía gracias a una voz impactante y una letra con un velo de tristeza y una profunda emoción de los sentidos.
Esta preciosa balada de oro llega a retrotraernos a recuerdos de amores lejanos e insensatos que derivaron en soledad, silencio y sensación de vacío al ser por fin conscientes de la fugacidad de la vida. Pero que aún hoy perduran en nuestras mentes porque, como dijo alguien, el amor es un accidente donde siempre hay heridos, pero que nunca mata a los que aman. No obstante a veces olvidamos que el orgullo nunca es buen consejero.
Se publicó en forma de single de avanzadilla del LP ‘Oraciones de amor’, lanzado en 1981 dentro de la discográfica Hispavox, y en cierto modo consagró a Mari Trini en una década en la que las tendencias musicales cambiaban y ella, por su estilo, corría el peligro de caerse de la ruleta del éxito.
Te amaré, te amo y te querré
a pesar de nuestra situación
fui cobarde y no supe comprender que
se iba a pique lentamente nuestra unión
Te amaré, te amo y te querré,
aunque tenga que temer un poco más
De puntillas tu ausencia vestiré
y a la ruleta el futuro apostaré
Te amaré, te amo y te querré,
nunca es tarde, creo yo, para empezar
pues el mundo aún está en su lugar
y si revienta a tu lado quiero estar
Sólo quiero dejar claro ante ti
que no es fácil hablar de amor así
el amor siempre casa con honor
qué error amor mío qué error
Te amaré, te amo y te querré,
a pesar de nuestra situación,
fui cobarde y no supe comprender
que se iba a pique lentamente nuestra unión
Te amaré, te amo y te querré
aunque tenga que temer un poco más
de puntillas tu ausencia vestiré
y a la ruleta el futuro apostaré
Te amaré, te amo y te querré
y a las calles se lo pienso gritar
por orgullo te dejé marchar
pero te juro que te volveré a encontrar
Te amaré, te amo y te querré
nunca es tarde creo yo para empezar
te dejaré apagar de un soplo el sol
y vivirás en mis brazos y calor.
VERSIONES
El cantante gitano JUNCO la interpretó con mucho sentimiento dentro de un disco de grandes temas de otros artistas que publicó en 2000.
El peruano RUBÉN DÍAZ LÓPEZ le dio su propio aire.
MARI TRINI fue una de esas personas aquejadas por el mal del principiante. Sus ojos tristes, melancólicos, impresos de lagrimas, se obcecaron siempre en mantener el ímpetu del arranque, sin aceptar que la vida evoluciona y que los ritmos a veces deben decrecer.
Recuerdo una entrevista radiofónica que le realizaron en un programa de madrugada y en la que me transmitió un sentimiento de soledad, de melancolía, con el que siempre la he asociado a pesar de que su imagen exterior pretendía ser la de una mujer fuerte, rebosante de dignidad, como lo demostró en los últimos años de su vida cuando ocultó hasta su muerte el cáncer que la consumía.
La murciana era una gran cantante, pese a que siempre resultó inquietante en su intento de vincular su historia a un amor perfecto que, según confesó en aquella conversación nocturna con el micrófono, nunca le llegó.
Fue una voz prodigiosa, comprometida, llegando incluso a tener que buscar refugio en Francia en busca de un reconocimiento que el franquismo le negó. Sus éxitos fueron innumerables, desde ‘Amores’ hasta ‘Una estrella en mi jardín’. Pero no es cuestión de realizar una relación de ellos. Me conformo con hacer referencia a su leyenda musical.
Siempre genial, tanto como poetisa o cantante, hizo bandera de una rebeldía almibarada con talento y sensibilidad. Fue una estrella que nos guió en muchos momentos y que nos dejó un legado que se mantendrá vivo, para siempre. «La muerte viene cuando el alma se detiene» confesó una vez en un diario chileno. La suya sigue en funcionamiento.
Seguimos navegando por los iniciales años de los ochenta. ‘Menta y limón’ fue una de las primeras canciones de amor que bailó toda una generación. La voz muy filosa y personal del intérprete y compositor argentino Roque Narvaja nos la ofreció durante el período de vida que residió en España tras huir de la dictadura de Videla, concretamente en 1982.
