“El tinte ideológico que se le ha dado al cierre de Alta Films es maniqueo”
DANIEL CALPARSORO DIRECTOR
El cineasta donostiarra, que tiene ‘Combustión’ en los cines, reconoce que ya no saca sus vísceras: “Se las saco a los demás”
Daniel Calparsoro reconoce que hasta su mujer (la actriz Patricia Vico, madre de su hijo de seis años) le dice que se ha aburguesado. Aquel “enfant terrible” lleno de ira y de rabia que debutó hace casi 20 años con “Salto al vacío” es hoy un eficiente director de encargo que sigue teniendo mano maestra en las secuencias de acción. Calparsoro, que no competía en un festival desde “A ciegas” (1997), presentó en Málaga “Combustión”, una cinta de carreras de coches ilegales y enredos criminales y amorosos con actores de buen ver e indisimulada vocación taquillera. El filme, ya en los cines, se beneficia del carisma -y cuerpazo- de Adriana Ugarte, Álex González y Alberto Ammann.
- ¿Le han puesto alguna vez una multa por exceso de velocidad?
- Dos. De 50 euros, tampoco iba muy deprisa. Me encantan los coches y la velocidad, pero soy padre de familia, voy con un niño pequeño. Y no hay cosa que me guste menos que alguien haciendo el gamba al volante, porque es una bomba de relojería. Lo creo de verdad, no lo digo por ser políticamente correcto. De hecho, todas las carreras de la película están rodadas en circuitos cerrados.
- ¿Esas carreras ilegales con coches de lujo se celebran en la vida real?
- Por supuesto. Nosotros nos hemos alejado de las carreras oscuras y nos hemos centrado en las de alto standing, donde van más a enseñar el coche que a otra cosa. Las hemos rodado como videojuegos. Corren Lamborghinis, Ferraris… Coches de 700 caballos que el que menos vale medio kilo. Lo contrario del tuning, vamos. Yo no me los puedo pagar, je, je.
- ¿Entiende el coche como símbolo de estatus?
- Yo tengo un amigo al que su padre le dejó 25 millones de pesetas de herencia. Y se compró un Ferrari de segunda mano. Son las prioridades que tengas en la vida. Puedes querer una casa, una familia y pagarle el colegio a tu hijo, o ahorrar tu sueldo de camarero y comprarte un cochazo. Y ese es tu momento. Hay gente que es así. El personaje de Mikel (Álex González) lo deja todo por una chica y es feliz.
- Ha hecho una película dirigida al público joven, que no esconde su vocación comercial.
- “Combustión” es una película para disfrutar, la puede ver gente de 15 a 45 años. Cuando el productor, Paco Ramos, me ofreció el proyecto me llamó la atención el elemento lúdico. Y la historia: ese viaje al lado salvaje de la vida del protagonista. La historia de amor es muy básica pero muy potente: cómo un tío se encoña con una mujer y es capaz de dejar todo lo que tiene -pareja, trabajo- por irse con ella, sin saber si va a durar. De eso va “Combustión”. En un momento en España donde tenemos la sensación de que nos han robado el futuro cuento una historia para disfrutar.
- Visualmente es impecable.
- La fotografía está muy cuidada, la estética invita a la sensualidad y la banda sonora de Carlos Jean es muy emocional. Te dan ganas de irte de copas cuando acaba la película. Y lo más importante: tres actores buenísimos que desprenden luz propia, no dejas de quererles aunque hagan cosas malas. En el personaje de la chica buscaba más ambivalencia, quería una mujer fatal contemporánea que cae en su propia trampa, una Rita Hayworth actual.
- Le siguen gustando las chicas fuertes.
- Me encantan, en la vida y en el cine. Buscaba a una mujer con una carga sensual fortísima, manipuladora pero que al final acaba enamorándose de su víctima. Buscaba la luz. Y que la película fuera española, no americana, que los personajes fueran de aquí y sus pasiones y engaños sonaran latinos.
- La rabia de sus inicios, de “Salto al vacío”, “Pasajes”… ¿Se ha ido atemperando o está presente en las imágenes de “Combustión”?
- Está presente de una manera muy distinta. Entonces era rabia, ahora es fuerza. Tengo 45 años. Mi pareja me dice que estoy completamente aburguesado, y no te voy a decir que no. Estos motores de coche rugen con mucha fuerza, hay una sensación vital, una energía que me la han aportado generosamente los tres protagonistas. La rabia la tienes o no. La vida pasa demasiado rápido, puedes envejecer físicamente, pero el gran drama viene cuando eres un señor de 75 años y por dentro te acuerdas de tu primera novia. Digamos que ya no saco mis vísceras, sino que se las saco a los demás.
- Pasó dos años intentando levantar en Estados Unidos un filme de terror y el “remake” de una película suya, “Ausentes”. ¿Le ha quedado alguna espinita?
- Tengo tantas espinitas… Cuanto más viejo, más espinas tienes, eso también te mantiene joven. Al “remake” dije que no porque no quería volver a hacer la misma película otra vez. Me marearon durante bastante tiempo, Hollywood es lo que tiene. No descarto volver a intentarlo, aunque en España he tenido una racha muy buena. No competía en un festival importante desde Venecia, con “A ciegas”. Estoy nervioso pero contento. Mi ambición es conectar con el público.
- El cine español le agradecería un taquillazo.
- No quiero tener esa responsabilidad. Soy director, nada más.
- ¿Qué le parece el cierre de Alta Films, la distribuidora de cine independiente de Enrique González Macho?
- Si quieres que te diga la verdad, es tan sencillo como que una empresa quiebra, como tantas otras. Por mala gestión o lo que sea. No me parece nada más que eso. El tinte ideológico que se le da al asunto es un poco maniqueo. Me da muchísima pena que cierre, porque traía películas cojonudas, pero espero que haya otra empresa que ocupe su lugar. ¿Te he dejado planchado, no?
- No negará que es una pésima noticia.
- Hay otras distribuidoras independientes, no es el fin del mundo. El cine de autor funciona bastante bien, tiene el público más fiel. Y después está la gente mayor. Los jóvenes van a ver cine americano fundamentalmente.
- “A ciegas” abordaba el terrorismo. Si ahora se barajaran películas sobre ETA su nombre saldría como candidato a dirigirlas. ¿Le apetece?
- Lo he pensado mil veces, porque es un tema que me ha tocado muy de cerca. Hay que ser pragmático, al final todo se resume en tener un buen guion. Y es falso eso de que la gran película sobre ETA esté por hacer. Imanol Uribe rodó en su día dos cintas potentísimas, “La fuga de Segovia” y “Días contados”. Como es algo tan cercano, parece que nos cuesta encontrar el ángulo correcto. Claro que tampoco sé si al público le interesaría una película sobre ETA.
(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 22 de abril de 2013).
PABLO BERGER DIRECTOR DE CINE
El triunfador de los últimos Goya, que ha estrenado ‘Blancanieves’ en todo el mundo’, fue homenajeado en el FANT
Ya casi nos hemos olvidado de “Blancanieves”, que barrió en los últimos Goya con diez estatuillas. Sin embargo, su director sigue inmerso en un frenesí promocional por todo el mundo. Estrenada hace cinco semanas en Estados Unidos, la cinta de Pablo Berger lleva recaudados más de 250.000 dólares. «El distribuidor está muy contento». Roger Ebert, el crítico más popular e influyente de Estados Unidos, eligió “Blancanieves” poco antes de morir como una de las películas que más le habían gustado del año. Y la proyectó en su propio festival, el Ebert fest, donde Tilda Swinton bailó y 1.500 espectadores acabaron haciendo la conga ante un alucinado Berger. «Me sentí como una estrella del rock».
El autor de “Torremolinos 73″ regresó a su Bilbao natal para recoger el premio honorífico del FANT en su clausura. Se hubiera quedado todo el fin de semana, pero hoy protagoniza en Madrid el plato fuerte de las Fiestas de San Isidro: una proyección de “Blancanieves” con una orquesta en la Plaza Mayor ante 4.000 personas. Su cuento mudo y en blanco y negro nació con ese propósito, el de ser visto solamente con acompañamiento musical en vivo.
- Uno piensa que el triunfador de los Goya tiene un montón de ofertas sobre la mesa.
- Alguna hay, incluso de Estados Unidos. Cuando ganas los Goya o estrenas allí hay más interés por tu carrera. En mi caso, al ser guionista y director me cuesta aceptar una película de encargo, aunque siempre leo todos los guiones. Suena pedante, pero yo les digo a los americanos que mi precio es un buen guion. Si encuentro uno que lo pueda hacer mío y entra en mi mundo, adelante. Rodar en EE UU no me asusta, viví nueve años y tengo muchos amigos.