Menta y limón’ es de esos temas que nos trae recuerdos que ya parecían borrados. Cualquiera de los que escuchábamos radio a principios de aquella década nos acordaremos de ella y la reflotaremos de nuestro limbo. Una guitarra hechizada salpica toda la composición, dotándola de un ritmo que permite desarrollar a través de él un historia de amor de un joven inmaduro que cree que todo es miel.
La realidad le pone a su sitio y su matrimonio, en principio celestial, se estrella contra la vida. Sin embargo, aunque las circunstancias hicieron imposible aquella pareja, el amor era verdadero y él ahora masca su soledad y rememora a la persona amada.
Una letra sensible que hace especial incidencia en los seres dotados de una sensibilidad capaz de captar la dulzura y el amor que se esconden en sus poco más de cuatro minutos. La combinacion gastronómica de la menta y el limón es explosiva. Garantiza un frescor inmediato, como en su día ofreció este tema, logrando vender miles de copias a ambos lados del océano Atlántico. Este verso lo demuestra todo:
Mis manos son hielo sin tu espalda
mi frente un infierno sin tu calma
mis ojos la pena y la mirada
menta y limón
No hacen falta más palabras para describir lo que el protagonista sentía.
Nos miramos una vez
y supimos enseguida qué pasaba
nos hablamos una vez y salimos
a buscar la madrugada
El vino fue un complice
para toda aquella fiesta de palabras
y al cabo de un tiempo de querernos
nos casamos de mañana
No era fácil trabajar y difícil
llevar dinero a casa
yo soñaba más y más
pensando que te tranquilizaba
El fracaso fue un cristal
para ver nuestra pareja separada
y después de un tiempo de engañarnos
todo quedo en nada
Y espero despierto la mañana
fumándome el tiempo en la cama
llenando el espacio con tu cara
canela y carbón
Mis manos son hielo sin tu espalda
mi frente un infierno sin tu calma
mis ojos la pena y la mirada
menta y limón
Por las calles de mi vida
voy mezclando la verdad y la mentira
me cambio el nombre en cada esquina
y le pongo al tuyo una sonrisa
He dejado de beber y como tu fruta preferida
y escapando de mi suerte y de mí mismo
vuelvo al punto de partida
VERSIONES
En 2010 los malagueños de DANZA INVISIBLE rindieron un merecido homenaje a Narvaja con una gran adaptacion de ‘Menta y limón’.
La mexicana YURI recurrió al autor mexicano para incorporar el tema a su discografía.
El dúo chileno DOUBLE V incluyeron ‘Menta y limón’ en su disco de debut, en 2009.
También su compatriota ANDRÉS DE LEÓN optó por esta canción romántica.
El bonaerense NITO MESTRE, fundador y ex vocalista de Sui Generis, interpretó asimismo la composición de Roque Narvaja.
ROQUE NARVAJA es de esos artistas que lo apuestan todo desde el principio, de los que no escatiman esfuerzos ni en su vida ni en su obra, de los que el ímpetu inicial se convierte en su causa única. Es la característica que ha presidido su devenir desde que nació en la localidad argentina de San Esteban, cerca de Córdoba, el 10 de febrero de 1951.
El cantautor y guitarrista argentino se hizo popular por ‘Santa Lucía’, que cedió a Miguel Ríos y que es considerada una de los cien mejores temas de amor escritos en castellano. Pero su carrera había nacido ya mucho antes en su país natal, cuando a los principios de los setenta fue el líder y fundador del grupo La joven guardia, exponente de la música beat por aquellos lares.
En 1972 abrió su trayectoria como solista con canciones de protesta y letras politizadas que pronto le pusieron en el punto de mira de la dictadura militar, por lo que cinco años más tarde se vio obligado a exiliarse en España. En Madrid entró pronto en el mundo musical de la época y triunfó con temas como el mencionado ‘Menta y limón’ o ‘Yo quería ser mayor’. Corría el comienzo de los ochenta. Fue en esa década cuando nos ofreció lo mejor de sí.