- Su anterior filme, “Torremolinos 73″, también funcionó muy bien en América.
- Estoy mal acostumbrado. Siempre he seguido mi intuición y mi corazón a la hora de hacer películas solo para mí. Pero ahora, con la perspectiva de mi corta carrera, veo que se trata de hacer algo diferenciador, cuyo concepto se pueda contar en dos líneas: una pareja que en los 70 hace porno para pagar el alquiler, una Blancanieves torera en blanco y negro… Los espectadores y los críticos americanos buscan algo original. No puedes ir a EE UU con un “thriller” al estilo americano. Tienen un claro interés por la marca cine español. Almodóvar ha hecho mucho por ello, como Amenábar, Rodrigo Cortés, Jaume Balagueró, Álex de la Iglesia…
- ¿En cuántos países se ha estrenado “Blancanieves”?
- Mejor pregunta en cuántos no. En toda Europa, Latinoamérica, Canadá, Australia, Japón… A mí siempre me ha sido más fácil buscar financiación fuera que dentro. No me siento profeta en mi tierra, ni siquiera en el País Vasco: he pedido subvenciones al Gobierno vasco y no me las han dado. En cambio he hecho coproducciones con Francia y Dinamarca. A pesar de la crisis, la industria tiene que seguir en marcha. Yo creo mucho en las coproducciones, sin ellas no hubiese hecho cine. Mi siguiente película también lo será.
- El cierre de Alta Films, la distribuidora de cine independiente de Enrique González Macho, no invita al optimismo.
- Es la peor noticia posible, un mazazo que nos ha dejado a todos noqueados. Enrique González Macho nos representa a todos, es querido y respetado. Reúne la triple faceta de productor, distribuidor y exhibidor, y tiene un talante negociador. Ha hecho todo lo posible para buscar un punto de encuentro, independientemente del color del Gobierno. Del cine español viven muchas familias, no solo los que aparecen al principio de los títulos de crédito. Espero y deseo que haya cambios en la situación, si no, estamos abocados a la desaparición.
- El que tiene que mover ficha ahora es el Gobierno.
- Sí. Se ha dado un gesto curioso. El presidente de la Junta de Extremadura, del PP, va a compensar la subida del IVA cultural con sus presupuestos. Y anima a otras comunidades. Tenemos que darnos cuenta de que la cultura es un artículo de primera necesidad, no un lujo. Y un camino para salir de este agujero. Sin cultura estaríamos todavía en las cavernas.
- Acaba de dirigir un anuncio de telefonía móvil con Mario Casas y Macarena García.
- Mi primer “spot”. En publicidad eres parte de una estructura, pero lo haces con la misma pasión. Solo que para “Blancanieves” tardé ocho años y en un anuncio te llaman dos semanas antes, lo ruedas en un día y ya lo están dando por la tele. Satisfacción inmediata.
- ¿Seguirá dando clases en la New York Film Academy?
- Sí. La traigo a España y las daremos en la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid. A principios de los 90 éramos cuatro profesores en el Tribeca Film Center, y hoy la academia se ha convertido en un imperio. Comparto su filosofía: “learning by doing” (aprender haciendo).
(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 11 de mayo de 2013)
PARK CHAN-WOOK DIRECTOR DE CINE
El reputado cineasta coreano salta a la Meca del Cine con “Stoker”, el filme que inauguró el Festival de Cine Fantástico de Bilbao
Bilbao vivió ests sábado la parafernalia de los “junkets” de cine, las presentaciones de películas que las grandes distribuidoras celebran siempre en Madrid y -cada vez menos- Barcelona. Pocas veces se ha visto una rueda de prensa tan concurrida en la capital vizcaína por una película. Y es que Fox había traído a periodistas de toda España a la “premiere” de “Stoker”, el filme inaugural del FANT. El “talent” (estrella) al que los fans daban pósters para que los firmara era su director, Park Chan-wook.
El cineasta más reputado que ha pisado el certamen bilbaíno en sus 19 años de historia ha dado el salto de Seúl a Hollywood con “Stoker”, un “thriller” maravillosamente rodado, elegante, sutil, perturbador, que se estrena el próximo viernes con Nicole Kidman como reclamo. Que nadie espere la violencia desaforada de la cinta que le puso en el mapa, “Oldboy”, donde el protagonista se zampaba un pulpo vivo mientras los tentáculos se le adherían al rostro y exterminaba a una veintena de esbirros a martillazos en un inolvidable “travelling”.
“Stoker” dibuja un morboso triángulo formado por una viuda (Nicole Kidman) que acaba de sufrir la muerte de su marido en accidente, su reservada hija de 18 años India (Mia Wasikowska) y el atractivo tío de la pequeña (Matthew Goode), que aparece por sorpresa el día del funeral y se queda en la casa para seducir a ambas. Chan-wook no ha hecho concesiones a Hollywood. No estamos ante la típica cinta de suspense con caserón de puertas que crujen y sustos. Si “Vértigo” fue la película que animó al coreano a dedicarse al cine, “Stoker” le ha salido su obra más hitchcockiana.
«”Vértigo” marcó un momento determinante en mi vida», reconoce el director. «En mis películas no me gusta hacer referencias concretas, guiños, a mis cineasta favoritos. En el caso de Hitchcock, su influencia es natural, porque él representa todo un género. Si hago “thrillers”, no puedo escapar de su sombra». Chan-wook le puso como modelo a Matthew Goode para su inquietante tío Charlie a Anthony Perkins en “Psicosis”. Como ha hecho al adaptar novelas y mangas japoneses, reescribió el guion firmado curiosamente por Wentworth Miller, más conocido por su papel protagonista en “Prison Break”.
Park Chan-wook sigue sin hablar una palabra de inglés (rodó en Estados Unidos con un intérprete personal). Licenciado en Filosofía, excrítico de cine y capaz de ganar el Oso de Oro en Berlín con un corto rodado con un iPhone, el autor de “Soy un cyborg” se mostraba ayer cansado del largo viaje desde Seúl, aunque tenía planificado pasar unos días entre nosotros. Se interesó por las playas, los restaurantes con estrellas Michelín, las bodegas de La Rioja y hasta llevaba anotado un concierto de la Sinfónica de Bilbao.
Su experiencia americana la despachaba con cortesía no exenta de ironía. «Se hacen muchas bromas sobre Hollywood y se pinta a los ejecutivos como seres estúpidos. Yo lo que he conocido en Fox son gente inteligente que ama el cine». A la inevitable pregunta de cómo es trabajar con Nicole Kidman también responde diplomático. «Antes de dirigirla para mí existían dos clases de actores: los que hablan coreano y los que no. Ahora solo distingo entre buenos y malos. Había oído rumores de que Nicole era una estrella arrogante, difícil de tratar. Se sacrificó en el rodaje y jamás estuvo por encima de nadie».
- Su filme se llama “Stoker” pero no salen vampiros. ¿O sí?
- Metafóricamente es una película de vampiros. Por ejemplo, al tío Charlie no le vemos comer en toda la película. Deja el plato intacto, es como si no pudiera comer alimento humano. Y la piel de la chica manchada de sangre remite a la marca de los colmillos.
- La película habla de la maldad innata de algunos seres humanos, que anida en su interior.
- Sí. Esa semilla está puesta, pero no siempre florece. Hay que regarla, debe darle el sol… El personaje de India porta esa semilla, y si no apareciera el tío Charlie a lo mejor nunca estallaba.
- ¿Ha tenido que rebajar la violencia habitual en su cine al trabajar en Hollywood?
- No. Si en “Stoker” hay menos violencia que en mis películas anteriores ha sido por decisión mía. En concreto, en la escena del asesinato de la tía de India en la cabina de teléfono, mi intención inicial era mostrar solo cómo Charlie se quita el cinturón para estrangularla. Y el estudio quería que mostrara todo el estrangulamiento, más violencia. Fox Searchlight me contrató porque le gustaban mis películas anteriores, no querían diluir mis rasgos autorales.
- ¿Ha disfrutado entonces de la misma libertad que en Corea?
- No puedo afirmar que la misma. Al trabajar para un estudio tienes que estar todo el tiempo dando explicaciones, me preguntaban el porqué de todo. Esa es la diferencia con Corea, donde no tengo que estar justificándome todo el tiempo. Claro que la discusión siempre es constructiva, ¿no?
- Siempre se ha negado a rodar “remakes” de sus obras, pero en Estados Unidos se preparan tres: “Oldboy”, “Lady Vengeance” y “Simpathy for Mr. Vengeance”.
- Es obvio que tengo mucha curiosidad. Espero que sean diferentes a mis películas… Sobre todo “Oldboy”, que está a punto de estrenarse. Estoy deseando saber cómo la ha interpretado Spike Lee.
- ¿Cómo se vive en su país la amenaza bélica de sus vecinos del norte?
- Los coreanos no nos preocupamos mucho por las fanfarronadas de Corea del Norte. Si usted fuera coreano le pasaría lo mismo, la vida sigue igual. Las amenazas han sido continuas a lo largo de los años, nada ha cambiado. ¿Provocar una guerra? ¡Bah!
- En Occidente nos divierte mucho Kim Jong-un…
- A nosotros también, je, je. Es la tercera generación de la familia Kim. Y cada vez son más graciosos.
- Empezó como crítico de cine. ¿Era muy duro?
- Mi caso es especial. Hay críticos que después se convierten en directores, como Truffaut. Yo empecé como director, pero no me podía ganar el pan. Y lo completaba escribiendo críticas. No era muy cruel. No quería poner mal a los productores y distribuidores que después podrían llevar mis películas, ser mis futuros inversores. Si no me gustaba la película, no escribía sobre ella. Solo hablaba de lo que me gustaba.
- ¿Y el cine de Hollywood qué le parecía?
- Lo importante de una película no es que sea o no “mainstream”. Puse muy bien el “Batman” de Tim Burton y “Robocop” de Paul Verhoeven.
- A usted no le gusta recargar la simbología de sus filmes para evitar interpretaciones pretenciosas.
- Cuando ruedo me esfuerzo porque la película tenga una simbología, ofrezca metáforas. Pero no me gusta hablar de esos significados, explicarlos. Yo espero que cada espectador la interprete a su manera. Y aunque no haya entendido esa simbología, no tiene por qué pensar que no ha entendido la película.
“Siempre recomiendo dudar de los personajes”
Hollywood cada vez mira más a Asia y menos a Europa. “Iron Man 3″ ha amasado en un solo día 21 millones de dólares batiendo todos los récords. No es de extrañar que el cine americano lance las redes a los realizadores orientales más prestigiosos, como Wong Kar-wai, Jee-woon Kim y Park Chan-wook, que firmó en su día la película más taquillera del cine coreano, “Joint Security Area”. La venganza ha sido hasta la fecha el “leit motiv” de su obra, a la que dedicó la trilogía compuesta por “Sympathy for Mr. Vengeance”, “Oldboy” y “Lady Vengeance”. De las tres prepara el cine americano sus respectivos “remakes”.
«El público suele confiar en los personajes, identificarse con sus comportamientos y con lo que dicen. Yo siempre recomiendo dudar de los personajes», alecciona el cineasta coreano, que sigue fiel a su poderoso estilo visual. El autor de “Soy un cyborg” parece rodar con tiralíneas, atento a cada elemento de la puesta en escena. Su reflexión sobre la importancia del sonido en “Stoker” es toda una lección de cine. «Yo suelo decir que lo visual pertenece a la conciencia y lo sonoro al inconsciente. Los espectadores puede comentar “¡qué bonita fotografía!”. A mí me interesa más ese sonido de fondo de dos personas calladas en una habitación…».
Un cuento gótico de iniciación al sexo y la muerte
Solo los títulos de crédito de “Stoker” poseen más capacidad de sugerencia que el 99% del cine de terror que exporta Holly wood. La elegancia con la que rueda Park Chan-wook está a años luz del efectismo de la mayoría de realizadores del género, ajenos a la atmósfera que el coreano logra imprimir a este cuento gótico.
Los ecos de “Alicia en el país de las maravillas”, “La sombra de una duda” y hasta “Psicosis” reverberan en las imágenes de una historia de iniciación al sexo y la muerte. “Stoker” se rodó en los bosques de Nash ville, pero la ambientación apuesta por la atemporalidad: el escalofriante tío Charlie viste tan elegante como el Cary Grant de “Encadenados”…
La familia como transmisora de la enfermedad moral, la herencia del mal que anida en nuestro interior esperando que alguien la germine, y el salto a la edad adulta como ceremonia de sangre son algunos de los múltiples temas que trata un manierista ejercicio de suspense que saca provecho de sus intérpretes. Por cierto, todos extranjeros en Estados Unidos, como el realizador.
Nicole Kidman deambula por la cinta sin guardar demasiado luto con ese rostro como de cera que se le ha quedado tras demasiadas inyec ciones de bótox. Todo el peso interpretativo recae en Mia Wasikowska, la Alicia de Tim Burton, capaz de reflejar el paso de la incertidumbre y fragilidad de la adolescencia a la fortaleza de la perversidad.
(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 4 de mayo de 2013).
GORAN PASKALJEVIC DIRECTOR
El director serbio indaga en la memoria de su país en ‘Al nacer el día’, filme visto en la Seminci y en el Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián
Goran Paskaljevic es, junto a Ingmar Bergman, el único ganador de tres Espigas de Oro en la Seminci. Su filmografía indaga en la memoria de la extinta Yugoslavia y se interroga sobre la identidad de un pueblo que, según el director, «todavía está en guerra». Vista en el último Festival de Valladolid, “Al nacer el día” descubre la existencia de un campo de concentración en Belgrado, creado por la Gestapo en la II Guerra Mundial para exterminar a judíos y gitanos serbios. Un profesor de música que, desde el presente, descubre sus orígenes hebreos es nuestro guía en una cinta seleccionada por Serbia para los Oscar, que inauguró el undécimo Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián. El filme lo estrenará Wanda este año.
- Ha rodado “Al nacer el día” para que las autoridades serbias hagan un memorial en el campo de concentración.
- Sí. Se lo debemos a las víctimas. Y yo no soy judío. En Belgrado había 30.000 judíos antes de la guerra; después quedaron 2.000. Nunca entendí por qué no se hizo nada durante el régimen de Tito, pero, claro, no les interesaban las víctimas civiles, solo había monumentos de los partisanos y de Tito. El campo sigue en el corazón de Belgrado completamente abandonado. Ningún Gobierno ha querido hacer allí un centro de la memoria. Es el único escenario del Holocausto en Europa no señalado.
- Lamenta que los jóvenes de su país no quieren saber lo que pasó.
- El problema es que tenemos malos recuerdos. Durante la guerra, Belgrado se proclamó territorio croata porque Croacia se alió con los alemanes, pero fue la policía serbia colaboracionista la que envió a toda la gente al campo. Evidentemente, no quieren que se hable de eso. Antes de estrenarse la película ya me criticaban acusándome de falsear la Historia y de ser antiserbio. Tienen miedo, porque siempre hay una razón por la que queremos olvidar. Como yo olvidé a mi primera mujer, ja, ja.
- Establece un paralelismo con la situación actual de los gitanos.
- En toda Europa se les trata como a ciudadanos de tercera. En Serbia se suele decir: “Los gitanos me han robado algo”. Es como si solo robaran ellos. Yo rodé películas sobre los gitanos antes de Emir Kusturica. Exploré su problemática, por qué no han sido aceptados en la sociedad. Cuando nace un niño gitano, nace en la miseria, no habla bien serbio porque no es su lengua materna y va al colegio sucio. Piensan de él que es tonto. No se hace un esfuerzo por integrarlos en la sociedad. Les tratan como a los judíos en la Alemania nazi.
- Y con la crisis económica el conflicto se agudiza.
- La mayor parte de los gitanos en Serbia, como no necesitaban visado, se iban a Alemania y Austria a solicitar asilo. Ahora los alemanes han dicho que van a imponer visados porque hay demasiada gente solicitándolo. Es un círculo vicioso. Ellos no son culpables de nada.
- La memoria es una obsesión en su obra.
- Sin memoria no tendremos futuro. Los jóvenes no tienen tiempo para recordar el pasado, y en Serbia si olvidamos el pasado no tendremos un futuro real. Además, con la crisis llegan los nacionalismos. Cuando los Gobiernos no tienen nada que ofrecer a la gente, echan la culpa a otros. Es más fácil manipular a las masas con este populismo, decir que nosotros somos mejores que vosotros. Para mí, el nacionalismo es el final del pensamiento. Yo amo a mi país, pero no soy nacionalista en el sentido de que solo ame a mi país y a mi padre. Si eres nacionalista es muy fácil ir un poco más allá y caer en el nazismo. Con “Honeymoons” quise hacer la primera coproducción albano-serbia. Primero sufrimos la desconfianza, y al final, tras trabajar como una familia, nos separamos con lágrimas en los ojos.
- En “Al nacer el día” hay una defensa de la cultura y el arte, de la música como salvación.