Aunque al terminar el régimen de Videla todavía decidió quedarse en España, su andadura se difuminó y en 1989 se trasladó a la ciudad argentina de Junín, donde vivió hasta 1995 dejando un poco de lado la música y dedicándose a la aviación. Otra vez viajó a España, pero, con la llegada del nuevo siglo, hizo coincidir el resurgimiento de su carrera y la vuelta definitiva a su país.
Joan Manuel Serrat dijo de el que «Roque forma parte de esa gente que de la lluvia se interesa por la gotas y en los cielos busca los relámpagos. Es un representante emblemático de una música sin fronteras». Las palabras del maestro no pueden tener réplica.
‘Desde que tú te has ido’, que dio también título al primer LP de Mocedades en la multinacional CBS (Sony, desde 1992), supuso un cambio sintomático en la historia del grupo bilbaíno. Tras más de una década grabando con Zafiro y cultivando básicamente fuentes del folk e interpretando temas de Juan Carlos Calderón, modernizaron su carrera y se lanzaron hacia un mercado más pop. Eso sí, siempre basándose en su calidad vocal.
Esta preciosa composición de la desaparecida Cecilia, que ella nunca llegó a publicar, se configuró en Londres allá por 1981, con mezclas realizadas en un estudio de Milán. Todo bajo la producción del hispanocubano Óscar Gómez, ganador de cinco Grammys.
El éxito fue inmediato, tanto entre el público como en la crítica. El nuevo concepto musical sobre el que decidió caminar el clan liderado por los hermanos Uranga fue muy bien representado por ‘Desde que tú te has ido’, el single elegido para presentar su nuevo look ante sus seguidores y que consiguió encaramarse a los puestos altos de los hit parade de España y Latinoamérica.
La extraordinaria voz de Amaya atravesaba por su mejor momento y la veteranía que había adquirido el conjunto se plasmó en este trabajo, ejemplo de madurez musical. Los magníficos arreglos de xilofón, que incluso le dan un toque hawaiano y una orquestación de muchos quilates, embozaron la inimitable garganta de la mayor de las Uranga.
Aunque Mocedades se estandarizó un poco, su apuesta por las baladas resultó muy efectiva. Es el caso del tema que hemos elegido hoy. ‘Desde que tú te has ido’ nos narra de forma inmejorable la sensación de soledad irreparable que nos queda cuando un amor se ha roto y nos recuerda los maravillosos sentimientos pretéritos, mientras la persona querida se mantiene a nuestro lado.
Es de esas composiciones que tienen la capacidad de emocionar. La combinación de la letra de Cecilia y las voces de Mocedades logra desgarrarnos. Suavidad y ternura elevados a la máxima expresión.
Desde que tú te has ido
desde que te has marchado
mis manos tienen frío
por no tener tus manos
Desde que tú te has ido
desde que me has dejado
yo sólo soy la sombra
de aquella que has amado
Y en mi jardín pequeño
de sueños y esperanzas
hay un rumor a invierno amor
sin ti no tengo nada
Desde que tú te has ido
desde que me he quedado
en esta casa nuestra
es que me falta algo
No sé si es el aire
no sé si es la luz
pero cuando miro amor
sé que me faltas tú
Pero cuando miro amor
sé que me faltas tú
Si de tus labios tiernos
bebí todo mi canto
Ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto
ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto
VERSIONES
CECILIA, la autora original de la canción, llegó a grabarla, pero nunca la vio editada. Apareció mucho más tarde en el disco recopilatorio ‘Desde que tú te has ido’, que se publicó en 1996, veinte años después de su muerte. Su voz fue rescatada y digitalizada desde una maqueta que grabó como prueba sólo con el acompañamiento de la guitarra.
El argentino LUCIANO PEREYRA la incorporó a su discografía en 1998,
El divo JULIO IGLESIAS también supo del valor de esta canción.
La tecnología también permitió unir las voces de CECILIA y JULIO IGLESIAS.
MOCEDADES forma parte de la memoria musical de la mayoría de los que crecimos cuando ellos estaban en su esplendor, más en el caso de los que vimos la luz en Vizcaya. Todavía andaba yo algo despistado cuando se llamaban Voces y Guitarras, y despertaron la atención del famoso compositor Juan Carlos Calderón.
Tampoco me acuerdo de su intervención en Eurovisión con ‘Eres tu’, logrando el segundo puesto. Me incorporé al grupo de sus seguidores cuando ya afrontaban los últimos años de su época folk y les seguí con cercanía cuando ficharon por la compañía CBS.
Los hermanos Uranga –Amaya, Izaskun, Estíbaliz y Roberto– y los hermanos Blanco –Rafael y Sergio–, junto con José Manuel Ipiña y Francisco Panera, se juntaron en Bilbao a finales de los sesenta, coincidiendo con su etapa estudiantil, para formar Mocedades. Luego se fueron los dos últimos y entró Javier Garay, para algo más tarde abandonar Sergio y Estíbaliz para formar un dúo. El vacío se llenó con el regreso de Ipiña y la incorporación de Carlos Zubiaga.
A lo largo de los años consiguieron convertirse en uno de los grupos vocales europeos más emblemáticos e indiscutibles líderes en España durante casi tres décadas. Hasta que a mediados de los ochenta Amaya se marcha para cantar en solitario, siendo reemplazada por Ana Bejerano.
Mocedades sobrevivió a la salida de su líder, pero ya nunca volvió a alcanzar la misma cuota de éxito. El conjunto continúa en activo de la mano de la irreductible Amaya Uranga. Sin embargo, ya mira casi exclusivamente hacia Latinoamérica.
Aunque llegaron a lo más alto con ‘Karma Chameleon’, fue ‘Do you really want to hurt me’ la canción con la que las huestes de Boy George nos cautivaron. Culture Club publicó su single a finales del verano de 1982 y constituyó una gran sorpresa musical, alcanzando una cifra de ventas millonaria.
Un ritmo de reggae y delicados arreglos basados en acordes de guitarra y teclados derivaron en una de las piezas más significativas del pop típico de los ochenta del pasado siglo. Un inicio cálido da paso a una mezcla de pop y soul con aires jamaicanos que incluso llega a sonar nostálgica y seductora. ‘Do you really want to hurt me’ alcanzó el número uno, relevando a Musical Youth y ‘Pass the dutchie’, que tarde o temprano también pasarán por este blog.
Según Boy George, la melodía «es simple». «Estoy de acuerdo con aquellos que dicen que las canciones mas potentes del mundo son las que hablan de amor y ésta es una de ellas. Todos pueden entenderlas, especialmente los jóvenes que siempre están perdiendo y ganando en el amor. Al final del día, todo el mundo quiere tener un amor», sostuvo.
Escrita por el propio líder de la banda británica nos habla de la relación sentimental secreta que mantuvo durante seis años con el batería Jon Moss. En aras de que no influyera en la respuesta del público hacia su producto, tuvieron que ocultar su historia a petición de su mánager, temeroso de que sus fans no aceptaran que el cantante y el encargado de la percusión extendieran su contacto a ámbitos distintos de los musicales.
Hay también quien interpreta en la letra una crítica a la discriminación, pero me inclino más a pensar que el autor quiere tiempo para asimilar la nueva situación y se pregunta si en ese espacio su amor quiere hacerle daño.
De cualquier manera, Boy George combinó siempre su imagen transgresora con una intencionada ambigüedad sexual que jugaba con el equívoco. El título asimismo puede ser guiño al tema ‘He’s so gay’ de Frank Zappa, que utiliza la frase ‘Do you really want to hurt me’ en su verso final.
El carácter personal del trasfondo hizo que en un principio su autor se opusiera a que su composición fuera lanzada como single promocional, El propio George admitió en una entrevista que amenazó a la discográfica con abandonar el grupo si promocionaba la canción. En su opinión no era un tema del estilo de Culture Club. Luego confesó que se había equivocado.