- Sí. La película comienza con uno de los cánticos corales más hermosos de la liturgia ortodoxa y concluye con un poema sinfónico. La música es un lenguaje universal, no hace falta tener el mismo idioma ni la misma cultura. Yo todos mis momentos difíciles los supero escuchando a Mozart a oscuras. Ahora recortan la cultura en Serbia, y yo les recuerdo que la identidad de un pueblo se reconoce a través de ella. Dentro de veinte años nadie se acordará de Berlusconi, pero sí de Leonardo da Vinci. Los políticos piensan que el mundo terminará con ellos.
- Nosotros conocemos su país por sus películas o por la de Kusturica.
- Kusturica es más onírico, su mundo es menos real. Quizá por eso mi país me dice a menudo que soy un traidor, ja, ja. Yo no me meto en la política directamente, pero apoyo el movimiento democrático proeuropeo. Serbia está divida entre el tradicionalismo, que no quiere a Europa, y el resto. Pertenecemos a Europa culturalmente, aunque el periodo comunista nos alejó.
- ¿Por qué sostiene que Serbia está todavía en guerra?
- Corrijo: suele estar en guerra. Olvidamos una y entramos en otra. Con Kosovo no sabemos qué va a ocurrir. Es un peso que nos tira de los pies hacia abajo.
- ¿Usted vive en París, no?
- Ahora vivo más en Belgrado, pero tengo un piso en París porque mi mujer es francesa. Cuando ella se deprime y dice que quiere comer queso volvemos, ja, ja.
- Dice que echa de menos más emoción en el cine.
- No hablo de sentimentalismo, sino de emoción pura. No la veo en las películas actuales, es como si tuviéra mos verguenza de demostrar que tenemos sentimientos. Y no hay que temer llorar, ni en la vida ni en el ci ne. Cuando yo tenía 16 años y descu brí el Neorrealismo en la Cinemateca de Belgrado era feliz viendo las lágrimas de la gente al encenderse las luces. Por eso me dediqué al cine.
PERSONAL
- Nació en Belgrado en 1947. Estudió en la Escuela de Cine de Praga. El auge del sentimiento nacionalista en Yugoslavia le obligó a abandonar el país en 1992. Vive entre París y Belgrado.
- Ha ganado 3 Espigas de Oro en la Seminci, honor que comparte con Ingmar Bergman.
- Filmografía selecta: “La otra América”, “El polvorín”, “Sueño de una noche de invierno”, “Optimistas”, “Honeymoons”.
ÁLEX DE LA IGLESIA DIRECTOR
El realizador bilbaíno, homenajeado en el Festival de Málaga, ultima ‘Las brujas de Zugarramurdi’
Las habrá visto mil veces, pero cuando Álex de la Iglesia enseña las primeras escenas de “Las brujas de Zugarramurdi” en la sala de montaje se ríe como si las descubriera por primera vez. «Es una película muy complicada, los diez minutos del comienzo me han llevado tres meses de montaje», aclara. Su undécimo largometraje arranca con dos pobres diablos poniendo patas arriba la Puerta del Sol. Mario Casas, disfrazado de soldadito de “Toy Story”, y Hugo Silva, en taparrabos y pintado de plata, roban en una tienda de Compro Oro 25.000 anillos de boda, un cargamento de mal fario que les perseguirá hasta la cueva navarra de las brujas por excelencia: Zugarramurdi. (Crónica del rodaje aquí).
«Es una comedia frenética de un grupo de tipos que huyen no tanto de un atraco, sino de una situación emocional imposible. Ellos no lo saben, pero la causa de sus problemas son ellos mismos», describe el realizador bilbaíno, que ha recibido el Premio Retrospectiva en el Festival de Cine Español de Málaga. “Las brujas de Zugarramurdi” se estrenará en septiembre tras su probable paso por el Zinemaldia. «Eso sí, fuera de competición».
- Homenajes, retrospectivas, libros sobre su obra… ¿Se ha convertido en un director respetable?
- Nadie se lo cree. Yo lo interpreto como cariño, no me lo tomo en serio. Y me da una sensación muy peligrosa de que esto se acaba… Siento que acabo de empezar, que estoy probando cosas. El otro día me paré a contemplar mi habitación, infestada de tebeos y muñecos. Llevo una camiseta de la Marvel. No me he parado a pensar que tengo 47 años. Si la madurez es un órgano me lo han extirpado. Y creo que es absolutamente necesario que sea así para hacer cine. En este trabajo necesitas un nivel de ensimismamiento y una inmadurez consciente, aunque ya no cuele. Sé que tengo un problema.
- ¿La gente que admira también es así? Hace poco nos dejaba Jesús Franco, que hizo del cine su modo de vida.
- Jess Franco no decía a los actores que estaba rodando dos películas a la vez. “Poneros estos trajes de romanos y corred hacia allí…”. Es necesario jugar a eso, vampirizar ese tipo de ilusión en otros para estar rodeado de gente que tenga ese mismo espíritu. Cuando yo veo a mi alrededor a alguien que dice “vamos a pensar esto”, lo echo. No consiento la madurez a mi alrededor, porque me detiene. La inmadurez es la conclusión lógica de mi trabajo y de mi manera de ver la vida.
- ¿Y qué opinan sus hijas al respecto?
- Mientras tengan donde comer y puedan ir al colegio creo que lo hago bien como padre.
- Jess Franco, Bigas Luna, Mariví Bilbao, Sancho Gracia, Sara Montiel…
- Espero que no sea una cuestión de francotiradores… A partir de los 45 años, el sitio que más visitas es el tanatorio. Llevo sufriendo la pérdida de amigos y de compañeros de profesión, siento vértigo. Perdemos el nexo con una generación anterior de grandes directores y con esos actores de reparto que eran lo más sólido de la profesión.
- ¿Cree en las brujas?
- Por supuesto. Esas cosas se han hecho y se siguen haciendo. Una lástima que no esté más extendido.
- Cuando estudiaba Filosofía en Deusto, buceaba en la Biblioteca Loyola en los textos de Aita Barandiaran y Julio Caro Baroja.
- Todo eso aparece como un clima subyacente, pero no hay ninguna intención de hacer una película realista. Me gustan los testimonios de las brujas de Logroño, que raspaban la piel de los sapos para extraer el jugo y lo metían en tarros con beleño y amanita muscaria. Después se lo aplicaban en los sobacos y en las nalgas. Ese es el verdadero origen de la escoba.
- ¿A quién quemamos hoy en las hogueras?
- Espero que a nadie. Ahora más bien se da una especie de corrección política que nos asfixia. Si hay hogueras son mediáticas, porque la gente lo pide. Tenemos la televisión y las redes sociales que nos merecemos. Cuanta más información, más cuida do hay que tener con lo que se dice.
- ¿Y eso de la tele que nos merecemos?
- Sí. Podrían dar más películas, pero al parecer la audiencia no lo permite. “Splash” tiene más tirón que una de Peckimpah. Nos apetece ver a gente conocida haciendo el ridículo en traje de baño, con el pequeño morbo de ver si se rompen la columna. En las redes sociales también hay de todo: gente muy buena con ganas de hacer cosas y trolls, que llaman más la atención.
- Usted se ha relajado mucho en Twitter.
- Si ahora no tuiteo tanto como antes es solo por falta de tiempo. Yo me expongo tal y como soy en cada película, es como si saliera desnudo y contara mi vida. Sabéis quién soy, qué pienso, cuáles son mis limitaciones. Entonces, ¿a mí qué más me da decir algo en Twitter? Cuando lo descubres te enganchas y conoces a un montón de gente. Dentro de unos años, nadie vivirá sin Twitter. Ahora nos estamos adaptando, como cuando entró la televisión en casa. Un shock.
- ¿Ha palpado en los escenarios navarros algo sobrenatural?
- Sobrenatural ha sido lo bien que nos han acogido en Zugarramurdi, acostumbrado a rodar en Madrid, donde a las tres tomas la gente se te echa al cuello. “¿Qué estáis haciendo, subvencionados? ¡Todos fuera!”. Teníamos a señoras que cogían un autobús a las seis de la mañana en Pamplona, pasaban cuatro horas maquillándose y después corrían descosidas por un prado detrás de Mario Casas. Catorce tomas. Alguna pedía volver al día siguiente, aunque fuera sin cobrar.
- Vive junto a la Puerta del Sol. ¿Por qué le atrae tanto esa zona de Madrid?
- Es como mi estudio, lo más frenético y demencial culturalmente de Madrid. Visualmente es el espacio más poderoso: Sol, Gran Vía, Montera… Porque a mí me parece atractivo Boris Karloff, no Alan Ladd. No me veo rodando en Serrano…
- Las mujeres en su cine suelen sufrir. ¿Esta vez también?
- El tema central de la peli es la manera que tenemos de enfrentarnos a las mujeres. Reflejo la torpeza absoluta del hombre para mantener una relación normal con una mujer. Ellas tienen el poder. Hay momentos claramente feministas, en los que yo estoy a favor de las brujas.