En una época en la que el videoclub era casi tan importante como la propia canción, Culture Club recurrió al director Julien Temple para filmar una guión que nos presenta a George juzgado por un crimen. Su extraña apariencia hace que el tribunal se niegue a escuchar sus descargos, mientras un coro femenino afroamericano canta, y ángeles y un jurado que aparecen con la cara maquillada de negro realizan gestos al estilo ‘jazz hands’.
George rememora los hechos frente a la cámara: en 1936, en el club Gargoyle, fue expulsado ante la mirada inquisitora de los parroquianos. Más tarde, en 1957, nada parece haber cambiado y sucede lo mismo en el Dolphin Square Heath Club, pero Boy se evapora antes de que lo echen. Pero nada enternece al magistrado y la sentencia es de culpable. George termina encarcelado.
Dame tiempo
para comprender mi crimen
déjame amar y robar
he bailado dentro de tus ojos
¿cómo puedo ser real?
¿realmente quieres herirme?
¿realmente quieres hacerme llorar?
Besos preciosos
palabras que me queman
los amantes nunca preguntan por qué
en mi corazón el fuego arde
elige mi color
encuentra una estrella
la gente preciosa siempre me dice
que es un paso
un paso a demasiado lejos
¿Realmente quieres herirme?
¿realmente quieres hacerme llorar?
¿realmente quieres herirme?
¿realmente quieres hacerme llorar?
Las palabras son pocas
yo he hablado
podría gastar miles de años
cubierto en dolor
las palabras son tomadas
vienen dentro y atrapan mis lágrimas
Me has estado tomando, pero me crees
Sí, es cierto
Tú no sabes
este muchacho ama sin una razón
estoy preparado para dejarte ir
si es amor lo que quieres de mí
entonces llévatelo
todo no es lo que tú ves
se ha acabado hoy
¿Realmente quieres herirme?
¿realmente quieres hacerme llorar?
¿realmente quieres herirme?
¿realmente quieres hacerme llorar?
VERSIONES
La cantante brasileña KAREN SOUZA, que reinventa clásicos del rock a ritmo de jazz, blues y bossa nova, se fijo en ‘Do you really want to hurt me’. He aquí una interpretación en directo.
La banda alemana BLUELAGOON también supo sacar partido al clásico de Culture Club en 2005.
En conjunto estadounidense VIOLENT FEMMES incorporó el tema a su álbum ‘Why do birds sing?.
La exmiembro de las Spice Girls MELANIE C bebió asimismo de la inspiración de Boy George.
Los londinenses de SOME VELVET MORNING, que se mueven en el indie rock, realizaron un buen cóver.
También existen versiones de Diana King (1997), Thomas Anders (2006) y Amanda Lear (2010).
EN EL CINE aparece en las películas ‘El día de mañana’, ‘El chico ideal’, ‘Shrek’, ‘De perdidos al río’ o ‘El cantante de bodas’.
CULTURE CLUB nació para abordar el amplio mercado adolescente existente en los ochenta, pero ya desde ‘Do you really want to hurt me’ trascendió de ese espacio gracias al liderazgo camaleónico de Boy George, sus maquillajes coloridos, su ropa femenina y sus trenzas.
Al ser contemporánea a otros grupos que labraban ese campo inicialmente se asoció a la banda británica a los nuevos románticos, pero realmente profundizó más sus raíces en soul norteamericano.
Junto al extravagante vocalista integraban la banda londinense Roy Hay (guitarra), Mike Craig (bajo) y Jon Moss (batería). Tras unos inicios frustrantes por el estado de impaciencia generado por lo inminente que no acaba de serlo, fue la canción de la que hablamos hoy la que les dotó de un renombre inmediato en 1982 y les abrió el mundo de la música de masas.
La tendencia se confirmó un año más tarde con ‘Karma camaleon’ y a continuación con ‘Church of the poison mind’, ‘Miss me nlind’, ‘It’s a miracle’, ‘The war song’ o ‘Victims’, temas a veces rítmicos a veces pausados, pero siempre elegantes.
La adicción a las drogas de George les introdujo en un período irregular y una producción de calidad intermitente con canciones como ‘Love is love’, ‘God thank you woman’, ‘Move away’, ‘Your kisses are charity’ o ‘I Just wanna be loved’, entre otras.