- ¿Y qué tal con Carmen Maura?
- Es una bruja, je, je. Como Terele Pávez y Carolina Bang. Para que las mujeres sean encantadoras ya tenemos a Sandra Bullock. Prefiero contar qué pasa si ellas van a por ti.
- ¿Cada vez es más complicado estrenar una película y llegar al público?
- No quiero ser apocalíptico, pero el cine en sí mismo está siendo amenazado por un montón de condicionantes que lo empujan a la desaparición. En Italia la industria prácticamente ha desaparecido: Cinecittà, donde se rodaban cientos de películas, la proyección del cine italiano en el mundo… Aquí llevamos el mismo camino. En un momento determinado hubo una serie de poderes concretos -léase la televisión- que consideraron que si algún tipo de audiovisual debía hacerse era para la pequeña pantalla. Lo mismo pasó en Italia. La gente no se ha dado cuenta de que hay unas razones políticas y sociales que lo han provocado.
- En España las televisiones son las principales productoras de cine. Por obligación legal, eso sí.
- Convencer a las televisiones fue una labor que tímidamente hicimos cuando estuve al frente de la Academia, hacerles ver que son grandes productores de cine, no gente que invierte. Telecinco ha estado en los Oscar gracias a una película, no por una serie de televisión o por un programa de tertulia de la tarde. Gracias a su inversión este país ha tenido sus mayores éxitos, son los mejores productores. Sin las televisiones no se puede hacer cine en España. Sería muy bueno que lo entendieran así, no verlas como un enemigo, sino como un aliado.
- No sé qué opinaría Paolo Vasile al respecto…
- Estoy convencido de que estaría de acuerdo. Paolo es un gran amante del cine, además le viene de familia.
- Pero Vasile siempre dice que si no le obligara la ley, no invertiría en cine.
- Pero sigue produciendo. Porque le gusta. Estoy convencido de que Telecinco está muy orgullosa de sus películas, de que Paolo se enorgullece más de “Lo imposible” que de los programas de la tarde. Es una persona muy inteligente y muy culta.
- ¿Qué opina del “crowdfunding”, financiar un filme a través de pequeñas aportaciones colectivas en Internet?
- La respuesta requiere un nivel de sinceridad que no tengo, no puedo responder porque voy a tener problemas. Es un problema de poderes, hay gente a la que no le interesa que la industria cambie porque pierden su liderazgo. Imagínate que consigues levantar una película complejísima en dos años con el micromecenazgo, sería la demostración de que el sistema funciona. Woody Allen podría financiarse una película en un día si hiciera “crowdfunding”, en vez de convencer a Ayuntamientos por todo el mundo para conseguir dinero (dentro de poco rodará, no sé, “Barakaldo mon amour”). Pero hay mucha gente que no quiere que eso ocurra, porque desaparecerían los intermediarios.
- O sea, que no lo descarta en un futuro.
- Lo descarto, porque tengo mucho miedo a las represalias.
- ¿Cómo contempla esta España que se despierta cada día con malas noticias?
- Saldremos de esto convirtiendo los problemas en virtud. Esta película ha sido dificilísima de levantar, pero yo soy un privilegiado, no tengo nada de qué quejarme, hay otros sectores de la sociedad infinitamente más afectados. Vamos a intentar hacer que las cosas jueguen a nuestro favor. Siempre pienso en el Neorrealismo, en la comedia de los 50. Otra cosa es que a mí no me guste en mis películas tratar un problema en concreto. Si se muere alguien de tu familia, procuras hablar de otra cosa para que, de alguna manera, se le olvide con cariño.
Zombis y cortes de pelo borrokas
«Gloria Swanson pero en borroka». Así define Álex de la Iglesia el personaje de Carmen Maura en “Las brujas de Zugarramurdi”, la reina del aquelarre. La acompañan otras dos generaciones de hechiceras en la familia: Terele Pávez y Carolina Bang, con un corte de pelo que tampoco desentonaría en un gaztetxe. El rodaje en la impresionante cueva de Zugarramurdi, con cientos de figurantes “zombificados”, ya alertaba sobre el despiporre de una comedia que lo tiene todo para ser el taquillazo del cine español en el último trimestre. Empezando por sus patéticos héroes, Hugo Silva y Mario Casas, este último dejando atrás la etiqueta de galán de una vez por todas.
(Entrevista publicada en EL CORREO y el resto de diarios de Vocento el 20 de abril de 2013)
CARLOS BARDEM ACTOR Y ESCRITOR
El “otro” hijo de Pilar Bardem estalla como actor en “Alacrán enamorado”, una historia de boxeo y neonazis basada en su propia novela
- ¿Qué tal está su madre?
- Bien. Le dieron el alta y ya está fuera del hospital. Nos ha pegado un susto pero se recupera bien, es un roble esa mujer. La “mamma” mediterránea.
El clan Bardem anda inquieto estos días. Al ingreso hospitalario de Pilar Bardem por una insuficiencia respiratoria se unió el polémico cierre del restaurante familiar en Chueca, La Bardemcilla, cuyo ERE inicial fue retirado cuando la noticia trascendió. «Me remito al comunicado que sacamos. No tengo nada más que decir, es un tema cerrado», zanja Carlos Bardem. El hermano mayor de Javier tiene otros motivos para estar contento. Este viernes estrena “Alacrán enamorado”, una estupenda película que adapta su propia novela y en la que tiene su mejor papel de actor después de 40 largometrajes.
Y es que este licenciado en Historia y Relaciones Internacionales tardó en encontrar su vocación. Le echaron del colegio por robar motos -«no fui yo, sino un amigo»-, descargó naranjas, lavó platos en Londres, fue portero de discoteca, regentó un chiringuito en Brasil durante cuatro años y renunció a un puesto fijo como azafato en Iberia cuando Álex de la Iglesia le llamó para “Perdita Durango”. También le ha dado tiempo a ser un escritor de fuste con cinco libros publicados, incluidas una mención especial en el Nadal y el Premio Destino.
“Alacrán enamorado” convierte a Carlos Bardem en un entrenador de boxeo alcoholizado que vive de glorias pasadas. En un gimnasio de barrio que huele a linimento y verdad coincide con un joven neonazi (Álex González) adoctrinado por un inquietante Javier Bardem.
- ¿Cuándo se produce su acercamiento al mundo del boxeo?
- Siempre me han gustado los deportes suavecitos. Jugué veintitantos años al rugby y después me pasé al boxeo. He entrenado regularmente unos 18 años. Empecé tarde y quizá eso me libró de debutar. Es una práctica deportiva muy exigente. Y me atrajo el mundo emocional y sensorial que lo rodea. El boxeo es el deporte que ha generado más arte, cine y literatura. Tiene una carga metafórica increíble. Es un trozo de vida acotado en el ring y en un asalto que dura tres minutos. Cuando has guanteado medio en serio en un gimnasio de barrio tardas quince segundos en conocerte a ti mismo, tu capacidad de lucha y sufrimiento. En saber hasta dónde estás dispuesto a llegar para conseguir algo.
- ¿Ha tratado a boxeadores?
- Me honro de conocer a algunos de los mejores de este país. Muchos participan en “Alacrán enamorado”. No queríamos trucos ni especialistas, es una película hecha desde el corazón. El protagonista, Álex González, estuvo año y medio boxeando a tal nivel que los del gimnasio querían hacerle debutar como amateur. Salen campeones como Rubén Varón, Pablo Navascúes y Hovik Keuchkerian, tres veces campeón de los pesados y monologuista. En los combates las manos entraban, al pobre Álex le sentaron de culo varias veces.
- ¿Qué tipo de gente son los boxeadores?
- Las generalizaciones siempre son injustas. Pero un boxeador profesional es un ser de una madera muy especial. “Alacrán enamorado” se sirve del boxeo para hablar de la superación del odio y la violencia. Yo he pasado muchas horas en gimnasios, con chicos que vienen de un entorno muy duro, con un caos interior, y que mejoran al tener que aceptar una disciplina tan exigente. Aprenden a canalizar la violencia y a respetar al otro. No he visto en muchos sitios tantas ideologías y etnias conviviendo.
- ¿Alguna vez ha boxeado fuera del ring?
- No. Eso sería reconocer que me pego por la calle.
- El director del filme, Santiago Zannou, es negro y creció en la periferia de Madrid.
- Santiago aporta su visión personal del racismo, porque lo sufre en sus carnes. En este país se siguen haciendo identificaciones arbitrarias en la calle por el color de la piel. A Santi le miran con recelo en muchos sitios y le para la Policía. La película alerta sobre esos pequeños fascismos cotidianos, sobre el huevo de la serpiente, que está eclosionando otra vez: cuando te atiende una telefonista que no entiendes y piensas por qué no será española, esas conversaciones sobre el “morito” y el “panchito” en la barra del bar…
- ¿Ahora, en tiempos de crisis, es más fácil que eclosione ese huevo de la serpiente?
- Sí. Vivimos momentos de desesperación. Parte de la ciudadanía está desmoralizada y ha perdido la confianza en la política tradicional. Y es fácil que aparezca el monstruo del nazismo, siempre latente. Son ideologías que funcionan con un discurso primario que apela al instinto de la gente desesperada y fomenta la irresponsabilidad: la culpa de que no haya trabajo es del inmigrante. Culpabilizar al otro porque nosotros somos mejores al haber nacido aquí.
- ¿Ve señales de esa aparición de un político que canalice el descontento y dé un susto en las urnas?
- Es evidente. La novela la escribí en 2002, tiempos de bonanza en los que estos discursos calan menos. Ahora se dan todas la condiciones para que surja un líder populista al calor de ese pensamiento terrible de que todos los políticos son iguales. Debemos recuperar la política, porque si no lo hacemos, otros lo harán por nosotros. Una de las cosas buenas de esta estafa que nos venden como crisis es que despertamos del “Matrix”. Empezamos a darnos cuenta de una democracia formal pero vacía de contenido.
- ¿Es usted un antisistema?
- La decencia y la moralidad exigen ser antisistema, no veo nada peyorativo en ese término. Lo terrible es estar a favor de este sistema injusto, que a diario evidencia basarse en el fomento de las desigualdades y la destrucción de derechos que costó mucho conseguir. El bipartidismo fomenta el enriquecimiento de unos pocos a costa del bienestar de la mayoría. Y eso hay que sustituirlo por un sistema que permita el control de los gobernantes y acabe con la impunidad. Tenemos un Gobierno elegido por 11 millones de votos, con un programa político incumplido en su totalidad. Y ni siquiera podemos hacerle preguntas al presidente… Cualquiera con dos dedos de frente debe ser antisistema.
- ¿Cómo se lo pasó su hermano Javier encarnando a un fascista?
- Muy bien, es un personaje muy bien construido, no queríamos hacer un cliché, sino alguien neutro que cuando arranca a hablar puedes estar de acuerdo con él. Entre los actores siempre se dice que quienes mejor interpretan a los fachas son los rojos, quizá porque les tenemos pillados todos los tics. Como actor, Javier ya está por encima del bien y del mal.
- Usted ha actuado en 40 películas, pero este es el papel de su vida.
- Sí. Es el más emocionante y complejo, un personaje que salió de mi cabeza y mi corazón. Una catarsis. Y la sombra de mi hermano no me pesa nada, nos consideramos el mejor amigo el uno del otro, vivimos como propias las alegrías.
- ¿La bilis de las redes sociales hacia los Bardem la palpa en la vida cotidiana?
- No. La mayoría de los que insultan en las redes sociales lo hacen bajo seudónimo. Me llaman cosas en Twitter que no se pueden transcribir en esta entrevista. Según ellos, soy millonario, vivo en Miami y pago a mis seguidores por meterse con el Gobierno. Es imposible devolver el cariño que recibimos, y muy fácil sobrevolar el odio de estos personajes. Jamás he tenido ningún problema por las calles de Madrid.
Neonazis con guantes
Qué bien ha capturado Hollywood la gloria y las miserias del boxeo -de “Fat City” a “Toro salvaje”- y qué poco ha frecuentado el cine español el deporte de las cuatro cuerdas. “Alacrán enamorado” contiene, por primera vez, peleas creíbles y ambientes veraces. No es exactamente una cinta de boxeo, sino una fábula que alerta sobre el peligro neonazi donde Romeo (Álex González) es un skin y Julieta la limpiadora negra del gimnasio de barrio donde trata de escapar del odio (Judith Diakhate). Como mentor a regañadientes aparece un boxeador que rozó la gloria y que ahora vive de los recuerdos entrenando a chavales entre brumas de alcohol. Carlos Bardem logra que hasta olvidemos a su hermano Javier, el ideólogo “civilizado” que adiestra a sus violentas huestes.
Detrás de las poderosas imágenes de “Alacrán enamorado” está Santiago Zannou, que después de ganar el Goya como director novel con “El truco del manco” indagó en sus orígenes familiares en África en el documental “La puerta de no retorno”. Su regreso a la ficción no puede ser más celebrado. Zannou saca chispas de un reparto que exuda testosterona -atención a Hovik Keuchkerian, un actor soberbio que, además, fue campeón de los pesos pesados- y hasta consigue que Miguel Ángel Silvestre se luzca en la piel de un neonazi enfermo de ignorancia y odio. Sería una pena que no triunfara en taquilla.
PERSONAL
- Carlos Bardem nació en Madrid en 1963. Hijo de Pilar Bardem y hermano de Javier y Mónica, ha trabajado como actor en 40 películas y escrito cinco libros, entre ellos “Muertos ejemplares” (Mención Especial en el Nadal) y “Buziana y el peso del alma” (Premio Destino-Guion).
-Estuvo nominado al Goya por “Celda 211″. Le hemos visto entre otras en “Perdita Durango”, “Torrente”, “Alatriste”, “Los fantasmas de Goya” y “Che: Guerrilla”.
(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 8 de abril de 2013)
Oskar Santos lleva a la gran pantalla a los hermanos del tebeo en una ambiciosa producción de aventuras y misterio
Mucho Harry Potter y resulta que en nuestra memoria sentimental todavía bullen héroes mucho más próximos. Como Zipi y Zape, los hermanos más traviesos de la historieta española, que José Escobar parió en 1948 en las páginas de “Pulgarcito”. A mediados de los 70, su revista propia, “Super Zipi y Zape“, tiraba semanalmente 120.000 ejemplares, así que no es de extrañar que muchos cuarentones conserven intacto el cariño por los hijos de don Pantuflo Zapatilla y doña Jaimita.
La otra pareja icono del tebeo, Mortadelo y Filemón, puede presumir de contar con adaptaciones cine ma tográficas de fuste. Zipi y Zape saltaron a la pequeña pantalla en una serie de animación de 26 capítulos y cobraron vida con personajes de carne y hueso en un olvidable largometraje de 1982, donde solo se salvaba la presencia de Mary Santpere. Su director, Enrique Guevara, había dirigido perlas del jaez de “Orgasmo caliente” y “En busca del polvo perdido”.
Tocaba una producción ambiciosa que capturara la rebeldía y el humor de las viñetas originales. El encargado de dirigirla ha sido el santurtziarra Oskar Santos, que ya ha demostrado su talento dramático y poderío visual en “El mal ajeno”, aquel estupendo “thriller” con Belén Rueda y Eduardo Noriega, y en series como “Hispania” y “Crematorio”. Detrás de “Zipi y Zape y el Club de la Canica” están los productores de taquillazos como “Los otros” y “3 metros sobre el cielo”. Disney y todo el poderío promocional de Antena 3 la pondrán en los cines el próximo 4 de octubre.
«Zipi y Zape forman parte de mi memoria sentimental, pero yo era más de Mortadelo y Filemón», reconoce Santos, que ha «tirado del recuerdo» a la hora de poner al día un clásico de la historieta. Los hermanos siguen llevando el chaleco rojo de colegial, pero más que niños son casi adolescentes. Aquí no hay costumbrismo de la escuela Bruguera. «Cuando me propusieron rodar una adaptación de Zipi y Zape pregunté cuánto de fiel tenía que ser al tebeo. Yo me he quedado con la esencia, con el espíritu, que es lo que mejor aguanta. Todos hemos sido niños, sabemos lo maravilloso que puede ser un verano. Por eso hemos hecho una película de aventuras, que habla de valores universales como la rebeldía y la pertenencia al grupo. ¿Referencias? “Los Goonies”, “ET”, los libros de “Los Tres Investigadores” y “Los Cinco”…».
Las películas de Pixar también han estado en su punto de mira, con el objetivo de lograr un entretenimiento para todos los públicos. «Las aventuras son más trepidantes, no podíamos ser tan esquemáticos como los tebeos», apunta el director. Un casting de 5.000 niños en toda España sirvió para encontrar a la pareja protagonista, Raúl Rivas y Daniel Cerezo. Javier Gutiérrez, el popular Sátur de “Águila roja”, es el villano de la historia, el profesor del reformatorio donde son castigados Zipi y Zape en verano bajo la prohibición absoluta de jugar. Oskar Santos ultima estos días la compleja postproducción de una cinta rodada en Hungría y Euskadi, con abundantes efectos digitales y música de Fernando Velázquez, el compositor de “Lo imposible”.