Finalmente se hunden en el pozo cuando Michael Rudetski, que les acompañaba a los teclados, apareció muerto por sobredosis de heroína en la casa del líder. Fue el golpe definitivo para Culture Club. No pudo sobreponerse y desapareció.
Boy George continuó en solitario con una errática carrera. Pero a los problemas con la heroína se unieron algunos contratiempos con la justicia al ser declarado culpable de secuestrar y esclavizar a un taxi-boy. Fue condenado a quince meses de prisión, aunque sólo pasó cuatro meses entre rejas.
En 1998 volvieron a hacer un último intento de unión, que resultó efímero. George actualmente es un reconocido DJ.
‘Lola’ era una chica especial, como decía Javier Gurruchaga. Pero ésa no era nuestra ‘Lola’, a la que hacemos referencia hoy. La de The Kinks no era chica, pero sí una canción excepcional. Sin duda, la más más popular del grupo británico junto con ‘You really got me’, su primer éxito.
La aceptación de ‘Lola’ fue tal que reimpulsó la carrera de la banda y le permitió controlar su producción discográfica mediante la construcción de un estudio propio en Londres, desde donde consiguieron autonomía creativa y administrativa sobre su obra.
Tras un período de sequía musical, la salida al mercado de ‘Lola’ en 1970 supuso el relanzamiento del grupo con un número uno instantáneo en las listas de todo el planeta. Les puso de nuevo en el punto de mira del público. Asimismo les abrió definitivamente las puertas norteamericanas después de que el sindicato de músicos les prohibiera actuar desde 1965.
La magia de ‘Lola’ surgió tras el veto estadounidense, que les llevó a suspender giras y a encerrarse en un estudio para labrar su nuevo trabajo. Brotó un pop sincero que derivó en clásico, en un tema imprescindible en todos sus conciertos. Destacó por sus armonías, que emanan tanto calidad y elegancia como contundencia.
Su autor oficial es el líder de ‘The Kinks’, Ray Davies, y nos relata un encuentro romántico entre un joven y un travesti que conoce en una discoteca del Soho londinense. Al parecer se basa en una experiencia real de una noche loca del manager del grupo, Robert Wace, a la que Davis incorporó una letra que hacía gala de su gran habilidad parar manejar el humor, la ironía y el sarcasmo. ‘Lola’ puede ser una de las primeras canciones comerciales que se dedicó a la transexualidad.
En el libro ‘The Kinks: la biografía oficial’, Ray Davies sostiene que Wace había estado bailando con una chica morena toda una noche. Al parecer, cuando allá por las seis de la mañana a la bella dama comenzó a salirle la barba quedó en evidencia el error. Pero para entonces todos estaban lo bastante borrachos como para que la sorpresa ya no importara. Vive y deja vivir, pensaron tal vez.
Sin desmerecer la lírica de la historia de la chica que no era tal chica, lo que realmente enganchó a la masa fue el estribillo, tremendamente pegadizo e incitador para que tomemos parte en los coros. Hay controversias sobre su firma. Dave Davies, hermano de Ray, sostiene que la melodía y los riffs de guitarra son suyos. Sin duda, es una disputa sobre los royaltys que aún no parece resuelta.
En la letra original se hacía referencia a la Coca-Cola, algo que no gustó a la marca de refrescos norteamericana, que exigió un cambio en la prosa y Coca-Cola pasó a ser Cherry-Cola. Sin embargo, paradojas de la vida décadas después la empresa pagó una fortuna a Davies por una campaña publicitaria con esta canción como fondo.
También la BBC prohibió ‘Lola’ por la referencia a la bebida carbonatada de la chispa de la vida. La cadena estatal británica se negaba a citar nombres de productos comerciales por su política de publicidad. Sin embargo, en directo The Kinks utilizaban la versión original en bastantes ocasiones.
La encontré en un club del bajo Soho
donde pedís champán y te dan algo
con gusto a Coca-Cola
Ella me sacó a bailar
y me dijo con voz grave
mi nombre es Lola
Debo decir que no soy el tipo
más fuerte del mundo
y cuando me apretó en la pista
casi me rompe la espalda
Tampoco soy el tipo
más listo del mundo
pero no entendí bien por qué
caminaba como chico
y hablaba como un señor
así que tomamos champán y bailamos
entre lamparitas que imitaban a velas
Después me sentó en su falda
y dijo: nene vamos a mi casa
Se sabe que no soy el tipo
más apasionado del mundo, pero casi
me desmayo de emoción
Cuando llegamos
de la borrachera me caí al suelo
y quedé a cuatro patas
y la miré desde ahí
Así era como yo quería estar
y siempre quiero estar
así para mi Lola
Lola se reía
me agarró la mano
y dijo: nene te voy a hacer hombre
Claro, yo no era el tipo
más experto del mundo,
la verdad ni siquiera
había besado a ninguna
Las chicas pueden ser hombres
los hombres pueden ser chicas
es una confusión para todo el mundo
menos para Lola
En fin, no soy el tipo
más macho del mundo
pero ser hombre me gusta
y a Lola también
VERSIONES
Es muy reseñable la revisión en castellano que hicieron los murcianos de M-CLAN.
A nivel internacional destaca la interpretación de ROBBIE WILLIAMS. Fue en 2007 con motivo del cuarenta aniversario de BBC Radio.
La banda inglesa de ska BAD MANNERS la incorporó a su discografía en 1993.
MADNESS hizo lo propio en 2005.
Existe un número incontable de covers a lo largo de todo el planeta, como, por ejemplo, los firmados por el griego Paschalis en 1972, Don Fardon en 1974, Nicky Thomas en el mismo año, The Raincoats en 1979, Cud en 1989, el alemán Heinz Rudolf Kunze, Weird Al Yankovic, Andy Taylor en 1990, Mollies Revenge en 1997, Damon Albarn en 2000, Thunder, Natural Born Hippies, Dana Baitz, Jan Rot, McFly & Busted, Travis, Widespread Panic, Leela…
THE KINKS surgió en 1963 en el área de Muswell Hill, al norte de Londres, de la mano de los hermanos Ray (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz). Junto a ellos, con el nombre de The Ravens participaron en la génesis Peter Quaife (bajo, voz) y Mick Avory (batería, percusión), aunque luego fueron reemplazados por John Dalton –en 1969– y Bob Henrit –1984–, respectivamente. A su vez Dalton se marchó para dejar sitio a Jim Rodford en 1978, mientras que los teclistas Nicky Hopkins, John Gosling e Ian Gibbons acompañaron a la banda durante las sesiones de grabación a lo largo de su dilatada trayectoria.
Ya con su tercer single –’You really got me’–, alcanzaron un éxito internacional cuando sólo llevaban un año de andadura por el camino del rock & roll con fusiones de rhythm & blues. El disco causó un gran revuelo entre los críticos radiofónicos y de la prensa especializada, que destacaron su sonido innovador al ser considerado el primer tema de hard rock de la historia.
Le siguieron otras composiciones de éxito como ‘All day and all of the night’. ‘A well respected man’, ‘Dedicated follower’, ‘Sunny afternoon’, ‘Session man’, ‘Waterloo sunset’, ‘Death of a clown’, ‘Days’, etcétera. Su fama y prestigio eran ya mundiales.
No obstante, su música varió con el tiempo y, obsesionados por romper el veto estadounidense, miraron hacia el otro lado del Atlántico con un pop más sosegado y teatral, que a la postre les hizo atravesar un bache. La mala racha acabó con la publicación de ‘Lola’, el mayor éxito del conjunto desde su formación.
Desde entonces su carrera se mantuvo estable hasta que en 1996 tocaron juntos por última vez. Durante 2006 se especuló sobre una supuesta reunión. Nunca se plasmó.
The Kinks ha sido uno de los grupos de rock mas influyentes de toda la historia. De la mano, sin duda, de los hermanos Davies, que permanecieron al frente durante más de 32 años pese a los constantes altibajos que sufría su relación personal. Su música recogió influencias de una amplia gama de géneros y quizás ése fue su secreto.