«Sacar adelante una película en estos tiempos es casi una labor imposible. Me siento un privilegiado porque he podido ser muy ambicioso en la puesta en escena, aunque lo principal sea la historia», remarca el cineasta vasco. Santos parece seguir el camino de su amigo y compañero de clase de Ciencias de la Imagen en la Complutense, Alejandro Amenábar, que apadrinó su ópera prima. A diferencia del autor de “Ágora”, él sí terminó la carrera.
Ediciones B reeditará en los próximos meses las trastadas de Zipi y Zape y lanzará un álbum que adapta el guion dibujado como lo hubiera hecho Escobar, que murió en 1994. El tráiler, que muestra un castillo de aires góticos y amenazantes, no puede evitar que se piense en la saga infantil más popular de los últimos tiempos: Harry Potter. «Solo he visto la primera», admite Oskar Santos. «Ellos tienen 50 veces más presupuesto y se basan en la magia. La nuestra recuerda más a “Los Goonies”».
MIKE NEWELL DIRECTOR
El director de ‘Harry Potter’ y ‘Cuatro bodas y un funeral’ adapta en ‘Grandes esperanzas’ el clásico de Charles Dickens
El año pasado se conmemoró el 200 aniversario del nacimiento de Charles Dickens. No podía faltar una nueva adaptación de “Grandes esperanzas”, desde este miércoles en los cines. Mike Newell filma con respeto hacia el clásico las peripecias de Pip (Jeremy Irvine) y el siniestro Magwitch (Ralph Fiennes) y muestra el Londres de principios del XIX como un lodazal donde la lucha de clases dejaba un reguero de víctimas. A sus 70 años, el autor de “Cuatro bodas y un funeral”, “Harry Potter y el cáliz de fuego” y la maravillosa “Donnie Brasco” demostró en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla su energía y buen humor.
- ¿En dónde reside la vigencia de las obras de Dickens?
- Dickens es un autor contemporáneo. Él creía que el mundo en el que vivía era injusto y cruel. Sus historias siempre presentan a un individuo que trata de luchar contra esa opresión. Hay mucho optimismo en sus novelas, no es deprimente como Dostoievski ni tiene miedo a la sociedad de su tiempo. En el fondo, Dickens sabe que lo que sienten las personas es más poderoso que todas las presiones en su contra. Además, era muy bueno en lo que hacía, el mejor. ¿Sabe que siempre escribía de pie? Trabajó durante 58 años hasta que murió exhausto. Nadie brilló como él desde los 20 años. Fue un titán. Estaba tan en contra de las cosas que no dejaba al nadie al margen, todos tenían voz en sus novelas, y por eso los ingleses sabemos que habla para todos nosotros. Dickens en cambio odiaba América porque allí no le pagaban los derechos de autor.
- Charles Dickens se rebeló contra la sociedad de su tiempo, pero no ha pasado a la posteridad como un contestatario.
- Cierto. Le invitaron en tres ocasiones a conocer a la reina y las tres dijo que no. Era muy cristiano, pero más crítico que rebelde. Hay grandes narradores que son también políticos, como George Orwell. Dickens no era nada político, porque lo que le preocupaban eran las diferencias entre las personas. Veía la maquinaria que regía el Imperio británico fuera de control. El niño al que enviaban al reformatorio no tenía ninguna posibilidad de defenderse, no había justicia para él. Eso era lo que le sublevaba a Dickens.
- “Grandes esperanzas” demuestra que el ascenso social no trae necesariamente la felicidad. Si hubiéramos aprendido esa lección quizá no estaríamos en esta crisis.
- Por supuesto. El protagonista pisa a la gente a la que debería cuidar para medrar, con la excusa de que quiere conquistar a la chica. Y enseguida se adapta a la vida de caballero londinense. Cuando paseas en la actualidad por Londres te encuentras con manifestaciones de todo tipo: contra los recortes del Gobierno, los bancos… Cuando llegan a la City, al centro financiero, los ejecutivos se asoman a las ventanas y agitan billetes de cincuenta libras. Yo lo he visto. A los de arriba les importa un bledo qué les ocurre a los de abajo. Mienten y defraudan porque todo vale para llegar a la meta. No hemos avanzado nada desde los tiempos de Dickens. Vivimos una nueva era victoriana. No sé muy bien qué sucede en su país pero me lo puedo imaginar. En el mío vamos a toda pastilla, pero hacia atrás. En aquella sociedad victoriana también se pasaban el tiempo esperando la revolución, viendo hasta qué punto iban a aguantar. Hay tanto descontento que se da la misma mezcla volátil que en los libros de Dickens.
- Londres sigue atrayendo a la gente.
- Sí. ¿Conoce ese cuadro de Goya? “Saturno devorando a sus hijos”. Eso es Londres. Generaciones y generaciones piensan que pueden destruir Londres, y la ciudad les destruye a ellos. Siempre ha sido así. Londres es demasiado grande y cruel.
- ¿Cómo se contempla a sí mismo en la industria del cine: un autor, un artesano?
- Lo que hace a un director es tener promesa y propósito. Nadie puede acertar siempre, hasta Michael Haneke se equivoca alguna vez. Hay cineastas que esperan a que todos los elementos sean los deseados: el guion, los actores… Después estamos los demás, que queremos contar historias desesperadamente. De niño, mi padre me escribía cuentos. Trabajaba en la construcción pero tenía ese hobby. Y estaba loco por el teatro, al igual que mi madre. Estaba claro que yo me iba a dedicar a esto, pero no lo supe hasta los veintitantos años. Me siento incompleto si no tengo una historia que contar.
- Fue el primer director británico en firmar una película de la saga Harry Potter, que se ha convertido en un icono del país.
- Fui feliz en el rodaje pese a la dureza de una superproducción así. Me gustaba mucho el libro, aunque Warner quería sacar dos películas de él porque así doblarían las ganancias. Yo me negué. El actor protagonista, Daniel Radcliffe, me preguntó cómo iba a ser la película. Y lo le contesté que como “Con la muerte en los talones”, donde Cary Grant no tiene ni idea de qué le va a ocurrir en cada momento. Harry tampoco sabe por qué le persigue Voldemort para hacerse con tres gotas de su sangre.
- Mi película suya favorita es “Donnie Brasco”.
- Y la mía. Me encantó trabajar con Al Pacino y sobre todo con los auténticos gángsters que encontré en Queens, se portaron maravillosamente. No había referencias a “El padrino” ni a los mafiosos de Scorsese. Uno de los gángsters me reconoció que en la realidad todos intentaban actuar como Michael Corleone -fríos, racionales-, cuando en realidad eran como su hermano Sonny.
- El cine ha hecho mucho daño a la mafia…
- Sí. Al había sido Michael Corleone, y ahora tenía que ser un don nadie que no sabe nada de los de arriba. Fue alucinante ver cómo construyó su personaje, cómo elegía la ropa. Le dimos a elegir cientos de gafas de sol, y enseguida supo cuáles le daban ese lado grotesco y cómico a personaje.
- Usted ha dirigido episodios de “Las aventuras del joven Indiana Jones”. ¿Qué le parece que Disney haya comprado Lucasfilms?
- Espero que George haya recibido un buen cheque… En serio, creo que le podían haber pagado más de los 3.100 millones de euros que cobró. George es muy buen tipo, le tengo mucho cariño. El único motivo por el que se hizo la serie del joven Indiana Jones fue para que sirviera como campo de pruebas de los gráficos por ordenador. Cuando me llamó para rodarla yo estaba en números rojos. Me ofrecieron 23.000 euros y no pregunté nada. Rodaba y el material quedaba en manos de George, que lo montaba en su casa. Ahora que tiene casi setenta años quizá le apetezca descansar, aunque le vi hace poco y conserva toda su energía.
(Entrevista publicada en EL CORREO el 25 de marzo de 2013).
Elías León Siminiani (Santander, 1971) viaja con su película y mantiene coloquios con los espectadores. Lleva dos meses así. Doce ciudades. «Es una forma diferente de distribuir películas», admite. «Estoy de gira como si fuese un grupo de rock». “Mapa”, su primer largo, tampo co ha tenido una génesis al uso. Ha tardado cinco años en rodarla saltando de España a India y con un único protagonista, el propio Siminiani, que se interpreta a sí mismo. O no. Porque como matiza su autor, «todo lo que cuento es real, aunque yo acabe siendo un personaje».
“Mapa” arranca con una ruptura sentimental y la posterior huida. A Siminiani le deja su chica y decide viajar a India para purificarse en soledad. Armado con una pequeña cámara, el director graba lo que ve, abrumado por el frenesí de un país cuya pobreza se ve incapaz de denunciar. A su vuelta sigue sin encontrar la paz. Se topa con el 15-M, sufre un accidente de coche, mantiene la certidumbre de seguir enamorado… «¿Quién soy yo para hacer cine social?», se interroga en el filme cuando le entran ganas de unirse a los indignados. A la manera de la voz en off de Woody Allen, Siminiani cuenta sus sentimientos mientras busca con su objetivo a una chica que reemplaze a la anterior. “Mapa” es muchas cosas: un diario sentimental y melancólico, una comedia romántica divertida y frenética, un juguetón ejercicio de metalenguaje cinematográfico y un deslumbrante intento de romper con las fronteras entre el documental y la ficción.
«Digamos que es documental pero tiende al cine de ficción. Capturo momentos de vida pura pero también tengo a Hitchcock en mente», consiente Siminiani, que se ganaba las habichuelas dirigiendo series de televisión. Distribuida de manera independiente, “Mapa” ha aguantado seis semanas en una sala de Madrid y se ha movido con agilidad por las redes sociales. Se acaba de estrenar en los Multis bilbaínos y también se puede ver en la web Filmin. Un ejemplo de que para hacer cine no hace falta más que tener algo que contar. Y Siminiani no está solo. Le acompañan francotiradores como Isaki Lacuesta, Andrés Duque, Oliver Laxe… «Algo está pasando. Se está desmantelando una forma de producir y distribuir establecida desde la Transición. Sea como sea vamos a hacer películas. Y mientras no haya dinero, seguiremos siendo amigos».
Darío Adanti, Fernando Rapa y Eduardo Galán Colectivo Mongolia
La revista de humor político que triunfa en los kioscos lanza un “Libro Rojo” con la misma mala leche inteligente
«No somos ni de izquierdas ni de derechas. Repetimos: no somos de derechas». Es uno de los mandamientos de la revista “Mongolia“, que ha obrado el doble milagro de traer el humor político a los kioscos con una revista de papel en estos tiempos de servidumbre a Internet. Seis personas, doce números, 40.000 ejemplares y una periodicidad mensual que ya se les queda corta, como demuestra el lanzamiento de “El Libro Rojo de Mongolia” (Ed. Reservoir Books), «una enciclopedia que contiene todo el saber de Occidente y parte de Oriente, ideal para leer en el baño». Darío Adanti, Fernando Rapa y Eduardo Galán se acercaron ayer a Bilbao a hablar de su libro. Y exigieron que citásemos a Eduardo Bravo, Pere Rusiñol y Gonzalo Boye, el abogado-editor que decide qué textos les pueden llevar a la cárcel.
- ¿Han hecho una enciclopedia?
- Un artefacto diferente a la revista y no tan pegado a la actualidad. Nos preguntamos si “el tejerazo” fue una performance y cosas así.
- Les han presentado el libro en diferentes ciudades Andreu Buenafuente, Eva Hache, David Trueba, Ismael Serrano y, anoche en Bilbao, Álex de la Iglesia. ¿Cuánto les han pagado?
- Les pagamos con nuestro cuerpo. Son gente estupenda porque ni siquiera son amigos, solo nos conocíamos de Twitter. Tienen esa estupenda generosidad de leer la revista y creer en ella. Después, cuando nos conocen, se defraudan un poco.
- Ustedes proceden de medios escritos tradicionales: periódicos, revistas, cómic, diseño gráfico… Lejos de volcarse en Internet se han mantenido fieles al papel.
- Es injusto lo que está pasando con el papel. Cuando surge una tecnología parece que la anterior está condenada a desaparecer. Y, lejos de morir, lo que debe hacer es buscar aquello que le es absolutamente propio. Empezaron a vendernos que el papel se moría por unos intereses. Y no es así. Nosotros demostramos que seis personas pueden vivir dignamente de una revista.
- Nostálgicos.
- No. Todavía no se sabe rentabilizar Internet. Nosotros amamos el papel y con “Mongolia” homenajeamos a las revistas de antes: “El Papus”, “Hermano Lobo”, “La Codorniz”… El papel te permite ser un artefacto, disfrazarte de antidiario y colarte en el kiosco como un caballo de Troya. Y puedes poner en portada “Rajoy ha muerto” con una gravedad que no te la da una pantalla. Tiene el aire de “happening” político. De pronto, como ha ocurrido, a un señor de un pueblo de Galicia se le ocurre recortar esa cabecera y colgarla en un tablón de esquelas ante el desconcierto de sus vecinos. No toda la gente tiene iPad.
- Los estados de opinión en Internet son más volátiles. Un cineasta puede tener cientos de miles de seguidores en Twitter y después ninguno va a ver su película.
- Hay una burbuja, y eso que nosotros somos muy tuiteros. Los supuestos gurús que se creen la panacea se nota que no están ahí. Es muy fácil seguir a alguien cuando es gratis, pero comprar un libro o ir al cine es otra cosa. La vida real es la revista en el kiosco y el libro en la librería. Hubo un momento en que las empresas de comunicación se fascinaron por las posibilidades de negocio de Internet y crearon un discurso asentado en “el papel ha muerto”. Claro que también nos decían que la Familia Real era ejemplar… Los cambios sociales no se producen de una forma tan radical. Todavía no hay ningún medio que pueda vivir de la publicidad en Internet. Salvo Google, claro, con el que tenemos que pelearnos por cuatro euros. Preferimos una plana en la revista, con la que pagamos la imprenta y ayuda a que ganen los colaboradores y el kiosquero.
- Gente que tuitea contra el ERE en la FNAC… pero que hace años que no compra discos ni películas.
- Sí. En Twitter hay mucha presencia de una izquierda que protesta contra el cierre de empresas pero defiende la cultura gratis, que todo te lo bajes por Internet. Y nos pregunta por qué no regalamos todos los contenidos en la Red. Pues porque esto es una industria. La gente no ha dejado de consumir cultura, solo que el dinero ha cambiado de manos y de la industria cultural ha pasado a las empresas digitales. Cultura gratis ha existido siempre: se llama biblioteca.
- “El Rey podría violarte”, “Gallardón abortó”… ¿Con estas portadas buscan el cierre de la revista?
- Tenemos un abogado socio que es el editor y nos dice con qué artículos podemos acabar presos. Las cosas sobre el Rey las lee dos veces. Esta entrevista a Dios (señalan el último número) la publicamos con sus anotaciones para no cometer un delito de ofensa a los sentimientos religiosos. Al lector que acredite ser mayor de edad le mandamos el texto sin tachar. Sería muy triste que nos acabaran enjuiciando por un chiste cuando nadie va a la cárcel en esta realidad atroz.
- ¿No creen que los humoristas españoles, en especial los monologuistas, han practicado un humor blanco, costumbrista, nada político? ¿Dónde están los Bill Hicks o Jon Stewart españoles?
- Sí. Creíamos que algo así era necesario. Los Chanantes están muy bien, pero hacen otro tipo de humor. Había espacio para el humor político, lo que pasa es que la sociedad no lo pedía porque en el aznarismo y el zapaterismo todo era estupendo. Era tan estupendo que íbamos a Irak y todos los ejércitos del mundo cometían tropelías inhumanas menos nosotros. Claro que ahora sacan las tomas falsas y vemos a soldados españoles hostiando iraquíes. Cuando nos concedían la hipoteca sacar una revista política era de aguafiestas.
- Una parte de “Mongolia” son reportajes de investigación en serio.
- Sí. No aceptamos publicidad de bancos ni de prostitución porque en ambos hay mafias. Somos un medio independiente que no rinde pleitesía a los anunciantes. Nuestros lectores son de treinta y tantos para arriba.
- Vaya filón que tienen con la Casa Real últimamente.
- Hoy sale en “Vanity Fair” que el Rey para contactar con Corinna llamaba a una armería en Londres y se hacía llamar Mr. Schumer. Y todos en la armería sabían que era el Rey de España. Lo bueno es que cada vez estamos más cerca de la República. Nosotros le recomendamos que vaya a escalar, que coja frío y así le deje el camino libre a Felipe. Si no, lo va a tener muy jodido.
- ¿Y el nuevo Papa?
- Una movida de marketing muy bien montada. Quedaba muy mal en plena crisis un Papa alemán, con ese país apretando las tuercas al resto de Europa. Así que eligen a uno del Tercer Mundo, un sudaca, pero que no se le note mucho, que parezca italiano. Y humilde, porque si no se les van follo wers. Es fácil que caiga bien porque el anterior Papa era un vinagre. Pero no conocéis las declaraciones de Bergoglio en Argentina los últimos años, diciendo que la homosexualidad es terrible y que las mujeres no deben meterse en política porque Dios no las hizo para eso. Y jamás levantó la voz en la dictadura.
(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 22 de marzo de 2013)
